Az ókori világ városai általában egy magas szikla közelében jelentek meg, és fellegvárat emeltek rajta, így volt hova bújni, ha az ellenség behatolt a városba. Az ilyen fellegvárat akropolisznak hívták. Hasonlóképpen, az Athén felett csaknem 150 méterre magasodó sziklán, amely régóta természetes védelmi struktúrát szolgált, a felső város fokozatosan erőd (akropolisz) formájában alakult ki, különféle védekező, közéleti és vallási épületekkel.
Az athéni Akropolisz a Kr. E. II. Évezredben kezdett épülni. A görög-perzsa háborúk (Kr. E. 480-479) alatt teljesen megsemmisült, később Phidias szobrász és építész vezetésével megkezdődött a helyreállítása és az újjáépítése.
Az Akropolisz azon helyek egyike, „amelyekről mindenki azt mondja, hogy csodálatosak, egyediek. De ne kérdezd, miért. Senki sem válaszolhat rád ... ". Mérhető, még az összes köve is megszámolható. Nem olyan nehéz végig a végig járni - ez csak néhány percet vesz igénybe. Az Akropolisz falai meredekek és meredekek. Négy nagyszerű alkotás áll a mai napig ezen a sziklás dombon. Széles cikkcakk út halad a domb tövétől az egyetlen bejáratig. Ez a Propylaea, egy monumentális átjáró dór oszlopokkal és széles lépcsővel. Mnesicles építész építtette Kr. E. 437-432-ben. De mielőtt belépne ezekbe a csodálatos márványkapukba, mindenki önkéntelenül jobbra fordul. Ott, az egykor az akropolisz bejáratát őrző bástya magas talapzatán áll a győzelem istennőjének, Nike Apterosnak a temploma, amelyet ionos oszlopok díszítenek. Ez Callicrates építész munkája (Kr. E. 5. század második fele). A templom - könnyű, tágas, szokatlanul gyönyörű - fehérségével a kék ég ellen emelkedett ki. Úgy tűnik, hogy ez a törékeny épület, akár egy elegáns márványjáték, önmagában mosolyog, és a járókelőket szeretettel mosolygatja.
Görögország nyugtalan, lelkes és tevékeny istenei olyanok voltak, mint maguk a görögök. Igaz, magasabbak voltak, tudták, hogyan kell repülni a levegőben, bármilyen formát öltenek, állatokká és növényekké válnak. De minden más szempontból úgy viselkedtek, mint a hétköznapi emberek: összeházasodtak, megtévesztették egymást, veszekedtek, békét kötöttek, megbüntették a gyerekeket ...
Demeter temploma, az építők ismeretlenek, VI. IDŐSZÁMÍTÁSUNK ELŐTT. Olympia
Apteros Niki temploma, építész Kallikrates, Kr. E. 449–421 Athén
Propylaea, Mnezicles építész, Kr. E. 437-432 Athén
A győzelem istennőjét, Nikát, gyönyörű nőnek ábrázolták, nagy szárnyakkal: a győzelem ingatag és egyik ellenféltől a másikhoz repül. Az athéniak szárnyatlanul ábrázolták, hogy ne hagyja el a várost, amely a közelmúltban nagy győzelmet aratott a perzsák felett. A szárnyaitól megfosztott istennő már nem tudott repülni, és örökké Athénban kellett maradnia.
Nika temploma egy sziklapárkányon áll. Kissé a Propylaea felé fordul, és jeladó szerepet játszik a szikla körüli körmeneteknél.
Közvetlenül a Propylaea mellett a harcos Athena állt büszkén, akinek dárdája messziről üdvözölte az utazót, és jelzőként szolgált a matrózok számára. A kő talapzaton a felirat így hangzott: "Az athéniak a perzsák fölötti győzelemért szentelték magukat." Ez azt jelentette, hogy a szobrot a perzsáktól győzelmük eredményeként elvett bronzfegyverekből öntötték.
Az Akropoliszon ott volt az Erechtheion templomegyüttes is, amelynek (alkotói terve szerint) több, különböző szinten elhelyezkedő szentélyt kellett összekapcsolnia - a szikla itt nagyon egyenetlen. Az Erechtheion északi portikája Athéné szentélyéhez vezetett, ahol az istennő fából készült szobrát tartották, és állítólag leesett az égről. A szentély ajtaja egy kis udvarra nyílt, ahol az egész Akropolisz egyetlen szent olajfája nőtt, amely akkor emelkedett fel, amikor Athena kardjával megérintette ezen a helyen a sziklát. A keleti portikon keresztül bejuthatott Poszeidón szentélyébe, ahol ő, háromszögével ütközve a sziklába, három barázdát hagyott morajló vízzel. Itt volt Erechtheus szentélye, amelyet Poseidonnal azonos szinten tiszteltek.
A templom központi része egy téglalap alakú szoba (24,1x13,1 méter). A templomban helyet kapott Attika Kekrop első legendás királyának síremléke és szentélye is. Az Erechtheion déli oldalán található a Caryatids híres portikája: a fal szélén hat márványból faragott leányzó támasztja alá a mennyezetet. Egyes tudósok szerint a portika tribünként szolgált a tekintélyes polgárok számára, vagy hogy a papok itt gyűltek össze vallási szertartásokra. De a portika pontos célja még mindig nem világos, mert a "portico" az előcsarnokot jelenti, és ebben az esetben a portikának nem voltak ajtajai, és innen nem lehet bejutni a templomba. A kariatidák portikájának alakjai valójában oszlopot vagy oszlopot helyettesítő támaszok, tökéletesen átadják a kislányos alakok könnyedségét és rugalmasságát is. A törökök, akik egy időben elfoglalták Athént, és muszlim meggyőződésük miatt nem engedték meg a személy képeit, azonban nem rombolták le ezeket a szobrokat. Arra szorítkoztak, hogy levágják a lányok arcát.
Erechtheion, építők ismeretlenek, Kr. E. 421-407 Athén
Parthenon, Iktin építészek, Callicrates, Kr. E. 447–432 Athén
1803-ban Lord Elgin, a konstantinápolyi angol követ és egy gyűjtő a török \u200b\u200bszultán engedélyét felhasználva betörte az egyik kariatidát a templomban, és Angliába vitte, ahol felajánlotta a British Museumnak. A török \u200b\u200bszultán tűzoltóját túl tágan megmagyarázva, Phidias számos szobrát is magával vitte és eladta 35 000 fontért. Firman szerint "senki sem akadályozhatja meg abban, hogy több felirattal vagy ábrával ellátott követ elvigyen az Akropoliszból". Eljin 201 dobozt töltött meg ilyen "kövekkel". Mint maga kijelentette, csak azokat a szobrokat vette el, amelyek már leestek vagy veszélybe kerültek, állítólag azért, hogy megmentse őket a végső pusztulástól. De Byron tolvajnak is nevezte. Később (a kariatidák portugáljának 1845-1847-es restaurálásakor) a British Museum Athénba küldött egy gipszet a Lord Elgin által elvitt szoborból. Ezt követően a gipszet egy tartósabb, Angliában készült műkő másolattal helyettesítették.
A múlt század végén a görög kormány követelte, hogy Anglia adja vissza a hozzá tartozó kincseket, de választ kapott arra, hogy számukra kedvezőbb a londoni éghajlat.
Ezredfordulónk elején, amikor a Római Birodalom megosztása alatt Görögországot Bizáncnak engedték át, az Erechtheion keresztény templommá vált. Később az Athén birtokába került keresztesek hercegi palotává tették a templomot, és 1458-ban, az Erechtheionban Athén török \u200b\u200bhódítása alatt felállították az erőd parancsnokának háremjét. Az 1821-1827-es felszabadító háború alatt a görögök és a törökök felváltva ostromolták az Akropoliszt, bombázták annak épületeit, beleértve az Erechtheiont is.
1830-ban (Görögország függetlenségének kikiáltása után) az Erechtheion helyén csak alapokat, valamint a földön fekvő építészeti díszeket találtak. A templomegyüttes helyreállításához (valamint az Akropolisz számos más szerkezetének helyreállításához) Heinrich Schliemann adott forrást. Legközelebbi munkatársa, W. Derpfeld gondosan megmérte és összehasonlította az antik darabokat, a múlt század 70-es évek végére már az Erechtheion helyreállítását tervezte. De ezt az újjáépítést súlyosan kritizálták, és a templomot felszámolták. Az épületet a híres görög tudós, P. Kavadias vezetésével 1906-ban újjáépítették, végül 1922-ben helyreállították.
"Venus de Milo" Agesander (?), Kr. E. 120 Louvre, Párizs
"Laocoon" Agesander, Polydorus, Athenodorus, Kr. E. 40 körül Görögország, Olympia
"Hercules Farnese" c. Kr. E. 200 e., Nat. múzeum, Nápoly
"A megsebzett Amazon" Polycletus, Kr. E. 440 Nat. Múzeum Róma
A Parthenon, Athena istennő temploma, az Akropolisz legnagyobb építménye és a görög építészet legkiválóbb alkotása. Nem a tér közepén áll, hanem kissé oldalról, hogy azonnal megragadhassa az elülső és az oldalsó homlokzatot, megérthesse a templom egészének szépségét. Az ókori görögök úgy vélték, hogy a templom, amelynek középpontjában a fő kultuszszobor van, olyan, mint az istenség háza. A Parthenon a Szűz Athéné (Parthenos) temploma, ezért középpontjában egy krizoelephantin (elefántcsontból és fa alapon aranylemezekből) állt az istennő szobra.
A Parthenont Kr.e. 447-432-ben állították fel. Iktin és Kallikrates építészek penteli márványból. Négyszintes teraszon helyezkedett el, alapja 69,5x30,9 méter. Négy oldalán a Parthenont karcsú oszlopcsarnokok veszik körül, fehér márvány törzsük között a kék ég rései láthatók. Minden fénytől áthatva légiesnek és könnyűnek tűnik. A fehér oszlopokon nincsenek fényes rajzok, mint az egyiptomi templomokban található. Csak hosszanti barázdák (furatok) takarják őket fentről lefelé, emiatt a templom magasabbnak és még karcsúbbnak tűnik. Az oszlopok karcsúságukat és könnyedségüket annak köszönhetik, hogy kissé felfelé keskenyednek. A csomagtartó középső részén, a szem számára egyáltalán nem észrevehetőek, megvastagodnak és ettől a rugalmas, erősebbnek tűnnek, ellenállva a kőtömbök súlyának. Iktin és Kallikrates minden apró részletet átgondolva létrehoztak egy épületet, amely csodálatos arányosságával, rendkívül egyszerűségével és minden vonal tisztaságával lenyűgöz. Az Akropolisz felső peronján, mintegy 150 méteres tengerszint feletti magasságban elhelyezve a Parthenon nemcsak a város bármely pontjáról, hanem számos, Athénba tartó hajóról is látható volt. A templom dór kerület volt, amelyet 46 oszlopból álló oszlopsor vett körül.
"Aphrodite and Pan" ie. 100, Delphi, Görögország
"Diana a vadász" Leohar, Kr. E. 340 körül, Louvre, Párizs, Franciaország
"Pihenő Hermész" Lysippos, IV. időszámításunk előtt e., Nemzeti Múzeum, Nápoly
"Herkules az oroszlán ellen" Lysippos, c. Kr. E. 330 Ermitázs, Szentpétervár
"Atlant Farnese" Kr. E. 200 körül, Nat. múzeum, Nápoly
A leghíresebb mesterek részt vettek a Parthenon szobrászati \u200b\u200bdíszítésében. A Parthenon építésének és díszítésének művészeti vezetője Phidias volt, minden idők egyik legnagyobb szobrászművésze. A szobrászati \u200b\u200bdekoráció összetételének és fejlődésének tulajdonosa, amelynek egy részét maga készítette. Az építkezés szervezeti oldalát Periklész, Athén legnagyobb államférfija kezelte.
A Parthenon szobrászati \u200b\u200bdíszítésének célja Athena istennő és városának - Athén - dicsőítése volt. A keleti oromfal témája Zeusz szeretett lányának születése. A nyugati oromfalon a mester Athena és Poseidon vitájának színhelyét ábrázolta Attika uralma érdekében. A mítosz szerint Athena nyerte a vitát, olajfát adott ennek az országnak a lakóinak.
