renascimento do hedonismo da cultura

O termo "humanismo" vem de "humanitas" latim (humanidade), que ainda estava no I B. Bc. Famoso palestrante romano cícero (106-43 aC. Er). Para ele, Humanitas é a educação e educação de uma pessoa que contribui para sua elevação.

Como uma direção na cultura, o humanismo surgiu no século XIV na Itália e se espalhou na Europa Ocidental do século XV. Revival, ou Renascimento (de Fr. Renaitre - Renascido) tornou-se uma das eras mais brilhantes no desenvolvimento da cultura européia, cobrindo quase três séculos do século XIV. até as primeiras décadas do século XVII. Foi a era de grandes mudanças na história dos povos da Europa. Sob as condições do alto nível de civilização da cidade, o processo de origem das relações capitalistas e a crise do feudalismo começou, a formação de nações e a criação de grandes estados nacionais, uma nova forma de sistema político apareceu - a monarquia absoluta, Novos grupos públicos foram formados - burguesia e trabalho contratado. Eu estava mudando mundo espiritual homem. O homem renascentista foi coberto pela sede de auto-afirmação, grandes realizações, ativamente envolvidas na vida pública, reabriu o mundo da natureza, procurou compreender profundamente, admirava sua beleza. Para a cultura do renascimento, a percepção secular e a compreensão do mundo é caracterizada, a aprovação do valor da terra, a grandeza da mente e as habilidades criativas de uma pessoa, a dignidade do indivíduo. A base ideológica da cultura do renascimento foi o humanismo.

O poeta e filósofo Francesca Petrack (1304-1374) é unanimemente considerado pelo humanismo. Petrarca foi o primeiro grande humanista, um poeta e um cidadão que conseguiram ignorar a totalidade dos alvos renascidos de pensamento e uni-los na síntese poética, que se tornou o programa de futuras gerações européias. Sua criatividade, ele conseguiu incutir com esta diversas gerações de criação de oeste e da Europa Oriental Consciência - Não deixe nem sempre claramente - alguma unidade espiritual e cultural, cuja benevolência afeta o moderno nosso século. A famosa história de amor famosa de Petrorsk para o laure, expressa pelo poeta no belo ciclo mais chancest e Sonetov, publicado sob o nome "Livro de músicas". Este livro, assim como outras obras poéticas de Petroks, fez uma impressão tão grande sobre os contemporâneos que ele era reconhecido como um dos maiores poetas e foi coroado com uma coroa de louros.

Em seu trabalho - o começo de muitos caminhos que o desenvolvimento da cultura renascentista na Itália foi. No tratado "na ignorância de seus próprios e muitos outros", ele rejeita fortemente uma bolsa escolástica inerente, em relação ao que desafiantemente proclama sua suposta ignorância, porque considera uma bolsa de estudos de um homem completamente inútil do seu tempo. No entanto, Petrks não são apenas um poeta, mas também um tipo de e mais interessante pensador, filósofo. Foi ele quem primeiro na Europa formulou as idéias do humanismo, começaram a falar sobre a necessidade de reviver o espírito antigo, ideais de antiguidade. Não admira já no início do século XV. Eles escreveram: "Francesca Petrarca foi o primeiro a levar à graça, ele admitiu e percebeu e trouxe a elegância do antigo estilo, perdido e esquecido. O humanismo trazido ao pensamento ético pelo reconhecimento do valor da personalidade humana e da vida terrena. Assim, as idéias de felicidade, justiça e igualdade de pessoas foram desenvolvidas gradualmente. Volto ou involuntariamente, mas a corrente humanista do Renascimento contribuiu para a aprovação dos direitos pessoais e, em particular, reconhecendo o direito a uma vida feliz. Não é para surpreender que, no futuro, o humanismo fosse organicamente transformado na humanidade, promovendo a suavidade nas relações, compaixão, misericórdia, simpatia e com o tempo e a tolerância para os dissidentes. Muitos fluxos filosóficos absorvidos características de humanismo. O humanismo como fenômeno acabou por ser um sistema de pontos de vista historicamente mudando. Observando na arte, ele abriu o caminho para a ciência, a revolução científica e técnica, contribuiu para o boom econômico, educação, transformações sociais e revoluções.

Periodização do Renascimento. Antropocentrismo - ideia principal Renascimento. Petrka e Boccaccio são os fundadores da nova visão de mundo. Makiavelli e seu trabalho "soberano". Ma e Campanella - os fundadores do comunismo utópico. Abertura na região da Ciência Natural. Pico della Mirandola e Alberti - falado de pensamento sobre a dignidade do homem. A arte do Revival: Pintura, Escultura, Arquitetura.

Revival (Franz. Renascimento;italiano. Rinacimato)- Este é um período, bem como um movimento humanista na história da cultura europeia, que marca o fim da Idade Média e o início da modernidade. Renascimento originou-se na Itália no século XIV., Espalhe em países ocidentais (reavivamento do norte) e alcançou o maior auge no meio do século XVI. Até o final do XVI - o início do século XVII. Declínio perceptível do renascimento, chamado de maneirismo.

Na era do renascimento, uma pessoa sobe, sua individualidade. A alma ressuscita em todas as pessoas, e o mundo é percebido por seu isqueiro, mais colorido e mais feliz do que na Idade Média. Nova ideia Humanidade aprovada. A energia espiritual que foi acumulada ao longo da longa idade média, e o Espírito retido na concha humana, a época renascentista foi libertada, libertada e, como era, respirou em obras de arte, ciência e filosofia. No pedestal da cultura, um indivíduo se levantou. Renascença abriu o humano "eu" e sua grandeza. O mundo infinito homem foi capaz de ver em si mesmo como seu próprio mundo interior. O antroptocentrismo tornou-se a ideia principal e principal da cosmovisão do Renascimento.

O início do Renascimento na Itália está associado aos nomes dos escritores Petrarki e BokcCho que desenvolveram a tradição de Dante no enriquecimento da língua "Dolce Style Nuovo" ("Sweet New Style") e do povo - "vulgaré".

Os humores seculares, delineados em psicologia social e moralidade, tornaram-se uma das características da atmosfera espiritual, na qual foram formadas idéias humanistas. O nascimento de uma nova visão de mundo, que se tornou sinal ideológico da cultura renascentista, a maioria dos pesquisadores está associada ao nome de Francesco Petrarca, que lançou um desafio corajoso para a ciência escolar. No trabalho de Petroks está o início de muitas maneiras que o desenvolvimento da cultura renascentista na Itália foi. Scholastics baseados no método formal-terminológico, PetRka contrasta o conhecimento científico baseado na experiência de vida acumulada pela prática do ser humano; felicidade no "Deus de gregado" - felicidade humana terrena; Amor espiritual por Deus - um amor exaltado pela mulher terrena.

As idéias que se refletem no "Decameron" de J. Boccaccio é a glorificação de alegrias terrenas, igualdade de pessoas, independentemente de sua origem. Neste trabalho, a ideia também é refletida que um homem não é por sua origem social, mas que ações ele faz.

Uma das principais ideias de "Decameron" é amor por si mesmo. Ela trouxe o leitor para a elevação do papel de sua própria personalidade. A este respeito, a chancesa, que foi cantava uma das heroínas, quando os romances do primeiro dia disseram: "Eu sou da minha beleza em tão charme". Kantsona fala sobre amor sem fim por si mesmo. Nós estamos falando Sobre a gostar de riqueza: corporal, espiritual, espiritual, sua personalidade. Neste Chancello, a época foi refletida, ela abriu o humano "I" como milagre dos milagres.

O desenvolvimento da literatura contribuiu para a abertura de uma tipografia (1450). Foi uma grande invenção que permitia muitas vezes aumentar a publicação de livros, em contraste com a correspondência deles nos scripts, bem como para trazer nova circulação do monopólio da igreja.

O clero perde cada vez mais sua autoridade e posição. A atitude crítica em relação à Bíblia dos Países Baixos Humanistas Erasca Rotterdam (1469-1536) e outros pensadores fizeram uma contribuição revolucionária para o desenvolvimento da Reforma. O "elogio do absurdo" Erasmus foi ativamente influenciado pela mudança de atitudes em relação à igreja e existente na sociedade. E no trabalho da "arma do guerreiro cristão", os princípios morais cristãos foram formulados para a política do moderno soberano, que, segundo ele, o "servo do povo". A mudança da visão de mundo fugiu das guerras sangrentas. Isso levou ao desaparecimento de vários países europeus do catolicismo, isto é, para o surgimento de várias formas de protestantismo. Aberto contra o clero, Makiavelli (1469-1527) atuou em seu livro "Soberano". Ele acreditava que, apesar do fato de que a República é a forma mais progressiva do governo, na atual situação política de separação e contenção na Europa, não é aplicável. Combine as pessoas em um único estado será capaz de apenas um forte soberano. Deve ser dotado de poder indiviso, para ser "forte como um leão e astúcia como uma raposa", aplique todos os meios possíveis para manter o poder em suas mãos, para o grande "objetivo justifica fundos". "Knut e Gingerbread" Ele deve ganhar o amor das pessoas, para se tornarem se respeitar para força e poder. Em seu livro, Makiavelli pediu à igreja a se envolver apenas em questões espirituais, a educação da moralidade e o poder do Estado se tornaram totalmente seculares. Tais declarações de Machiavelli eram tão heréticas, ousadas e ousadas, que milagrosamente conseguiu evitar o incêndio da Inquisição. Mas a palavra que reflete as necessidades da realidade em desenvolvimento rapidamente foi dita e as ações históricas se seguiram.

Hans Golbien Junior. Estupidez, descendente do departamento. Uma série de desenhos "louvor estupidez".

Reflexões sobre o estado justamente organizado na época do Renascimento implicou a criação de toda uma direção social - comunismo utópico. Seus representantes de Thomas Mor (1478-1535) e Tommaso Campanella (1568-1639).

Em seu trabalho "Utopia" (traduzido - um lugar que não há) nenhum lugar, e então Campanella na "cidade do sol" justifica a tese de justiça social sobre os princípios cristãos da moralidade. Todos os cidadãos de seus estados devem entrar em contato, ter um dia de trabalho limitado, não ter propriedade privada, usar bens produzidos em conjunto, contribuir para a apagamento da face entre a "cidade e aldeia", para promover a educação pública de crianças e a manifestação máxima de habilidades individuais. Tanto Mor, e Campanella entendia que um alto nível de progresso da sociedade poderia ser alcançado com a assistência ativa do Estado no desenvolvimento de ciências, tecnologia e espiritualidade. A era do Renascimento deu um exemplo vívido disso.

A ideia da necessidade de conhecimento das leis da natureza na segunda metade do século XV. Profundamente introduzido em ciência, agora não só humanitária. Muitas descobertas na ciência feita durante este período mudaram a vida da humanidade, contribuíram comunicação intercultural. Descobertas geográficas (incluindo a abertura da América Colombo em 1492) criou pré-requisitos para a colonização da África, Ásia, a nova luz e o desenvolvimento do comércio com eles. O começo do século XVI. Refere-se ao tempo do florescimento da era das grandes descobertas geográficas, cujo resultado foi o mapa do mundo, que o conhecemos hoje. Desde aquela época, a natureza dos povos de diferentes continentes mudou radicalmente.

A ciência natural se tornou no século XV. A fidelidade é lutadores, enriquecendo a visão de mundo humanista de uma série de idéias ousadas e originais. Um elo importante na compreensão do mundo circundante foi reconhecido como um experimento científico, que fortaleceu as tendências realistas na abordagem renascentista para a paz e o homem.

Mas eles não eram fáceis, às vezes exigindo uma vítima de crença e vida humana. Assim, no livro de Nikolai Copérnico "sobre o apelo das esferas celestiais", um ensino centrado em heli foi feito no mundo - a base de idéias modernas sobre a estrutura do sistema solar. Nikolay Copérnico (1473-1543) - O grande astrônomo polonês. Ele escapou do tribunal da Inquisição e seu incêndio, apenas por morte natural. Ele percebeu seu nome em que ele recusou os geralmente aceitos, velhos e dominados pelo sistema de Claudia Ptolomeu, segundo o qual o centro da terra do universo e a base do universo. Copérnico acreditava que a terra é o planeta mais comum e gira ao redor do sol. Ele trabalhou nos ensinamentos cerca de trinta anos, de novo e novamente verificando sua fantástica ideia. Ele era um zelo católico, uma pessoa cuidadosa, é por isso que ele não estava com pressa com a publicação do manuscrito. Copérnico recebeu a primeira cópia de seu trabalho no dia da morte, em 24 de maio de 1543, dedicou o livro a Pape, a Santidade Senhor, o Grande Pontífice Paul III, e escreveu, referindo-se a ele, no prefácio: "Eu Entenda o suficiente bem, o Santo Padre que, como apenas alguns descobrirem que, nesses meus livros, escritos sobre a rotação das esferas mundiais, eu dei alguns movimentos para o globo, eles imediatamente se deslocam e tais opiniões. Não na mesma medida, gosto de minhas obras para não prestar atenção aos julgamentos de outras pessoas. Mas eu sei que o pensamento de uma pessoa-filósofo está longe dos argumentos da multidão, já que ele está envolvido em encontrar a verdade, na medida em que isso é permitido por Deus a mente humana ... tenho sido lento e até mesmo manifestou a falta de vontade, fez meus amigos. Eles disseram que, quanto mais precisamente, muitas das minhas doutrinas sobre o movimento da terra aparecerão agora, mais parecerá incrível e agradecida após a publicação dos meus escritos, quando a escuridão será dissipada pela mais boa evidência. " No momento, a Igreja estava diretamente interessada na reforma do calendário, e um amigo íntimo de Copernicus Bishop acreditava que a igreja está interessada na seqüência e teoria adequadamente estabelecida na ciência dos movimentos.

* Citar. Em kn. : Vladimirov S. V., Volkov V.A.Mente contra o dogma. M., 1982. P. 50.

Copérnico cuidadoso e sábio veio, propagandistas entusiasmados e ardentes de sua empresa Jordan Bruno e Galileu Galilee vieram substituir. Além disso, em 1582, uma reforma do calendário foi realizada em 1582, e todos nós vivemos no calendário gregoriano, os cálculos correspondentes de copernicus.

Mas apenas no início dos anos 1960, os círculos da igreja eclodiram uma discussão com a exigência de reformas. Não conformidade dos cânones da Igreja Católica e vida real Não estava mais assustado, mas apenas ridículo. 14 de junho de 1966 Na II Catedral do Vaticano, o índice de livros proibidos, que incluiu o livro de copernicus "sobre o tratamento de esferas celestiais", foi abolida. Tendo existido mais de 400 anos, ele desempenhou seu papel negativo, travar o progresso da ciência e pensamento filosófico como pôde.

A era do reavivamento como um todo deu origem a muitos gênios, passando, como eles os chamariam de L. N. Gumilev, - pessoas em que a incrível energia de talento e vida vivia. Entre os Titans gerados pelo Renascimento, a humanidade mantém os nomes que Itália Dala: Leonardo da Vinci, Rafael, Michelangelo, Ticiano, Figura política de Makiawelli, Filósofos Alberti, Bruni, Valla, Ficino, Nikolai Kuzansky), Archiki Bruneland e Bramte, França, França, França Rabel e Monteneya, Inglaterra - Mora, Bacon, Sydney, Shakespeare. Espanha - Cervantes, Polónia - Charnicus. Alemanha - Bem, Munzer, Kepler. Nos trabalhos de todos esses autores, há um pensamento de que a harmonia do mundo criado se manifesta em todos os lugares: nas ações dos elementos, a época do tempo, a posição das estrelas, a natureza das plantas, animais.

A cultura do Renascimento reflete a síntese das características da antiguidade e do cristianismo medieval, e o humanismo é a base ideológica da secularização da cultura. Ele também se manifesta no ensino sobre a "dignidade do homem" Maenetti (1396-1459), e nos ensinamentos em "Free Will" Lorenzo Valla (1407-1457), e em vistas sobre uma pessoa como microcosmo Pico della Mirandla (1463-1494). O antropocentrismo humanista também se manifesta no ensino filosófico de Nicholas Kuzansky e do Panteísmo Fechino e Jordan Bruno.

Albrecht Durer. Cabeça de Cristo de Bolshoe.

Renascença rejeitou a filosofia, baseada no conceito de uma pessoa escrava e se opôs a uma filosofia diferente baseada no conceito de senhor homem, uma pessoa que conhece e conquistando a paz (S. D. Artamonov).

A arte do reavivamento surgiu em condições de tempo transitório do feudalismo ao capitalismo. Como a aprovação adicional das relações capitalistas na Europa, a cultura renascentista foi inevitavelmente teve que se desintegrar. Seu florescimento foi associado ao período em que as fundações do estilo de vida pública feudal e da visão de mundo foram, especialmente nas cidades, completamente soltas e as relações capitalistas-burguesas ainda não foram formadas em seus negócios, com toda a sua subseção "moralidade" e uma hipocrisia sem alma.

Na primeira etapa do reavivamento, o trabalho pessoal do artesão, especialmente no campo da produção de itens domésticos, ainda não foi totalmente apagado, destruído por MANUFF; Um comerciante ou banqueiro empreendedor não se transformou em um apêndice sem rosto para sua capital. Personalizar, coragem, desenvoltura ainda não perdeu o significado. Portanto, o valor da pessoa humana foi determinado não tanto o "preço" de sua capital, mas também por suas qualidades válidas. A participação ativa de cada cidadão na vida pública criou circunstâncias especialmente favoráveis \u200b\u200bpara o florescimento da personalidade da energia ativa e completa.

Para alterar os critérios da moralidade da igreja, o ideal de um homem da Idade Média (o monge - Asket ou o Guerreiro-Knight "sem medo e censura") vem o ideal de uma pessoa forte brilhante, lutando pela felicidade na terra, coberto por um desejo apaixonado de desenvolver e aprovar as habilidades criativas de sua natureza ativa.

Enorme importância na formação da cultura do renascimento foi o apelo à grande herança da antiguidade, não totalmente perdida na Europa medieval. Paphos da cultura antiga era um desejo alegre e apaixonado pelo conhecimento do mundo real em todo o seu encanto sensual. Mas a imagem de uma pessoa de reavivamento desde o início diferiu mais individualização e concretização psicológica do que na arte de clássicos antigos.

No século XVI Na Itália, o termo humanista apareceu pela primeira vez e no século XIX. - humanismo (traduzido do latim "humanidade:"). Representantes dos novos (direções por estes Termos queriam mostrar a natureza secular de suas aranhas e literatura, a libertação deles da ambulância da teologia.

A beleza dos sentimentos humanos naturais, a poesia da vida humana real é permeada por toda a arte do renascimento dos séculos XV-XVI.

Na arquitetura, os ideais de humanismo afirmando a vida, o desejo de formas de beleza harmoniosamente claras manifestadas nas estruturas do propósito secular. Câmara Municipal, Loggia, Fontes do mercado, Casas de caridade são especialmente generalizadas e monumentais e caráter secular adquirem. Um exemplo brilhante de uma nova arquitetura de tipo pode servir como uma casa educacional de arquitetura italiana filippo brunlelleski (1377-1446). Construído em Florença. Sua aberta na direção da colonnada quadrada com belos arcos semi-curvous expressou sua amigável e hospitalidade.

