Dzieła wizualne

Obraz

Malarstwo monumentalne, prezentowane w formie mozaik i fresków, jest również bardzo starożytną formą sztuki.

Malarstwo sztalugowe obejmuje obrazy różnych gatunków, które są malowane na płótnie, papierze farbą olejną.

Gatunki malarskie obejmują:

• Portret
• Gatunek historyczny
• Gatunek mitologiczny
• Gatunek bitewny
• Gatunek domowy
• Sceneria
• przystań
• Martwa natura
• Gatunek animalistyczny

1. Grafika i jego rodzaje

   • Rytownictwo - rysunek naniesiony na płaską powierzchnię materiału, pokrytą farbą do druku na papierze. Materiały grawerskie to: metal (stal, cynk, miedź), drewno, plastik, karton.
   • Wydrukować Jest to wydruk z tablicy grawerskiej będącej sztalugowym dziełem grafiki artystycznej. Wydruki obejmują grawerowanie, litografię, sitodruk, monotypię.
   • Grafika książkowa - zawarta w projekcie książki, to jej ozdobny projekt, ilustracja.
   • Twórca książki - znak wskazujący właściciela książki. Znak znajduje się po wewnętrznej stronie oprawy lub okładki.
   • Plakat - obraz mający na celu przyciągnięcie uwagi wszystkich, który jest tworzony w celach edukacyjnych lub kampanii.
   • Linoryt - grawer na linoleum.
   • Drzeworyt - drzeworyt.
   • Akwaforta - metaliczny wygląd grawerunku.
   • Grafika komputerowa - obrazy skompilowane na komputerze, dynamicznie lub statycznie.

2. Rzeźba

   Definicja 2

   Forma sztuki, która powstała w starożytności. Znalezione rzeźby składały się z gliny, drewna, kamienia oraz przedstawiały ludzi i zwierzęta, dość podobne do oryginałów.

   Rzeźba podzielona jest na okrągłą, która rozprzestrzenia się w przestrzeni i na reliefie w postaci wolumetrycznych obrazów na płaszczyźnie. Zarówno w malarstwie, jak i rzeźbie występują formy sztalugowe i monumentalne.

   Rzeźba monumentalna przeznaczona jest na ulice i place oraz do długotrwałego użytkowania, dlatego do tego typu rzeźb używa się brązu, marmuru, granitu.

   Rzeźba sztalugowa obejmuje portrety, małe grupy gatunkowe, które są wykonywane w drewnie, gipsie i innych materiałach.

   Sztuka i rzemiosło

   Główne cele twórców dzieł sztuki dekoracyjnej i użytkowej to 2 dolary:

   • Tworzenie rzeczy niezbędnej w życiu codziennym
   • Nadanie rzeczy pewnych walorów artystycznych

   Zatem przedmioty i rzeczy związane z życiem codziennym powinny służyć człowiekowi nie tylko w celach praktycznych, ale także ozdabiać jego życie.

   Obecnie większość dzieł sztuki zdobniczej i użytkowej pełni głównie funkcję estetyczną, ale nie zawsze tak było.

   Rodzaje sztuki i rzemiosła obejmują:

   • Batik - ręcznie malowany na tkaninie.
   • Haft
   • Frędzla
   • Robienie na drutach
   • Frezowanie
   • Produkcja koronek
   • Gobelin
   • Ceramika
   • Mozaika
   • Artystyczne malowanie na drewnie, ceramice i metalu
   • Witraż
   • Origami
   • Graffiti

Sztuki inne niż wizualne

1. Architektura

   Definicja 3

   Architektura To sztuka projektowania i budowania budynków. Obiekty architektoniczne można prezentować jako budynki wolnostojące, jak również w postaci zespołów architektonicznych. Zespoły mogą być również tworzone historycznie.

   Architektura umożliwia analizę osiągnięć technicznych i stylów artystycznych różnych epok. Na przykład piramidy egipskie, które pozwalają ocenić styl tego okresu, świątynie starożytnej Grecji, Rzymu itp.