Görögország istenei a Parthenon oromfalaira gyűltek össze: a mennydörgő Zeusz, a tengerek hatalmas uralkodója Poseidon, a bölcs harcos Athena, a szárnyas Nike. A Parthenon szobrászati \u200b\u200bdíszítését fríz tette teljessé, amelyen a Nagy Panathenae ünnepe alatt ünnepélyes felvonulást mutattak be. Ezt a frízt a klasszikus művészet egyik csúcsának tartják. Kompozíciós egysége ellenére sokrétűségével csodálkozott. Több mint 500 fiatal férfi, idősebb, lány, láb és ló figura közül egyik sem ismételte meg a másikat, az emberek és az állatok mozgását elképesztő dinamizmussal közvetítették.
A szobrász görög dombormű ábrái nem laposak, az emberi test térfogatával és alakjával rendelkeznek. Csak annyiban térnek el a szobroktól, hogy nem minden oldalról dolgozzák fel őket, hanem mintha összeolvadnának a kő lapos felülete által képzett háttérrel. A világos színek élénkítették a parthenoni márványt. A piros háttér hangsúlyozta az alakok fehérségét, a keskeny függőleges kiemelkedések, amelyek elválasztották a fríz egyik lemezét a másiktól, egyértelműen kék színnel tűntek ki, az aranyozás fényesen ragyogott. Az oszlopok mögött az épület mind a négy homlokzatát körülvevő márványszalagon ünnepi menetet ábrázoltak. Itt szinte nincsenek istenek, és az örökké kőbe nyomott emberek az épület két hosszú oldalán haladtak, és csatlakoztak a keleti homlokzathoz, ahol ünnepi ceremónia volt, amikor a papot átadták egy athéni lányok által az istennő számára szőtt ruhával. Minden figurát egyedülálló szépsége jellemez, és együtt pontosan tükrözik az ősi város valódi életét és szokásait.
Valójában ötévente egyszer, a nyár közepének egyik forró napján Athéné istennő születésének tiszteletére országos ünnepségre került sor Athénban. Nagy Panathenaének hívták. Nemcsak az athéni állam polgárai vettek részt rajta, hanem sok vendég is. A fesztivál ünnepi felvonulásból (pompa), hekatomb (100 szarvasmarha) és általános étkezésből, sport-, lovas- és zenei versenyekből állt. A győztes különleges, úgynevezett Panathenaic amfórát kapott, olajjal feltöltve, és az Akropoliszon növő szent olajfa leveleinek koszorúját.
Az ünnep legünnepélyesebb pillanata az Akropoliszig tartó nemzeti menet volt. Lovas lovasok mozogtak, államférfiak, páncélos harcosok és fiatal sportolók sétáltak. A papok és a nemes emberek hosszú, fehér köntösben jártak, a hírmondók hangosan dicsérték az istennőt, a zenészek örömteli hangokkal töltötték meg a még hűvös reggeli levegőt. Áldozati állatok mászták meg az Akropolisz magas dombját a cikk-cakk alakú panatheni úton, több ezer ember eltaposta. A fiúk és lányok a szent Panathenaan hajó makettjét hordták, amelynek árbocára erősített peplos (takaró) volt. Enyhe szellő repítette a sárga-lila köntös fényes szövetét, amelyet a város nemes lányai Athéné istennőnek ajándékba vittek. Egy egész évig szőtték és hímezték. Más lányok szent áldozati edényeket emeltek magasan a fejük fölé. A menet fokozatosan közeledett a Parthenonhoz. A templom bejárata nem a Propylaea oldaláról történt, hanem másrészt, mintha mindenki először körbejárná, megvizsgálná és megbecsülné a gyönyörű épület minden részének szépségét. A keresztény egyházakkal ellentétben az ókori görög templomokat nem a bennük való istentiszteletnek szánták, az emberek a vallási tevékenység során a templomon kívül maradtak. A templom mélyén, három oldalról kétszintes oszlopcsarnokokkal körülvéve, büszkén állt a híres Phidias által létrehozott Szűz Athéné híres szobra. Köntös, sisak és pajzs tiszta, csillogó aranyból készült, arca és keze elefántcsontfényben ragyogott.
Számos könyvkötet íródott a Parthenonról, közöttük vannak monográfiák minden szobráról és a fokozatos hanyatlás egyes lépéseiről annak óta, amikor I. Theodosius rendelete után keresztény templommá vált. A 15. században a törökök mecsetet készítettek belőle, a 17. században pedig egy porüzletet. Az 1687-es török-velencei háború végső romokká változtatta, amikor egy tüzérségi lövedék eltalálta, és egy pillanat alatt megtette azt, amit a mindent felemésztő idő 2000 év alatt nem tehetett meg.
Az ókori görög szobrászat klasszikus korszaka a Kr. E. (kora klasszikus vagy "szigorú stílus" - Kr. e. 500/490 - 460/450; magas - Kr. e. 450 - 430/420; "gazdag stílus" - 420 - Kr. E. 400/390; késő klasszikus - 400/390 - rENDBEN. Kr. E. 320 időszámításunk előtt IDŐSZÁMÍTÁSUNK ELŐTT). Két korszak - archaikus és klasszikus - fordulóján az Aegina-szigeten található Athena Aphaia templom szobrászati \u200b\u200bdísze látható. . A nyugati oromfal szobrai a templom alapításától származnak (510 - Kr. E. 500 időszámításunk előtt Kr. E.), A második keleti szobrok, amelyek az előzőeket helyettesítik - a kora klasszikus időig (Kr. e. 490 - 480). A korai klasszikusok ókori görög szobrászatának központi emlékműve az olümpiai Zeusz templom oromzata és metopája (kb. 468 - Kr. E. 456 időszámításunk előtt IDŐSZÁMÍTÁSUNK ELŐTT). A korai klasszikusok másik jelentős munkája az úgynevezett "Ludovisi trónja", domborművek díszítik. Ebből az időből számos bronz eredetije is lejött - "Delphic szekér", poseidon szobra az Artemisium fokról, bronzok Riace-ból . A korai klasszikusok legnagyobb szobrászai - Pythagoras Regian, Calamides és Myron . A híres görög szobrászok munkásságát elsősorban irodalmi tanúvallomások és műveik későbbi másolatai alapján ítéljük meg. A magas klasszikusokat a Phidias és a Polycletus nevek képviselik . Rövid idejű virágzása az athéni Akropolisz munkáihoz kapcsolódik, vagyis a Parthenon szobrászati \u200b\u200bdíszítéséhez (oromfalak, metopák és zoforok elérték, Kr. e. 447 - 432). Az ókori görög szobrászat csúcsa nyilvánvalóan a krizoelephantin volt athena Parthenos szobrai és Phidias által készített olimpiai Zeusz (mindkettő nem maradt fenn). A "gazdag stílus" jellemző Callimachus, Alkamen, Agorakrita és más szobrászok az 5. század végén időszámításunk előtt Jellegzetes műemlékei az athéni Akropoliszon (Kr. E. 410 körül) található Nika Apteros kis templomának korlátjának domborművei és számos sírkő rúd, amelyek közül a leghíresebb a Gegeso rúdja . A késő klasszikusok ókori görög szobrászatának legfontosabb művei - az Epidauruszi Asclepius templom díszítése (Kr. e. 400 - 375 körül), Athéné Alei temploma Tegea-ban (Kr. e. 370-350), az efézusi Artemis-templom (kb. Kr. e. 355-330) és a mauzóleum halicarnassusban (Kr. e. 350 körül), amelynek szobrászati \u200b\u200bdíszítésén Scopas, Briaxides, Timothy dolgozott és Leohar . Ez utóbbit az Apollo Belvedere szobroknak is tulajdonítják és a versailles-i Diana . A 4. századból számos bronz eredeti is található. időszámításunk előtt e. A késő klasszikusok legnagyobb szobrászai Praxitel, Skopas és Lysippos, sok szempontból előre látta a hellenizmus későbbi korszakát.
A görög szobrot részben törmelékekben és töredékekben őrzik meg. A szobrok nagy részét római másolatokból ismerjük, amelyeket nagy számban adtak elő, de nem közvetítették az eredetik szépségét. A római másolók elnagyolták és megszárították őket, és bronz tárgyakat márvánnyá alakítva esetlen támaszokkal elcsúfították őket. Athéné, Aphrodité, Hermész, Szatír nagy alakjai, amelyeket most az Ermitázs termeiben látunk, csak a görög remekművek halvány előadásai. Szinte közömbösen elhalad mellettük, és hirtelen megáll egy törött orrú, sérült szemű fej előtt: ez egy görög eredeti! És az élet csodálatos ereje hirtelen kifújja ezt a töredéket; maga a márvány különbözik a római szobrokétól - nem halálfehér, hanem sárgás, átlátszó, világító (a görögök még mindig viaszjal dörzsölték, ami meleg márványt adott a márványnak). Olyan szelídek a chiaroscuro olvadó átmenetei, olyan nemes az arc puha szobrászata, amely önkéntelenül is felidézi a görög költők örömeit: ezek a szobrok valóban lélegeznek, valóban élnek * * Dmitrijeva, Akimova. Antik művészet. Esszék. - M., 1988.S. 52.
A század első felének szobrában, amikor háborúk voltak a perzsákkal, bátor, szigorú stílus uralkodott. Ezután létrehoztak egy zsarnokirtó szoborcsoportot: egy érett férj és egy fiatal férfi egymás mellett állva lendületes mozdulatot tesznek előre, a fiatalabb elhozza a kardot, az idősebb köpennyel takarja el. Ez a történelmi személyiségek - Harmodius és Aristogiton emlékműve, akik évtizedekkel korábban megölték az athéni zsarnokot, Hipparchust -, a görög művészet első politikai emlékműve. Ugyanakkor kifejezi az ellenállás és a szabadság iránti szeretet hősi szellemét, amely a görög-perzsa háborúk korában fellángolt. "Ők nem halandók rabszolgái, senkinek nincsenek alávetve" - \u200b\u200bmondja az athéniak Aeschylus "A perzsák" tragédiájában.
Csaták, harcok, hőstettek ... A korai klasszikusok művészete tele van ezekkel a háborús témákkal. Az éginai Athena-templom oromzatán - a görögök harca a trójaiak ellen. Az olümpiai Zeusz-templom nyugati oromfalán - a lapiták küzdelme a kentaurokkal, a metopákon - Herkules mind a tizenkét munkája. Egy másik kedvenc motívum a torna versenyek; azokban a távoli időkben a fizikai erőnlét és a testmozgások elsajátítása döntő jelentőségű volt a csaták kimenetele szempontjából, ezért az atlétikai játékok korántsem voltak csak szórakoztatóak. Kr. E. 8. század óta. e. Olümpiában négyévente tornagyakorlatokat rendeztek (kezdetüket később a görög kronológia kezdetének tekintették), az 5. században pedig külön ünnepélyesen ünnepelték őket, most pedig költők vettek részt, akik verseket mondtak. Az olümposzi Zeusz temploma - a klasszikus dór periféria - annak a szent körzetnek a közepén volt, ahol a versenyek zajlottak, Zeusznak tett áldozattal kezdődtek. A templom keleti oromfalán a szoborkompozíció egy ünnepi pillanatot ábrázolt a lóstadionok kezdete előtt: középen - Zeusz alakja, annak két oldalán - a következő vetélkedés fő résztvevői, Pelope és Aenomai mitológiai hősök szobrai a sarkokban - szekereiket négy ló húzta. A mítosz szerint a nyertes Pelop lett, akinek tiszteletére megalapították az olimpiai játékokat, amelyet később a legenda szerint maga Herkules folytatta.
A kéz a kézben vívott harcok, a lovas versenyek, a futóversenyek és a diszkoszvetés témája megtanította a szobrászokat az emberi test dinamikus ábrázolására. A figurák archaikus merevségét legyőzték. Most cselekszenek, mozognak; összetett pózok, merész kameraszögek, nagyszerű gesztusok jelennek meg. A legfényesebb újító Miron padlásszobrász volt. Myron fő feladata a mozgalom lehető legteljesebb és legerőteljesebb kifejezése volt. A fém nem enged olyan pontos és finom munkát, mint a márvány, és talán ezért fordult a mozgás ritmusának megtalálása felé. (A ritmus neve a test minden részének mozgásának teljes harmóniáját jelenti.) Valójában a ritmust tökéletesen megragadta Myron. A sportolók szobrában nemcsak a mozgást, hanem az egyik mozgási szakaszból a másikba való átmenetet közvetítette, mintha megállította volna a pillanatot. Ez az ő híres "Discobolus". A sportoló lehajolt és megdobta dobása előtt, egy másodperc - és a korong elrepül, a sportoló kiegyenesedik. De erre a másodpercre teste nagyon nehéz helyzetbe fagyott, de vizuálisan kiegyensúlyozott volt.