Junto com a arquitetura civil servindo interesses públicos da cidade, há um novo tipo de arquitetura. A habitação do rico hambúrguer se transforma em um monumental, permeado pelo espírito de alegria festiva do palácio - Palazzo. Palazzo junto com as prefeituras e templos, a aparência arquitetônica da cidade renascentista na Itália foi em grande parte determinada.

Houve uma importância particular para apelar ao sistema de encomenda antiga, a racionalidade, a lógica da construção da estrutura arquitetônica, a identificação da lógica tectônica do edifício. A base humanista do sistema de ordem, a correlação de sua escala e proporções com a escala e proporções do corpo humano não tem menos importante.

O aluno e o seguidor de Brunstelleski Leon Battista Alberti (1404-1472) desenvolveram o uso sistemático de antiguidades ou deris e mostrou em sua construção Palazzo Perechelai em métodos de Florença de seu uso e combinação.

É muito característico de reviver um amplo apelo às instalações arquitetônicas solenes festivas, contra o fundo dos quais atua nas obras esculturais e pitorescas monumentais de uma pessoa que domina o mundo ou ativamente lutando para alcançar seus objetivos. A partir daqui e do caráter terrestre e secular, peculiar à maioria das estruturas da igreja criada na Itália durante os séculos XV.

Um exemplo vívido disso pode servir como a catedral de São Peter em Roma. Projetado pelo Grande Arquiteto Italiano Donato D "Angelo Bramte (1444-1514) sob a forma de uma estrutura central-cúpula sob a forma de uma cruz grega com galhos arredondados, uma poderosa cúpula esférica sobre um meio, a catedral era para representar um Tipo completamente novo da Igreja Católica, onde o espaço prevalece sobre a massa, criando um efeito incomum de "Airiness" e facilidade de construção. Após a morte de Bramte na construção da catedral, quase todos os arquitetos conhecidos, localizados Em Roma na primeira metade do século XVI, foi tirada. A construção disso era particularmente importante em conexão com o desejo de papai para fortalecer as posições do catolicismo e do estado papal. Construindo era suposto eclipsar as ruínas do pagão templos e os edifícios cristãos que o precisam.

Em 1546, a gestão da construção da catedral foi transferida para o Grande Gênio do Revival Italiano de Michelangelo Buonaroti (1475-1564). Apesar de muitas mudanças trazidas para os antigos predecessores, Michelangelo atingiu uma maior fusão de toda a composição, onde o espaço principal (a cúpula central com o tambor, cercada por colunata) obteve uma predominância incondicional de células secundárias da estrutura (quatro cúpulas pequenas ). Assim, Michelangelo retornou ao plano centrado, que se manifestou pela celebração dos ideais humanísticos.

Se na Itália, a lacuna com arquitetura medieval foi mais aberta e consistente, então norte dos Alpes (Países Baixos, Alemanha), o novo tipo de arquitetura da cidade renascentista foi criado principalmente processando a arquitetura gótica no espírito de maior harmonia e aumento de formas de festividade .

Na era do renascimento, a arte desempenhou um papel excepcional na cultura e determinado, em grande medida, a face da era. Objetivos separados, competindo entre si, decorados templos e quadrados com belos trabalhos. Representantes de Rich Patrician dando origem tanto a partir de ambição pessoal e cálculo político, e do desejo de completar o prazer de prazer com sua riqueza, os magníficos palácios erguidos, construíram estruturas públicas dispendiosas, arranjadas espetáculos e procissões festivas exuberantes para os cidadãos.

Pintores, Wawie, os arquitetos, movendo o espírito de concorrência nobre, procuravam alcançar a maior perfeição em suas obras.

A característica característica da arte do renascimento era um florescimento sem precedentes da pintura realista. A pintura pela primeira vez revela as possibilidades de uma ampla cobertura da vida, a imagem da atividade humana e seu ambiente circundante.

A paixão pela ciência contribuiu para o domínio da anatomia humana, o desenvolvimento de uma perspectiva realista, o primeiro sucesso na transferência do ambiente aéreo, as habilidades do ângulo de construção, isto é, a quantidade necessária de conhecimento, que permitia que os pintores descrevam realisticamente uma pessoa e a realidade circundante. Portanto, o artista brilhante Leonardo da Vinci era e um ótimo cientista. E as obras dos melhores cientistas e pensadores não eram apenas imbuídos do espírito de poesia peculiar e imagens, como Francis Beckon em seu "novo Organon", mas muitas vezes a essência íntima desses cientistas à sociedade foi expressa em forma de ficção. ("Utopia" de Thomas Mora).

Os cientistas italianos avançaram um ideal de uma pessoa universal que tem conhecimento básico em todas as áreas da cultura. A ideia do universalismo inerente ao renascimento levou ao pensamento da cultura do universal, superando o quadro restrito de países e nações. "Aquele que aprendeu tudo, não em qualquer outro lugar; Mesmo sem um estado e amigos, ele é cidadão de cada cidade e com segurança pode desprezar todas as vicissitudes do destino ", escreveu Hibey, um dos humanistas do século XV.

A arte do reavivamento pela primeira vez na história do realismo encontrou a maneira de criar uma imagem, que combinou a brilhante divulgação da identidade individual da pessoa com a identificação das qualidades mais típicas e características de uma pessoa. O retrato realista do reavivamento é inextricavelmente ligado com o período de seu maior auge, com os nomes de Wang Eyka, Leonardo da Vinci, Raphael, Durera, Ticiano. Um retrato de reavivamento permeado por Paphos da aprovação da pessoa, a consciência de que a diversidade e o brilho da individualidade é a condição necessária para a sociedade normalmente em desenvolvimento.

Resolvendo novas tarefas em sua natureza, pintando desenvolvidas e melhorou seus meios técnicos. Amplo desenvolvimento, especialmente na Itália, na pintura monumental recebeu fresco (Jotto, Mazacho, Rafael, Michelangelo). Mosaico desapareceu quase completamente, atingindo efeitos de cor ricos, mas menos adaptados para transmissão realista de volumes e formas. Técnica Tempera, especialmente na arte do reavivamento antecipado, atinge sua maior perfeição.

Os afrescos do Vaticano de Rafael pertencem aos maiores edifícios da arte renascentista. O Programa Ideológico Total dos Frestos nos Stans (salas) do Vaticano, segundo o Plano de Papa Julia II, deveria ser a glorificação da autoridade da Igreja Católica e suas cabeças - o sumo sacerdote romano.

O tema da estação de pintura della senyatura (sala de assinatura - decidências papais foram ligadas aqui - quatro áreas de atividades espirituais humanas. A teologia representa o afresco "Dispan", filosofia - "Athens School", poesia - "Parnas", justiça - "Sabedoria, moderação e poder".

A escola de Atenas deve ser considerada a melhor fresco e a maior obra de Rafael. Os famosos filósofos do passado - Diógeno, Zenon, Sócrates, Pitágoras, Platão e Aristóteles - personificar o mundo da energia criativa criativa em nome da liberdade espiritual e do conhecimento do universo.

Desenvolvimento adicional da Pintura de Stansova, interesse em modelagem de forma de forma executiva e também despertada. 20-30. Xvi. O interesse em um esfregaço emocionalmente pontiagudo causou o enriquecimento de técnicas de pintura a óleo. Em seu desenvolvimento, o Mestre do Renascimento do Norte foi jogado pelo Mestre do Renascimento do Norte: Yang Van Eyk, Rogir van der Wayden, Boauts, Jerome Bosch, etc.

No século XVI A tecnologia de pintura a óleo se torna dominante. Os maiores mestres desta técnica eram representantes da escola veneziana: Georgeon, Ticiano, Veronese, Tintoretto.

A expansão do círculo de consumidores de arte conduziu, especialmente nos países do norte da Europa, ao florescimento da gravação. Melhorado pela gravura em uma árvore, a gravura de corte de Pa de metal, origina e atinge seu primeiro sucesso. A gravura e a gravura assumiram um lugar significativo no trabalho de Rembrandt, Durera, Golbien e Bruegel.

A impressão de abertura e generalizada de tipografia era de grande importância para o auge da gravura. A gravura foi amplamente utilizada para decoração e ilustrando um livro impresso. Um número de editores na Itália, Países Baixos, Alemanha, França cria publicações artísticas únicas em suas altas habilidades. O advogado francês de Tu escreveu: "A França é mais obrigada a Robre Etienne, uma publicação de livros melhorada do que o maior comandante expandindo suas fronteiras".

Em relação ao círculo de parcelas, a arte visual do reavivamento continua principalmente a se referir a motivos tradicionais, esperados de mitos e testes cristãos, que estão amplamente complementando suas parcelas da mitologia antiga.

O grande artista do renascimento alemão Albrecht Dürer escreveu, referindo-se à autoridade dos antigos mestres: "Não mate com o mal da arte nobre, que foi encontrado e acumulado com grande dificuldade e esforço. Afinal, a arte é grande, difícil e nobre, e podemos transformá-lo na glória de Deus. Pois, como eles deram suas proporções de Apollon Idol da mais bela figura humana, então queremos aproveitar nosso Cristo para o Senhor, o mais bonito mundial. " Além disso, Durer aprova o direito de incorporar a imagem de Maria na aparência da mulher mais bonita Vênus e Sansão na aparência de Hercules.

Essencialmente, isso significava uma mudança decisiva em todo o conteúdo de enredos e motivos velhos cristãos. A beleza dos sentimentos humanos naturais, a poesia da vida real resolutamente deslocou a alienação mística das imagens da Idade Média.

Uma parte significativa das obras escritas em tópicos religiosos tinha um destino culto, ou seja, foi destinado a igrejas e catedrais. Mas, em seu conteúdo, essas obras foram estressadas pelo caráter realista e essencialmente foram dedicadas à aprovação da beleza terrena de uma pessoa.

Tal é, por exemplo, a Sistina Madonna Rafael Santi (1483-1520), executada para o mosteiro em Piacense. O encanto incomum de Madonna contemporâneos designou o termo "graça" (graça). "Para escrever uma beleza", diz Rafael em uma de suas cartas, "você precisa ver muitas mulheres bonitas; Mas como as belezas são raras, e a escolha certa é difícil, o artista goza de uma "idéia", que se desenvolve em sua cabeça e que ele tenta seguir. "

No entanto, eles surgem como gêneros independentes e nascimento puramente secular de pintura: um retrato individual e de grupo. No final do período de reavivamento, os gêneros de paisagem e ainda estão começando a ser formados.

Na escultura, especialmente no estado dedicado a figuras mitológicas, bíblicas, bem como reais, são aprovadas na forma heróisana e monumental de características típicas e qualidades da pessoa desse tempo, a força apaixonada e a energia de seu caráter é revelado.

Um exemplo brilhante é a estátua de mármore gigante de David (5,3 m) Michelangelo. O grande escultor, ao contrário do mito bíblico e à tradição estabelecida, retratada neste vencedor não é menino, mas jovens, e não depois da vitória, mas antes da batalha. A comissão especial dos maiores artistas em 1504 decidiu estabelecer esta estátua em frente ao Palácio da Signoria, em Florença como um símbolo do que "os governantes devem proteger as pessoas e diretamente os gerenciam".

A ampla distribuição é obtida por um promissor alívio multifigura. Nele, o artista combinou a clareza plástica da escultura e característica de pintar a profundidade do espaço promissor, procurou retratar eventos complexos com a participação de um grande número de pessoas.

Uma ilustração brilhante pode ser o alívio da "Batalha dos Centauros" - um dos primeiros, que veio para nós, obras esculturais Michelangelo. Apesar do fato de que o trabalho foi realizado pelos jovens de dezessete anos, nele o principal tema da arte de Michelangelo é apresentado - o tema da luta como uma apoteose de uma pessoa heróica, sua força e beleza.

Se nos estágios iniciais do reavivamento, todos os tipos de arte ainda estão intimamente relacionados à embarcação artística, então o pintor e o escultor do meio de artesãos ocorre para o início do alto reavivamento. O mestre de pintura ou escultura é um artista, uma personalidade criativa brilhante e talentosa, totalmente separada do resto das massas de artesãos. Em caso de sucesso, ele é o rico, que é lugar proeminente na sociedade. Mas a liberdade de criatividade conduzida em si mesma e o perigo da não permissão de destinos pessoais, elementos de concorrência e rivalidade. A nova posição do artista na vida pública também conduziu o perigo da lacuna entre a arte "alta" e "artesanato".

Significativamente mais tarde, esse perigo é particularmente adversamente afetado por artes aplicadas. No período de reavivamento, a relação não estava completamente quebrada. Por exemplo, vale a pena recordar as maravilhosas jóias do WJAber do final do renascimento de Cellini, as atividades do francês Palleyi, que conectavam em seu rosto um grande humanista e mestre de mayolics.

Não é por acaso que, na era do Renascimento, quase todos os tipos de artes aplicadas que anteriormente conheciam anteriormente eram desenvolvidos por sua indústria, como uma jóia, vidro de arte, pintura na faiança, etc. Alegria e sofisticação de Tintas, formas de nobreza elegantes, profunda sensação de estilo unidade característica da arte aplicada do reavivamento.

Você pode resumir todos os itens acima com as palavras do Grande Hegel: "O Revival das Ciências, o florescimento de belas artes e a abertura da América e o caminho para a OST UORDY pode ser comparado com a zage da manhã, que depois de uma longa tempestade para A primeira vez resgatou um dia maravilhoso. Este dia foi o dia da celebração da universalidade, que, finalmente, vem após as longas e ricas conseqüências e a terrível noite da Idade Média. Este dia é marcado pelo desenvolvimento da ciência, arte e desejo de descobertas ... "

5. Antiga arte russa (século IX-XVII)

A antiga arte russa é a criação de um gênio coletivo de longa data da tradição folclórica.

N. A. Dmitriev.

Mais setecentos anos cobre o período da antiga cultura artística russa. Suas origens remonta à vida das tribos eslavas leste do período dociano. As características comuns também são vistas através da variedade de fenômenos culturais e formas: características comuns: uma forte influência da religião (dualidade cristã-pagã), tradicional e fechado (localidade), bem como adesão predominante e anonimato (impessoalidade).

A arte da antiga Rússia inclui a arte do poder de Kiev, um poderoso principado de Vladimir-Suzdal, a República Bamarca de Novgorod e a Arte de Moscou, que encabeçam a luta pela União do país após os sérios testes da invasão de Mongol-Tatar .

O antigo estado russo é o nosso orgulho nacional, a forma de realização brilhante dos ideais do povo russo. O desejo de pureza espiritual e a capacidade de compaixão, durabilidade e escopo heróico, amor por terra nativa, trabalhadora, tolerância e suscetibilidade - estas melhores características da natureza nacional sentiram as grandes criações da antiga arte russa.

Veracidade e sinceridade, impulso por harmonia e unidade com uma vida popular, com natureza nativa, cordialidade especial e implante, penetração profunda em humanos e seu propósito constitui a contribuição original dos antigos mestres russos no tesouro dos valores universais.

Rus domongolskaya (ix - início XII séculos)

A formação do antigo estado russo - Kievskaya Rus - terminou para o século IX. Um dos maiores estados da Europa medieval - Rus - historicamente representou uma zona de contatos políticos, comerciais e culturais entre a escandinávia bizânio, a Europa Ocidental e o Leste árabe e aprendeu criativamente a influência do exterior, confiando em sua própria cultura que fingiu para o ERA DO PAGANISMO.

Desconhecido Autor Russo "Palavras sobre ídolos" (século XII) alocou três fases do desenvolvimento do paganismo eslavo. Nos primeiros eslavos "colocar as demandas (vítimas) com os gibs e trigés, mal e bons espíritos que administravam os elementos. Na segunda fase, eles adoraram a antiga divindade agrícola do Universo e Rozhannikam, as divindades do bem-estar e a fertilidade. A festa do gênero e o rolamento é um festival de colheita. O gênero deu vida a toda a vida e se tornou a fonte de conceitos radiculares: as pessoas, a natureza, parentes, a pátria ... Na terceira fase, o estado do estado do Deus principídico da guerra de Perun, que teve Anteriormente reverenciava a Godfast, e o gênero se tornou um santo padroeiro da família, em casa ".

Entre as divindades mais importantes de Pernoranov, a época - Svarog (o deus do céu e o fogo celestial), seus filhos - galês (Deus do fogo terreno) e Dazhbog (o Deus do sol e da luz, o remetente de todos os bens ), entre os deuses solares (solar) - o bloco, pego, Yarilo, mais tarde - cavalo. Striboga foi reverenciado pelo deus dos elementos aéreos, e Veles (cabelo) é um santo padroeiro de gado e riqueza. O culto de Veles foi distribuído em todas as terras eslavas, seu nome era jurou. Nas casas de Druzhnaya, consideraram o patrono da arte - música e canções; Não é de admirar na "palavra sobre o regimento de Igor", a lendária cantora Boyang é nomeada com um neto de Velel.

O local de partida do culto era o kapieche, tribus, templos, em que os Magos (sacerdotes) oraram, fazendo ritos e trouxeram os deuses da vítima.

As aspirações espirituais de nossos ancestrais eram mais brilhantes no culto da natureza, profundamente poética e desenvolvidas. A vida do antigo eslavo obedeceu ao calendário e círculo agrícola e foi acompanhado por festivais solenes. O novo ano de escravos começou a partir de março, quando, por lenda, os deuses brilhantes procederam à criação de seu reino fértil, o mundo e a primeira pessoa foram criadas. Maslenitsa e amaldiçoamento de primavera, um semit, ou uma semana sem circunstâncias, as férias de verão Ivan Klapala, avanços de inverno, etc. foram acompanhados por rituais brincando com canções corais e danças. É em folclore e artes folclóricas decorativas e aplicadas, a maioria de toda a cultura artística dos antigos eslavos, os séculos que alimentados e cultura musical e literatura russa foram preservadas. Afinal, o nascimento e contos de fadas estão conectados com o passado pagão, e o épico épico.

A cultura artística de tribos eslavas, bem como a região do Mar Negro Antiga e Cythian contribuiu para a criação da cultura original da Rússia Medieval. Por outro lado, foi formado no processo de percepção criativa da cultura cristã da amostra bizantina.

A transição do politeísmo pagão (polyterismo) com a sua igualdade primitiva ao monoteísmo (monoteísmo) da religião cristã, consagrada poder centralizada e desigualdade social, continuou com poder centralizado e desigualdade social, continuou. O cristianismo na Rússia foi, por vezes, argumentado pela força, mas mais frequentemente adaptado à cosmovisão pagã.

De acordo com as crônicas, em 980, Kiev Prince Vladimir Svyatoslavich, vendo as "delírios do paganismo", fez um segundo, decisivo (após a adoção do cristianismo pelos príncipes de Kiev Asites e dirzis nos 860.) Batismo da Rússia. A escolha da fé, segundo a lenda, era personagem estética: os embaixadores de Vladimir chocavam a beleza, a grandeza e a magnificência da adoração bizantina.

Com a adoção do cristianismo, a formação de oficial, a cultura estadual e um complexo processo de interação com a cultura folclórica começa.