2. Literatura

   W najszerszym znaczeniu tego słowa za literaturę można uznać całość tekstów pisanych.

   Rodzaje literatury obejmują:

   • Sztuka
   • Proza
   • Pamiętniki
   • Naukowe i popularnonaukowe
   • Odniesienie
   • Trening
   • Techniczny

   W zależności od tych lub tych kryteriów utwory literackie są klasyfikowane jako jeden lub inny gatunek:

   Kryteria.

   • Forma - opowiadanie, opus, oda, esej, opowiadanie, opowiadanie, sztuka, powieść, epicka, epicka, esej.
   • Treść - komedia, tragedia, farsa, parodia, sidehow, dramat.
   • Rodzaj epicki
   • Rodzaj liryczny
   • Rodzaj dramatyczny

3. Muzyka

   Muzyka jest formą sztuki, która wykorzystuje zorganizowany w czasie dźwięk i ciszę, aby uosabiać artystyczne obrazy.

   Rodzaje muzyki:

   • Klasyczny
   • Popularny
   • Pozaeuropejskie
   • Etniczny
   • Różnorodność
   • Awangarda
   • Alternatywny
   • Instrumentalny
   • Izba
   • Sonata
   • Nokturn
   • Preludium

Uwaga 1

Sztuki obejmują również:

• Kino
• Teatr
• Choreografia

z wywiadów opierają się na zasadzie, że artysta, przedstawiając, odtwarza piękno i prawdę, których nie da się sprowadzić do przedstawionego wyglądu. Dla wyszkolonego widza utalentowane dzieło sztuki jest dialogiem między artystą a ludzkością, w którym stara się otworzyć na ludzi „trochę bardziej nieznane piękno świata” (A. Matisse). „Widzialna samoświadomość” malarstwa jest w stanie zastąpić, uprościć przekaz artysty, sprowadzić jego treść albo tylko do artystycznego, bądź tylko etycznego, bądź tylko społecznego. Malarz przezwycięża taką sytuację, rozwijając środki artystycznego wyrazu, unika „rozpoznania”, zapraszając rozmówcę do „poznania” nowego. „Nieznane piękno” może zostać odkryte przez widza tylko pod warunkiem, że jego ideał estetyczny nie zostanie zamknięty w ramach jakiegoś określonego, normatywnego standardu piękny.Dlatego ideał estetyczny eksperta jest wielowymiarowy i dynamiczny, zawiera w sobie zdolność do samorozwoju. Stąd najważniejszy postulat stosunku eksperta do dzieła sztuki - zrozumienie miary i „kodu” jego artystycznej konwencji.

Dla krytyka sztuki dzieło artysty istnieje jako całość, całkowicie, reprezentując zarówno wyjątkową osobowość twórczą, jak i duchowe ideały tamtych czasów oraz wyraz społecznych potrzeb. Wie, że każdy artysta uosabia swoje twórcze credo, przekształcając rzeczywistość językiem indywidualnej artystycznej maniery. Dlatego skupia się na zrozumieniu systemu artystycznych znaczeń danego dzieła, jego wyjątkowości itp.

Podkreślone zasady percepcji są realizowane przez znawcę sztuki w rzeczywistym procesie analizy dzieła sztuki poprzez utrwalanie różnorodnych indywidualnych cech. Jednocześnie dla każdego ze znaków można przedstawić pewną hipotetyczną skalę, na której notuje się stopień nasilenia znaku lub jego brak. Naturalnie,

że kryterium intensywności cechy wśród ekspertów może nie pokrywać się ze sobą, określając różne postawy zarówno wobec poszczególnych cech, jak i całości analizowanej pracy.

Jednocześnie przeprowadzony eksperyment empiryczny wykazał, że gdy oceny krytyków sztuki nie pokrywają się, same kryteria oceny istnieją w tej samej przestrzeni artystycznej interpretacji dzieła sztuki. O ogólności zasad stosunku do wartości estetycznych decyduje nie zbieżność ocen, ale system percepcji i rozumienia sztuki. Kiedy krytyk sztuki analizuje dzieło sztuki, pojmuje je w kontekście rozwoju sztuk pięknych, koreluje je z różnymi kierunkami, szkołami, mistrzami, zdając sobie sprawę, że rozwój sztuki jest względnie niezależny. Z bezpośredniego doświadczenia postrzeganego obrazu przechodzi do estetycznej interpretacji i uogólnienia, odsłaniając cel twórcy - ukazanie nowej prawdy artystycznej.