Az egyensúly, a hatalmas "ethosz" megmaradt a szigorú klasszikus szobrászati \u200b\u200bstílusban. Az alakok mozgása nem szabálytalan, nem túl izgatott, és nem is túl gyors. A küzdelem dinamikus motívumaiban sem veszik el az "olimpiai nyugalom", az integrált plasztikus teljesség, az önálló elszigeteltség érzése. Itt található a Delphiben talált Szekér bronzszobra, a kevés jól megőrzött görög eredetinek egyike. A szigorú stílus korai időszakához tartozik - Kr. E. 470 körül. e .. Ez a fiatalember nagyon egyenesen áll (szekéren állt és lovak kvadrigáját uralta), mezítelen lába, egy hosszú zubbony hajtásai a dór oszlopok mély furulyáira emlékeztetnek, feje szorosan el van borítva ezüstözött kötéssel, berakott szeme mintha élne. Visszafogott, nyugodt, ugyanakkor tele van energiával és akarattal. Csak ebből a bronzfigurából, erős, öntött műanyagával érezhető az emberi méltóság teljes mértéke, ahogyan az ókori görögök megértették.
Művészetüket ebben a szakaszban bátor képek uralták, de szerencsére megmaradt egy gyönyörű dombormű Aphrodite képéből a tengerből, az úgynevezett "Ludovisi trón" - egy szobrászati \u200b\u200btriptichon, amelynek felső részét visszaverték. Középső részén a "habszülött" szépség és szerelem istennője emelkedik fel a hullámokból, két nimfa támasztja alá őket, akik tisztán egy könnyű fátyollal védik. Derékig látható. A teste és a nimfa teste átlátszó tunikákon át ragyog, a ruhadarabok zuhatagba, patakba öntenek, mint a vízsugarak, mint a zene. A triptichon oldalán két női alak található: egy akt, furulyázik; egy másik, fátyolba burkolva, áldozati gyertyát gyújt. Az első egy heteroszexuális, a második egy feleség, a kandalló őrzője, akárcsak a nőiesség két arca, mindkettő Aphrodite égisze alatt.
A túlélő görög eredetik keresése ma is folytatódik; időről időre boldog leletek találhatók a földben, most a tenger fenekén: például 1928-ban a tengerben, Euboea szigete közelében találtak egy tökéletesen megőrzött Poseidon bronzszobrot.
De a fénykor görög művészetének általános képét mentálisan kell rekonstruálni és befejezni, csak véletlenszerűen megőrzött, szétszórt szobrokat ismerünk. És léteztek az együttesben.
A híres mesterek közül a Phidias név beárnyékolja a következő generációk minden szobrát. Periklész korának ragyogó képviselője, az utolsó szót plasztikai technikában mondta, és eddig senki sem mert összehasonlítani vele, bár csak tippek alapján ismerjük. Athén szülöttje, több évvel a maratoni csata előtt született, és ezért a keleti győzelmek ünnepének kortársa lett. Gyere előbb lfestőként, majd szobrászatra váltott. Periklész épületeit Phidias rajzai és rajzai alapján, személyes felügyelete alatt állították fel. Rendet teljesítve rend után csodálatos istenszobrokat készített, amelyek márványban, aranyban és csontokban megszemélyesítik az istenségek elvont eszméit. Az istenség képét nemcsak kvalitásainak megfelelően, hanem a megtiszteltetés céljával is kidolgozta. Mélyen átitatta az ötlet, hogy mit is személyesít meg ez a bálvány, és egy zsenialitás minden erejével és erejével megformálta.
Athena, amelyet Plataea megrendelésére készített és amely nagyon drágán került e városba, megerősítette a fiatal szobrász hírnevét. Az Akropolisz számára Athéné védnöknőjének hatalmas szobrát rendelték meg számára. Elérte 60 láb magasan, és meghaladta az összes környező épületet; messziről, a tenger felől arany csillaggal ragyogott és uralkodott az egész város felett. Nem volt akrolit (kompozit), mint a Plateia, de mind bronzba öntötték. Az Akropolisz másik szobra, a Virgin Athena, a Parthenon számára készült, aranyból és elefántcsontból állt. Athénét harci öltönyben ábrázolták, arany sisakban, nagy megkönnyebbülésű szfinxszel és keselyűkkel az oldalán. Az egyik kezében lándzsát tartott, a másikban a győzelem alakját. Egy kígyó görbült a lábához - az Akropolisz őre. Ezt a szobrot Phidias Zeus után a legjobb biztosítéknak tekintik. Számtalan példány eredeti példányaként szolgált.
De Phidias minden művének tökéletességének csúcsát olümposzi Zeuszának tekintik. Élete legnagyobb műve volt: maguk a görögök adták neki a pálmát. Ellenállhatatlan benyomást tett kortársaira.
Zeuszt ábrázolták a trónon. Az egyik kezében jogart tartott, a másikban a győzelem képét. A test elefántcsont, a haj arany, a köpeny arany, zománcozott. A trón ébenfát, csontot és drágaköveket tartalmazott. A lábak közötti falakat Phidias unokatestvére, Panen festette; a trón töve a szobor csodája volt. Az általános benyomás, ahogy egy német tudós helyesen fogalmazott, valóban démoni volt: a bálvány számos generáció számára igazi istennek tűnt; egy pillantás elég volt rá, hogy minden szomorúságot és szenvedést eloltjon. Azok, akik anélkül haltak meg, hogy látták volna, boldogtalannak tartották magukat * * P. P. Gnedich A művészet világtörténete. - M., 2000. S. 97 ...
Nem ismert, hogyan és mikor halt meg a szobor: valószínűleg az olimpiai templommal együtt leégett. De a varázsa bizonyára nagy volt, ha Caligula mindenáron ragaszkodott ahhoz, hogy Rómába szállítsa, ami azonban lehetetlennek bizonyult.
A görögök csodálata az élő test szépségéért és bölcs elrendezéséért olyan nagy volt, hogy esztétikailag csak a szobor teljességében és teljességében gondolták, ami lehetővé tette a testtartás fenségének, a testmozgások harmóniájának a megbecsülését. Az ember feloldása formátlan, összevont tömegben, véletlenszerű megjelenítés, mélységes eltávolítás, árnyékba merítés ellentmond a hellén mesterek esztétikai hitvallásának, és ezt soha nem tették meg, bár a perspektíva alapjai egyértelműek voltak számukra. A szobrászok és a festők egyaránt rendkívül plasztikus tisztaságú, közeli képet mutatnak (egy alak vagy több alak csoportja), és megpróbálja az akciót az előtérbe helyezni, mintha a háttérsíkkal párhuzamosan egy keskeny színpadon állna. A testbeszéd a lélek nyelve is volt. Néha azt mondják, hogy a görög művészet idegen volt a pszichológiától, vagy még nem érett rá. Ez nem teljesen igaz; talán az archaikus művészet még extrapszichológiai volt, de nem a klasszikusok művészete. Valójában nem ismerte a szereplők azon alapos elemzését, azt az egyén kultuszát, amely a modern időkben felmerül. Nem véletlen, hogy a portréképítés az ókori Görögországban viszonylag gyengén fejlett volt. De a görögök elsajátították a tipikus pszichológia átadásának művészetét - általánosított emberi típusokon alapuló mentális mozgások gazdag skáláját fejezték ki. A személyes karakterek árnyalataitól elzárva a hellén művészek nem hanyagolták el az érzelmek árnyalatait, és képesek voltak megtestesíteni az érzések összetett szerkezetét. Végül is Sophoklész, Euripidész, Platón kortársai és polgártársai voltak.
Mégis, az expresszivitás nem annyira az arckifejezésekben volt, mint inkább a testmozgásokban. A Parthenon sejtelmesen derűs moirae-jaira, a gyors, frappáns Nikára, kioldva a szandált, szinte elfelejtjük, hogy a fejüket elverték - ilyen beszédes az alakjaik képlékenysége.
Minden tisztán képlékeny motívumot - legyen az az összes testtag kecses egyensúlya, mindkét lábon vagy az egyiken való támasz, a súlypont áthelyezése egy külső tartóra, vállig hajtott fej vagy hátradobás - a görög mesterek a szellemi élet analógjaiként gondolták. A test és a psziché elválaszthatatlanságban valósultak meg. Az esztétikai előadások klasszikus ideálját ismertetve Hegel azt mondta, hogy „a művészet klasszikus formájában az emberi test formáiban már nem csak érzéki létként, hanem csak a szellem létezésének és természetes megjelenésének ismerhető fel”.
Valóban, a görög szobrok teste szokatlanul lelkiekbe került. Rodin francia szobrász az egyikükről ezt mondta: „Ez a fiatalos, fej nélküli törzs boldogan mosolyog a fényre és a tavaszra, mint amit a szem és az ajkak képesek lennének” * * Dmitrijeva, Akimova. Antik művészet. Esszék. - M., 1988. S. 76.
A mozgás és a testtartás a legtöbb esetben egyszerű, természetes, és nem feltétlenül kapcsolódik valamilyen fenségeshez. Nika oldja a szandált, a fiú kivesz egy szilánkot a sarkából, a fiatal futó futásnak készül a rajtnál, Miron korongdobáló korongot dob. Myron fiatalabb kortársa, az ünnepelt Polycletus Myronnal ellentétben soha nem ábrázolta a gyors mozgásokat és a pillanatnyi állapotokat; fiatal sportolók bronzszobrai nyugodt fénypózokban vannak, kimért mozgás, hullámszerű futás az alak felett. A bal váll kissé kinyújtott, a jobb elrabolva, a bal csípő visszahúzódik, a jobb fel van emelve, a jobb láb szilárdan a földön van, a bal kissé lemarad, és térdénél kissé meghajlik. Ennek a mozgalomnak vagy nincs semmilyen "cselekményes" ürügye, vagy az ürügy jelentéktelen - önmagában értékes. Ez egy műanyag himnusz az egyértelműséghez, az észhez és a bölcs egyensúlyhoz. Ilyen a márvány római másolatokból ismert Polycletus Doriphorus (dárdahordozója). Úgy tűnik, hogy jár, és egyúttal fenntartja a nyugalmi állapotot; a karok, a lábak és a törzs helyzete tökéletesen kiegyensúlyozott. Polycletus írta a "Canon" értekezést (amely még nem jutott le ránk, az ókori írók hivatkozásaiból ismert róla), ahol elméletileg megállapította az emberi test arányainak törvényszerűségeit.
A görög szobrok fejei általában személytelenek, vagyis kevéssé individualizáltak, az általános típus néhány változatára redukálódnak, de ennek az általános típusnak magas a lelki képessége. A görög arctípusban az "emberi" gondolata ideális formájában diadalmaskodik. Az arc három részre oszlik, egyenlő hosszúsággal: a homlok, az orr és az alsó rész. Helyes, gyengéd ovális. Az orr egyenes vonala folytatja a homlok vonalát, és merőlegest alkot az orr elejétől a fül nyílásáig (derékszög). Elég mélyen ülő szemek hosszúkás szakasza. Kicsi száj, telt, domború ajkak, a felső ajak vékonyabb, mint az alsó, és gyönyörű, folyó Ámorszerű kivágása van. Az áll nagy és kerek. A hullámos haj lágyan és szorosan körbefogja a fejet, anélkül, hogy akadályozná a koponya lekerekített alakjának látását.
Ez a klasszikus szépség monotonnak tűnhet, de mivel kifejező "a szellem természetes megjelenése", változásokra ad lehetőséget, és képes megtestesíteni az antik ideál különféle típusait. Még egy kis energia az ajkakban, a kiálló állban - előttünk egy szigorú szűz Athena áll. Több puhaság az arcok körvonalában, az ajkak kissé félig nyitottak, a szemüregek árnyékoltak - előttünk áll Aphrodite érzéki arca. Az arc oválja közelebb van a négyzethez, a nyak vastagabb, az ajkak nagyobbak - ez már egy fiatal sportoló képe. És az alapja továbbra is ugyanaz a szigorúan arányos klasszikus megjelenés.