A adoção da ortodoxia, que admite adoração nas línguas nacionais, contribuiu para a disseminação da escrita, bem como a formação da antiga literatura russa, foi alimentada por criatividade oral popular, e a literatura de tradução da Grécia, Egito, Judéia e Síria . Entre os gêneros literários são a crônica do monge do mosteiro de Kiev-Pechersk do Nestor), a vida dos santos ("vida de St. Feodosia Pecoresky" Nestor), ensino (Vladimir Monomakh) e "Caminhada" (Igumen Daniel sobre peregrinação na Palestina). Alguns dos monumentos literários de Kiev Rus sobreviveram, mas testemunham a cidadania, patriotismo, nobreza de imagens de verdadeiras pessoas históricas e eventos.

Em geral, a arte da Idade Média inicial, o poro Domongol, é inerente a uma característica tão distintiva como a monumentalidade das formas. A arquitetura ocupa um lugar especial. Usando a forma bizantina cruzada do templo, os mestres russos também usavam a tradição de arquitetura de madeira - multirropiões.

O primeiro, mencionado na crônica, o famoso templo de pedra de Kievan Rus - o templo da suposição da Virgem, ou a Tentada Church - uma enorme estrutura de 25 capítulos de seis pilares. Ao redor dele havia o principesco palácio, coro esquilos e nobreza urbana. Durante a invasão, a igreja foi destruída.

O mais famoso dos monumentos é Sofia Kievskaya. Esta Catedral Chefe, construída sob a Mudrome de Yaroslav, é um templo de cinco dome, cinco dome. O interior é rico e pitoresco. Sophia Cathedrais em Novgorod e Polotsk foram construídos de acordo com Sofia Kievskaya. Embora a construção de pedra fosse conduzida na Rússia X-Xi séculos. Principalmente arquitetos bizantinos, esses edifícios foram distinguidos das multirropiões bizantinos, pirâmide e novos materiais de construção.

A pintura Kiev Rus também é representada por formas monumentais - mosaico e afresco. Os mestres russos do sistema de pintura dos templos foram percebidos de bizantinos, fazendo traços nacionais. O pitoresco Canon é um "evangelho para analfabeto". Os mosaicos cobriam a cúpula central, subornando o espaço (Cristo Todo-Poderoso na cúpula central e da Virgin Orora no altar Aplicando). O resto do templo é decorado com afrescos (cenas da vida de Cristo, a mãe de Deus, pregadores, mártires, etc.). Murais seculares exclusivos. Por exemplo, dois retratos de grupo de yaroslav sábio com família, fragrâncias, músicos, etc.

No século XI O primeiro auge é moniturável. Muitas obras desse tipo de pintura da máquina foram criadas. O nome do famoso pintor de ícone Almimpia Pechersky é preservado, ele é atribuído à criação de um ícone Laranjas Yaroslavl, ou Great Panagi. Ícones lêem como um símbolo visível do mundo invisível. Ao dar, os ícones mais antigos foram milagrosamente ("salvou o errado") ou escrito da natureza (a Virgem Evangelista Lucas).

A igreja exigia o cumprimento do ícone pintando Canon. Escrever condicionalidade: Ajuste, alongamento de figuras, perspectiva inversa e alteza, fundo dourado como um símbolo da luz divina - enfatizou a espiritualidade elevada de imagens. Teologia nas imagens, tintas, gestos, inscrições e textos - tal é o propósito do ícone. Para seguir o Canon Iconográfico, os mestres usaram pinturas de ícone, bem como inteligente (descrição verbal do enredo) e assustadores faciais.

A floração da cultura do RUS domongol (XII - o começo dos séculos XIII)

Após o colapso do Estado de Kiev, uma série de principados independentes foi formado - Vladimir-Suzdal, República Novgorod, etc.; O processo histórico e cultural unificado foi dividido em vários fluxos, mas a unidade espiritual original da Rússia foi preservada.

Naquela época, a grande "palavra sobre o regimento de Igor" e "Daniel Charpeter" nasceu. A arquitetura é caracterizada por uma diminuição no volume e simplificando a configuração de edifícios de pedra. Em Novgorod, houve o próprio tipo de igreja. O fator comercial era alienígena para o luxo requintado de Kiev. Uma pequena igreja cúbica e moldada com um ou um se torna tradicional. Três apsides sem uma decoração esculpida, já que a pedra local estava mal rosqueada (a Igreja do Salvador em Nerétrica).

Em Vladimir - Principado Suzdal, a construção de pedra foi particularmente ativa sob Andrei Bogolyubsky. A famosa catedral de suposição é um majestoso templo de cinco-chave, decorado com um cinto arco esculpido - a casa de Nossa Senhora. E quando o nervo é deslocado em Klyazma, a Igreja da Intermediação, um monumento da arquitetura mundial, foi subida em uma alta colina artificial. Dedicado aos novos feriados do ciclo virgem, este templo, por lenda, construiu o príncipe Andrei Bogolyubsky, triste com a morte do filho de Iaslav. A única igreja da intercessão é impressionante a harmonia de proporções e a paze da imagem, aspirando ao céu.

Com um pôr do sol do poder de Kiev, a arte passada e cara de mosaico, ou "cintilando" pintando.

Neste momento, o ícone "Nossa Lady Lening" aparece na Rússia a partir de Bizâncio, chamado "Vladimir Magnifier", (GTG), que foi construído pela Catedral de Assunção em Vladimir. Ícones dramáticos do destino e a beleza e a penetração surpreendentes fizeram um dos mais famosos da Rússia.

A escola Novgorod deste período pode ser representada pelos ícones da tradição bizantina-kiev. "Salvou não manual" (GTG). Nos espigantes militares russos, foi essa imagem de Cristo Triunfo. Ícone monumental "Anunciação Ustyugovsky" (Timing). O ícone "Anjo da Zlagy Vlassee" (TRM) é amplamente conhecido. A gravidade e a impressionabilidade das imagens, uma combinação de cores contrastantes, a consolidação de formas - características distintivas da escola Novgorod.

No mais alto nível, o desenvolvimento da antiga cultura russa foi interrompido pela invasão mongol-tártaro.

Cultura russa da segunda metade dos séculos XIII-XV.

Se o tempo de 1240 para o meio do século XIV. Obsediado por um declínio perceptível em todas as áreas de cultura devido à invasão e invasão de feudalistas ocidentais (alemão, Tver, dinamarquês, húngaro, lituano e polonês), então o período da 2ª metade do século XIV. até o final do século XV. É a ascensão de uma autoconsciência nacional, o desejo pela unificação da terra russa liderada por Moscou. A derrota do Bizâncio e o estabelecimento nos Balcãs da regra turca fortaleceu o significado de Moscou Rússia como o centro da ortodoxia.

A luta contra mongol-tártaros tornou-se o tema principal do folclore no epônimo e o novo gênero de música histórica (por exemplo, sobre Avdiet-Ryazanchka, dirigindo a construção de um novo Ryazan). O gênero principal na literatura, a história militar se torna ("a palavra sobre a terra da terra russa", "o conto de Ryazan Ryazan"), e mais tarde há obras históricas sobre a vitória sobre os tártaros ("conto da batalha de Mamaev ", a crônica da batalha kulikovsky," Zadonchina ", perto da" palavra sobre o regimento de Igor ").

O desenvolvimento independente da arquitetura Novgorod levou à criação de um tipo clássico simples e construtivo, clássico de um templo de um olho com uma decoração externa rica (Igreja de Fyodor Prattylate, a Transfiguração do Salvador de Pailyin), não há análogo na arquitetura de outros países.

Pskov desenvolveu basicamente arquitetura de defesa. Fortaleza Izborsk - uma das maiores estruturas da antiga Rússia. Século XV. - O tempo do rápido desenvolvimento da arquitetura PSKOV, 22 igrejas foram erguidas.

No período "Postchelikovsky", a construção de pedra e no principado de Moscou adquire grande escopo. Igrejas em Moscou, Kolomna, Zvenigorod, Mozhaysk, Dmitrov, Rannonoskovskoye Arquitetura criou um novo tipo de templo de um olho do design semelhante a torre em uma base alta, com uma equitação complexa, coberta com cosar níveis e kokoshnikov, com uma cúpula em Um tambor alto e um sistema de escadas para portais promissores (Catedral de Troitsky do Mosteiro da Trindade Sergius, Catedral Spassky do Mosteiro de Salvador Andronnikova em Moscou).

O isolamento a longo prazo da Rússia do Bizâncio e a separação das terras russas empurraram a formação no século XIII. Novgorod e Rostov escolas de pintura e no XV. - Tverskaya, Pskov, Moscou e Vologda. A maioria de todos os monumentos de Novgorod preservados. Um "tumulto" peculiar contra a tradição bizantina era o ícones Redfound ("Sainry John Distrondger, Georgy e Mills", MRM). A partir da arte frontal neles, tintas brilhantes, ornamentalidade, formação gráfica de forma ("nicola lipensky", Museu Novgorod).

No século XV A fresco monumental pintura novgorod está passando por florescente. Uma grande influência foi sobre ela o grande grego da Faofan Bizantiana. Em 1378, ele pintou a igreja de Sava Pailyin.

Na cúpula - Cristo Pantokrator (Todo-Poderoso), e o tambor - sobre rochoso, em apsid - comunhão (Eucaristia) e São Pitoresco Mae Nera F. Grego é lançado por poder e coragem: golpes largos do pincel, confidencialmente colocado brilho (como os sinais de energia divina), a predominância de castanho-vermelho e ocre amarelo - todos os meios expressivos estão em decisão sobre o forma de realização da queima espiritual apaixonada.

De acordo com os ícones originais, a "pátria" Novgorod "pertence, a Trinity não é na forma de três anjos de Deus, o velho do trono, o filho-filho-filho - o padrão, o Espírito Santo - o Pombo. Tal forma específica era necessária para combater a heresia, rejeitou o dogma da Santíssima Trindade. No século XV Um novo tipo de ícone de dois a três horas é aparecendo, percebido como uma imagem histórica ("milagre do ícone do sinal da Batalha de Novgorod, com Suzdaltsy").

Pintura de Moscou no escopo e ramificação nos séculos XIV-- XV. Eu não me conheci igual. Na época de mover F. Grego para Moscou, uma tradição de arte original foi desenvolvida aqui. Moscou Masters aprende de Feufan, mas não o imitam. Sob a liderança dos mestres gregos, a Igreja da Assunção da Virgem, Arkhangelsky e a Catedral de Anunciação do Kremlin de Moscou foram pintadas. O melhor dos ícones preservados do círculo da Faofan é a "Nossa Senhora de Donskaya" da Catedral de Assunção de Kolomna com a "Assunção da Virgem" no volume de negócios (GTG).

No trabalho sobre a criação do iconostasis da Catedral de Anunciação do Kremlin, Feofan Grego e Andrei Rublev - o maior artista da antiga Rússia se reuniu. O iconostasis alto é um fenômeno nacional russo, esses pinturais tintas de ícone desempenharam um papel importante em sua formação.

Completude da unidade com Deus em oração - essa ideia no som do coro incorpora a composição do iconostasis e soldada, bem como ritmo artístico e construção de cores. Linhas de ícones (fileiras) correlacionadas com a arquitetura do templo e pintura nas paredes. Iconostasis pyhyrail "cronologicamente" é lido: de cima - a fileira francesa da igreja do Antigo Testamento de Adam a Moisés com a Trindade do Novo Testamento no centro; Abaixo - linha dupla e mãe de Deus com um bebê no ícone central; Além disso, uma classificação festiva de eventos da vida de Cristo e da Virgem do Natal a suposição; Então uma série de deesus de ícones de resgate de oração (no centro) sobre graça; A classificação local estava localizada nos ícones do fundo - alegre, especialmente reverenciado nesta área, e o ícone do templo (à direita dos portões reais).

As escovas da Faofan de Grek na Catedral de Blagoveshchensky pertencem a 7 ícones de Deesus e 7 ícones de férias aparentemente escrito por Andrei Rubblev. Um pouco conhecido sobre este engenhoso pintor de ícone. Na Assunção, a Catedral de Vladimir, ele participou da criação de um iconostasis monumental em 6 m de alta de 61 ícones, entre os melhores ícones "Nossa Lady Vladimir". Miraculosamente preservado Zvenigorodsky Chin: "Arcanjo Mikhail", "apóstolo Paul", "Salvador" - a brilhante imagem de Cristo - o professor da verdade.

A criação mais perfeita de A. Rublível - "Trinity", escrito no louvor da professora espiritual Sergius Radoneezh para a Catedral da Trindade do Mosteiro Sérgico da Trindade. O conteúdo do ícone não se limita a idéias teológicas sobre o sacramento da comunhão e a Trindade do Divino, realiza em si a idéia majestosa do gado, a unidade espiritual das pessoas como as condições da genuína liberdade de humanidade.

Cultura russa dos séculos XV-XVI atrasados.

Após dois séculos e meio de isolamento quase completo, a cultura do jovem Estado russo entrou em contato com a cultura renascentista do Ocidente, fortalecendo sua posição entre os Estados europeus.

Junto com a música histórica, uma balada de folk aparece ("ira de Ivan, o terrível para o filho", "Defesa de Pskov"). Publicidade do sexo e literatura histórica, imbuída da ideia de fortalecer a autocracia e sua união com a Igreja, se desenvolve. Um novo gênero de história dessegring aparece, seu herói se tornou uma pessoa comercial ativa.

A nomeação de Moscou foi acompanhada pelo escopo da construção. Ao lado dos mestres mais bonitos, os melhores arquitetos da Europa trabalharam com toda a Rússia, criando um estilo arquitetônico comunional. No Kremlin, no local dos antigos templos da época de Ivan Kalita, novos foram erguidos. O primeiro foi construído pela catedral de suposição (arquiteto italiano Aristóteles Phioravanti) é um majestoso templo de cinco-chave cruzados com um único espaço interno. A Catedral Blagoveshchensky, o Mestre Pskov dos Grandes Príncipes foi construído. Entre as imagens tradicionais dos santos, retratos condicionais dos grandes príncipes russos e os imperadores bizantinos. A Catedral do Arcanjo (arquiteto italiano Aleviz é novo) combinado elementos tradicionais e características do século XV de arquitetura do Palácio italiano. (Conchas nas cabeças, portais ornamentados, janelas venezianas redondas). Nesta catedral - a necrópole do estado - enterrou os grandes príncipes e reis. Complete o conjunto da praça da Catedral da Câmara Granisa (Marco Ruffo, Pietro Antonio Solari), que tinha uma sala quadrada de 500 metros, sobreposta com quatro cruzadas com um poderoso poste de referência no meio.

No início do século XVI. Um novo tipo de barraca surge na arquitetura de pedra, que reviveu a tradição da arquitetura de madeira russa. Famosos dois templos associados ao nome de Ivan o terrível. A Igreja de Ascensão em Kolomensky é erguida em homenagem ao nascimento de um pequeno Ivan IV (o futuro de Grozny) - o herdeiro do trono; Monumento da Igreja para a glória da terra nativa. Um opcional da Igreja da Tenda foi a Catedral de Basil abençoado

(Cobertura na Ravy) - o Templo do Memorial em memória da conquista de Kazan Khanate, construído pelo arquiteto Barma e pelo hospedeiro sob as paredes do Kremlin. Em torno da barraca central "Pilar", oito menores, coroado com capítulos bizarros - um poema de pedra fabulosa multinacional. Foi uma ascensão do gênio arquitetônico do povo russo. A Catedral de 100 tempos de 1551 edifícios de tenda como contradição de amostras byzantinas foram proibidas.

Entre os pintores da segunda metade do século XV. Dionísio é alocado. Ele continua "Rublevskoye" direção e recua dele. O leigo, aparentemente, de origem nobre, Dionísio chefiou um grande artel, que realizou ordens principesca, monásticas e metropolitanas. Seus ícones são conhecidos "Salvador nas Forças" e "Crucifixion" (GTG) e Zhith-Metropolitan Peter e Alexy. O monumento mais maravilhoso Dionísio é os afrescos do mosteiro de Ferrapontov do mosteiro do mosteiro de Pavoga, unidos por um tom brilhantemente azul - o licking do novato nas cores. O lugar da profundidade do rublo e a simplicidade ocupa uma solenidade festiva, equilibrada e decorativa. Depois de Dionísio, a canção épica da antiga Rússia gradualmente desaparece. As decisões da Catedral de Precisão, a arte torna-se um instrumento nas mãos da igreja, e ela mesma é uma ferramenta de autocracia despótica. Nas condições da supervisão da igreja, essa criatividade foi soprada, o modelo e o artesanato prevaleceram.

Meios de arte o estado procurou exaltar oficial idéias políticas No iconopisis do gênero histórico e alegórico sobre o retorno solene de Ivan, o terrível do Kazan conquistado - "abençoado é o exército do rei celestial". A ideia de "Moscou - a terceira Roma" foi incorporada na pintura do mosteiro Novodevichy.

Está no século XVI. Havia uma cultura da grande natureza russa e a história da cultura do povo russo começa em seu próprio sentido da palavra, e o desenvolvimento da antiga cultura artística russa entra na fase final.

6. Cultura da arte da Roma antiga

Séculos e tribos cantarolando disputas, ... Vamos dar um destino na pena universal. Roma sobre a asa de terra seu choque. Todas as verdades que jogaram à luz, sob o zumbido de vitórias, sob os direitos romanos de Senyu, derretidos poderosamente em uma nova liga. -... Roma até o final realizou o trabalho de Vladyka, ele foi conseguido quando o império despejou o império para o grito e gritos.

V. Bryusov. "Pensamentos de Sveta"

A Liberdade Roma aumentou e Slavei Putublin.

A. Pushkin. "Licinia"

A civilização romana tornou-se a época do mais alto florescimento da cultura antiga e, ao mesmo tempo, sua última página. O estado romano passou o caminho da comunidade rural no rio. Tibre para poderes do mundo. A "Cidade Eterna" ampliou seu poder das Ilhas Britânicas para as margens do Norte da África, de Pilares Hercules (Gibraltar) às profundas regiões da Ásia.

Cultura romana (século VIII. Para p. E. - V. P. E.) foi uma questão de muito mais complexa do que grego. Em sua formação, muitas tribos e povos participaram, submetidos pelo poder romano - a população da Itália, as regiões gregas, os estados helenísticos (Egito, pergami, etc.). A síntese de culturas gregas e romanas foi formada - a cultura Lateant Greco-Romana (I-v séculos. N. E.). Foi ela que formou a base da civilização medieval de Bizâncio, Europa Ocidental e muitos estados eslavos.

A palavra "Roma" em si se tornou sinônimo de grandeza, fama e valor militar, riqueza e alta cultura. "Todas as estradas levam a Roma", disse o famoso ditado sobre a capital do mundo. E as notícias da queda da "cidade eterna" (476 N. E.) foi semelhante à greve de trovão, batendo contemporâneos.

Em Roma, a ideia do boganismo especial do povo romano e do destino das vitórias sempre foi dominada. Patriotismo, disposição para sacrificar a vida por sua terra natal, respeito e amor pelo passado heróico, as tradições dos ancestrais - sobre isso havia uma ideologia romana.

Assuntos, o único digna de romano, especialmente nobre patrício, reconhecido política, guerra, agricultura e legisladores. Administração e Direito Estadual, Construção de Estradas e Arte Militar atingiu a perfeição dos romanos, literatura e arte foram ligados com sucesso ao tronco grego. No entanto, o trabalho do escultor foi observado como artesanato, como evidenciado pelo anonimato do retrato escultural romano, em particular.