Oczywiście postrzeganie sztuki przez znawcę sztuki różni się nieco od rozumienia sztuki przez tę grupę studentów, które przypisaliśmy typowi artystycznemu. Krytyk sztuki nie tylko posiada wiedzę o tym specjalnym „programie” odczytywania figuratywnych znaczeń dzieła sztuki, który determinuje procesy pojmowania nowych informacji artystycznych: zawodowo realizuje potencjał swojej wiedzy i talentu poprzez „program” werbalizacji (prezentacji literackiej) tego, co postrzegane i zrozumiałe, widziane z różnych kontekstów społecznych, kulturowych i historycznych.

Oczywiście, bez względu na to, jak profesjonalnie wykształcony jest specjalista w dziedzinie sztuki, jeśli nie jest w stanie poczuć i odkryć „nieznanego piękna świata”, to żadne wzorce „słownych scenariuszy” nie uczynią z niego widza typu artystycznego. Świadomość artystyczna wcale nie determinuje treści artystycznej wizji.

W oparciu o zrekonstruowany przez nas system oczekiwań - wymogi sztuki zorientowanej na postrzeganie i rozumienie sztuk pięknych - można przedstawić i zinterpretować roboczy model tego typu w postaci diagramu (1):

Praca jest - System gotowy - Praca jest -

sztuka jako systemy (postawy sztuki jako osoby

wartości dyspozycji) zmysł wizualny

system wartości

Rezultatem odbioru sztuki przez tego typu widza jest złożona interakcja obu poziomów reprezentacji widza. Uznając zasadę komplementarności tych poziomów, można zauważyć priorytet dla tego typu postrzegania drugiego - artystyczno-figuratywnego - poziomu. Naszym zdaniem w analizowanym modelu, patrząc topologicznie, pierwszy poziom pojmowania widza jest tylko elementem drugiego: percepcja dzieł sztuki na poziomie mimetycznym wzbogaca i poszerza system znaczeń widza - interpretacji artystyczno-figuratywnego poziomu ukazywania rzeczywistości w sztuce.

Liczba stylów i trendów jest ogromna, jeśli nie nieskończona. Kluczową cechą, według której można pogrupować prace według stylu, są ujednolicone zasady myślenia artystycznego. Zastąpienie niektórych metod myślenia artystycznego innymi (przemienność typów kompozycji, metody konstrukcji przestrzennych, osobliwości kolorystyczne) nie jest przypadkowe. Nasze postrzeganie sztuki jest również historycznie zmienne.
Budując system stylów w porządku hierarchicznym, będziemy trzymać się tradycji eurocentrycznej. Największym pojęciem w historii sztuki jest pojęcie epoki. Każda epoka charakteryzuje się pewnym „obrazem świata”, na który składają się idee filozoficzne, religijne, polityczne, idee naukowe, psychologiczne cechy światopoglądu, normy etyczno-moralne, estetyczne kryteria życia, dzięki którym odróżniają one jedną epokę od drugiej. Oto era prymitywna, era starożytnego świata, starożytność, średniowiecze, renesans, nowy czas.
Style w sztuce nie mają wyraźnych granic, płynnie łączą się ze sobą i są w ciągłym rozwoju, mieszaniu i opozycji. W ramach jednego historycznego stylu artystycznego zawsze rodzi się nowy, który z kolei przechodzi w kolejny. Wiele stylów współistnieje jednocześnie i dlatego w ogóle nie ma „czystych stylów”.
W tej samej epoce historycznej może współistnieć kilka stylów. Na przykład klasycyzm, akademizm i barok w XVII wieku, rokoko i neoklasycyzm w XVIII wieku, romantyzm i akademizm w XIX wieku. Style takie jak na przykład klasycyzm i barok nazywane są wielkimi stylami, ponieważ dotyczą wszystkich rodzajów sztuki: architektury, malarstwa, sztuki i rzemiosła, literatury, muzyki.
Należy dokonać rozróżnienia między stylami artystycznymi, trendami, trendami, szkołami i specyfiką poszczególnych stylów poszczególnych mistrzów. W jednym stylu może istnieć kilka kierunków artystycznych. Kierunek artystyczny kształtuje się zarówno z cech typowych dla tej epoki, jak iz osobliwych sposobów myślenia artystycznego. Na przykład styl secesyjny obejmuje szereg trendów z przełomu wieków: postimpresjonizm, symbolizm, fowizm itp. Z drugiej strony koncepcja symbolizmu jako kierunku artystycznego jest dobrze rozwinięta w literaturze, natomiast w malarstwie jest bardzo niejasna i jednoczy artystów tak odmiennych stylistycznie, że często jest interpretowana jedynie jako jednoczący światopogląd.