Valaminek azonban nincs helye, a mi szempontunk szerint, nagyon fontos: az egyedileg egyediség varázsa, a helytelen szépsége, a lelki elv diadala a testi tökéletlenség felett. Az ókori görögök ezt nem tudták megadni, ehhez meg kellett sérni a szellem és a test kezdeti monizmusát, és az esztétikai tudatnak el kellett jutnia elválásuk - dualizmus - szakaszába, ami sokkal később történt. De a görög művészet is fokozatosan fejlődött az individualizáció és a nyitott érzelmesség, az élmények konkretizmusa és a sajátosság felé, ami már a késő klasszikusok korában, az ie 4. században nyilvánvalóvá vált. e.
Kr. E. 5. század végén. e. Athén politikai hatalmát megrendítette a hosszú peloponnészoszi háború. Athén ellenfeleinek élén Sparta állt; a peloponnészoszi államok támogatták, pénzügyi segítséget pedig Perzsa nyújtott. Athén elvesztette a háborút, és veszteséges békére kényszerült; megőrizték függetlenségüket, de az athéni tengeri unió összeomlott, a pénzkészletek kiszáradtak, és a polisz belső ellentmondásai felerősödtek. Az athéni demokráciának sikerült ellenállnia, de a demokratikus eszméket megrontották, az akarat szabad megnyilvánulását kegyetlen intézkedésekkel kezdték elnyomni, erre példa Sokrates pere (Kr. E. 399-ben), amely halálra ítélte a filozófust. A szorosan összekapcsolt állampolgárság szelleme gyengül, a személyes érdekek és tapasztalatok elszigeteltek a társadalmi érdekektől, a lét instabilitása riasztóbb módon érezhető. A kritikai érzelmek nőnek. Egy személy Szókratész szövetsége szerint arra törekszik, hogy "megismerje önmagát" - önmagát mint személyt, és nem csak mint egy társadalmi egész részét. A nagy dramaturg, Euripidész munkája, akinek személyiségelvét sokkal hangsúlyosabb, mint régebbi kortárs Sophoklészé, az emberi természet és a szereplők megismerésére irányul. Arisztotelész meghatározása szerint Sophokles "olyan embereket képvisel, amilyeneknek lenniük kell, és Euripidészeket olyannak, amilyenek valójában".
A plasztikai művészetekben továbbra is az általánosított képek érvényesülnek. De az a szellemi lelkierő és erőteljes energia, amelyet a korai és érett klasszikusok művészete lehel, fokozatosan teret enged a Scopas drámai pátoszának vagy a lírai, melegen érinti a Praxiteles szemlélődését. Scopas, Praxitel és Lysippos - ezek a nevek véleményünk szerint nem annyira egyes művészi egyénekhez kapcsolódnak (életrajzuk nem világos, és eredeti műveik alig maradtak fenn), mint a késő klasszikusok fő áramlataival. Miként Miron, úgy Polycletus és Phidias is az érett klasszikusok vonásait testesítik meg.
És ismét a kilátások változásának mutatói plasztikus motívumok. Az álló alak jellemző testtartása megváltozik. Az archaikus korszakban a szobrok teljesen egyenesen, frontálisan álltak. Az érett klasszikusok kiegyensúlyozott, folyékony mozgásokkal animálják és élesztik őket, fenntartva az egyensúlyt és a stabilitást. És a Praxiteles szobrok - a pihenő szatír, Apollo Saurocton - lusta kegyelemmel támaszkodnak az oszlopokra, nélkülük le kellene esniük.
A comb nagyon erősen ívelt az egyik oldalon, a váll pedig a comb felé süllyed - Rodin ezt a testhelyzetet egy szájharmonikához hasonlítja, amikor a fújtató az egyik oldalon összenyomódik és a másik oldalon szétterül. Az egyensúlyhoz külső támogatás szükséges. Ez egy álmodozó pihenő póz. A Praxiteles követi a Polycletus hagyományait, használja a megtalált mozdulatok motívumait, de úgy fejleszti őket, hogy más belső tartalom ragyogjon át rajtuk. "A sebesült Amazon" Polycletai is támaszkodik egy féloszlopra, de nélküle ellen tudott volna állni, erős, energikus teste, még sebtől is szenvedve, szilárdan a földön áll. Az Apollo Praxiteles-t nem nyomja nyíl, ő maga a fatörzsön futó gyíkot célozza meg - a cselekvés, úgy tűnik, erős akaratú nyugalmat igényel, ennek ellenére teste instabil, mint egy rezgő szár. És ez nem egy véletlenszerűség, nem egy szobrász szeszélye, hanem egyfajta új kánon, amelyben a megváltozott világkép kifejeződik.
Az ie 4. század szobrászatában azonban nemcsak a mozgások és a testtartások jellege változott. e. A Praxiteles más témakörrel rendelkezik, a hősies cselekmények elől elmozdul az "Aphrodite és Eros fényvilágába". Megformálta a híres Cnidus-i Aphrodite szobrot.
Praxitel és körének művészei nem szívesen ábrázolták a sportolók izmos torzait, vonzotta őket a női test finom szépsége, lágy térfogatárammal. Előnyben részesítették a kamasz típusát, amelyet megkülönböztetnek az "első fiatalos szépség, nőies". A Praxitel híres volt a szobrászat különleges puhaságáról és az anyagfeldolgozás elsajátításáról, az élő test melegségének hideg márványban való átadásának képességéről2.
A Praxiteles egyetlen fennmaradt eredetije az Olümpiában talált "Hermész Dionüszoszszal" márványszobor. Meztelen Hermész, egy fa törzsének támaszkodva, ahol köpenyét gondatlanul dobják, egyik hajlított kezén tart egy kis Dionüszoszt, a másikon pedig egy szőlőfürtöt, amelyhez egy gyermek nyúl (elveszik a szőlőt tartó kéz). A márvány képi feldolgozásának minden varázsa ebben a szoborban rejlik, különösen a Hermész fejében: a fény és az árnyék átmenete, a legfinomabb "sfumato" (köd), amelyet sok évszázaddal később Leonardo da Vinci festménye is elért.
A mester összes többi műve csak az ókori szerzők hivatkozásaiból és későbbi példányaiból ismert. De a Praxiteles művészetének szelleme a Kr. E. e., és ami a legjobb, nem római másolatokban érezhető, hanem görög kisplasztikákban, Tanager agyagfigurákban. A század végén nagy számban készültek, ez egyfajta tömegtermelés volt, amelynek fő központja Tanagra volt. (Nagyon jó gyűjteményük van a Leningrádi Ermitázsban.) Egyes figurák a híres nagy szobrokat reprodukálják, mások egyszerűen a leterített női alak különféle ingyenes variációit adják. Ezeknek az ábrándoknak az álmodozó, töprengő, játékos élő kegyelme a Praxiteles művészetének visszhangja.
Szinte olyan kevés marad a Scopas vágó, a Praxiteles régebbi kortársának és antagonistájának eredeti műveiből. Roncsmaradványok. De a roncsok sokat mondanak. Mögöttük egy szenvedélyes, tüzes, szánalmas művész képe látható.
Nemcsak szobrász, hanem építész is volt. Skopas építészként létrehozta a tegeai Athena templomot, és felügyelte annak szobrászati \u200b\u200bdíszítését is. Maga a templom már régen elpusztult, a gótok által; ásatások során néhány szobortöredéket találtak, köztük egy sebesült harcos figyelemre méltó fejét. A Kr. E. 5. század művészetében nem volt más, mint ő. e., a fejfordításban nem volt ilyen drámai kifejezés, ilyen szenvedés az arcban, a tekintetben, ilyen mentális feszültség. Az ő nevében megsértették a görög szobrászatban elfogadott harmonikus kánont: a szemek túl mélyre vannak állítva, és a homlokívek törése nem egyezik a szemhéjak körvonalaival.
A Halicarnassus-i mauzóleum frízének részben megmaradt domborművei, az egyedülálló szerkezet, amelyet az ókorban a világ hét csodája közé soroltak: a perifert magas lábazaton állították fel, és piramis tetejével koronázták. Frieze a görögök harcát ábrázolta az amazonokkal - férfi harcosokkal a női harcosokkal szemben. Skopas nem egyedül dolgozott rajta, három szobrászművésszel együtt, de a mauzóleumot leíró Plinius utasításai és a stíluselemzés vezérelve a kutatók megállapították, hogy a fríz mely részei készültek a Skopas műhelyben. Másoknál jobban közvetítik a csata mámorát, az "ecstasyt a csatában", amikor a férfiak és a nők is ugyanolyan szenvedéllyel adják át magukat. Az alakok mozdulatai lendületesek és szinte elveszítik egyensúlyukat, nemcsak a síkkal párhuzamosan, hanem befelé is, a mélységbe irányulnak: Scopas új térérzetet vezet be.
A Menada nagy hírnévnek örvendett a kortársak körében. Scopas a dionüszoszi tánc viharát ábrázolta, Maenada egész testét megerőltetve, görcsösen ívelve a törzsét, hátradobva a fejét. A Maenada szobrát nem elülső kilátáshoz tervezték, különböző szögekből kell nézni, mindegyik nézőpont valami újat tár fel: vagy a testet íve a kinyújtott íjhoz hasonlítja, vagy úgy tűnik, hogy spirálban görbült, mint egy lángnyelv. Az ember önkéntelenül azt gondolja: a dionüszoszi orgiáknak komolynak kellett lenniük, nem csak szórakoztatásnak, hanem valóban "őrült játékoknak" is. A Dionüszosz-rejtélyeket csak kétévente szabad megtartani, és csak Parnasszuson, de ebben az időben az eszeveszett Bacchantes elutasított minden egyezményt és tilalmat. A tamburinek ütemére, a timpanok hangjára eksztázisban rohantak és kavarogtak, őrületbe kergették magukat, meglazították a hajukat, tépték a ruháikat. Menada Skopasa kést tartott a kezében, és a vállán egy gyerek volt, akit 3 darabra szakított.
A dionüszosi fesztiválok nagyon ősi szokások voltak, mint maga Dionüszosz kultusza, de a művészetben a dionüszoszi elem még soha nem tört át ilyen erővel, olyan nyitottsággal, mint a Scopas szobrában, és ez nyilvánvalóan az idők tünete. Most felhők gyülekeztek Hellas felett, és a szellem racionális tisztaságát megzavarta az a vágy, hogy elfelejtse, ledobja a korlátozások bilincsét. A művészet, mint egy érzékeny membrán, reagált a társadalmi légkör változásaira, és jelzéseit saját hangjaivá, saját ritmusává alakította át. A Praxiteles alkotásainak melankolikus nyűgje és Scopas drámai impulzusa csak különböző reakció a kor általános szellemére.
A Skopas körének, és valószínűleg neki is, egy fiatalember márvány sírköve van. A fiatalembertől jobbra öreg apja áll a mély gondolkodás kifejezése mellett, az ember úgy érzi, hogy kíváncsi: miért hagyta el fia fiatalságának legkorábbi időszakában, és ő, az öregember maradt élni? A fiú maga elé néz, és úgy tűnik, már nem veszi észre az apját; messze van innen, a gondtalan Champs Elysees-ben - az áldottak lakhelyében.
A lábánál lévő kutya a túlvilág egyik szimbóluma.
Itt illik általában elmondani a görög sírkövekről. Közülük viszonylag sok maradt fenn, az 5. és főleg a Kr. E. 4. századból. e. alkotóik általában ismeretlenek. Néha a sírkő stela domborműve csak egy alakot ábrázol - az elhunytat, de gyakrabban rokonait ábrázolják mellette, egyet-kettőt, akik elbúcsúznak tőle. Ezekben a búcsú és elválás jeleneteiben az intenzív bánat és bánat soha nem fejeződik ki, csak csendes; szomorú álmodozás. A halál béke; a görögök nem egy szörnyű csontvázban személyesítették meg, hanem egy fiú - Thanatos, Hypnos ikre - alakjában ábrándozták meg. Az alvó babát a fiatalember sírkövén, a lábánál lévő sarokban is ábrázolják. A túlélő rokonok az elhunytra néznek, emlékezetébe akarják örökíteni vonásait, néha megfogják a kezét; ő maga (vagy ő) nem néz rájuk, és az ember relaxációt, elszakadást érez az alakjában. Gegeso híres sírkövében (Kr. E. 5. század vége) egy álló szolga szerelmesének, aki karosszékben ül, egy ékszerdobozt ad, Gegeso megszokott, automatikus mozdulattal elvesz belőle egy nyakláncot, de hiányzónak és lógónak tűnik.