O antigo humanismo dos romanos fez as características da visão de mundo analítica: prosa dura, precisão e historicismo do pensamento basearam-se com base na cultura, longe da poesia sublime do mito grego. A prática permeia todas as esferas da cultura romana.

Se o gênio do povo grego é um genial artístico, então o genial romano - político, constantemente se esforçando para expandir sua influência e interesses do governo. A história externa de Roma é a história das guerras contínuas. A história interna é inquieta e sangrenta. A luta entre os plebies e os patrícios não estava morrendo, entre partidos políticos, famílias aristocráticas.

Toda história escrita, lendas e religião, vários tipos de arte foram aprovar a ideia de poder militar dos romanos, supostamente predeterminados, eternos e inabaláveis.

Uma religião tem sido particularmente particularmente influenciada por uma religião do desenvolvimento da religião das comunidades (família, vizinha e civil) para a religião mundial do cristianismo na era da crise do império de propriedade escravo.

"Grécia, capturado, vencedores descontroladamente capturados" - esta frase do poeta romano Horace diz sobre emprestar o panteão grego dos deuses.

É nos gregos que os romanos adotaram o costume para elevar os deuses da estátua e adoram-os e templos. Zeus grego foi identificado com Júpiter Romano, sua esposa, Hera com Junoa, Aida com Plutão, Aresa com Marte, Afrodite com Vênus, Artemida com Diana, Athena com Minerway, Hefaesta com Mercúrio, Poseidon com Netuno, DioniSus com Vakhich e t d.

Foi uma escultura grega, com mais precisão, sua cópia de mestres romanos, desempenhou um papel especial na aprovação e distribuição do culto imperial desde a octaviana de Augusto. No entanto, no centro da mitologia romana e religião - o mito romano, que foi formado na véspera das guerras púnicas vitoriosas com Carthage e depois deles. Apesar da tremenda superioridade militar de Roma, os países com cultura mais antiga consideravam os romanos "bárbaros". A necessidade de substanciar o lugar "legítimo" entre os "grandes poderes" foi maduro. Daí a paixão pela cultura grega, o desejo de vincular a origem dos romanos e italiks com os gregos e trojans. Havia histórias sobre os atos heróicos de "ancestrais": Sobre o éter do herói, o filho da deusa do amor Vênus, escoltou de debaixo do troy, sobre seus descendentes de romula e remo, focado pelo lobo, e assim por diante.

A tradição antiga atribui a fundação de Roma, que aconteceu em 753 aC. Er, Lendário Romulu, quando REM reorganizou o sulco, marcou as fronteiras da nova cidade, e foi morto por seu irmão durante uma briga. Romulus tornou-se o primeiro rei romano, e a nova cidade recebeu seu nome.

Com a propagação do culto imperial de Caesey, o Senado também classificou o imperador para a anfitriã dos deuses, estabelecendo templos para ele. A personalidade do Senhor simbolizou o poder de Roma. Seu culto unido com o culto da Deusa Roma, que pegou a Cidade Eterna.

O Etrury Conquistado e a Grécia deram realizações de Roma na arquitetura que a arquitetura romana incorporou com planejamento urbano ulusing sem precedentes de acordo com planos estratégicos e ambições imperiais. A arquitetura romana de grandínios, majestosos, pomposos e tem um conteúdo histórico específico, bem como um alto grau de conveniência prática, métodos de construção de novidade e soluções construtivas. As conquistas romanas incluem a invenção de betão, uso generalizado do arco e a construção da cúpula esférica.

As necessidades da sociedade romana deu origem a novos tipos de estruturas: AMPHitherators para jogos de gladiadores e perseguição animal, termos - Banhos Grand Roman, arcos triunfais e colunas, fóruns imperiais e santos (Baalbek), etc. Palácios, Mansões, Villas, Teatros , Templos, pontes, monumentos de lápides, etc. Recebeu uma nova solução arquitetônica no solo romano. O racionalismo subjacente à arquitetura romana foi manifestado em diff espacial, a integridade dos complexos arquitetônicos gigantes, estrita simetria de formas geométricas.

O mundialmente famoso aqueduto romano vias navegáveis, a primeira das estradas pavimentadas - Appeiyev - "Rainha das Estradas", que foi construída com mais de 100 anos de idade, a partir de 312 aC. er, e nomeado no século VII. Uma das maravilhas do mundo.

Os arcos triunfais memoriais dos Imperores do título (em homenagem à captura de Jerusalém) e Constantine Great foram preservados. O monumento original foi a coluna de 30 metros de imperador Trajan em frente ao seu templo, decorada com dois centésimos alívio de fita, que deu amostras brilhantes de alívio histórico, com a precisão documental da imagem de transmissão da vida de campanha e episódios de guerras com lutas.

Sem dúvida, os monumentos mais ambiciosos de um antigo colosseiro de Roma e Panteão.

A estrutura espetacular mais gigante da antiga Roma é o anfiteatro de Flaviev (75-82. N. er) - cerca de 50 mil espectadores acompanhados em sua tigela de pedra.

O nome do Coliseu ocorreu a partir do colossoso em pé próximo - estátuas de Nero, mais tarde convertido na figura de Helios. A aparência do Coliseu com seu poderoso oval elástico é realizada por energia severa. Esse sentimento dá à luz não só a escala do edifício (a altura é de cerca de 50 m, o diâmetro é de 156 me 188 m), mas também o poder solene dos ritmos arqueados simples. Quatro níveis são decorados com elementos de três ordens: abaixo - Toscano (empréstimo de Watroys), acima - semi coluna iônica, terceiro nível e quarto (poderoso cinto de pedra acima) no estilo coríntio; O anel de pedra que completa a composição do anfiteatro arqueado, cria uma sensação de poder contido. Mesmo em ruínas, sem estátuas, uma vez adornada, o Coliseu respira o poder descomplicado.

De acordo com a grandinalidade do plano e a amplitude da solução espacial com o Coliseu, o Panteão (118-125) - o "Templo de todos os Deuses", construído pelo arquiteto grego Apollodor de Damasco sob o Imperador Adriana e dedicado ao principal Deuses romanos.

No interior em sete nichos, Júpiter, Marte, Vênus, Roma e outras divindades foram espremidos. O Panteão é uma rotunda monumental suave, coberta com uma cúpula hemisférica, a entrada do templo é decorada com uma porção ampla de seis: composto (misto). Algum peso pesado, a massenidade da aparência do templo está contornando o espaço sem precedentes da luz do orifício de nove metros, o apelidado de "Oko Panteon", o magnífico espaço de bola (o diâmetro do templo redondo e a altura de apenas mais de 40 metros). O interior do panteão causa uma sensação de paz e uma magnífica harmonia sublime. Até o final do século XIX. Sua cúpula permaneceu a maior do mundo. Na era da Idade Média, o Panteão foi transformado em uma igreja cristã, e B, 1520. Eles foram enterrados nele pelo Grande Rafael. Este é um edifício majestoso, como se partícula do universo, antigo espaço, fosse a última obra-prima da arquitetura durante o auge do Império e o topo da arquitetura romana.

Além disso, os fenômenos da importância e valor do mundo incluem o retrato escultural romano - a história da antiga Roma nos rostos, o histórico "documento" da elevação sem precedentes e a trágica morte do grande império. O retrato romano está associado ao enterro dos etruscos conquistados, com uma escultura helênica grega, bem como com um culto romano de ancestrais: somos costumes atirar com a máscara de cera falecida e manter retratos esculturais dos membros da família. Daí a precisão marcante, mesmo "naturalismo" e a veracidade impiedosa das características de plástico. Isto é especialmente verdadeiro da extensa galeria dos imperadores romanos.

Na época do império primitivo, a arte romana, cumprindo a ordem oficial para a elevação e a deificação da identidade do Imperador, aprendeu a lisonjessar as autoridades.

Os retratos esculturais de Augustus são preservados à imagem do comandante republicano (do porto do porto), escultura nas tradições de clássicos gregos heroisados, agosto, que faz o solene rito do colo sacrificial em toga, bateu em sua cabeça , e finalmente. Agosto na imagem de Júpiter (de acordo com uma amostra do Olympic Fidiyevsky Zeus). Em um poste retratos impiedosos de tiranês viciosos de Nero, Caligules, Karakalla, a galeria de "imperadores do soldado", e por outro - as imagens esculturais de Trajano, Vespasian, Adriana, Anthony, Fiume, que buscavam uma atividade de estado razoável. O imperador-filósofo Mark Aurelius também pertencia às melhores pessoas de Roma, a calma da outrora confiante romana, o governante do mundo desapareceu em seu raciocínio filosófico, o feiticeiro do mundo, buscando apoios do pensamento de febrilmente, que é mais precisamente se inclinando para pilhas pregadas por pilhas. No entanto, foi Mark Azeri, de modo algum um imperador heróico, o primeiro do monumento equestre foi criado.

Sem dúvida, o emblema escultural de Roma é o famoso Lobo do Capitólio de Bronze, elenco, supostamente, um mestre etrusco. Foi colocado na colina do Capitólio para comemorar a derrubada dos reis da etruscia após as guerras quase centenárias.

Uma página pendente da antiga cultura artística romana está ligada ao latim dourado. O mais frutífero "AGOST AGOST" acabou sendo precisamente para a poesia romana. Seu florescimento está associado aos nomes de Vergilia, Horace e Ovídio.

Virgil Marona é chamado de "Roman Homer" para a criação do poema épico "Aneida" sobre os passageiros "do Trojan dos Emai e seus companheiros. Ao mesmo tempo, há outro herói de Roma no poema. No centro de "aneida" o ideal de sua imortalidade baseada na pescaria divina. A morte de Troy, o trágico amor de eneja e a rainha de Carthagen Didona, a jornada do herói no reino da vida após a morte, onde sua missão abre - a fundação do Grand City, e outros eventos são recriados no épico nacional do povo romano. Nos doze livros de "aneida" inextricavelmente acordam a luva de Roma e imperador Augustus., Elogiando antepassados \u200b\u200bmíticos, patriotismo e compreensão sincera dos sentimentos humanos.

Se Vergili criou um épico romano clássico, então Horace (Quinte Horace Flycc), um amigo e Vergil contemporâneo, criou uma letra clássica romana.

Horace também desafiou a proeza dos ancestrais, chamados contemporâneos a serem dignos de pais, mas ele foi varrido sobre a antiga beleza da moral, ele ensinou a desfrutar da "média dourada" de riqueza modesta, escreveu sobre o amor, sobre Merry Pirushi com amigos. Dificilmente os melhores poemas de Horace dedicaram poesia, entre o seu "OD" há um famoso "monumento"; Inspirado por este Oyoy A. S. Pushkin escreveu um poema "Eu sou um monumento para mim erectificável ..."

O trabalho de Vergilia e Horace abriu o modo como seu mais jovem contemporâneo público publicamente público Ovid Noron. "Cantor de amor e paixão concurso", um poeta brilhante, o sofredor do Ovid terminou seu século, referido como Otaviano Augusto no Mar Negro e esquecido. Aparentemente, o imperador estava insatisfeito com a poesia de Ovídio, que não encontrou sua política.

O principal trabalho poético da "metamorfose" Ovid é uma coleção de mitos antigos sobre as transformações de alguns tel para outros. Então, Narcissus Narciso se tornou uma flor; Uma estátua maravilhosa da menina veio à vida, cuja pigmalão foi pegada e colocou amor com ela; A ninfa de Daphne, perseguida por Apolo, se transformou em uma árvore de louro, etc., como resultado, a montagem mais rica (mais de duzentos) das imagens mais poéticas da mitologia grega e romana nasceu.

A língua latina está morta, mas sem a cultura mundial impensável, moderna. Aquele que estuda latim assimila a cultura mundial. No início do século X. BC. e. No latim, apenas a população de uma pequena área em Appennes disse, então o latim arcaico mudou o clássico, esta língua chegou a um heydoy na prosa de Cícero e César, na poesia romana. Línguas românticas (italiano, francês, espanhol, português, romeno, francês, espanhol, português, romeno, etc.) foram formados na Idade Média Latina (italiana, etc.), e latin se torna a língua do católico Igreja e aranha. E a ciência moderna está intimamente ligada ao latim; Junto com grego, serve como fonte de educação de terminologia científica.

As provas latinas aladas decoram e enriquecem o discurso de uma pessoa cultural moderna. Através do latim "Terra Incognita" ("Terra desconhecida") da cultura romana e da história torna-se cada vez mais compreensível. "Urbi-Orbi" ("cidade e miru") - o elefante de César soou à informação universal: "Veni, visto, vici (" veio, viu, ganhou "), bem como a Lei da Política:" Divida Emper "(" Dividir e regra "). No entanto, "Roman Sao-yense") da sociedade romana entendeu que a principal coisa da vida é conhecer a si mesmo ("Te Ipsum Wood"), a vida se move através da superação, através do espinho para as estrelas ("Pern Asper Astra"). E para sempre na alma da faísca de uma pessoa - "Até agora eu respiro, espero" ("Duma spira, esférica"), embora eu saiba que "a glória da terra passa" ("Sik Transit Gloria Mundi"), e Então o silânio é silêncio e silêncio.

Talvez um testamento espiritual: o mundo grego-romano pode se tornar as palavras da biant sábia grega - "Mea Mekum Porto" ("Todo o meu desgaste com você") é a verdadeira riqueza de uma pessoa em seu conteúdo interno.

7. Cultura da arte da Grécia antiga

Na terra antiga Ellala infância de humanidade ... Tudo ficou mais bonito e tem um encanto eterno para nós, como nunca um passo repetitivo.

"Arte Culture. Grécia antiga Chame uma antiguidade (de lat., "Antiga"). Então eles começaram a chamar os humanistas culturais culturais greco-romanos do Renascimento como o mais cedo conhecido a eles. O conceito foi preservado como sinônimo de antiguidade clássica e separa a cultura grega-romana do antigo leste.

A história e a cultura do mundo antigo é costumeira dividir por vários períodos.

1. Arte Egeu (Cultura Crito-Miktena) - 3-2 mil aC. e.

A arte da Grécia é o período homérico - os séculos XI-VIII. BC. e.; Arcaico - VII-VI séculos. BC. e.; Clássico - V-IV séculos. BC. e.; Helenistic - Fim de IV-Eu século. BC. e.

Arte de Etruscov - VIII-II séculos. BC. e.

A arte de Roma - a era dos reis - os séculos VIII-VI. BC. e.; República - V-i séculos. BC. e.; Império - I B. Bc. DE ANÚNCIOS

A Cultura Egeu prevalecente na piscina Egeu abrange. Creta, Grécia Mainland (Mycenae e Tirinf), a costa de Malaya Asia (Troy) e as Ilhas Cíclades.

Escavações do inglês Arthur Evans em Creta (de 1900 a 1941) descobriram o mundo uma cultura desconhecida dotol "Dogreic", nomeada por ele Minoan nomeado pelo lendário rei de Mi-Nosa.

O poderoso poder marinho com a capital em Knosse criou a cultura original do palácio, no qual os motivos naturais e religiosos estavam organicamente acordados. A página mais interessante da AEEGE-Art é o Palácio dos Knos, por lenda associada ao rei Minos, um labirinto e um terrível minuta.

Aparentemente, este palácio era um centro administrativo e religioso do estado, sua principal residente e a "casa" do comércio. O extenso pátio central foi cercado por 300 instalações diferentes localizadas em diferentes níveis e conectados por muitas escadas, em que os poços de luz estavam localizados. As chamadas colunas de madeira irracionais serviram ao elemento estrutural mais importante da composição arquitetônica do palácio, eles estavam frustrados e brilhantemente pintados (em vermelho - tronco, preto - uma tampa redonda). O palácio terrivelmente cresceu, como se repetitasse os contornos do terreno montanhoso, encaixando na paisagem cretense.

A principal decoração das câmaras do palácio era a pintura a fresco, que na forma de frisões ou painéis encheu as paredes. A paleta colorida brilhante de artistas cretenses está perto de transbordamentos de cor da onda do mar. Pintura (ao contrário do egípcio) dá a impressão de discrepância absoluta e liberdade interior do Criador. Frescas Frescas contando sobre as festividades: "Senhoras em azul", "parisiense", "Tsar-padre", "Acrobatas com um touro".

Ceramists Cretan também criaram obras elegantes. Entre eles estão os vasos do estilo de "Camares" (encontrados no PEP-SH PEPONYMOU). Por exemplo, um vaso com o polvo, onde a forma esférica da embarcação é harmoniosamente combinada com linhas de enrolamento na imagem do animal marinho. Monumentos monumentais desconhecidos de Creta. Encontrá-nos apenas amostras de pequenos plásticos da cor faiança e marfim ("deusa com cobras"). Em geral, a arte de Creta deixa a impressão de um plano festivo, colorido, decorativo e oriental e ornamental.

A morte da civilização Cretan é devida, aparentemente, duas razões. No meio do século XV. BC. e. Creta experimentou o terremoto mais forte e as conseqüências da erupção do vulcão submarino Santorin. Fera. Ele desempenhou o papel e conquista da ilha do grego Ahetis. O bastão da cultura Egeu foi adotado pela Grécia Continental.

Ao contrário do Cretan, a civilização Mycken era mais severa e corajosa. Criou uma arquitetura defensiva monumental (Acrópole nas misturas e Tirinfs com um passo de alvenaria "ciclopia", um portão de um grande leão nas misturas, decorado com uma composição heráldica com duas leoas).

De volta em 1876, o arqueólogo alemão Henry Schliman abriu os "túmulos de mina" rochosa em myxa com uma variedade de produtos de ouro, prata e marfim; Grand "túmulos de cúpula", ou tolzoli encontrado.

Um novo tipo de instalações - Megegaron aparece na arquitetura do palácio. Sua composição com um pórtico, o lobby e o corredor, no centro do qual estava localizado a lareira, cercada por quatro colunas, antecipa a arquitetura do templo grego.

O poder micênico foi destinado à vez dos séculos XII-XI. BC. e. Nova invasão do norte: Incêndio Dorians e espada foram realizadas em Peloponeso, mais tarde fundamentada Sparta. No entanto, a onda Dorian passou a área dos sótãos, habitadas por tribos iônicas, que desempenharam um papel especial no florescimento de Eldlas.

No contexto do declínio total da cultura grega e do renascimento lento, dois tipos de arte são alocados no período homérico: Vazopis literatura épica. As melhores amostras de vasos são vasos de diploniles grandes (encontrados perto dos portões DIPILON em Atenas) - ânforas de lápide e crateras, decorados com fitas de enfeites geométricas com composições esquemáticas de enredo entre eles.

A principal fonte de conhecimento sobre esta época é duas obras-primas da antiga literatura grega - "Iliad" e "Odisséia" de Homer. O primeiro fala sobre os eventos do último ano de uma década da guerra grega-Ahetsevs com os Trojans e sobre a próxima Troy Taking. Até o meio do século XIX. Troy (Ilion) foi considerado um fictício, mas sua existência provou Henry Schliman, tendo completado o sonho de sua vida. No segundo poema do cerco da Ilha King, Ithaca Odyssey se desdobra no contexto de histórias fantásticas das primeiras estações náuticas gregas sobre as cores dos mares ocidentais desconhecidos. Acredita-se que ambos os poemas cresceram de canções épicas de antigos cantores gregos (estupros ou regulamentos), eles podem ser chamados de "enciclopédia de antiguidade" sobre a riqueza de conteúdo histórico, mitológico, moral e filosófico, lendário e estético.