Poniżej zostaną podane definicje epok, stylów i trendów, które są niejako odzwierciedlone we współczesnej sztuce plastycznej i zdobniczej.

	- styl artystyczny, który rozwinął się w krajach Europy Zachodniej i Środkowej w XII-XV wieku. Był efektem wielowiekowej ewolucji sztuki średniowiecznej, jej najwyższego stadium i jednocześnie pierwszego w historii ogólnoeuropejskiego, międzynarodowego stylu artystycznego. Obejmował wszystkie rodzaje sztuki - architekturę, rzeźbę, malarstwo, witraże, dekorację książek, sztukę i rzemiosło artystyczne. Podstawą stylu gotyckiego była architektura, która charakteryzuje się ostrołukowymi łukami skierowanymi do góry, wielobarwnymi witrażami oraz wizualną dematerializacją formy. Elementy sztuki gotyckiej często można spotkać we współczesnym wystroju wnętrz, w szczególności w murali, rzadziej w malarstwie sztalugowym. Od końca ubiegłego wieku istnieje subkultura gotycka, która wyraźnie przejawia się w muzyce, poezji i projektowaniu odzieży.
	(Renaissance) - (French Renaissance, Italian Rinascimento) Okres rozwoju kulturalnego i ideologicznego wielu krajów Europy Zachodniej i Środkowej, a także niektórych krajów Europy Wschodniej. Główne cechy wyróżniające kulturę renesansu: świecki charakter, humanistyczne poglądy, odwołanie do starożytnego dziedzictwa kulturowego, swego rodzaju „odrodzenie” (stąd nazwa). Kultura renesansu ma specyficzne cechy epoki przejściowej od średniowiecza do nowych czasów, w których stare i nowe, przeplatając się, tworzą osobliwy, jakościowo nowy stop. Kwestia chronologicznych granic renesansu (we Włoszech - 14-16 wieków, w innych krajach - 15-16 wieków), jego rozmieszczenia terytorialnego i cech narodowych jest trudna. Elementy tego stylu w sztuce współczesnej są często wykorzystywane w malowidłach ściennych, rzadziej w malarstwie sztalugowym.
	- (z włoskiego maniera - technika, maniera) aktualna w sztuce europejskiej XVI wieku. Przedstawiciele manieryzmu odeszli od renesansowego harmonijnego postrzegania świata, humanistycznej koncepcji człowieka jako doskonałego tworu natury. Wnikliwe postrzeganie życia łączyło się z programowym pragnieniem nie podążania za naturą, ale wyrażenia subiektywnej „wewnętrznej idei” artystycznego obrazu, który rodzi się w duszy artysty. Najwyraźniej przejawiał się we Włoszech. Na włoski manieryzm lat dwudziestych XVI wieku. (Pontormo, Parmigianino, Giulio Romano) charakteryzują się dramatyczną ostrością obrazów, tragedią postrzegania świata, złożonością i przesadną ekspresją poz i motywów ruchu, wydłużonymi proporcjami postaci, kolorystycznymi i ciętymi dysonansami. Ostatnio używali go krytycy sztuki na oznaczenie zjawisk w sztuce współczesnej związanych z transformacją stylów historycznych.
	- historyczny styl artystyczny, który początkowo rozprzestrzenił się we Włoszech w połowie. XVI-XVII w., A następnie we Francji, Hiszpanii, Flandrii i Niemczech XVII-XVIII w. Szerzej, termin ten jest używany do określenia wciąż odnawiających się tendencji niespokojnego, romantycznego spojrzenia, myślenia w ekspresyjnych, dynamicznych formach. Wreszcie, w każdym czasie, niemal w każdym historycznym stylu artystycznym, można znaleźć swój własny „okres baroku” jako etap największego zrywu twórczego, napięcia emocji, wybuchowych form.