Kr. E. 4. századi valódi sírkő e. a padlásmester munkái az Állami Szépművészeti Múzeumban láthatók. MINT. Puskin. Ez egy harcos sírköve - lándzsát tart a kezében, mellette a lova. De a testtartás egyáltalán nem harcias, a végtagok elernyedtek, a fej lehajtott. A ló túloldalán búcsú áll; szomorú, de nem lehet tévedni, hogy a két alak közül melyik ábrázolja az elhunytat és melyik az élők közül, bár látszólag hasonlóak és azonos típusúak; A görög mesterek tudták, hogyan kell az elhunytat átérezni az árnyék völgyébe.
Az utolsó búcsú lírai jeleneteit a temetkezési urnákon is ábrázolták, ahol lakonikusabbak, néha csak két alak - egy férfi és egy nő - kezet fogott egymással.
De itt is mindig láthatja, hogy melyikük tartozik a halottak királyságához.
A görög sírkövekben egyfajta különleges tisztaság érződik a szomorúság kifejező nemes visszafogottságával, ami teljesen ellentétes a bacchikus extázissal. A Scopasnak tulajdonított fiatalember sírköve nem sérti ezt a hagyományt; magas plasztikai tulajdonságai mellett csak a töprengő öregkép filozófiai mélységével tűnik ki mások közül.
A Scopas és a Praxiteles művészi természetének minden ellentétével mindkettőjükre jellemző az, amit a műanyagban a képiség növekedésének nevezhetünk - a chiaroscuro hatásai, amelyeknek köszönhetően a márvány életszerűnek tűnik, amelyet a görög epigrammatikusok minden alkalommal hangsúlyoznak. Mindkét mester a márványt részesítette előnyben a bronz helyett (míg a korai klasszikusok szobrászatában a bronz dominált), és tökéletesen elérték a felületének megmunkálását. Az előállított benyomás erősségét megkönnyítette a szobrászok által használt márványtípusok különleges tulajdonságai: az átlátszóság és a fényesség. A párizsi márvány 3,5 centiméteren engedte át a fényt. Az ebből a nemes anyagból készült szobrok emberileg is élőknek és istenien romlottaknak tűntek. A korai és az érett klasszikusok műveihez képest a késő klasszikus szobrok elveszítenek valamit, hiányzik belőlük a delphikus "Aurigae" egyszerű nagysága, a phidiusi szobrok monumentalitása nincs, de az életerőben győznek.
A történelem számos további neves szobrász nevét őrizte meg Kr. E. e. Némelyikük az élet hasonlóságát ápolva elhozta azt a pontot, amelyen túl a műfaj és a jellegzetesség elkezdődik, előrevetítve a hellenizmus tendenciáit. Ez megkülönböztette az alopecai Demetriust. Kis jelentőséget tulajdonított a szépségnek, és szándékosan igyekezett olyan embereket ábrázolni, amilyenek, anélkül, hogy nagy hasat és kopasz foltokat rejtene. Különlegessége a portrék voltak. Demetrius Antisthenes filozófusról készített portrét, polemikusan az ie 5. század idealizáló portréival szemben. e., - Antisthenes öreg, petyhüdt és fogatlan. A szobrász nem tudta szellemessé tenni a csúfságot, elbűvölő szobrászmá tenni, ilyen feladat az ősi esztétika határain belül kivitelezhetetlen volt. A csúfságot egyszerűen fizikai hátrányként értették és ábrázolták.
Mások éppen ellenkezőleg, megpróbálták fenntartani és ápolni az érett klasszikusok hagyományait, gazdagítva őket nagy kegyelemmel és bonyolult műanyag motívumokkal. Ezt az utat követte Leochares, aki megalkotta az Apollo Belvedere szobrot, amely a neoklasszikusok sok generációjának szépségmércéjévé vált a huszadik század végéig. Johann Winckelmann, az ókor művészetének első tudományos történetének szerzője ezt írta: "A képzelet nem hozhat létre semmit, amely felülmúlja a Vatikáni Apollót egy gyönyörű istenség emberi arányosságán felüli arányával." Ezt a szobrot sokáig az ősi művészet csúcsának tekintették, a "Belvedere bálvány" az esztétikai tökéletesség szinonimája volt. Mint gyakran, a túlzott dicséret idővel ellentétes reakciót váltott ki. Amikor az ókori művészet tanulmányozása messze előrelépett, és számos műemlékét felfedezték, a Leochares-szobor túlzó értékelését egy alulértékelt helyettesítette: kezdték pompásnak és modorosnak találni. Eközben az Apollo Belvedere plasztikai tulajdonságait tekintve valóban kiemelkedő alkotás; a múzsák urának alakjában és járásában az erő és a kegyelem, az energia és a könnyedség egyesül, a földön járva a föld felett is szárnyal. Ráadásul mozgalma, BR Vipper szovjet művészetkritikus szavaival élve, "nem egy irányba koncentrálódik, hanem mintha a sugarak különböző irányokban térnének el". Ilyen hatás eléréséhez a szobrász kiváló készsége kellett; csak az a baj, hogy a hatás kiszámítása túl nyilvánvaló. Az Apollo Leohara mintha meghívná a szépség megcsodálására, míg a legjobb klasszikus szobrok szépsége nem mindenki számára teszi ismertté: szépek, de nem mutatkoznak. Még a Cnidus Praxiteles Aphroditéje is inkább el akar rejtőzni, mint megmutatni meztelenségének érzéki varázsát, és a korábbi klasszikus szobrok nyugodt önelégültséggel vannak tele, minden demonstrációt kizárva. Ezért el kell ismerni, hogy Apollo Belvedere szobrában az antik eszmény kezd valami külsővé, kevésbé szervessé válni, bár a maga nemében ez a szobor figyelemre méltó és magas szintű virtuóz készségeket jelöl.
A görög klasszikusok utolsó nagy szobrászművésze, Lysippos, nagy lépést tett a "természetesség" felé. A kutatók őt az argosi \u200b\u200biskolának tulajdonítják, és azt állítják, hogy teljesen más irányú volt, mint az athéni iskolában. Valójában közvetlenül követte őt, de miután átvette hagyományait, tovább lépett. Fiatalkorában a művész Evpomp kérdésére: "Melyik tanárt válasszuk?" - válaszolta a hegyet tolongó tömegre mutatva: "Itt van az egyetlen tanár: a természet."
Ezek a szavak mélyen belemélyedtek a zseniális fiatalember lelkébe, és ő, nem bízva a polikletovi kanon tekintélyében, felvette a természet pontos tanulmányozását. Előtte az embereket a kánon elveinek megfelelően alakították, vagyis teljes bizalommal abban, hogy az igazi szépség minden forma arányosságában és az átlagos magasságú emberek arányában rejlik. Lysippos egy magas, karcsú alakot részesített előnyben. Végtagjai könnyebbé váltak, a termet magasabb.
Scopas és Praxiteles-szel ellentétben kizárólag bronzban dolgozott: a törékeny márványhoz stabil egyensúly szükséges, Lysippos pedig szobrokat és szoborcsoportokat dinamikus állapotokban, összetett cselekvésekben hozott létre. A műanyag motívumok feltalálásában kimeríthetetlenül változatos volt, és nagyon termékeny volt; azt mondták, hogy minden szobor vége után egy aranyat tett a malacka bankba, és összesen ily módon tizenöt száz érmét halmozott fel, vagyis állítólag másfél ezer szobrot készített, amelyek közül néhány nagyon nagy, köztük egy 20 méteres Zeusz-szobor. Munkásságának egyetlen darabja sem maradt fenn, de meglehetősen sok másolat és ismétlés, amely akár a Lysippos eredetijéhez, akár az iskolájához nyúlik vissza, hozzávetőleges képet ad a mester stílusáról. A cselekmény szempontjából egyértelműen a férfi alakokat részesítette előnyben, mivel imádta bemutatni férjük nehéz kizsákmányolását; kedvenc hőse Hercules volt. A műanyag forma megértésében Lysippos innovatív hódítása az alak megfordítása volt a térben, amely minden oldalról körülveszi; más szavakkal, nem gondolt a szoborra egyetlen repülőgép hátterében sem, és nem ezt feltételezte, azt a fő szempontot, amelyből néznie kell, hanem számolt azzal, hogy megkerüli a szobrot. Láttuk, hogy már Scopas "Menad" -ja is ugyanarra az elvre épült. De mi volt a kivétel a korábbi szobrászok előtt, az lett a szabály Lysippos számára. Ennek megfelelően hatékony pózokat, bonyolult fordulatokat adott figuráinak, és ugyanolyan gondossággal dolgozta fel őket, nemcsak elölről, hanem hátulról is.
Emellett Lysippos újfajta időérzéket teremtett a szobrászatban. Az egykori klasszikus szobrok, még ha pózaik is dinamikusak voltak, nem tűntek befolyásolva az idő áramlásának, kívül voltak rajta, voltak, nyugalomban voltak. Lysippos szereplői ugyanabban a valós időben élnek, mint az élő emberek, cselekedeteik időbe foglalnak és átmeneti jellegűek, a bemutatott pillanat készen áll a helyére mással. Természetesen Lysipposnak itt is voltak elődei: elmondhatjuk, hogy folytatta Myron hagyományait. De még az utóbbi Discobolus is annyira kiegyensúlyozott és tiszta a sziluettjében, hogy úgy tűnik, hogy "kitartó" és statikus Hercules Lysipposhoz képest, egy oroszlánnal vagy Hermessel szemben, aki egy percig (csak egy percig!) Leült pihenni egy út menti kövön, majd folytatta szárnyas szandálján repül.
Hogy a nevezett szobrok eredetijei magának Lysipposnak, vagy tanítványainak és asszisztenseinek voltak-e, nem derül ki pontosan, de kétségtelenül ő maga készített Apoxyomenos szobrot, amelynek márvány másolata a Vatikáni Múzeumban található. Egy fiatal meztelen sportoló kinyújtott karokkal kaparóval lehúzza a tapadó port. A küzdelem után fáradt volt, kissé ellazult, sőt megtántorodott, széttárta a lábát a stabilitás érdekében. Nagyon természetes módon kezelt hajszálak tapadtak az izzadt homlokra. A szobrász mindent megtett a maximális természetesség érdekében a hagyományos kánon keretein belül. Magát a kánont azonban felülvizsgálták. Ha összehasonlítjuk az Apoxyomenos-t a Doriphorus Polycletus-szal, akkor egyértelmű, hogy a test arányai megváltoztak: a fej kisebb, a lábak hosszabbak. Dorifor nehezebb és zömökebb, mint a hajlékony és karcsú Apoxyomenos.
Lysippos Nagy Sándor udvari festője volt, és számos portréját elkészítette. Nincs bennük hízelgés vagy mesterséges dicsőítés; Sándor hellenisztikus másolatban őrzött fejét Skopas hagyományai szerint hajtják végre, kissé hasonlítva egy sebesült harcos fejéhez. Ez egy olyan ember arca, aki feszülten és keményen él, aki nem szerzi meg könnyen a győzelmét. Az ajkak félig nyitottak, mintha erősen lélegeznének, és fiatalsága ellenére ráncok jelennek meg a homlokán. Megmaradt azonban a klasszikus, a hagyományok által legalizált arányokkal és jellemzőkkel rendelkező arctípus.