Em Ilíage, três grupos de pessoas existentes: 1 - Trojans, chefiados pelo rei do reino, seus filhos - o grande herói Hector e Paris (após o seqüestro de Elena, a esposa do Spartan Tsar Mellaya, e a Guerra de Tróia começa ), a Guerra de Tróia começa), Hector Tsar, Androma. 2 - Greeks-Ahaeis, liderado por Agamenon, o Grande Herói Achill, no início do poema com raiva de Agamenon, se recusa a lutar contra os trojanos, o que leva à morte de seu amigo Patrole da mão de Hector, movimenta para um amigo , Ahill mata um corajoso de Trojan, mais tarde retornando (para a redenção) seu corpo é um velho; Tiezna em Hector e o poema da condenação da vingança de guerra e cereal é concluída ... 3 - Deuses olímpicos, interferindo ativamente com as pessoas.

Filosofia e ciência grega, gêneros principais da literatura, teatro, arquitetura de justiça e escultura arcaica originadas na era de Archaika.

Uma característica distintiva da cultura dos antigos gregos foi a AGON - Concorrência. Em 776 aC e. Pela primeira vez, os Jogos Olímpicos foram organizados (na Olympia, nomeados após Zeus). Por cinco dias, o mundo sagrado proclamou. "Olimpionia" (três vezes ganhou) foi premiado com o ramo de oliveira e o direito de instalar uma estátua no sagrado Grove do Templo de Zeus Olympic. Em homenagem a Apolo, os atletas competiram nos jogos de Pythi em Delfda, a recompensa serviu como coroa de louros. No Istimi - Em homenagem ao God Poseidon, o prêmio foi uma coroa de pinheiros. Também em homenagem ao Supremo Lord Zeus organizado por Nemyei Jogos. O belo corpo do atleta serviu como um incentivo para desenvolver uma antiga escultura.

A era dos heróis saiu com Homer. A arte da palavra apelou aos sentimentos e experiências de uma pessoa separada - as letras nasceram (a declaração de poemas acompanhados pelo Lyra). Grandes letras chamam o arquitólogo apaixonado com cerca de. Paros, Anacreonta alegre, Sublime Albey e Safo Poetess Fino. Na antiga Sparta, Choral Lyrics desenvolveu (diferável em homenagem a Deus Dionysus). Ótimo foi a glória e poeta pindara.

Neste momento, seu sistema estatal foi criado na Grécia, que levou ao estabelecimento de democracia de propriedade escrava. Em comparação com os déspotas orientais, foi um passo progressivo. Grátis, os gregos viu o ideal em sua própria melhoria, como uma pessoa e um cidadão do polimento, o espírito valente e um grande corpo.

Criatividade Artística, Ellala, pela primeira vez na história do mundo, aprovou o realismo como uma norma absoluta da arte. Não há cópia exata da natureza, e o desejo de imagens completamente excelentes para as quais a natureza apenas sugeriu. Quem são os deuses do Olympus (Zeus, Afrodite, Atena), como não as pessoas que envolvem em sua perfeição humana da imortalidade? Seguindo a arte do mito, a arte começou a retratar um homem dotado com esse valor e beleza que ele deveria revelar em si mesmo.

A escultura arcaica desenvolveu dois tipos: estes são os karos (escultura do jovem nu que tinha um valor de culto como uma imagem de Apollo, bem como uma figura masculina desenvolvida em geral) e a casca (as esculturas de culto do macho Na cortina decorativa de roupas e brilhantemente degradada; depois o aço casado na arquitetura dos cariátides - colunas na forma de uma figura feminina). Amostras de empréstimo em Egito e Mesopotâmia, a escultura monumental arcaica (até 3 m de altura) foi muito rapidamente melhorada no realismo, mantendo os rostos do Kouros e o rei o famoso "sorriso arcaico" como uma tentativa pelo artista para aquecer para cima, destacando ainda imagem estática de dentro.

Arquitetura de arquitetura é predominantemente templo. Gradualmente, os gregos desenvolveram um sistema que mais tarde, nos romanos, o nome da Ordem (Ordem, Sistema). No entanto, cada templo dá origem a uma sensação de singularidade, uma vez que o sistema de mandados foi usado de forma criativa, levando em conta o ambiente natural e arquitetônico. Archaica formou duas opções para a Ordem Grega: Doric maciço, incorporou a ideia de masculinidade, harmonia de força e rigor, e esbelto, elegante iônico. Mais tarde (em v c. BC. E.) apareceu uma ordem corintiana exuberante e espetacular. Todas as três encomendas diferiram pelas proporções e características da decoração das colunas (suportes) e antibement (sobreposição).

Neste momento, houve um tipo clássico de cromado grego (o aberto), retangular no plano, cercado de todos os lados pela colunata. O templo grego serviu como "alojamento" para a estátua do divino, que foi estabelecido no santuário (NaO).

Bem como a natureza de Eldla, a arte grega era brilhante e multicolorida e festivamente brilhou ao sol. Peças arquitetônicas e decorações esculturais do templo, o policromo também foi uma escultura de mármore, que ficava em todos os lugares públicos da cidade, bem como o glitter dourado da acasga de esculturas de bronze com incrustações de cores. Agora tudo isso é quase perdido, e o bronze perdeu seu brilho original.

A cor no plástico grego indica sua conexão com a pintura e o desejo de transmitir a beleza do mundo visível. Um reflexão brilhante da pintura grega é um vaso. Ânforas, cratera, elegante Hydria, cilintes planos, palestras alongadas - não apenas perfeitas em forma, mas também harmoniosamente pintados por cenas mitológicas. Inicialmente, uma pintura preta e figura desenvolvida e, mais tarde, a redfigure mais perfeita apareceu.

A era de ouro da cultura grega, marcando a "floração interna mais alta da Grécia" (K. Marx), foi precedida pelo grande teste da invasão de elda formidável de persas e a ruína de Atenas.

A glória das vitórias gregas em Athos, durante a maratona, durante a salamina e pagamentos, bem como no desfiladeiro Farmópulo, iluminou a história do Eldlant por muitos séculos. Atenas foi chefiada pela união do mar grego e depois que a vitória foram tomadas por um lugar dominante no elevador cultural e econômico. Os governantes de Atenas (em primeiro lugar, os Pericles) procuraram tornar a cidade o maior centro cultural do mundo grego. Na boca de Pericla, o historiador Fucdide investiu as palavras: "Nossa cidade é uma escola de todos Eldla, e acredito que cada um de nós pode facilmente mostrar sua individualidade em uma ampla variedade de condições de vida." Esportes para todos, sistema educacional, visitas regulares ao teatro e festivais religiosos. No desenvolvimento abrangente da identidade dos gregos, muitos outros povos estavam à frente. Tudo isso proporcionou um florescimento abrangente da cultura artística grega.

Em Atenas, Protagor viveu em Atenas ("Homem há uma medida de todas as coisas") e Anaksagor, o democrédito universal do pensador ("a pobreza na democracia é tão melhor do que o bem-estar com os reis, tanto quanto a liberdade é melhor do que escravidão"). A forma de realização da Ellin Wisdom foi a Grande Sócrates, um professor de Platão.

A ciência em face do hipocrático - "pai da medicina" e Herodota - "pai da história" também se desenvolveu.

Durante as férias do teatro (3 dias), os gregos eleitos o melhor dramaturgo, estabelecendo, ator e a horga (organizador da apresentação). A glória do mundo da tragédia do sótão trouxe "padre tragédia" Eschil ("persas", "encadeado Prometheus", "Oresteya", etc.), Sofokl ("King Edip", "Antigona", "Electra") e Eurypid (" Medea "," Fedra "). O tingimento colorido está associado ao trabalho de Aristofan, que arrastou as parcelas da vida política moderna de Atenas (" pilotos "," nuvens "," sapos "," lisuctor ", etc.) . Teatro tornou-se uma vida escolar real e um cuidador de um cidadão.

O orgulho de Atenas iniciou um maravilhoso conjunto maravilhoso - Acrópole ateniense. Edifícios de classe branca foram erguidos: Parfenon, propileno (entrada solene da Acrópole), o templo de Nicky Aptereros (vitória sem empréstimo), o templo de Ereheheheton e Pinakotek (coleção de pinturas). O planejamento e a construção da Acrópole foram liderados pelo maior escultor da Grécia - Fidi. O magnífico conjunto arquitetônico incorporou o poder do poder ateniense e pela primeira vez - a ideia de união geral.

Parfenon - O Templo de Athena Virgem - A Pérola da Arquitetura Mundial (Arquitetos e Kallicrat, Escultor Fidi). Ele sobe acima da Acrópole, assim como a Acrópole Torres sobre Atenas. Parthenon é lindo e heróico-monumental. Este é um periférulo dórico com elementos de uma ordem iônica. Mesmo em sua forma dilapidada, a Acrópole produz uma impressão indelével.

Em 1687, o núcleo veneziano soprou a adega em pó, organizada pelos conquistadores de Turkis em Parfenone. E no início do século XIX, o diplomata inglês senhor Eljin ordenou a parte das famosas batatas fritas da parfenona (decorando o topo da parede) e remova as esculturas sobreviventes nas fronções. Com o tempo, eles adquiriram o governo inglês, e a escultura de Parfenon - o orgulho do Museu Britânico em Londres. No entanto, a atitude bárbara para as obras recebeu o nome do elgorismo.

Mais cedo, na época de Archaika, o santuário de Artemis também foi famoso na cidade de Éfeso (Malaya Asia) - uma das "Sete Maravilhas do Mundo", e mais tarde, no horário helenístico - Mausoléu em Galicarnas, Lighthouse Alexandrovsky ( No Egito), também incluído em "maravilhosos sete", bem como o altar de Zeus em pergunta (n. BC). Se a autoria da escultura arcaica não estiver estabelecida, a era clássica e o ellinismo substituíram os nomes de seus maiores mestres de esculturas.

Abre esta gloriosa lista de sete grandes, claro, Fidi. Sua estátua de 12 metros de Atena Parfenos, que foi uma vez no santuário de Parfenon, foi feita na técnica de ChrysoeSeafic (exes de madeira coberta com marfim e ouro), que foi reverenciada pela arte principal. Na mão direita de Atena realizou uma estátua (2 m) apelidos (vitória), e à esquerda confiaram em um escudo com um alívio, uma lança estava inclinada para o ombro. A estátua não é preservada, o software foi reconstruído na descrição dos contemporâneos. A estátua de Fidievskaya de Zeus ("milagre de luz") é tão famosa pelo templo em Olympia. Zeus sentado no trono. Muro de Fidia em especialmente forrado para este workshop. Cetro com uma águia do sagrado mensageiro-com à direita, e o apelido protegido em sua mão esquerda estava segurando "pai de deuses e pessoas". Decoração dourada, como acreditava, pesava cerca de 200 quilos, e os olhos das gemas eram do tamanho de um punho. A estátua do Twelvemeter ficou por quase 900 anos e morreu em um incêndio em v c.

Um dos primeiros escultores que conseguiram transferir realisticamente o movimento do corpo poderoso, era Miron, com seu famoso "discobol". O policleta do escultor definiu as proporções do corpo e entregou-as em plástico. Seu "Dorino" (Spear) foi criado pela Canon, que foi dominado por mais de cem anos. Bronze "Discover" e "Dorifina" nos alcançaram em cópias romanas de mármore. Para substituir a magia estrita de imagens de plástico de três mestres atenienses no século VI. O Drama Pathos do Skopas (Menada) veio e a graça sonhadora das imagens de Praxitor ("Hermes com a Dionis infantil", "Afrodite Book" - sobre. O livro, que adquiriu uma estátua da deusa nua, eles disseram, uma verdadeira peregrinação para fascinante para admirar sua beleza).

Na era do início do helenismo, quando, graças às campanhas conquistantes de Alexander Macedonsky, o mundo grego expandiu um incomum e ativamente interagiu com as culturas orientais, Lisipp (o escultor do tribunal, que criou seus retratos esculturais, bem como Os famosos "apoxiomen" - atleta limpando o corpo com um raspador, e safada "erota" com uma fração de flechas e um arco atrás dos ombros).

Um leohara artístico com seu "Apollo Belvedere" (cópia de mármore do original de bronze agora é classificada (uma cópia em mármore do original de bronze). A espetacular pose de deus da luz e da arte do teatro com a mão esquerda e twing casualmente com um manto.

Entre as famosas obras-primas helenísticas monumentais monumental samufratsky's monumental (Paris, Louvre), "Laocoon com filhos" (Roma, Vaticano) e a frita escultural de Zeus Altar (de Pergamum, Malaya Asia), os restos são armazenados em Berlim "Pergamon - Museu". Glória mundial adquiriu a estátua de Venus Miloso (Paris, Louvre).

Arte grega completou seu caminho histórico. Um novo estágio de sua "existência" começou - como a amostra mais alta para todos os subseqüentes culturas artísticas. E o primeiro "aluno" era uma antiga Roma.

8. Cultura artística do antigo Egito

Há algo na frente da indiferença das constelações, e o eterno sussurro de ondas, os atos do homem que leva sua presa da morte.

Do antigo texto egípcio

O estado do antigo Egito no Vale do Nilo criou uma cultura alta e sofisticada. Manifestou-se características comuns do escravo packado despotado (Babilônia, Sumer, Assíria, Urardu) com a sua "giantomania", mas a arte do antigo Egito superou o peso pesado bruto e desenvolveu formas artísticas de nobreza e pureza incomparáveis.

Pirâmides gigantes em Giza, grandes faraó da Esfingeh Hefren e o retrato escultural do Tsaritsa Nefertiti - emblemas de arte mundialmente famosos do Egito, que vieram das profundezas dos séculos.

Obter um par de milênio IV e III para N. e., a cultura do antigo Egito passou por vários estágios de seu desenvolvimento, alcançando um auge na era antiga (século XXVIII-XXIII aC), a média (século XXI-XVIII aC) e o novo reino (XVI-XI BBUSES BC) .

As características da cultura egípcia antiga estão associadas ao desenvolvimento precoce do Estado, posição geográfica isolada, bem como com a influência profunda e abrangente da religião (especialmente um ritual funerário) em todas as áreas de atividades artísticas.

O líder no conjunto das artes do antigo Egito se torna a arquitetura como expressivo de idéias religiosas e estaduais dominantes, que cristalizou na imagem da pirâmide (em altura sagrada grega "). O símbolo da hierarquia divina e terrestre, as ligações dos três mundos (deuses, pessoas e os mortos) - A pirâmide reflete a imagem do mundo que prevaleceu nas mentes dos antigos egípcios. Em seu centro, o faraó deificado como a personificação de Deus monte (coro) e o mediador entre os mundos.

Vêm das profundezas dos séculos, porque foram construídas no século como as casas da eternidade, as pirâmides do antigo reino (o conjunto em Gizé) permaneceram a única das "maravilhas do mundo", que veio a nossa aplicação.

Eles foram precedidos pela "mãe de pirâmides" - o túmulo de seis velocidades do Faraó Jossera (60 m), construído pelo Grande Arcoten, também se tornou o símbolo do poder ilimitado.

A pirâmide está incluída nos complexos funerários monumentais - Necrópolis - com os templos requiem, as estradas para as esfinges de escalada, pirâmides satélites, torre sagrada e uma poderosa parede fortaleza.

A posição central da pirâmide na composição arquitetônica do enterro real é devido ao seu simbolismo solar, porque o culto solar foi maior no sistema de representações religiosas. O Egito chamou o país do sol e os faraós de seus filhos. Tal raio do sol caindo no chão, a pirâmide simbolizava o caminho do faraó ao céu. A forma disso significava a eternidade, e a atitude dos rostos é a harmonia divina do universo.

Os túmulos gigantes nos pharaohs de Giza de Heops (146,6 m), Hefren (143,5 m) e micheryina (66,5 m) já são mais de quarenta navios, monumentos extraordinários da vontade inflexível dos faraó, muitos anos de trabalho, centenas de milhares de milhares de camponeses e escravos e arte de alta construção, bem como a meddidão de um conhecimento antigo. As pirâmides ainda estão levando muitos mistérios.

Se na era do reino antigo e do meio nas rochas dos túmulos fosse enterrado, o Courtie, então no novo reino e faraós começou a construir seus túmulos nas rochas no vale dos reis e do rei, em vão, esperando Para proteger contra os ladrões, e as pirâmides permaneceram decoração arquitetônica e simbólica do enterro.

Os antigos egípcios consideravam o templo pelo lugar da estadia da Terra de Deus e do modelo do universo. Durante o novo reino, a arquitetura do templo está passando por florescência.

Os templos conhecidos - santuário do Divino ensolarado de Amona-Ra em Karnak e Luxor. Se uma pirâmide antiga é como uma montanha, então esses templos se parecem com uma floresta densa. Conectou os templos quase um dunth de dois quilômetros - um beco de esfinges, os sinais solares Sunny Obelski aumentaram. Pastagens poderosos formaram um portal majestoso decorado com coloso escultural de faraó. Cada governante subseqüente ligado aos novos templos novos, que por séculos, por séculos, os complexos de Karnak e Luxor se transformaram em cidades de pedra com becos e quadrados, colonnades e templos. Após o layout linear, a composição do templo foi implantada profundamente no santuário com a estátua do divino, através do salão sombrio hyposileno (coluna). No Carnan, o hypotill inclui 134 colunas (eles imitam as formas vegetais do Egito): papiral, lotumoso, em forma de palma até 23 m de altura. Karnaki Hypostasil - um dos mais monumentais interiores da antiga arquitetura egípcia.

A última decolagem da arquitetura monumental está associada à era de Ramssenides - isso é sem precedentes pelas escalas do templo rochoso de Ramses II em Abu-Simbel.

Pilão gigante decora vinte metros colossas do conquistador do faraó. Nos anos 50 do nosso século, a ONU e a UNESCO organizaram uma operação única sobre as preocupações de Abu Simbel durante a construção da Barragem Assuan. O templo foi cortado em blocos gigantescos e mudou-se para um novo lugar. A criação de antigos arquitetos egípcios foi salvo.

Na síntese de culto de artes, a arquitetura acompanhou a escultura, que era tão canônica e monumental, mantendo tradições artísticas sustentáveis.

Entre as obras-primas da escultura redonda é uma grande esfinge, a guarda da necrópole de Gizekh, a criação da natureza e do homem (o maciço de rocha de um corpo de leão com a cabeça do rei). O "pai de horror" não sofreu de vez em quando, seus soldados Napoleónicos Isurodo-Vali (do nariz) no início do século XIX. Mais tarde, os britânicos pegavam a barba de pedra. Agora Sphinx Hefren perturbe seriamente os cientistas europeus com sua condição.

De acordo com a nomeação culticada de uma escultura redonda para ser os maravilhosos retratos criados a alma do falecido.