	- styl artystyczny w sztuce zachodnioeuropejskiej XVII - wczesny. XIX wiek i rosyjski XVIII - wczesny. XIX, odwołując się do starożytnego dziedzictwa jako ideału do naśladowania. Przejawiało się w architekturze, rzeźbie, malarstwie, sztuce i rzemiośle. Artyści-klasycy uważali starożytność za najwyższe osiągnięcie i uczynili z niej swój standard w sztuce, który starali się naśladować. Z czasem odrodził się w akademizmie.
	- kierunek w sztuce europejskiej i rosyjskiej lat 1820-1830, która zastąpiła klasycyzm. Romantycy podkreślali indywidualność, przeciwstawiając „niedoskonałą” rzeczywistość ideałom klasycystów. Artystów przyciągały jasne, rzadkie, niezwykłe zjawiska, a także obrazy o fantastycznej naturze. W sztuce romantyzmu ostra indywidualna percepcja i doświadczenie odgrywają ważną rolę. Romantyzm uwolnił sztukę od abstrakcyjnych klasycystycznych dogmatów i skierował ją w stronę historii narodowej i obrazów folkloru.
	- (z łac. sentyment - uczucie) - kierunek sztuki zachodniej drugiej połowy XVIII w. wyrażający rozczarowanie „cywilizacją” opartą na ideałach „rozumu” (ideologia oświecenia). S. głosi uczucie, samotną refleksję, prostotę wiejskiego życia „małego człowieka”. J.J. Rousseau jest uważany za ideologa S.
	- nurt w sztuce, dążący z największą prawdą i rzetelnością do ukazania zarówno zewnętrznej formy, jak i istoty zjawisk i rzeczy. Jako metoda twórcza łączy w sobie indywidualne i typowe cechy podczas tworzenia obrazu. Najdłuższy w czasie kierunek istnienia, rozwijający się od czasów prymitywnych do współczesności.
	- nurt w europejskiej kulturze artystycznej przełomu XIX i XX wieku. Powstając jako reakcja na dominację w sferze humanitarnej norm burżuazyjnego „zdrowego rozsądku” (w filozofii, estetyce - pozytywizm, w sztuce - naturalizm), symbolika ukształtowała się przede wszystkim w literaturze francuskiej końca lat 60.-70., później rozpowszechniła się w Belgii, Niemczech. , Austria, Norwegia, Rosja. Estetyczne zasady symbolizmu w wielu aspektach sięgały do \u200b\u200bidei romantyzmu, a także do niektórych doktryn filozofii idealistycznej A. Schopenhauera, E. Hartmanna, częściowo F. Nietzschego, do twórczości i teoretyzowania niemieckiego kompozytora R. Wagnera. Symbolizm przeciwstawiał żywą rzeczywistość światu wizji i snów. Symbol generowany przez poetycki wgląd i wyrażający nieziemskie znaczenie zjawisk ukrytych przed zwykłą świadomością uznano za uniwersalne narzędzie do zrozumienia tajemnic bytu i indywidualnej świadomości. Artysta-twórca był postrzegany jako pośrednik między tym, co realne, a tym, co nad zmysłem, znajdujący wszędzie „znaki” harmonii świata, proroczo odgadujący znaki przyszłości zarówno w zjawiskach współczesnych, jak iw wydarzeniach z przeszłości.
	- (z francuskiej impresji - impresji) nurt w sztuce ostatniej tercji XIX - początku XX wieku, który powstał we Francji. Nazwę wprowadził krytyk sztuki L. Leroy, który z pogardą wypowiadał się o wystawie artystów z 1874 r., Na której m.in. obraz C. Moneta „Wschód słońca. Wrażenie". Impresjonizm podkreślał piękno realnego świata, podkreślając świeżość pierwszego wrażenia, zmienność otoczenia. Dominująca dbałość o rozwiązanie problemów czysto obrazowych ograniczyła tradycyjną ideę rysunku jako głównego składnika dzieła sztuki. Impresjonizm miał potężny wpływ na sztukę krajów europejskich i Stanów Zjednoczonych oraz wzbudził zainteresowanie tematami z życia codziennego. (E. Manet, E. Degas, O. Renoir, C. Monet, A. Sisley, itp.)