Lysippos művészete határzónát foglal el a klasszikus és a hellenisztikus korszak fordulóján. Még mindig igaz a klasszikus fogalmakhoz, de már belülről aláássa őket, megteremti az alapot a valami másra, lazábbra és prózaibbra való áttéréshez. Ebben az értelemben az ökölharcos feje jelzésértékű, amely nem Lysipposé, hanem talán testvérének, Lysistratusnak, aki szintén szobrász volt, és mint mondták, elsőként használta a modell arcáról eltávolított maszkokat portrékhoz (amelyek az ókori Egyiptomban elterjedtek, de A görög művészet teljesen idegen). Talán az ökölharcos feje is a maszk segítségével készült; messze van a kánontól, távol a fizikai tökéletesség ideális fogalmaitól, amelyeket a görögök sportoló képében testesítettek meg. Ez az ökölharc győztese a legkevésbé sem olyan, mint egy félisten, csak a tétlen tömeg szórakoztatója. Arca durva, orra lapított, füle duzzadt. Ez a fajta "naturalista" kép később elterjedt a hellenizmusban; Még ennél is csúnyább öklöző harcost Apollonius padlásszobrász faragott már Kr. E. 1. században. e.
Ami előzetesen árnyékot vetett a hellén világszemlélet világos szerkezetére, az Kr. E. e.: a demokratikus pólus felbomlása és halála. Ezt Macedónia, Görögország északi régiójának felemelkedése, valamint II. Fülöp macedón király tényleges valamennyi görög állam általi lefoglalása kezdeményezte. A chaeroneai csatában (Kr. E. 338-ban), ahol a görög macedónellenes koalíció csapatait legyőzték, Philip 18 éves fia, Sándor, a leendő nagy hódító vett részt. A perzsák elleni győztes hadjárattal kezdve Sándor kelet felé tolta seregét, elfoglalta a városokat és újakat alapított; egy tízéves kampány eredményeként hatalmas monarchia jött létre, amely a Dunától az Indusig húzódott.
Nagy Sándor fiatalkorában megkóstolta a legmagasabb görög kultúra gyümölcsét. Tanára Arisztotelész nagy filozófus volt, az udvari művészek Lysippos és Apelles voltak. Ez nem akadályozta meg, miután megragadta a perzsa államot és elfoglalta az egyiptomi fáraók trónját, istenné nyilvánította magát, és követelte, hogy neki és Görögországnak isteni kitüntetéseket adjanak. A görögök a keleti szokásoktól nem szokva, nevetve azt mondták: "Nos, ha Sándor isten akar lenni - legyen az", és hivatalosan Zeusz fiának ismerte el. Az a orientáció, amelyet Sándor kezdett bevezetni, komolyabb kérdés volt, mint egy győzelemmel részeg hódító szeszélye. Tünete volt az ókori társadalomnak a rabszolgatartó demokráciától a keleti ókortól kezdve létező formáig - a rabszolgatartó monarchiáig tartó történelmi fordulat felé. Sándor halála után (és fiatalon halt meg) kolosszális, de törékeny állapota összeomlott, a befolyási területeket katonai vezetői, az úgynevezett diadochi utódok osztották meg egymás között. Az uralmuk alatt álló újonnan feltörekvő államok már nem görög, hanem görög-keleti államok voltak. Eljött a hellenizmus korszaka - a hellenikus és keleti kultúrák egyesítése a monarchia égisze alatt.
Az ókori Görögország művészete az egész európai civilizáció oszlopává és alapjává vált. Az ókori Görögország szobra különleges téma. Antik szobor nélkül nem lennének a reneszánsz ragyogó remekei, és e művészet további fejlődése nehezen képzelhető el. A görög antik szobrászat fejlődésének történetében három nagy szakasz különböztethető meg: archaikus, klasszikus és hellenisztikus. Mindegyiknek van valami fontos és különleges. Tekintsük mindegyiket.
Régies
Ez az időszak magában foglalja a Kr. E. 7. századtól az Kr. U. 5. század elejéig létrehozott szobrokat. A korszak meztelen harcosok-fiatalok alakjait adta nekünk (amelyben), valamint sok női ruhát (kéregben). Az archaikus szobrokra bizonyos séma, aránytalanság jellemző. Másrészt a szobrász minden alkotása vonzó az egyszerűsége és a visszafogott érzelmessége miatt. E korszak figuráit félmosoly jellemzi, amely bizonyos rejtélyt és mélységet kölcsönöz a műnek.
A Berlini Állami Múzeumban őrzött "Istennő a gránátalmával" az egyik legjobban megőrzött archaikus szobor. A külső érdességgel és a "rossz" arányokkal a néző figyelmét a szobor keze vonzza, amelyet a szerző remekül készített. A szobor kifejező gesztusa dinamikussá és különösen kifejezővé teszi.
Az athéni múzeum gyűjteményét díszítő "Piraeus Kouros" egy ősi szobrászművész későbbi, ezért tökéletesebb alkotása. A közönség előtt egy hatalmas fiatal harcos. Enyhe fejdöntés és kézmozdulatok békés beszélgetésről beszélnek, amelyet a hős vezet. A megzavarodott arányok már nem annyira feltűnőek. Az arcvonások pedig nem annyira általánosítottak, mint az archaikus kora korai szobraiban.
Klasszikus
Ennek a korszaknak a szobrai többségét az antik plasztika művészethez kötik.
A klasszikusok korában olyan híres szobrokat hoztak létre, mint Athena Parthenos, Olümposzi Zeusz, Discobolus, Dorifor és még sokan mások. A történelem az utókor számára megőrizte a korszak kiemelkedő szobrászainak nevét: Polycletus, Phidias, Myron, Scopas, Praxitel és még sokan mások.
A klasszikus Görögország remekeit megkülönbözteti harmónia, ideális arányok (ami az emberi anatómia kiváló ismeretéről szól), valamint belső tartalma és dinamikája.
A klasszikus időszakra jellemző az első meztelen női alakok megjelenése (Sebes Amazon, Cnidus Aphrodite), amelyek képet adnak a női szépség ideáljáról az ókor fénykorában.
hellenizmus
A késő görög ókort erős keleti hatás jellemzi az egész művészetre és különösen a szobrászatra. Összetett előrövidítések, gyönyörű drapériák, számos részlet jelenik meg.
A keleti érzelmesség és temperamentum behatol a klasszikusok nyugalmába és fenségébe.
A római Termeszi Múzeumot díszítő cirenei Aphrodite tele van érzékiséggel, sőt némi kacérsággal.
A hellenisztikus korszak leghíresebb szobrászati \u200b\u200bkompozíciója Laocoon és fiai, Rhodes Agesander (a remekművet az egyik épület őrzi). A kompozíció tele van drámával, maga a cselekmény is erős érzelmekre utal. Kétségbeesetten ellenáll az Athena által küldött kígyóknak, úgy tűnik, maga a hős és fiai megértik, hogy szörnyű a sorsuk. A szobor rendkívüli pontossággal készül. Az ábrák műanyagak és valóságosak. A szereplők arca erős benyomást kelt a nézőben.
A hellének kultúrája és művészete mindig felkeltette azok figyelmét, akik számára már történelem volt. A középkorban, a reneszánszban, az újkor évszázadaiban a művészek az ókori görögök művészetében csodálatos példát láttak, az érzések, gondolatok, ihlet kimeríthetetlen forrását. Az ember mindenkor jellegzetes kíváncsiságával arra törekedett, hogy behatoljon az ókori görög művészet tökéletességének rejtélyébe, ésszel és érzéssel próbálta megérteni a hellén emlékművek lényegét.
"Homérosz korába kell lépnünk, kortársává kell válnunk, együtt kell élnünk hősökkel és pásztorkirályokkal, hogy jól megértsük őket. Ezután Achilles, aki hősöket énekel a líráján, és maga kosokat süt, aki tombol a halott Hector felett, és apja, Priam, tehát nagylelkűen kínál vacsorát és szállást bokrában, nem fantasztikus embernek, eltúlzott fantáziának tűnik számunkra, hanem egy igazi fiúnak, a nagy hőskor tökéletes képviselőjének, amikor az emberiség akarata és ereje teljes szabadsággal együtt fejlődött ... Akkor a háromezer évig létező világ nem halott lesz és minden szempontból idegen tőlünk. "
A trójai háborúban meggyengült acha törzsek meghódítása után a doryaiak által következik az ókori görög művészet történetének homéroszi periódusa (Kr. E. XI – VIII. Század), amelyet patriarchális élet jellemez, a kis gazdaságok széttagoltsága és egy kialakuló kultúra primitív jellege jellemzi. Ettől kezdve szinte semmilyen építészeti emlék nem maradt fenn, mivel az anyag főként fa és nyers tégla volt, de csak a napon száradt. Csak a gyengén megőrzött alapok maradványai, vázákra rajzolások, terrakotta temetkezési urnák, házakhoz és templomokhoz hasonlítva, valamint Homérosz verseinek egyes sorai adhatnak képet az építészet eredetéről:
"Barátom, természetesen Odüsszeusz dicsőséges házához érkeztünk,
Könnyen felismerhető az összes többi ház között:
Hosszú sor szoba tágas, széles és tisztán burkolt
Crenellated udvar, dupla kapuk
Erős zárral - senkinek nem jutna eszébe erőszakkal betörni rájuk. "
Ritka, egyszerű formájú és kis méretű szobrászati \u200b\u200bemlékműveket is létrehoztak abban a korszakban. Különösen elterjedt volt az edények díszítése, amelyet az ókori görögök nemcsak a mindennapi életben tartottak szükségesnek. Változatos, néha szeszélyes kerámia formákban, egyszerű, de kifejező formában.
A vázák formáiban és mintáiban, amelyek a Kr. E. 9. század előtt keletkeztek. e., az egyszerű emberek kifejezték az őket létrehozó emberek érzéseit. Az edényeket általában díszek borították a legegyszerűbb alakok formájában: körök, háromszögek, négyzetek, rombuszok. Az idők folyamán az edények mintái összetettebbé váltak, és formáik sokfélék lettek. A 9. század végén - a Kr. E. 8. század elején. e. a vázák a felület folyamatos díszekkel való kitöltésével jelentek meg. A müncheni Iparművészeti Múzeum amphorájának testét vékony övekre osztják - frízekre, amelyek geometriai alakokkal vannak festve, mint a csipke, egy edényen fekve. Az ókori művész úgy döntött, hogy a mintákon - állatokon és madarakon kívül - ennek az amforának a felszínén is megmutatja a különféle frízeket, amelyek egyikét a torok felső részén, a másikat a test legelején, a harmadikat pedig az alja közelében helyezte el. Az ismétlés elve, amely a különböző népek művészetének fejlődésének korai szakaszára jellemző, a görögöknél is megjelenik a kerámia festményekben, az itt szereplő vázafestő különösen az állatok és a madarak ábrázolásánál használta az ismétlést. Azonban még egyszerű kompozíciókban is észrevehetők a különbségek a torokban, a testen és az alján. A corollanál a dámszarvasok nyugodtak; békésen legelnek, a füvet rágcsálják. A test helyén, ahol a karok emelkedni kezdenek, és az edény alakja élesen megváltozik, az állatok másképp jelennek meg - mintha riadtan fordultak volna hátra, megriadva. Az edény kontúrvonalának sima ritmusának megsértése visszhangot talált a dámszarvas képén.
A Dipylon amphora, amely sírköveként szolgált az athéni temetőben, a 8. századra nyúlik vissza. Monumentális formái kifejezőek; széles test, magas torok büszkén emelkedik. Nem kevésbé fenségesnek tűnik, mint egy templom karcsú oszlopa vagy egy erős sportoló szobra. Teljes felülete frízekre oszlik, amelyek mindegyikének megvan a maga mintája, gyakran ismétlődő különféle kanyarulatokkal. Az állatok frízeken való ábrázolása itt ugyanazon elv szerint zajlik, mint a müncheni amforán. A legszélesebb ponton búcsúhely van az elhunyttól. Az elhunyttól jobbra és balra a fejükre hajtott karral rendelkező gyászolók vannak. A síremlékként szolgáló vázákon a rajzok bánata rendkívül visszafogott. Az itt bemutatott érzések keménynek tűnnek, közel állnak azokhoz, amelyeket Odüsszeusz tapasztalt, miközben Penelope izgalmas történetét hallgatta, aki sírt és nem ismerte fel:
"De mint a szarv vagy a vas, a szemek mozdulatlanul álltak
Évszázadokig. És nem adott szabad utat a könnyeknek, körültekintően! "
A 10.-8. Század festményeinek lakonizmusában olyan tulajdonságok alakultak ki, amelyek később a görög művészet plasztikusan lédús formáiban alakultak ki. Ez a korszak a görög művészek iskolája volt: a geometriai stílusrajzok szigorú tisztasága az archaikus és a klasszikus képek visszafogott összhangjának köszönhető.