Tal é o grupo escultural de Tsarevich Rakhhotpa e seu bunda Nofret (Cairo, Museu Egípcio), sentado no trono. Canónico não é apenas grande - calma, posturas, mas também colorir uma estátua masculina em uma cor vermelha-rugido, fêmea - em amarelo, cabelo - preto, roupas - branco e vermelho. O cânon da figura do pulso reproduz a famosa estatueta do escriba de Kai do Louvre.

Na arte do alívio da escultura (baixo-relevo e alívio embutido), os egípcios também atingiram a expressividade plástica, criando uma silhueta única da figura, como se fosse derreter no plano. O início da Canon colocou uma imagem do faraó de Narre no paleto famoso, e uma continuação brilhante era o relevo de madeira "arquiteto Hashire". Relevos em túmulos e templos são distinguidos por um princípio de localização de frieze (fita), coloração de convencionalidade e comunicação com a escrita. Sofisticação especial marcava relevos do sobrevivente já aberto no século XX. Túmulo do jovem faraó Tutancâmon.

Nos trinta e cinco séculos de Oblivion era o mundo e a rainha Nefertiti do novo reino. Uma série de suas imagens esculturais foi encontrada nas escavações do workshop do esculpador da SHHMERY, o mestre judicial do faraó-herético, ou o faraó amaldiçoado de Ehnaton, que não só introduziu o culto do único Solar Divine-AtoM. , mas também influenciou a arte que se destaca em um período especial de Amarn do novo reino (no lugar da nova cidade de Ehnaton chamado Achetanon está localizado moderno Telel-Amarne. Retire dos velhos cânones e se aproxime da vida - esta tarefa foi resolvida Pelos artistas de Ehnaton, e a verdadeira interpretação lírica da imagem de uma pessoa que encontramos nas criações dos famosos tasmas (retratos de família, o retrato escultural de Nefertiti em alta tiara e o retrato incompleto de arenito dourado é armazenado no estado Museus de Berlim).

Sobre a cultura musical do antigo Egito, dos quais apenas algumas ferramentas e a imagem dos músicos em relevos e pinturas são preservadas, existem suposições. Aparentemente, a música de povo, templo e palácio, melodia de cabelos de cabelo foi quebrada pelos timbos da harpa, flauta, tambores.

A antiga literatura egípcia é distinguida por uma variedade de gêneros: contos de fadas, ensinamentos, hinos de deuses e reis, canções laudatórias e desde o novo reino - amor letras com vantagens poéticas altas.

O antigo Egito abriu o mundo longe de todos os seus segredos. Seu papel enorme na história da cultura mundial ainda não é apreciado. O estudo da cultura antiga começou depois da expedição militar de Napoleão, Dominica Vivan Denon, ilustrador do famoso trabalho de 24 volumes "Descrição do Egito" participou dele. Então a Europa conheceu o misterioso e exótico país, mas seus escritos eram idiomas mortos. A grande descoberta científica, graças à "Roset Stone", fez outro francês brilhante, "Sundayer of Hieroglyphs" - Jean Francois Champolop. Então o egiptologia começou. Imagens artísticas do antigo Egito, que influenciaram nossa era a toda a cultura do Mediterrâneo (especialmente na era do helenismo) e depois incluídas na cultura européia do século XIX, e hoje mantêm a definição da grandeza espiritual e perfeição estética.

9. Características da cultura artística da Idade Média

Seria unilateral ver nos middlecakes apenas "infância" dos povos europeus, um passo preparatório para uma nova história ... eles têm valor histórico e artístico independente.

A. YA. Gurevich

Ao recordar a Idade Média, eles geralmente representam os cavaleiros acorrentados nos lats, a espada pesada do inimigo, cruzadas, o romance de pedra do castelo feudal da catedral da catedral, o trabalho exaustivo da fortaleza, um monge que rejeitado por tentações mundanas, a Inquisição. Ferro. Uma pedra. Orações, fogo e sangue.

Muito na Idade Média é escolhido pesado, escuro, desumano. Talvez, portanto, os humanistas da era do renascimento chamado o milênio (séculos V-XV) entre o pôr do sol da antiguidade e o novo tempo da era da estagnação mental, "escuridão à noite", pálpebras médias, buscando dispersar a escuridão do Idade média os raios radiantes da cultura antiga revivida.

Historiografia moderna e consciência artística vêem na Idade Média, não separando o abismo, e a vinculação antiga e moderna cultura da ponte, uma era complexa, que tem suas próprias características únicas, como estágio do desenvolvimento cultural e histórico da humanidade, correspondendo à origem, desenvolvimento e decomposição do feudalismo.

Entre os lados trágicos da vida medieval: infinitas guerras feudais e religiosas, a arbitrariedade das pessoas e igrejas, epidemias em massa de praga e úlceras marinhas, constantemente pendurando uma quadra terrível e esperando pelo fim do mundo - o homem do meio Idades sabiam como se alegrar na vida, esticada para luz e amar, viu na beleza dos símbolos mundiais da beleza divina; Ele sabia como trabalhar desinteressadamente, recompensando o criador no grande e leve ato; Não é de admirar que a cultura medieval saiu depois de uma grande e longo-moda legada artística criada por "pessoas pequenas", que eram grandes mestres.

Um papel especial na formação da cultura medieval foi desempenhado pelo cristianismo, que criou uma grande síntese histórica, herdando e transformando idéias e imagens das religiões do Oriente Médio e da tradição da Filosofia Antiga Greco-Romana. O cristianismo pela primeira vez na história mundial apresentou as idéias de igualdade de todas as pessoas diante de Deus, a condenação da violência, superando a imperfeição do mundo por melhorar moralmente a todos, a ideia de unidade espiritual de todas as pessoas. "A tragédia da pessoa de Cristo enche o mundo, ela mora em cada pessoa" (D. S. Likhaquev). A experiência aguda dessa tragédia é o principal conteúdo das obras-primas da cultura artística da Idade Média.

Adoptou mais de mil anos de história da Idade Média para compartilhar por três períodos principais: início (Century V-Xi), maduro ou clássico (XII-XV séculos) e mais tarde Idade Média (XVI - início do século XVII) , notado por difundido e nacionalmente - manifestação simples na arte de idéias revividas.

Com toda a complexidade, heterogeneidade, multimonsidade, paradoxismo e contradições da vida e cultura medievais, há também um começo unificador - o "modelo geocêntrico do mundo", que encontra na arte perfeita e humanista.

Anteriormente, a religiosidade cristã mostrou-se na adição do sistema artístico bizantino. No período inicial, a Idade Média do Bizâncio permaneceu a única guardião das tradições da cultura antiga helenística, dando a este relé cultural no século X. Rússia antiga junto com ortodoxia.

Bizâncio criou os principais tipos de templos cristãos (basilical, centrada e cross-cúpula), repelindo a arquitetura antiga de acordo com o ensino religioso cristão sobre o templo como um modelo terrestre da igreja celestial, como um navio salgado para os crentes, como casa para rezar. Portanto, a principal atenção foi dada a um aumento no espaço interno e na magnificência divina da decoração interior do templo.

O principal no Império Bizantino foi o templo de São Sofia em Constantinopla, erguido no século VI. Sob Justinian, arquiteto Anfimi e Isidore (um caso raro de preservar os nomes dos construtores medievais, porque ninguém se importa com isso na era da Idade Média, já que os mestres que fizeram a beleza estavam nos últimos passos da escadaria feudal , seu trabalho foi considerado coletivo e, significa extremo e quase sempre permaneceu unnamed, anônimo).

Em São Sofia combinou os princípios de design do antigo Panteão Romano e da Basílica Cristã Primeira, o centro do retângulo foi coroado com um hemisfério gigante da cúpula (diâmetro de 31,5 m). A arquitetura do templo parece misteriosamente mudando de diferentes pontos de vista, implementada em milagre de pedra.

Na era da Idade Média, uma nova síntese de artes nasceu, com diferenças na ortodoxia e catolicismo, dividida em 1054: em um grande conjunto, magnitude deslumbrante e espiritualidade, arquitetura e escultura, pintura (fresco, mosaico, pintura ícone ou vitral) e crosta decorativa, música vocal e instrumental (órgão).

Pela primeira vez, essa síntese artística foi realizada no ritual solene da adoração bizantina, que foi adotada pela antiga Rússia e por outros estados do ramo ortodoxo do cristianismo.

Se no leste, a transição da antiguidade para a idade média ocorreu gradualmente, então no oeste - através da destruição e quebra de tradições culturais da antiguidade. A queda da antiga Roma, a grande realocação de povos e "varparização" da Europa - na ignição do nascimento de uma civilização medieval também foi formada pela cultura artística da Europa Ocidental.

A arte medieval da Europa Ocidental e Central em seu desenvolvimento de tenrativa passou por três etapas: Domanian (Wed. V-X séculos), romanesco (Xi - XII séculos) e séculos góticos (XII - XIV). Em alguns estados, a arte gótica nos séculos XV-XVI. ("Flamejante gótico") coexistiu com a arte do Renascimento.

De todos os "reinos bárbaros", o Reino de Frankov, o Reino dos Franks, inicialmente, eram os maiores e fortes, o Reino da Meroving, que aceitou o cristianismo no ritual católico, e então Francos estão experimentando o Renascimento Carol (VI - IX séculos), esta a época completa o Império de Karl, o Grande, coroado pelo pai romano como "Imperador Romanos".

Neste momento, as artes decorativas e aplicadas (fixadores, fivelas, armas, armas, utensílios, cruzes, salários dos livros da igreja, com inserções de pedras preciosas, vitrais ou esmalte, surpreendem a riqueza do ornamento em combinação com o "estilo animal") e Arte de miniaturas de livros.

Com século IV. Os mosteiros emergentes se tornam centros para criar livros cristãos (o evangelho, os ensinamentos dos pais da igreja, os livros litúrgicos), que foram feitos de pergaminho e decorado com miniaturas coloridas, onde ouro, roxo, guache. O tema favorito foi as imagens dos evangelistas.

Amostras de design de arte primordial de um livro, que se transformou em um presente caro e requintado, demonstrando um sofisticado estilo ornamental acabado que tinha uma grande influência em toda a cultura européia.

Durante as invasões destrutivas de normandos, muitos focos de cultura e monumentos de arte, arquitetura foram mortos, riqueza indispensável de mosteiros e palácios foram apagados. Em seu curto, a floração da arte caroling reviveu muito das conquistas da antiguidade tardia, mas não criou um novo sistema completo, que estava sob o poder da era RO-Mansk que veio para substituir a primeira artística pan-europeia estilo.

O termo apareceu no século XIX, quando arqueólogos na construção dos séculos X-XII. Eles encontraram características de semelhanças com a arquitetura romana, mais tarde romeno começou a chamar a arte da era em geral.

Em uma Europa fragmentada, ereting, os principais tipos de estruturas arquitetônicas eram um castelo de cavaleiro, um conjunto monástico e um templo destruído com muros de pedra enorme, janelas estreitas, torres altas.

O desejo de aumento da espiritualidade é distinguido pelas amostras de arte românica, bem como a bizantina, no entanto, a imagem de uma espiritualmente perfeita e exausta do mundo real do homem não recebeu o mesmo desenvolvimento que no Bizâncio, na arte européia ocidental, Uma atitude ativa em relação à vida foi combinada com religiosidade. Arquitetura românica Amazes poder, escultura - viajando o espírito. Em aumento da expressão de sentimentos, as tradições da arte bárbara são sentidas, o caráter rápido e terrível da era de guerras feudais e cruzadas. O tipo basilical de templo cristão está se desenvolvendo em catedrais românicas. Um poderoso alojamento longitudinal estendido (Nave) gosta do templo do navio. Óleos laterais abaixo da central. Eles são cruzados por uma translraph, e a cruz latina é formada no plano. Um maciço, torre, do leste, o templo é fechado pelo semicírculo com o leste da abside (com um altar dentro). Templo de Watchdog de torre estreito (dois da extremidade oriental e oeste). Arquitectônica do templo românico é claro em todas as partes, distintas e visuais, difere de beleza corajosa, impressões e poder solene.

O novo na decoração da Igreja cristã da era românica foi o design escultural do lado de fora e dentro, o que permite comparar a catedral com um livro de pedra que capta a alma da Idade Média. Embora as figuras da igreja e a arte "gerenciada" - muitas vezes não pudessem entender nem aprovar a decoração escultural dos templos.

Masters românicos pintados paredes, portas e colunas pelo mundo anterior: Imagens dos santos, apóstolos, evangelistas Spaders, homens, explicitamente origina comum, na timpânia semicircular acima das igrejas do portal (entrada), especialmente alívio com a imagem de uma quadra terrível , onde Cristo é um juiz e defender seus vassalos, e por aí do ornamento bizarro há "imagens estranhas em forma de feia" - centauros, macacos, leões e todos os tipos de quimeras de pedra, às vezes eles são amassados \u200b\u200bna campanha sagrada e são presente nas "entrevistas sagradas". Aparentemente, essas imagens fantásticas vieram para a arte românica de culcos pagãos, contos de fadas e foliagens, épico folclórico, expressando a compreensão das pessoas e a ideia da luta de bondade de bondade e mal para a alma do homem.

Dentro dos templos, o mesmo, como na era da carrola, foi decorado com afrescos multicoloridos, o novo fenômeno era colorido vitral de vidro nas parcelas de história sagrada; Este tipo de pintura do templo recebeu um desenvolvimento especial na era gótica. As famosas catedrais românicas foram preservadas na Alemanha (Wairma, Speyer, Mainz) e na França (Notre Dame em Poitiers, Saint-Pierre, em Moissaca, Saint-Lazar, em outro).

Até o século XII Os principais centros culturais da Europa eram mosteiros, onde havia pessoas mais educadas, problemas de construção foram discutidos, os livros foram reescrevendo. No entanto, no século XII. O campeonato começou a se mudar para novos centros econômicos e culturais - cidades que lutavam com feudalidades por sua independência. Não é de admirar que eles dissessem: "O ar da cidade é livre". No meio, os cidadãos nasceram liberdade e atitude crítica em relação ao sistema feudal, a igreja consagrada, conforme estabelecido no céu e, portanto, inabalável.

Alto Heyday atinge literatura de cavaleiros seculares e poesia, há literatura do mundo da cidade, a criação do épico heróico da Idade Média está sendo concluída.

Os mais famosos poemas épicos franceses "Song Sobre Roland", "Sing Side" e a épica alemã "Canção de Nibelunga".

No coração da "Canção Sobre Roland", o episódio da campanha espanhola de Karl, o Grande 778, no poema, uma campanha conquistadora está se tornando uma guerra justa com "incorreta", sarracinas. Trégua cozinhada do rei Saracensky Martilha, a traição de Karl Vytnaya Ganeleon Advisor, a batalha sangrenta do cavaleiro de Roland com saracinos e a morte do personagem principal, derrota o exército de Saracinov, a morte da noiva de Roland e a execução de Hanelon - estes Os principais eventos da história épica, glorificando o patriotismo da igreja cristã, os franceses e a coragem do jovem cavaleiro.

A "Canção de Nibelungakh" de pé por vários séculos é um enorme conto de canções e épicas, inclui pinturas por uma vida de tribunal de cavaleiros brilhantes, vagas memórias de antiguidade distante do grande reassentamento de pessoas de Ventures IV-V, imagens mitológicas, lendárias e fantásticas . Os principais tópicos da legenda: cegando o poder destrutivo de ouro (Cassel de Nibelung), o desejo pelo amor e felicidade do corajoso Cavaleiro de Siegfried - o "herói ideal" do Ocidental Nekovna, vingança em suas esperanças pelo amor de Siegfried Mighty Brunguda, cujos irão picar uma maldita Haigh, matando um herói, assim como a terrível resposta vingança de sua esposa, o crimbuco e a morte de todos os principais heróis da lenda. A história de um autor medieval que penetrou na psicologia do homem e, ao mesmo tempo, decidir seus atos por imagens fantásticas do anel mágico, uma espada maravilhosa, o sangue milagroso do dragão Siegfried, assim como a "Canção de Nibelungakh", bem como a "Canção de Nibelungakh". É rico em insignificações humanistas que a carga destrutiva da missão retorna ao enviado, condenando a morte e o mundo dos deuses e o mundo das pessoas.

É na Idade Média que a poesia se torna a rainha da literatura europeia. Até mesmo as crônicas foram desfrutadas de forma poética, e as Sagradas Escrituras adquiriram ritmos poéticos que foram mais lembrados, e os textos que se afastam adquiriram a beleza da poesia.

Etiqueta da corte da luz Castil Cultura dos séculos XII e XIII. Ela exigiu que, junto com a tradicional valia militar, o cavaleiro tinha maneiras elegantes, observado em tudo "medida", foi anexado à arte e ler as mulheres maravilhosas, isto é, ele era uma amostra do tribunal sacerdotal, referido como Courtsia.

A Página Brilhante da Poesia Castil era a obra de Troubadurov ("Winkers") da Provença Francesa, o culto da bela dama levou o mesmo lugar que o culto de Madonna para a poesia religiosa. O amor de Trubadurov era uma espécie de motim contra barreiras rígidas de classe entre as pessoas. Poesia provençal expressou reverência antes da beleza da vida selvagem para sempre; Dante, Petrak e outros poetas da era renascentista foram estudados nas melhores amostras de Lyrics Oboven, porque foi a trimestrutura rima em um amplo uso literário. Na Alemanha, a letra Medieval Knightly chamada Minnezang e seus poetas - minessinhando os agers. Na ópera "Tangayizer", Richard Wagner erigi-los e século XIX. Monumento Majestoso, e também deu tributo aos EPOS Nacionais na Tetralogia de Opera "Ring Nibelung"; A arte do Urban, Hambergers Loja Maesterzant Wagner dedicada à ópera Nuremberg Masonzinger; Muitos romance europeus no XIX-BR-LEI parecido com ele. Inspirado pelas imagens medievais nacionais.

Em geral, a criatividade literária novaeuropeia é variada em gênero. Além do épico heróico nacional e do tribunal, a história de cavaleiro e o romance existiam ("Roman Sobre Tristan"), "científica" poesia latina, a poesia de vagatov - estudantes vadios, monges e outras pessoas, literatura cristã - "Alto "Teológica e" baixa "para" Opposse "(vidas de santos e" visões "das cenas da vida após a morte), a literatura urbana é representada por genres poéticas cômicas de Fabio e Schwankami, além de Lyrics Ballad e Rondo.

O teatro da igreja foi banido. Igreja e espetáculos populares podem ser atribuídos à arte teatral com trecho. Entre a igreja "teatro" gêneros o drama litúrgico (cantando com elementos teatrais), milagre (milagres da vida dos santos), mistério - os sacramentos, mostrando justos e injustos, a moralidade sobre a luta de virtudes e virtudes. Havia uma variedade de teatros populares de atores perdidos.

Com o desenvolvimento da cultura gótica urbana, a catedral gótica se torna o centro de toda a vida social. O termo "mãe de gótico" - "maneira gótica" (do nome da tribo alemã) também se originou na época renascentista como condenação de arte grossa e bárbara da Idade Média. Com o tempo, o conteúdo do termo mudou. Gótico começou a ligar para o estágio final da Idade Média da Europa Ocidental ..