	- nurt malarski (synonim - dywizjonizm), który rozwinął się w ramach neoimpresjonizmu. Neoimpresjonizm powstał we Francji w 1885 roku i rozprzestrzenił się także w Belgii i we Włoszech. Neoimpresjoniści starali się zastosować najnowsze osiągnięcia w dziedzinie optyki w sztuce, zgodnie z którymi malowanie wykonane z oddzielnych punktów kolorów podstawowych w percepcji wzrokowej daje fuzję kolorów i całą gamę malarską. (J. Seurat, P. Signac, C. Pissarro).
	Postimpresjonizm - warunkowa nazwa zbiorowa głównych kierunków malarstwa francuskiego do końca XIX - I kwartału. XX wiek Sztuka postimpresjonizmu powstała jako reakcja na impresjonizm, który skupił uwagę na przekazie chwili, poczuciu malowniczości i utracie zainteresowania kształtem przedmiotów. Wśród postimpresjonistów są P. Cezanne, P. Gauguin, V. Gogh i inni.
	- styl w sztuce europejskiej i amerykańskiej końca XIX-XX wieku. Modern na nowo zinterpretował i stylizował linie sztuki różnych epoksów oraz wypracował własne praktyki artystyczne, oparte na zasadach praktyki. Przedmiotem modernizacji jest również stanovyatsya i naturalne formy. This obyacnyaetcya ne tolko intepec to pactitelnym opnamentam in ppoizvedeniyax modepna, Nr and cama THEIR kompozitsionnaya and placticheckaya ctpyktypa - obilie kpivolineynyx ocheptany, oplyvayuschix, nepovnyxoppov, napactitelmy-minayuschixpov, opactitelmy-mini. Ściśle związana z nowoczesnością - symbolika, która służyła za estetyczno-filozoficzno-filozoficzną podstawę mody, opierając się na nowoczesnym stylu jako na plaktycznej realizacji jej idei. Nowoczesność miała różne nazwy w różnych krajach, które są zasadniczo synonimami: secesja - we Francji, secesja - w Austrii, Jugendstil - w Niemczech, Liberty - we Włoszech.
	- (z francuskiego modern - modern) ogólna nazwa szeregu nurtów w sztuce pierwszej połowy XX wieku, które charakteryzują się zaprzeczeniem tradycyjnych form i estetyki przeszłości. Modernizm jest bliski awangardy i przeciwieństwem akademizmu.
	- nazwa, która łączy w sobie wachlarz nurtów artystycznych powszechnych w latach 1905-1930. (fowizm, kubizm, futuryzm, ekspresjonizm, dadaizm, surrealizm). Wszystkie te kierunki łączy chęć odnowienia języka sztuki, przemyślenia jej zadań, uzyskania wolności wypowiedzi artystycznej.
	- reżyseria artystyczna koniec XIX - n. XX wiek, oparty na twórczych lekcjach francuskiego artysty Paula Cezanne'a, który sprowadził wszystkie formy obrazu do najprostszych geometrycznych kształtów, a kolor do kontrastowych konstrukcji o ciepłych i zimnych tonach. Cezanizm był jednym z punktów wyjścia dla kubizmu. Cezanizm w dużym stopniu wpłynął także na rosyjską szkołę malarstwa realistycznego.
	- (od fauve - wild) awangardowy nurt w sztuce francuskiej n. XX wiek Nazwa „dziki” została nadana przez współczesnych krytyków grupie artystów, którzy wystąpili w 1905 roku na paryskim Salonie Niepodległych i miała charakter ironiczny. W skład grupy weszli A. Matisse, A. Marquet, J. Rouault, M. de Vlaminck, A. Derain, R. Dufy, J. Braque, C. van Dongen i inni. , poszukiwanie impulsów w prymitywnej twórczości, sztuce średniowiecza i wschodu.