A geometriai stílusban megnyilvánultak az emberek esztétikai érzései, amelyek megkezdték az utat a civilizáció csúcsáig, amely később emlékműveket hozott létre, amelyek elhomályosították az egyiptomi piramisok és Babilon palotáinak dicsőségét. A hellének határozottsága és belső higgadtsága ekkor visszafoghatatlan ritmusú, letisztult és vonalvezetésű visszhangot talált a festmények szélsőséges lakonizmusában. A képek konvencionális jellege, a formák egyszerűsítése nem a finomítás eredménye, hanem az a vágy, hogy grafikus előjellel fejezzük ki a való világ teljesen meghatározott tárgyának általános koncepcióját. A kép ezen elvének korlátozása a kép sajátos, egyedi jellemzőinek hiányában történik. Értéke az, hogy az ember a fejlődés korai szakaszában kezd behozni a világba, amely még mindig érthetetlennek és kaotikusnak tűnik, a rendszer és a rend elemének. A geometria sematikus képei a jövőben egyre több konkrétummal telítődnek, de a görög művészek nem veszítik el az ebben a művészetben elért általánosítás elvét. E tekintetben a homéroszi kor festményei jelentik az ősi művészi gondolkodás fejlődésének első lépéseit.
A dipiloni vázák által képviselt padlásművészet boldogan ötvözi azokat a formákat, amelyeket évszázadok óta fejlesztenek Görögország különböző régióiban - a szigeteken, a dór központokban, Boeotia-ban. Attikán különösen szép edényeket hoznak létre tartós, élő festményekkel. Argosban a kompozíciók rendkívül lakonikusak, Boeotiában kifejezőek, az Égei-tenger szigetein elegánsak. De minden művészeti iskola esetében, amelyek eredetiségét már a homéroszi korszakban felvázolták, és főleg a padlás esetében, jellemzőek a közös tulajdonságok - az emberi kép iránti érdeklődés növekedése, a formák harmonikus megfelelésének vágya és a kompozíció egyértelműsége.
A geometriai stílus szobrászatában nem kevesebb az eredetiség, mint a vázafestésben. Kis műanyag díszítésű kerámiák, amikor agyagból vagy bronzból készült állatfigurákat rögzítettek az edények fedelén és fogantyúként szolgáltak. Voltak olyan kultikus jellegű figurák is, amelyek nem voltak összekapcsolva edényekkel, amelyeket istenségeknek szenteltek, templomokba helyeztek vagy síroknak szántak. Leggyakrabban ezek sütött agyagból készült figurák voltak, csak körvonalazott arcvonásokkal és végtagokkal. A szobrászok csak néha vállaltak bonyolult problémákat, és stílusuk meglehetősen eredeti módszereivel oldották meg őket. A geometriai figurák többségét szemlélődésre szánják, és laposnak tűnnek, mint a vázák képei. A sziluett nagy jelentőséggel bír bennük, csak később kezd felébredni a mester iránti érdeklődés. A művész plasztikus világismeretének elemei csak körvonalazódnak.
A geometriai stílus szobrában az ilyen témájú alkotások még mindig ritkák, például egy kentaur és egy férfi bronz ábrázolása, amelyet a New York Metropolitan Museum tárol, és amelyet oldalról lehet megtekinteni. Azonban már itt világosan megfigyelhető, mi fog később megjelenni a görög archaikusban - a férfi alak meztelensége, a csípő és a váll hangsúlyos izmai.
A Kr. E. VIII. Század második felében. e. a geometriai stílusban olyan jellemzők jelennek meg, amelyek szigorú szabályainak elvetését jelzik. Az a vágy, hogy egy ember, egy állat alakját, különféle tárgyakat ne sematikusan, hanem élénkebben mutassák meg. Ebben látható a festmények és szobrok konvencionalitásától való eltérés kezdete. Fokozatosan a görög mesterek teljesebb vérű, életre jellemző képekre térnek át. Már a geometriai stílus hanyatlásakor körvonalazódtak azok a folyamatok első jelei, amelyek a korai antikvitás formáinak a geometriai stílusban való konvencionalitásától kezdve a késő ókor emlékműveiben a világ reprodukciójának legnagyobb konkrétumához vezetnek. Az ember érettebb, a világról alkotott elképzeléseinek megjelenésével nem sematikus, hanem részletes képre van szükség, ami a geometriai stílus válságához vezet, és új formákat jelenít meg a Kr. E. 7. – 6. Század archaikus korának emlékműveiben. e.
A műanyag kötetek tömegességét az archaikus szobrászatban általában dekoratív részletek és színezés lágyítják. Díszes módon díszítik Medusa hajgöndörségét, kígyóinak csavarjait, copfjait, gyűrűjeit, amelyek a szörny mellkasán ereszkednek le. A Medusát övező kígyók bonyolult és bonyolult mintát alkotnak. A ragadozó, de nem ijesztő párducok, akiknek bőrét fényes festett körök borították, hátukkal érintik a tetőt, és annak kellékeinek tekintik őket. Hasonlóan az archaikus oromfalak más kompozícióihoz, itt is észrevehető a szobrászat erős alárendelése az építészetnek, a sarokfigurák mérete általában kisebb, mint a középső. Előnyben részesítik a szimmetriát, hangsúlyt fektetve a középső alakra, amely az oromzat gerincén helyezkedik el. Néhány frontonkompozíció és templom fennmaradt, amelyek archaikus időkben álltak az athéni Akropoliszon. Az egyik legrégebbi Herkules képének tekinthető, amely legyőzi a Lernaean-hidrat. Herkules, a tengeri szörnyeteg gőte ellen harcolva, egy másik Akropolisz templomban - Hecatompedonban - láthatóan lekuporodik, és az ellenséget a földre nyomja. A tritopátor szobrát, egy jó démont, három emberi testtel, szintén erre a templomra utalják. A démon békés, vonzó arcain a szín jól megmaradt, a fején és szakállán kék a szőr, a szem zöld, a fül, az ajkak és az arcok vörösek. Sűrű festékrétegek rejtették el a mészkő (bozót) érdességét.
A görögök művészetének fő témája elsősorban egy istenként, hősként, atlétaként képviselt személy. Már az archaikus elején rövid időn át kitör a gigantizmus, amikor egy személyt Kr. E. 7. század végén ábrázolunk. e. Phazoson, Naxoson, Deloson. Az archaikus szobrászat műemlékeiben a plaszticitás növekszik, felváltva a geometria képeiben rejlő sematizmust. Ez a vonás a thébai Apollo bronzfigurájában jelenik meg, ahol a lekerekített váll, a csípő és a visszafogott hajdísz érezhető.
Kr. E. 7. század közepén. e. a szobrászok márványhoz fordulnak, amely az emberi test ábrázolásához a legalkalmasabb anyag, a felszínén kissé átlátszó, néha fehér, néha krémes, gyönyörű patinával, felidézve a testi valóság érzését. A kézművesek kezdenek eltávolodni azoktól a konvencióktól, amelyeket a színes mészkő alkalmazása fokozott.
Delos fő görög vallási központjában talált egyik első márványszobor, az Artemisz-szobor hatalmas erővel teli. A kép egyszerű, ugyanakkor monumentális és ünnepélyes. A szimmetria mindenben megjelenik: a haj bal és jobb oldalon négy fürtsorra oszlik, szorosan a kéz testéhez szorítva. A mester a formák legnagyobb lakonizmusával éri el az istenség nyugodt erejének benyomását.
Az a vágy, hogy a szoborban megmutasson egy szép, tökéletes embert, aki versenyt nyert, függetlenül attól, hogy vitézül elesett-e a szülővárosáért vívott csatában, vagy aki erejében és szépségében hasonló volt egy istenséghez, a 7. század végén meztelen fiatal férfiak márványszobrainak - kouróknak - a megjelenését eredményezte. Izmos és erős, magabiztos képviseli Argos, Cleobis és Biton Polimédész. A szobrászok mozgásban kezdik ábrázolni az alakot, a fiatalok pedig bal lábukkal lépnek előre.
Az archaikus mesterek vágyakoznak az érzések mozgásának, az ember vagy egy istenség arcán elterülő mosoly átadására. A naiv, archaikus mosoly megérinti Hera vonásait, akinek nagy mészkőfejét Olümpiában találták meg. A mester megmutatta ajkainak görbületét, talán azért, mert amikor a magas szobrot alulról nézték, körvonalaik szigorúnak tűnnek.
A késő archaikusok mesterei összetett plasztikai feladatokhoz fordulnak, és megpróbálják megmutatni az embert, aki cselekszik - lovagol vagy állatot visz az oltár elé.
A Moszkhofor márványszobra görögöt ábrázol borjúval, szelíden fekszik a vállán. Az athéni arcot örömsugár világítja meg. Úgy tűnik, hogy nem borjút áldoz fel, hanem a legkedvesebb érzéseit az istenségnek szenteli.
A Kr. E e. különféle anyagokat használt. Készítették kompozícióikat agyagmetopokon, fatáblákon (a sicyoni áldozati színhely), az isteneknek szentelt kis agyagtáblákon, pinacákon (Athén), festett agyagszarkofágok (Klazomenes) falain, mészkő- és márvány sírköveken (Lysis sztéléje, Sounion rúdja). De nincs sok ilyen emlékmű, ahol a festést sík felületre vitték volna, és a kilőtt vázák gömbfelületén található rajzok, amelyek hozzájárultak a festék tartósságához, jobban megmaradtak.
A Kr. E. VIII. Század végén e. a görög társadalomban új ízlés és érdekek alakultak ki. Az egyszerűsített, hagyományos geometriai képek már nem elégítenek ki; váza rajzokon a Kr. e. 7. század művészei e. növényi motívumokat és cselekményjeleneteket kezdtek bőven bemutatni. A Kis-Ázsia keleti közelsége a dekoratív és színes kompozíciókban fejeződött ki, amelyek miatt a Kr. E. e. orientálódás, vagy szőnyeg. Művészileg tökéletes edények készültek Krétán, Delos, Melos, Rhodes szigetein és Kis-Ázsia városaiban. A 7. és 6. század elején a vázák gyártásának egyik fő központja Korinthosz, a 6. században pedig Athén volt.
A 7. században a vázák formái változatosabbá válnak, de észrevehető tendencia mutatkozik a kontúrok kerekítése felé. A kötetek gazdagságának hasonló növekedése történt a szobrászatban és az építészetben. A vékony fa kellékeket kövér kőoszlopok helyettesítették entázissal. A 7. századi vázákra rajzolás technikája is bonyolultabbá vált, a művész palettája gazdagabbá vált. A fekete lakk mellett a fehér festék, a különböző tónusú lilák, a karcolás pedig a részletek megjelölésére szolgál.
A Melian-edényen ábrázolt Apollo, a múzsák és az Artemis nem olyan vázlatosan látható, mint a geometriai kompozíciókban. Az akkori festményeken észrevehető a mesterek csodálata a világ élénk színei iránt. A rajzok ugyanolyan dekoratívak és díszekkel telítettek, mint ennek az impulzusnak a feltűnő epitetekkel rendelkező homéroszi himnuszai. Kevesebb a férfiasság, mint a geometrikus jelenetekben, de a lírai elv erősebb. A vázákon készült kompozíciók jellege összhangban áll Sappho költészetével.
A paletták, körök, négyzetek, kanyarulatok, spirális indák mintáinak kegyelmében ott van a stilizált természet illata, amely átment a díszítő - vázafestő - érzésén. A díszesség, amely e korszak rajzainak megkülönböztető jegye, áthatja a kitalált képeket és elnyeli, feloldja motívumaik dallamos ritmusaiban. Az emberek és állatok kontúrjai díszesek, az alakok és tárgyak közötti réseket gondosan kitöltik minták.