Na arte gótica com uma enorme força impressionante é expressa "confissão inconsciente" da humanidade medieval. E a Idade Média parece "Majestic, como um templo gótico colossal, escuro, escuro, como seus cofres, Motley, como janelas multi-coloridas e uma abundância de suas decorações, elevadas, cheias de rajadas, como voando para o céu pilares e estepes terminando flasher nas nuvens do Chaps "(Gogol).

Masters gótico, melhorando o sistema de apoio, fez uma revolução na arquitetura. A enorme parede românica desapareceu, o edifício estava bêbado para o Cozoi, para a moldura de pedra. Gótico desenvolve o tipo basilical do templo cristão. O caráter transversal do arcade que separa uma nave do outro, enfatiza a abertura e a relação mútua de partes do espaço interior, e grandes janelas a céu aberto - arqueadas e redondas ("Rose gótica") com janelas de vidro coloridas - Faça uma luz Barreira ilusória e crescente entre a catedral interior e o mundo exterior. O poder esmagador e a abertura extraordinária do espaço, a grandeza e dinamismo da construção de pedra, a cor pintada a luz, derramando através das janelas de vidro manchadas, é tudo fundido em uma única imagem artística monumental.

A catedral gótica contém todo o mundo da cidade medieval, torna-se sua enciclopédia. O estilo de tempdemimentar gótica e dramaticamente, como a vida tensa de uma cidade medieval. A pátria gótica tornou-se a França, um pouco mais tarde, ela se espalhou na Alemanha (Catedral de Colónia, "Brick Gothic"), Inglaterra (Abadia de Westminster em Londres), República Checa (Catedral de São Vita) e outros países do mundo católico.

As catedrais mais famosas da França são dedicadas à mãe Nellere Dame em Amiens, Chartres, Ruang e, claro, em Reims e Paris. Estas são "enormes sinfonias de pedra" (V. Hugo) com uma decoração escultural complexa, onde cada elemento da arquitetura "oblovochenchencheni" é povoada por vários seres vivos, e as estátuas góticas estão atingindo a expressão do êxtase inspirado, que transforma, graves corpos esgotados. De fato, na arte gótica, a terceira propriedade com seus sonhos e sofrimento, desespero e esperanças.

Na síntese do templo de artes, na criação da imagem do mundo de Deus, a última música definida. O desenvolvimento da Música da Igreja confiava em cantos de oração de cabelos de cabelos em latim-gregorian khoral (fogões de cantos foi criado por iniciativa do Papa Gregory I). Com o século IX. Ele recebeu um reconhecimento do corpo que veio à Europa de Bizâncio. Mais tarde, com base nas melodias da Gregory Khorala, a música muitas voz de motes e a massa católica ocorre. As imagens sublimes do Gregorian Khorala inspirou no século XVIII. Ótimo I.-S. Bach

A cultura artística medieval é um complexo, desenvolvendo drasticamente e simultaneamente fechado no quadro da clássica hierarquia e da imagem "modelo geocêntric" do mundo. A idade média pertence a uma das páginas mais dramáticas de um ótimo livro sobre uma pessoa que cria a história da arte.

10. Art cultura da Índia, China e Japão

A arte da Índia, China e Japão pertence à cultura artística dos povos do leste. Eles estão unidos pela semelhança de caminhos de desenvolvimento histórico, bem como distribuição nesses países do budismo, que influenciaram a ocorrência de novas artes na virada da antiguidade e da Idade Média. Esta arte foi distinguida pela amplitude da realidade, a consciência do profundo parentesco do homem e da natureza, um grande potássio emocional. Escultura indiana, pintura de paisagem chinesa, mosteiros japoneses e jardins são apenas exemplos famosos separados.

A arte da Índia dos tempos antigos alimenta uma poderosa fantasia, a gradação das escalas das idéias sobre o universo. Os meios de expressão artística são impressionantes por variedade e colorido, parecendo a natureza florescente da Índia. A ideia da unidade da vida em todas as suas manifestações permeia os ensinamentos, a estética e a arte filosóficos. Portanto, o papel da síntese - arquitetura e esculturas, arquitetura e pintura, bem como poesia, pintura e música, bem como poesia, pintura e música é tão grande em arte indiana. As famosas idéias teatrais sobre os temas da antiga épica Ramayana e Mahabharata tornaram-se a fonte de poses clássicas capturadas nas artes visuais, que são caracterizadas por expressão e coragem. Numerosas tribos da maior península da paz (Industan) participaram da formação da arte indiana.

O período do meio II para o meio do Milênio I BC. e. Está principalmente relacionado com a filosofia florescente do brahmanismo e literatura no sânscrito mais antigo. No entanto, muito antes da nossa era, quando as civilizações do Egito, a Mesopotâmia, o Irã e a China foram desenvolvidos, artesanato, ciência e arte apareceram na Índia. Grande desenvolvimento recebeu gramática, matemática e medicina. Os índios glorificaram o mundo inteiro "Bharat Country", fazendo a humanidade de um sistema digital e um jogo de xadrez, fazendo tecidos coloridos mais finos e aço de contas,

Diversidade excepcional de formas, ficção imparável, poder otimista e persistência de tradições folclóricas contrárias ao culto, restrições canônicas - a mais maravilhosa no trabalho artístico dos índios. Não é de surpreender que a Índia tenha atraído inúmeros viajantes. De volta no século XV. Tver comprando Athanasius Nikitin comprometeu "andando em três mares". No século XVIII Gerasim Lebedev criou o teatro em Calcutá. E no século XIX. Imagens da Índia capturada na tela a.d. Saltykov, V. B. Vereshchagin (cerca de 150 pinturas), I. K. Roerich. A criatividade Roerich (pai e filho) é uma página especial de laços culturais russos-indianos.

Em meados do 2º milênios, a civilização florescente inde morreu sob o ataque das tribos nômades - Ariev. Apenas as ruínas das cidades paisagísticas de Mohenjo-Daro e Harappa são preservadas, bem como muitos objetos de arte decorativa e aplicada desenvolvida e plásticos rasos. O surgimento da ARIA é considerado os criadores do mais antigo "Vedas" ("conhecimento"), e são hinos e orações para as divindades, muitas informações diferentes sobre a vida e a vida de Ariyev, sobre a divisão da sociedade para quatro grupos de fundição ( VARNA): Sacerdotes - Brahmins, guerreiros - Kshatriyev, agricultores, artesãos e comerciantes - Vaisiyev e o menor Varna - Speud, que, juntamente com os escravos, obedeceram aos três primeiros.

Durante a formação de poderosos estados de propriedade de escravos (VI-IV séculos. BC) Literatura épica surge - grandes poemas em sânscrito "Ramayana" e "Mahabharata" (epos gregos antigos superiores em volume 8 vezes), que relataram lendas sobre heróis corajosos e corajosos , para combater e fortalecer novas dinastias poderosas.

A ideia da celebração do bem sobre o mal subjacente ao antigo épico indiano, permeia a história dos irmãos e Epusund do Sonde, que decidiram compreender o mistério do universo, o conto poético de Nale e Krasanice Damanti. Em geral, o enredo de 18 livros "Mahabharata" fala sobre a luta teimosa de dois parto real para o poder. Imagens nobres são criadas em Ramayan. Destemido e valor de Tsarevich Rama, devoção ao seu irmão Lakshman, amor confiável Sita separada com expulsão para a floresta, e a astúcia do Senhor dos demônios da Ravana entrou há muito tempo os índios nas dicas. E algumas das montanhas ainda são honradas como os deuses, e as cenas de Ramayana são jogadas nas férias de férias. "O oceano de sabedoria e beleza" é chamado indianos deles épico.

Após a expulsão das tropas de A. Macedonsky, Maury Dynasty chega ao poder. O rei da Ashka, unindo a Índia em um enorme império, começou a construção Grand StoneNorn de edifícios do culto budista. A religião budista foi oficialmente adotada em Ashok em 261 aC. e.

Budismo (inicialmente não é uma religião, mas ensinamentos éticos), segundo a lenda, foi fundada no século VI. BC. e. Tsarevichi do gênero Shakiev, pelo nome - Namedhartha Gautama, então ninked por Buda ("iluminado"). Buda pregou a ideia de auto-aperfeiçoamento humano, a ausência de mal, renúncia de tentações mundanas. A religião de Bhrchman Buddha emprestou o conceito de reencarnação, mas ele ensinou que o estado do resto mais alto - Nirvana pode alcançar cada um, mesmo um sudra impotente, e não apenas a casta mais alta.

Os princípios religiosos e éticos do budismo foram refletidos na literatura budista (lendas canônicas, tratados religiosos e filosóficos). Em Jataks - Lendas em Buddha Reencarnations - muito folclore e material doméstico. As parcelas deles eram frequentemente usadas por escultores e pintores para decorar instalações de culto.

O mais comum: relíquias - Stupa, Gaolas - Stambhi, Templos de Caverna - Teja, Mosteiros - Vihar.

Stupa - Monumento de culto budista: uma esfera de terreno vascular, alinhada com tijolo ou pedra, de pé em um tambor baixo, no topo - uma câmara para armazenar relíquias de Buda - dente, ondulação, osso - e livros religiosos; No topo das etapas - uma haste com discos-guarda-sóis que simbolizam o nível de conhecimento sobre o caminho para o Nirvana; A cerca e portas (4) foram recriadas em pedra o design de cercas de madeira e os portões dos Vedas. Um exemplo clássico é uma stupa em Santi (altura com uma vara - 23,6 m, o diâmetro base é de 36,6 m). A cerca e portões são ricamente decorados com relevos e uma escultura redonda com base em Jacks com uma grande sensação de verdade e amor pela natureza. Os portões esculpidos de Stupas em Santi "nos apresentam ao mundo da antiga arte indiana".

Stambhi - colunas memoriais de pedra, foram erguidas com ashok em lugares históricos de budismo. 10 Pólos sobreviveram a 15 m de alta e peso mais de 250 toneladas. No post, os decretos reais de conteúdo religioso e ético eram geralmente esculpidos. A maior fama ganhou o "boné de leão" do Stambay em Sarnathe (século III do meio. BC). É como costas frágeis, quatro leões. As capitais de abaca são decoradas com símbolos de quatro lados do mundo - figuras de alívio do elefante, leão, cavalos e touros, entre eles - a "roda da lei" (chakra) é um símbolo do símbolo de ensino de Buda. "Lion Capita" é atualmente o emblema do estado da República da Índia.

De acordo com a lenda, o Buda convocou os discípulos a se aposentar do mundo de Tiege. Os primeiros templos e mosteiros da Ashoka marcaram o início de uma arquitetura monolítica de rock, que existia do século II. BC. e. antes do século VII DE ANÚNCIOS

Uma das estruturas mais majestosas do período inicial - os atolamentos em Karli com um comprimento de 37,8 m e uma altura de 13,7 m. Dentro, como outros templos, é dividido por duas fileiras de colunas em três NEF longitudinais. Um selo monolítico de pedra é colocado na conclusão semi-culinário da neopa central. O fluxo espalhado de luz suave é perdido no crepúsculo de uma enorme caverna cheia da fumaça de fumo frágil. O mais famoso é criado mais tarde, no amanhecer da Idade Média Indiana, na época de Guptes, o complexo da caverna de Ajanta. Como uma guirlanda gigante, 29 templos e mosteiros da caverna ao longo da costa do rio Waghora, Ajanta organiza organicamente arquitetura, escultura e pintura,

As primeiras estruturas do budismo não tiveram imagens esculturais do LAWPOWER. No início da nossa época, a Índia já estava intimamente ligada pela negociação com o Império Romano. A troca de valores culturais contribuiu para a adição da nova arte "greco-budista". O costume romano da deificação dos governantes levou à imagem na escultura de reis e algumas divindades na posição de imperadores romanos ou Fidiyevsky Zeus. A síntese de antiga e indiana na arte de Gandahara na imagem do Grande Professor e Bodhisattvas, que alcançaram a perfeição, mas permanecem voluntariamente entre as pessoas para instruí-las. Os cânones da escultura são gradualmente dobrados. Isto é especialmente perceptível nas imagens do Buda (por isso, as orelhas longas são uma das 32 qualidades inerentes a ele). No entanto, apesar do quadro restritivo dos cânones, os mestres sem reservas procuraram individualização, peculiaridade criativa.

Período III-V GBS, quando a dinastia Gupta conseguiu unir o país, é o florescimento da vida econômica e cultural da Índia. Este é um excelente prelúdio para a Idade Média, a Idade de Ouro, Arte Indiana. Este é o período clássico de poesia e drama sânscrito, arte cênica, inextricavelmente ligada à música, cantando e dançando.

As obras-primas reconheceram o poema lírico "Vestnik" e o drama "Reconheceu o Shakuntala" o maior poeta e o dramaturgo v c. Kalidasi. O drama fala sobre as provações do amor dos jovens lançamentos de Shakunta e o rei do Dicky. Em nome de seu filho, Bharata e o antigo nome da Índia ocorreram - "países Bharat". A poesia Kalidasi é uma fonte animada para muitos poetas indianos e outros países até agora. Um pouco de extensa construção de templo foi preservada. A igreja do grande século II-III iluminado "(Mahabothi) II-III, construído lá, onde, de acordo com a lenda, Buda sentou-se sob a árvore sagrada na noite da iluminação, é uma torre monumental de 55 m altura decorada com escultura: o destino Do templo está mudando, este não é um lugar de reunião orando, e a morada do divino com sua estátua.

Na era dos vomios, as famosas pinturas de parede dos templos da caverna são criadas, adjuntas, aplicadas em uma camada de gesso por tintas temperadas de tons quentes e oleosos. Somos revelados ao mundo colorido da vida, mitologia e história, natureza da Índia, muitas vezes as parcelas são tiradas dos Jacks budistas favoritos. Nas obras-primas das pinturas adjuntas incluem o pitoresco retrato de Tsarevich Buddha - "Bodhisattva com lótus" e a cena "morrendo princesa". Imagens femininas Ajanta é especialmente poética, como se estivessem ecoando com as imagens do poeta de heroína Kalidas. Ajanta é os monumentos de importância mundial e valor artístico: "Estas são cavernas, onde e agora na profunda escuridão da noite queima a tocha da vida"; "As pinturas do Ajanta teve o mesmo significado para a história da Ásia, afrescos kakalianos para a Europa" (M. Slengh). A arte medieval da Índia é difícil na composição, contraditória e separada. Nos séculos VII-VIII. O Brahmanism é novamente apresentado, que em uma nova forma modificada tornou-se conhecido como hinduísmo. As principais divindades eram trindade - "Trimurti": Brahma - o criador do mundo, Vishnu - seu guardião, Shiva - o destruidor em nome da criação de um novo; Várias formas de realização de Vishnu - Krishna, Rama, Buda; O culto de cônjuges Shiva é espalhado - parvati; Ganesh com o corpo de uma criança e a cabeça de um elefante é um patrono de comerciantes, estudantes, autores, etc.

O maior fator culto do hinduísmo é o templo shivaist de Kylisanath (século VIII), criado pela maneira original: na encosta da montanha esculpida na forma da letra "P", da matriz monolítica interna e foi "vaidosa". De cima para baixo do edifício do templo (61 m de comprimento, 30 m de altura). A superfície é repleta de esculturas de deuses, seres fantásticos e animais. "Na caverna, muitas imagens que podem ser honradas com um livro de mitologia indiana", mas essa abundância é sentida alguma sobrecarga, preocupação formulários.

Nos séculos XI-XII. O uso inclui idiomas "Novo Indian" - Hindi, Urdu, Bengali, Marathi. O antigo sânscrito permanece basicamente a linguagem da ciência como latim da Idade Média Européia. Neste momento, surge um novo tipo de templos de torre - Shikhara, na forma de melões que se assemelham a frutas. Apesar do olhar fantástico, o templo foi construído em cânones rigorosos. Isso está imponente em uma plataforma monolítica, um templo majestoso em Khad-Juraudo. Sob a influência do sacerdote Brahmanist Aesthetics, a escultura se afasta das observações imediatas da vida, tornando-se cada vez mais canônica e distraída, expressando simbolicamente as idéias do hinduísmo.

Do século XIII. Os principados indianos espalhados estão sujeitos à invasão dos muçulmanos, trazidos consigo o Islã e sua estética, influenciaram ativamente a arte da Índia quase antes do século XIX. Havia novas formas na arquitetura - Mesquita, Minarete, Mausoléu. Mais tarde há uma arquitetura medieval da Índia, um sintetizador local e trazido, dois estilos se fundem em um, "indo-muslimskny".

Tanto quanto for bem sucedido, pode ser julgado pelo famoso Taj Mahal Tomb (1632-1650), que é merecidamente chamado de pérola da arquitetura indiana, "o poema em mármore", "Canção de cisne da arquitetura da grande era Mughal. . Abóbada do mausoléu, como dizem os índios, parece uma "nuvem, descansando do trono do ar".

O mausoléu foi criado à ordem do imperador Shah-Jahan em memória de sua amada esposa mumtaz - acenando os melhores arquitetos do leste.

Na era da Idade Média, a arte das miniaturas de livro enriquecida com amostras iranianas floresce. Um dos monumentos da escola de clérigos - Babubername (século XVI), a vida da Babura Sultão, é mantida no Museu do Estado da arte das nações do leste em Moscou.

Artesanato artístico da Índia é um dos mais antigos do mundo. Este país tem sido famoso por saborosa de algodão e lã até hoje (apreciado na antiga Babilônia), lesões em marfim e madeira, processamento de metal (perseguição, escultura, filigrana, inlay), jóias e produtos de verniz.

Colonização inglesa no final do século XVIII. Ele parou o desenvolvimento da arquitetura e escultura monumentais nacionais, mas artesanais artísticos locais foram preservados. Pedra de pintura e escultura que desenvolveram tradições nacionais foram capazes de reviver apenas com a ascensão do movimento nacional de libertação no início do século XX.

A cultura da arte da Índia teve um enorme impacto nos países do Sudeste e da Ásia Central.

A cultura da arte da China tem cerca de cinco milênios em seu desenvolvimento. Durante este tempo, muitas obras de arte foram criadas. A grandeza da cultura chinesa se manifestou no fato de que, apesar dos choques históricos, ela continuou a existir, contando com fortes tradições nacionais. Pelo contrário, os conquistores da China perderam sua língua nativa e escrita, o inteiramente caindo sob seu impacto cultural. A abundância dos monumentos da arte da antiguidade e o poro do auge da cultura medieval é verdadeiramente grande, apesar das perdas monstruosas. E atualmente chegando na China afeta facilmente por a modernidade e a cultura antiga cuidadosamente preservada.

No II Millennium BC. e. Juntamente com as primeiras formações do estado, as cidades apareceram com o layout correto, preservados na Idade Média e depois até os dias atuais. Há uma escrita hieróglífica, com o tempo, tornando-se arte gráfica de caligrafia, que entrou em uma síntese artística magro com pintura chinesa. Neste momento, o simbolismo mitológico tradicional e o paralelismo artístico da natureza da natureza e da vida de uma pessoa estão desenvolvendo, o que determina as características poéticas da arte chinesa e sua exigência de linguagem de arte.

O antigo milênio de bronze chinês Bronze II é o mundo artístico acabado. Embarcações rituais de bronze "estilo animal", que foram pagas em formas de argila e atingiram peso até 600 kg, foram tratadas com tal profundidade e virtuosismo do ornamento, que é a habilidade de sua fabricação e agora é incrível como uma espécie de mistério.