	- celowe upraszczanie środków obrazkowych, naśladowanie pierwotnych etapów rozwoju sztuki. Termin ten odnosi się do tzw. sztuka naiwna artystów, którzy nie otrzymali specjalnego wykształcenia, ale są zaangażowani w ogólny proces artystyczny końca XIX - początku. XX wiek. Dzieła tych artystów - N. Pirosmaniego, A. Russo, V. Selivanova i innych, charakteryzują się swoistą dziecinnością w interpretacji natury, połączeniem uogólnionej formy i drobnej dosłowności w szczegółach. Prymitywizm formy w żaden sposób nie przesądza o prymitywności treści. Często służy jako źródło dla profesjonalistów, którzy zapożyczali formy, obrazy i metody ze sztuki ludowej, w istocie sztuki prymitywnej. N. Goncharov, M. Larionov, P. Picasso, A. Matisse czerpali inspirację z prymitywizmu.
	- nurt w sztuce, ukształtowany w oparciu o kanony starożytności i renesansu. Był używany w wielu europejskich szkołach artystycznych od XVI do XIX wieku. Akademizm przekształcił tradycje klasyczne w system „odwiecznych” zasad i przepisów, które ograniczały twórcze poszukiwania, próbował przeciwstawić „wysoko” ulepszone, ponadnarodowe i ponadczasowe formy piękna niedoskonałej żywej naturze. Akademizm charakteryzuje się preferowaniem przedmiotów z mitologii starożytnej, przedmiotów biblijnych lub historycznych z życia współczesnego artysty.
	- (francuski kubizm, od kostki - kostki) kierunek w sztuce pierwszej ćwierci XX wieku. Plaktyczny język kubizmu opierał się na deformacji i przemieszczaniu parametrów na płaszczyznach geometrycznych, plaktycznym przemieszczaniu formy. Narodziny kubizmu przypadają na rok 1907-1908 - w przededniu pierwszej wojny światowej. Niekwestionowanym liderem tego nurtu był poeta i publicysta G. Apollinaire. Ruch ten jako jeden z pierwszych uosabiał wiodące trendy w dalszym rozwoju sztuki XX wieku. Jedną z tych tendencji była dominacja koncepcji nad wewnętrzną wartością artystyczną obrazu. J. Braque i P. Picasso są uważani za ojców kubizmu. Fernand Léger, Robert Delaunay, Juan Gris i inni dołączyli do wyłaniającego się nurtu.
	- aktualny w literaturze, malarstwie i kinie, który powstał w 1924 roku we Francji. W znacznym stopniu przyczyniła się do powstania świadomości współczesnego człowieka. Głównymi postaciami ruchu są André Breton, Louis Aragon, Salvador Dali, Luis Buñuel, Juan Miro i wielu innych artystów z całego świata. Surrealizm wyrażał ideę egzystencji poza rzeczywistością, szczególnie ważną rolę odgrywa tu absurd, nieświadomość, sny, sny. Jedną z charakterystycznych metod surrealistycznego artysty jest oderwanie się od świadomej twórczości, co czyni go narzędziem wydobywającym na różne sposoby dziwaczne obrazy z podświadomości, przypominające halucynacje. Surrealizm przetrwał kilka kryzysów, przetrwał II wojnę światową i stopniowo, łącząc się z kulturą masową, przecinając się z transawangardą, wszedł na integralną część postmodernizmu.
	- (z łac. futurum - przyszłość) nurt literacki i artystyczny w sztuce lat 1910. Otvodya cebe pol ppoobpaza ickycctva bydyschego, fytypizm in kachectve ocnovnoy ppogpammy vydvigal ideyu pazpysheniya kyltypnyx ctepeotipov i ppedlagal vzamen apologiyu texniki i ypbanizma HOW glavchego-glavnyx. Ważną ideą artystyczną futuryzmu stało się poszukiwanie fizycznego wyrazu tempa ruchu jako fundamentalnego życia tempa współczesnego życia. Rosyjska wersja futuryzmu nosiła nazwę kybofytyryzm i opierała się na połączeniu plastikowych zasad francuskiego kibizmu i euperpecyzmu generała.