A sziget hajói festménye színes szőnyeggel fekszik. A lédús és puffadt felület az Odes-kancsó formájában - oinohoi frízekre oszlik - csíkokra, amelyeken állatok állanak ki rendszeresen. Az Odos-vázákon különösen gyakran egymás után legelésző vagy csendesen sétáló állatokat és madarakat ábrázolnak, néha valóságos, de gyakran fantasztikus szfinxeket, szirénákat, gyönyörű dinamikus vonalakkal, rugalmas kontúrokkal.
(ArticleToC: engedélyezve \u003d igen)
Amikor az ókori Görögország szobraival szembesültek, sok jeles elme kifejezte őszinte csodálatát. Az ókori Görögország művészetének egyik leghíresebb kutatója, Johann Winckelmann (1717-1768) a görög szobrászatról azt mondja: „A görög művek hívei és utánzói műhelyeikben nemcsak a legszebb természetet, hanem a természetet is többet találják, nevezetesen annak ideális szépségét, amely ... az elme által felvázolt képekből jön létre. " Mindenki, aki a görög művészetről ír, a naiv közvetlenség és mélység, a valóság és a fikció elképesztő kombinációját jegyzi meg benne.
Benne, főleg a szobrászatban, az ember ideálja testesül meg. Mi az ideál sajátossága? Hogyan varázsolta el annyira az embereket, hogy az idős Goethe zokogott a Louvre-ban Aphrodite szobra előtt? A görögök mindig is azt hitték, hogy csak egy gyönyörű test élhet gyönyörű lelket. Ezért a test harmóniája, a külső tökéletesség elengedhetetlen feltétel és alap egy ideális ember számára. A görög ideált a kalokagatiya (görög kalos - gyönyörű + agathos jó) kifejezés határozza meg. Mivel a kalokagatya magában foglalja mind a testalkat, mind pedig a lelki erkölcsi smink tökéletességét, egyszerre a szépséggel és az erővel, az ideál magában hordozza az igazságosságot, a tisztaságot, a bátorságot és az ésszerűséget. Ez teszi az ókori szobrászok által faragott görög isteneket egyedülállóan gyönyörűvé.
Az ókori görög szobrászat legjobb műemlékeit az 5. században hozták létre. IDŐSZÁMÍTÁSUNK ELŐTT. De a korábbi művek lejöttek ránk. A 7. - 6. század szobrai A BC szimmetrikus: a test egyik fele a másik tükörképe. Bilincses pózok, kinyújtott karok az izmos testhez nyomva. A fej legkisebb dőlése vagy elfordulása sem, de az ajkak mosolyra válnak. Mosoly világítja meg a szobrot belülről az életöröm kifejezésével. Később, a klasszicizmus időszakában a szobrok nagyobb formaváltozatot szereznek. Voltak kísérletek a harmónia algebrai megértésére. Az első tudományos tanulmányt arról, hogy mi a harmónia, Pitagorasz végezte el. Az általa alapított iskola filozófiai és matematikai jellegű kérdéseket vetett fel, matematikai számításokat alkalmazva a valóság minden aspektusára.
Videó: Az ókori Görögország szobrai
Számelmélet és szobrászat az ókori Görögországban
Sem a zenei harmónia, sem az emberi test vagy építészeti szerkezet harmóniája nem volt kivétel. A pitagorai iskola a számot tartotta a világ alapjának és kezdetének. Mi köze a számelméletnek a görög művészethez? Kiderül, hogy ez a legközvetlenebb, mivel az Univerzum szféráinak harmóniáját és az egész világ harmóniáját ugyanazok a számarányok fejezik ki, amelyek közül a fő a 2/1, a 3/2 és a 4/3 arány (a zenében ez egy oktáv, egy ötödik és egy negyedik). Ezenkívül a harmónia feltételezi annak lehetőségét, hogy az egyes tárgyak - beleértve a szobrokat is - részeinek bármilyen összefüggését kiszámítsák a következő arány szerint: a / b \u003d b / c, ahol a a tárgy bármely kisebb része, b bármely nagy része, c az egész. Ennek alapján a nagy görög szobrász, Polycletus (Kr. E. 5. század) létrehozott egy ifjúsági lándzsahordozó (Kr. E. 5. század) szobrát, amelyet "Dorifor" ("Dárdahordozó") vagy "Canon" néven neveznek - a mű címe után. szobrász, ahol a művészet elméletét tárgyalva megvizsgálja a tökéletes ember ábrázolásának törvényszerűségeit.
(googlemaps) https://www.google.com/maps/embed?pb\u003d!1m23!1m12!1m3!1d29513.532198747886!2d21.799533410740295!3d39.07459060720283!2m3!1f0!2f0!1f0!1024m2! 2i768! 4f13.1! 4m8! 3e6! 4m0! 4m5! 1s0x135b4ac711716c63% 3A0x363a1775dc9a2d1d! 2z0JPRgNC10YbQuNGP! 3m2! 1d39.074208! 2d21.84sv3
Görögország a térképen, ahol az ókori Görögország szobrai készültek
Polycletus "The Spearman" szobra
Úgy gondolják, hogy a művész érvelése szobrának tulajdonítható. Polycletus szobrai tele vannak mozgalmas élettel. Polycletus szerette nyugalmi állapotban ábrázolni a sportolókat. Vegyük ugyanazt a "Lándzsásembert". Ez a hatalmas ember tele van méltósággal. Mozdulatlanul áll a néző előtt. De ez nem az ókori egyiptomi szobrok statikus része. A testét ügyesen és könnyedén irányító emberként a lándzsás kissé meghajlította az egyik lábát, és a test súlyát a másikra helyezte. Úgy tűnik, hogy eltelik egy pillanat, és egy lépést tesz előre, megfordítja a fejét, büszke szépségére és erejére. Előttünk egy erős, jóképű, félelemtől mentes, büszke, visszafogott ember - a görög eszmék megtestesítője.
Videó: görög szobrászok.
Myron "Discobolus" szobor
Korabeli Polycletusszal ellentétben Myron szerette mozgásban ábrázolni szobrait. Például a "Discobolus" szobor (Kr. E. 5. század; Museum Term. Róma). Szerzője, a nagy szobrász Miron egy jóképű fiatalembert ábrázolt abban a pillanatban, amikor nehéz korongot lendített. A mozdulat által elfoglalt teste hajlított és feszült, mint egy kibontakozásra kész rugó.
Az edzett izmok kidudorodtak a hátradőlt kar feszes bőre alatt. A lábujjak mélyen a homokba nyomódtak, szilárd támaszt képezve.
Phidias szobor "Athena Parthenos"
Myron és Polycletus szobrát bronzba öntötték, de csak a rómaiak által készített ókori görög eredetiből maradt márványmásolatok. Korának legnagyobb szobrászművésze, a görögök Phidiasnak tekintették, aki márványszobrával díszítette a Parthenont. Szobrain különösen tükröződik, hogy Görögországban az istenek nem mások, mint egy ideális ember képei. A fríz dombormű legjobban megőrzött márványcsíkja 160 méter hosszú, amely egy körmenetet ábrázol Athena istennő temploma - a Parthenon - felé. A Parthenon szobra súlyosan megrongálódott. Az "Athena Parthenos" pedig az ókorban elpusztult. Bent állt a templomban, és hihetetlenül gyönyörű volt. Az istennő alacsony, sima homlokú, lekerekített állú feje, nyaka és karja elefántcsontból készült, a haj, a ruházat, a pajzs és a sisak aranyból készült. Az istennő egy gyönyörű nő formájában Athén megszemélyesítője. Sok szobor kapcsolódik ehhez a szoborhoz.
Phidias egyéb szobrai
A létrehozott remekmű olyan nagyszerű és híres volt, hogy szerzőjének azonnal sok irigykedője volt. Minden lehetséges módon megpróbálták elmondani a szobrásznak, és különféle okokat kerestek, miért okolhatják őt valamiben. Azt mondják, hogy Phidiást azzal vádolták, hogy állítólag elrejtette az istennő díszítéséhez anyagként adott arany egy részét. Phidias ártatlanságának bizonyítására eltávolította az összes arany tárgyat a szoborról, és lemérte. A súly pontosan megegyezett a szobornak adott arany súlyával. Aztán Phidias-t ateizmussal vádolták. Ennek oka Athena pajzsa volt.
(googlemaps) https://www.google.com/maps/embed?pb\u003d!1m23!1m12!1m3!1d42182.53849530053!2d23.699654770691843!3d37.98448162337506!2m3!1f0!2f0!3f0!3m2! 2i768! 4f13.1! 4m8! 3e6! 4m0! 4m5! 1s0x14a1bd1f067043f1% 3A0x2736354576668ddd! 2z0JDRhNC40L3Riywg0JPRgNC10YbQuNGP 2 3m803! 3d380!
Athén a térképen, ahol az ókori Görögország szobrai készültek
A görögök és az amazonok közötti csata cselekményét ábrázolta. A görögök közül Phidias önmagát és szeretett Periklészét ábrázolta. Phidias képe a pajzson okozta a konfliktust. Phidias minden vívmánya ellenére a görög közvélemény tiltakozást indíthatott ellene. A nagy szobrász élete kegyetlen kivégzéssel ért véget. Phidiasnak a Parthenonban elért eredményei nem voltak kimerítőek munkája szempontjából. A szobrász számos más alkotást készített, amelyek közül a legjobb az Athena Promachos kolosszális bronzfigurája volt, amelyet Kr. E.
Sajnos hiteles művek már nem léteznek, és nem láthatjuk a saját szemünkkel az ókori Görögország csodálatos műalkotásait. Csak azok leírása és másolata maradt. Ez nagyrészt annak köszönhető, hogy a keresztény hívők fanatikusan elpusztították a szobrokat. Így jellemezheti az olümpiai templom Zeusz-szobrát: Hatalmas tizennégy méteres isten ült egy arany trónon, és úgy tűnt, hogy felállt, megigazítva széles vállát - szűk lesz számára a hatalmas teremben, és a mennyezet alacsony lesz. Zeusz fejét olajágak koszorúval díszítették - ez a félelmetes isten békességének jele. Arcát, vállát, karját, mellkasát elefántcsontból készítették, a bal vállára köpenyt dobtak. Zeusz koronája és szakálla csillogó aranyból készült. Phidias emberi nemességgel ruházta fel Zeuszt. Göndör szakáll és göndör haj keretezte szép arca nemcsak szigorú, de kedves is, testtartása ünnepélyes, méltóságteljes és nyugodt volt.
A testi szépség és a lélek kedvességének kombinációja hangsúlyozta isteni eszményiségét. A szobor olyan benyomást keltett, hogy az ókori szerző szerint a bánattól elkeseredett emberek vigasztalást kerestek Phidias létrehozásának elmélkedésében. A pletykák szerint Zeusz szobra a "világ hét csodája" közé tartozik. Mindhárom szobrász művei hasonlóak voltak, mivel mindannyian egy gyönyörű test és egy kedves lélek összhangját ábrázolták. Ez volt az idő középpontjában. Természetesen a görög művészet normái és attitűdje a történelem során megváltozott. Az archaikus művészet egyszerűbb volt, hiányzott belőle a mély értelmű, teljes visszahúzódás, amely örömet okoz az emberiségnek a görög klasszikusok időszakában. A hellenizmus korában, amikor az ember elvesztette a világ stabilitásának érzékét, a művészet elvesztette régi eszméit. Kezdte tükrözni a jövő iránti bizonytalanság érzéseit, amelyek az akkori társadalmi mozgalmakban uralkodtak.
Az ókori Görögország szobrászati \u200b\u200banyagai
Egy dolog egyesítette a görög társadalom és művészet fejlődésének minden periódusát: ez, ahogy M. Alpatov írja, különleges előszeretettel szolgál a műanyagok, a térművészetek számára. Ez a hajlam érthető: hatalmas, különböző színű készletek, nemes és ideális anyag - márvány - bőséges lehetőségeket kínáltak megvalósítására. Bár a görög szobrok nagy része bronzból készült, mivel a márvány törékeny volt, azonban a márvány textúrája színével és dekorativitásával lehetővé tette az emberi test szépségének legnagyobb kifejező képességgel történő reprodukcióját. Ezért leggyakrabban "az emberi test, szerkezete és hajlékonysága, karcsúsága és rugalmassága felkeltette a görögök figyelmét, készségesen ábrázolták az emberi testet meztelenül és könnyű, átlátszó ruhában".
Videó: Az ókori Görögország szobrai
Hasonló cikkek