I.P. Pavlov zidentyfikowali cztery rodzaje wyższej aktywności nerwowej u ludzi, które opierają się na ideach dotyczących związku między procesami pobudzenia i hamowania. W ten sposób przyniósł „fizjologiczne podstawy” starożytnej nauce Hipokrateso temperamentach.

"I. P. Pavlov, rozwijając teorię odruchów warunkowych, wysunął szereg postulatów, wśród których kluczową rolę w zrozumieniu neurofizjologicznych podstaw temperamentu odgrywają pojęcia „pobudzenie - zahamowanie” procesów nerwowych oraz „właściwości” układu nerwowego (NS). Ujawnił trzy takie właściwości: „siłę”, „opanowanie” i „mobilność”.

Siła NS działa jako wskaźnik wydajności, wytrzymałości komórek nerwowych i ogólnie NS. Silny NS może wytrzymać obciążenie większe pod względem wielkości i czasu trwania niż słaby. Silny NS jest w stanie oprzeć się rozwojowi transcendentalnych zahamowań. Jednocześnie IP Pawłow rozróżnił parametr siły NS na dwie niezależne właściwości - „siłę wzbudzenia” i „siłę hamowania”.

Balance NS jest wskaźnikiem stosunku pobudzających i hamujących procesów nerwowych.

Mobilność NS - Jest to zdolność układu nerwowego do szybkiego reagowania na zmiany w środowisku poprzez na przemian zmienianie procesów pobudzenia i hamowania. […] »

Według I.P. Pavlova istnieją cztery rodzaje wyższej aktywności nerwowej (VND):

„1) silny, zrównoważony, mobilny - optymistyczny;

2) słaby - melancholijny;

3) silny, niezrównoważony (przeważa proces podniecenia) - choleryk;

4) silny, zrównoważony, obojętny - flegmatyczny.

Sam IP Pawłow był jednak ostrożny w przypadku takiego bezpośredniego porównania. Co więcej, zdając sobie sprawę, że tak naprawdę nie ma „czystych” typów, założył obecność pośrednich typów DNB. Należy pamiętać, że praca I.P. Pavlova i jego współpracowników nad określeniem rodzajów DNB opierała się wyłącznie na eksperymentach na zwierzętach. Sam Iwan Pietrowicz podczas jednej ze swoich słynnych środy Pawłowiańskiej (spotkań poświęconych swobodnej dyskusji nad różnymi problemami fizjologii) nawet szczególnie podkreślał niemożność przeniesienia, jak to określił, „psich” typów DNB na ludzi.

Dlatego zaproponowali swoistą typologię osobowości człowieka, uwzględniając jednak nie tyle cechy temperamentu, ile skłonności i zdolności:

1) typ myślenia (dominacja drugiego systemu sygnałowego, czyli poleganie w interakcji z otoczeniem głównie na myśleniu konceptualnym i mowie);

2) rodzaj sztuki (dominacja pierwszego systemu sygnałowego, czyli poleganie w interakcji z otoczeniem głównie na percepcji i wyobraźni);

3) typ średni (średni)».

Nikandrov V.V., Psychology, M., „TK Welby”; „Prospect”, 2007, s. 747 i 748.

Podobne artykuły