No Millennium, os chineses criaram um calendário de sol lunarly e o primeiro catálogo de estrelas do mundo. Os mais antigos ensinamentos filosóficos aparecem - Confucianismo e Taoísmo. Os ensinamentos éticos de Confúcio com seu culto de antigas tradições, ancestrais, a família foi imposta ao conservadorismo e cultura tradicional, enquanto o taoísmo pregou o seguinte "Tao" - o caminho que reflete a essência da natureza: variabilidade e movimento constante de forças, passando gradualmente em seu oposto. O taoísmo influenciou o culto da natureza na arte chinesa, correlacionando todas as ações humanas com os fenômenos da natureza, escolhendo a natureza do comportamento humano. "A maior virtude é como a água. Benefícios da água para todos os seres, e não luta "- um dos numerosos brilhos atribuídos ao lendário fundador do Taoísmo Lao Zi.

O surgimento da pintura chinesa é precedido pela arte desenvolvida de alívio da escultura, cujas amostras no conjunto foram encontradas nos antigos enterros da nobreza chinesa do Império Han, muitos cientistas começaram o começo da pintura chinesa dos relatos de Han com Sua composição de friso e a riqueza de relações rítmicas de silhuetas de avião. Na Idade Média (III-IV séculos. N. E.) A China faz parte de tradições persistentes em vários campos da vida cultural.

Revival após a invasão de tribos nômades, o fortalecimento e a unificação do Estado sobre as bases feudais também foi facilitada pela nova ideologia, que veio da Índia - budismo. A idade média chinesa é a hora da relação ativa entre a China com países e culturas adjacentes, bem como o tempo da busca artística. Sob a influência do budismo, arquitetura monumental, escultura e pintura de mosteiros rochosos, templos e pagodes surgem. Fulling Antigo e novo, os chineses criam um estilo artístico solene e anormalmente decorativo, que refletia o espírito filosófico alegre da cultura medieval. Como um pintor, o arquiteto chinês era um poeta e pensador, possuía uma sensação elevada e exacerbe da natureza. O segredo da impressão extraordinariamente poética da arquitetura da China é em sua localização hábil não é isolada, mas em um amplo espaço da natureza para que as florestas e vértices distantes das montanhas parecessem parte de uma grande grandeza.

A antiga grande parede chinesa é evidenciada sobre a latitude dos planos arquitetônicos de arquitetos chineses (construídos nos séculos 6 - III. BC), um dos mais majestosos monumentos da arquitetura mundial; Depois de paredes antigas, a parede ultrapassou 3000 km. A rigorosa paisagem das montanhas do Norte-Chinês é uma consonância harmoniosa com a facilidade dura dessa estrutura estratégica que defendeu a China do norte.

Além dos templos da caverna, construídos ao longo dos séculos como museus peculiares de escultura medieval e pintura de parede, monumentos memoriais budistas em homenagem aos santos e peregrinos são muito distribuídos - Pagoda.

Recordando as instalações da Torre Indiana no início, para os séculos VII VIII. Os pagodes chineses são caracterizados pela clareza dos membros de longline e magias calmas, enquanto as instalações da torre do Sudeste Asiático são caracterizadas pelo inchaço de formas de plástico de pedra, e no leste - a infinita aspiração das agulhas enroladas de minaretes muçulmanos. O pagode mais famoso da época do Império de Tang - Danyan (grande pagode de gansos selvagens), 60 m de altura, consiste em 7 uniformemente estreitando os mesmos níveis. O impulso espiritual sublime e a mente foram combinados na nobre simplicidade e clareza dessa estrutura.

Do século XV, após a expulsão dos mongóis, Pequim tornou-se a capital da China, em Chinês Bajin (Capital Norte), existente por mais de três mil anos. Seu plano, grandes conjuntos de palácios, jardins e templos são criados em amostras antigas e cartas de construção. A cidade está localizada de acordo com as regras da geomantics "Fyn Shui" - um antigo sistema de orientação de edifícios no chão, dependendo das rosas dos ventos fluindo e as cadeias de montanha circundantes. Estritamente layout simétrico das rodovias e ruas complementar efetivamente os jardins e parques sombrios em colinas a granel, difíceis de lagos artificiais, esticando livremente e pitoresco. O Palácio Emperorsky - "Proibido City" - um fabuloso labirinto de estruturas arquitetônicas e de jardim-parque. A construção principal do palácio - Taiha-Dyan - o pavilhão de maior harmonia, como todos os pavilhões de madeira do palácio, combina a simplicidade e a lógica do design com a eleição pitoresca da decoração. Do século XV A cidade decora o Majestic Heaven Temple Ensemble, associado aos ritos mais antigos do céu e da terra como doador de colheita. O edifício principal é o templo de oração pela colheita anual - com um telhado cônico de azulejos azulejos triplicados triplos, colunas vermelhas e um terraço redondo branco branco com rampas de mármore, lanches sobre todo o conjunto, como um pico de montanha brilhante de Lazurite precioso .

Escopo espacial, peculiar à arquitetura chinesa dos séculos XV-XVII. E o resultado da experiência de milênios, emaranhado e na necrópole gigante da dinastia Ming perto de Pequim. O caminho para se estabelece através de um arco de mármore de cinco span - o começo do caminho, e então - o beco de oitentainotímetro, o caminho dos espíritos, que os números de animais e guerreiros são guardados pelos guardas da necrópole. Rank (portões, templos, túmulos e palácios subterrâneos, em cada), como se estivesse verde entre correntes de montanha; Lugares de privacidade, silêncio e paz.

Pintura como tipo de arte Sincecore gosta de grande respeito na China. Preservados pinturas dedicadas poemas e tratados, descrições de pinturas e histórias consolidadas sobre mestres de pintura em secular e culto, primeiro inextricavelmente interconectados. A pintura de culto decora as paredes dos templos budistas, seculares - rolos de seda e paredes dos palácios. A pintura chinesa está inextricavelmente ligada à poesia. A maioria dos pintores eram dois poetas (na época da Idade Média Chinesa da pessoa educada, era necessário que ele fosse um poeta, e um músico, e um pintor, e muitas vezes um filósofo). A combinação de pinturas e inscrições é incomum para a percepção européia, e a imagem completamente custa sem um quadro, sob a forma de um rolo armazenado em caixas especiais e implantado em casos raros para consideração. Aparentemente, na virada de uma nova era, esta forma de pergaminhos pitorescos com dois tipos foram desenvolvidos. Os rolos verticais geralmente não excedem 3 metros, enquanto a horizontal (panorama, uma história ilustrativa: uma série de paisagens, ou uma cena da vida urbana) atinge 10 metros.

O gênero de paisagem chinês é conhecido como uma das maiores conquistas da arte do mundo. O artista chinês percebe a paisagem como parte de um mundo imenso e espaçoso, como um espaço grandioso, onde a personalidade humana é dissolvida na contemplação do grande, incompreensível e absorvente espaço. O pintor chinês retrata a natureza em dois aspectos. Um - Cenário de montanhas e águas - "Shanshui", o tipo de paisagem chinesa clássica em longos pergaminhos, onde não os detalhes são importantes, mas o sentimento general filosófico e poético da grandeza e harmonia do mundo. O outro é, o outro, o gênero de "cores e pássaros", quando em pequenos pergaminhos e folhas de álbuns, veias e afundamentos retratados uma flor, um pássaro em um galho, um macaco com um jovem ou libélula sobre uma flor de lótus. A imagem está infinitamente próxima ao espectador e, ao mesmo tempo, inscreva-se em uma única imagem da natureza e de uma peça.

Muitos tratados poéticos são dedicados à arte da paisagem. Na "revelação secreta da ciência da pintura", é dito: "Às vezes na foto apenas na paisagem de pé (longa), ele escreverá centenas de milhares de milhas." Aqui estamos falando sobre as peculiaridades do espaço promissor de construção em rolos verticais. O autor da imagem como pode contemplar a terra "se um voo de pássaro", e é por isso que o horizonte sobe para uma altura extraordinária, - vários planos de paisagem são altamente levantados sobre o outro, os itens mais duros são os mais altos. Os planos de paisagem são separados por espaço aquático ou nebuloso nebuloso; O avanço de ar entre eles compartilha os planos frontal e traseira para a distância, aparentemente infinitante. Para fortalecer a impressão do grandiosnose do mundo, o pintor se opõe continuamente às pequenas formas de grandes (as árvores parecem enormes ao lado dos minúsculos figuras de pessoas de seus pés).

A impressão de plausibilidade dá uma linha expressiva e pensativa para os menores detalhes, criando uma imagem de um objeto, sua forma e volume. A partir dos tempos antigos, os mestres chineses combinavam técnicas lineares com a melhor nuance panorâmica, combinando gráficos e pintando juntos. A pintura chinesa é a arte de uma sugestão de uma fantasia acordada, esta é a arte do detalhe que se desdobra na imagem filosófica do mundo, é profundamente poética arte da espiritualidade da natureza e do homem.

O povo chinês com sua rica fantasia, levantou milênios com um sabor artístico sutil criou grandes e excelentes tradições em arte aplicada. É o suficiente para nomear a porcelana artística chinesa, que servia moeda por um longo tempo, sendo monopólio e segredo da China.

Não sei como penetrar no mistério da escrita hieroglífica, o West World quase não conhecia a poesia clássica chinesa por um longo tempo. O antigo clássico "Shizhin" é a fonte pura de inspiração para os poetas chineses dos dois últimos milênios - "Song Book", onde as letras são coletadas em músicas nativas e hinos rituais dos séculos XII-VII. BC. e.

Do século XVII. Produtos artísticos chineses penetram Europa, China e seda são valorizados pelo peso do ouro. A influência da arte chinesa é tangível no estilo de Rococó e no país, arquitetura de parque do século XIX, que era apenas uma estilização superficial. As professuras da arte chinesa com a tradição romântica européia de poesia simbólica dos séculos XX e XX. Os poetas simbolistas observavam que a velha pintura chinesa "deixa a realidade aos sonhos na realidade", os artistas da China têm a capacidade de "encantar objetos", retratam-os com a ajuda de sentimento, experiências, memórias.

A arte do Japão é um tipo histórico independente. Seu surgimento é perdido nos séculos. Por muito tempo, não havia nada conhecido pela negociação do antigo Japão. Apenas no início do século. Monumentos dos milênios II-I foram encontrados. e. Longo período de cultura antiga com mil para n. e. Quase antes da nova era, o Dzevel ("Rope Trail") é chamado de método de fabricação de cerâmica antiga. Os vasos rituais eram para um antigo homem com uma preciosa arquitetura de conhecimento sobre o mundo, seus elementos, a conexão mágica da pessoa e do universo. De acordo com os pesquisadores, é para o começo da agricultura pertence a figuras de barro - os deuses da fertilidade do cão.

Acredita-se que a contribuição mais significativa para a cultura mundial, o Japão contribuiu para a era da Idade Média feudal (de Vi-VIII para o meio do XIX B, tendo experimentado a forte influência cultural da Coréia e especialmente na China. Todas as principais características da arte chinesa foram desenvolvidas, no entanto, a formação de um estilo artístico nacional era superar o impacto e trazendo um alto grau de perfeição de indivíduos emprestados na espécie de arte da China. Uma característica distintiva da cultura japonesa é a sua democracia. De particular importância foi anexada à decoração do interior nas habitações de diferentes camadas da sociedade.

Em cada um dos períodos da longa idade média, são criadas obras artísticas pendentes. Nos séculos VII-VIII. - Estes são conjuntos arquitetônicos e esculturais de mosteiros budistas.

Na lei antiga dos templos foram construídos por 20 anos, então eles foram destruídos e construídos novos no mesmo plano. Os mais antigos templos de xintoístas ("sintóisma" - o "caminho dos deuses" a mais antiga religião polietética nacional) construída a partir de madeira valiosa. Budismo, que do século VI. Torna-se uma religião do estado, predeterminou a grande escala de arquitetura. O templo de Khoryuji, o templo de ouro perto da antiga capital de Nara e o maior edifício de madeira do mundo - "Temple Todaji. "O Grande Templo Oriental", o principal santuário do estado com uma enorme estátua de bronze do Buda dentro. Os complexos do templo budista tornaram-se o protótipo dos primeiros assentamentos urbanos.

Nos séculos IX-XII. Parece e preocupa a pintura japonesa florescente - Yamato E. Em seda e papel, cores brilhantes com a adição de ouro e prata, artistas pintados paisagens, cenas tribunais, às vezes ilustrou os romances famosos de seus contemporâneos. Fotos sob a forma de pergaminhos horizontais - Zkomono - considerado na mesa, e a vertical - Kakomono - decorou as paredes das salas da frente. Fotos de Yamato-e ("pintura japonesa") deixam a impressão de uma jóia festiva.

Na era da antiga Idade Média, as obras originais da arquitetura paisagística são criadas - famosos jardins japoneses. O mais famoso "Jardim de Mukhov" e Budista "Jardim de pedras" em Kyoto (século XVI). Um composto peculiar de budismo com uma antiga religião contribuiu para a formação de estética japonesa tradicional - formas naturais e naturais. O objetivo é criar as melhores condições para a contemplação e associação de experiência relacionadas à natureza. As árvores foram cultivadas para que eles se contrastassem na forma e cor da folhagem, sem fechar a noite publicada pela lua. Palma deveria estar perto da janela para que durante a chuva para ouvir a "música das gotículas", e as pedras na cachoeira nas profundezas do jardim eram de modo que o som da água foi ouvido de longe. Nestes jardins que cercam os palácios e os pavilhões, as cabanas foram construídas para conversas sobre poesia e arte e segurando famosas cerimônias de chá - Tenuy. Um dos mais famosos tais pavilhões é o pavilhão de ouro em Kyoto (século XV).

Nos séculos XVII-XVIII. Criou trabalhos maravilhosos no campo de pinturas decorativas em stirms e paredes de palácios. A precisão impecável das linhas desenvolvidas na pintura para os papéis começaram nos murais do interruptor da garantia da expressividade de cada silhueta, a ordem rítmica rigorosa dos pontos de cor; A decoração requintada dos rolos adquiriu aqui os traços da monumentalidade.

O estágio final da Idade Média foi marcado por um florescimento de xilografia - gravura em uma árvore que serviu como outdoor teatral, uma ilustração de livro, um cartão de felicitações e apenas decoração da vida. A coletividade da criatividade, bem como a virtuosismo da execução de cada derrame, a composição total e o gama sonoro das cores Rodnith gravura com pintura (Yamato-e) e arte decorativa. Os mestres de gravuras foram reconhecidos por Kitagawa Utamaro ("seis belezas famosas") e Katsusik Hokusai ("viajando pelas cachoeiras de várias províncias").

A estética japonesa argumenta: "Tudo é desnecessário feio". Portanto, no interior japonês, ao contrário do europeu, mínimo de itens: se o vaso é, então um, um buquê no estilo de Iketibana - um, Shirma é um, um pergaminho com uma inscrição caligráfica ou com um único hieróglifo no parede - demasiado sozinho.

Específico para o Japão foi a arte decorativa de Netzke - estatuetas (chaveiros) do osso e madeira, representando o deus da sabedoria, depois uma ciclada em uma folha, depois a máscara da deusa da diversão. Geralmente o morador da cidade dos séculos XVII-XIX. Ele possuía uma alta cultura de percepção da convencionalidade na arte associada ao simbolismo religioso e folclórico, e estava cercada por arte cênica e decorativa e aplicada. Ele gostava no Teatro "Kabuki" com um jogo condicional de atores, ele próprio composto a trezentos - Hokka e o Fiivestand - Tank, sabia como apreciar a obra-prima poética Mondzaemon e Bas.

A arte japonesa tem impacto na Europa desde o século XVII, quando a mobília de estilo japonês apareceu na Inglaterra.

No século XIX Os irmãos franceses foram escritos por artigos entusiasmados sobre arte japonesa, e logo "Japaupauá" se tornam uma moda de Paris. Grandes coleções de gravuras japonesas foram coletadas pelo escritor E. Zola, pintores E. Mana e E. Degas. Otzvuki O mundo exótico é ouvido em música impressionista K. Debussy. Na Rússia, a primeira exposição da arte japonesa foi realizada nos corredores da Academia de Artes de São Petersburgo em 1896

A cultura artística da Índia, China e Japão é um fenômeno independente na arte do mundo, que se abre apenas com profundo estudo e penetração sutil para o mundo artístico do leste.

Humanismo que marcou uma nova era no desenvolvimento sociedade humana Sob o nome do renascimento. Naqueles dias, estava sob pesado fardo de preconceitos da igreja, todo pensamento livre foi brutalmente suprimido. Foi naquela época em Florença e o ensino filosófico foi originado, que forçou a olhar para a coroa da criação de Deus de uma maneira nova.

O humanismo do Renascimento é uma combinação de ensinamentos que representam uma pessoa de um pensamento que sabe como cair dentro do fluxo, mas também capaz de resistir e agir de forma independente. A direção principal é o interesse em cada indivíduo, fé em sua oportunidade espiritual e física. Foi o humanismo da era do renascimento proclamou outros princípios de formação de personalidade. A pessoa neste ensinamento é apresentada como criador, é individual e não passiva em seus pensamentos e ações.

A nova direção filosófica tomou como cultura antiga, arte e literatura, concentrando-se na essência espiritual do homem. Na Idade Média, a ciência e a cultura eram a prerrogativa da igreja, que era muito relutante em compartilhar conhecimento e conquistas acumuladas. O humanismo do Renascimento abriu esse véu. Primeiro na Itália, e então as universidades começaram a se formar e em toda a Europa, em que, juntamente com as ciências teosóficas, começaram a estudar itens seculares: matemática, anatomia, música e itens humanitários.

Os humanistas mais famosos são: Dante Aligriery, Giovanni Boccaccio, Francesco Petrparca, Leonardo da Vinci, Rafael Santi e Michelangelo Buangarotti. A Inglaterra deu ao mundo desses gigantes como William Shakespeare, Francis Bacon. A França também deu a Espanha - Miguel de Serviços e Alemanha - Albrecht Düreir e Ulrich von Studs. Todos esses grandes cientistas, iluministas, artistas para sempre viram a visão de mundo e a consciência das pessoas e mostraram um homem de uma alma razoável e bonita e pensamento. São obrigados a todas as gerações subseqüentes para uma oportunidade apresentada de olhar para o mundo, caso contrário.

O humanismo na época do renascimento, no chefe de todos, colocou as virtudes que possuíam por uma pessoa e demonstraram a possibilidade de seu desenvolvimento no homem (independentemente ou com a participação de mentores).

O antropocentrismo difere do humanismo porque a pessoa, de acordo com esse fluxo, é o centro do universo, e tudo o que está localizado deve servi-lo. Muitos cristãos, armados com este ensinamento, proclamaram uma pessoa com a maior criação, enquanto dirigia a ele e o maior fardo de responsabilidade. O antropocentrismo e o humanismo da época do renascimento são muito diferentes entre si, então você precisa ser capaz de distinguir claramente esses conceitos. Antropocentrist é uma pessoa que é consumidor. Ele acredita que é obrigado a ele qualquer coisa, ele justifica a exploração e não pensa na destruição da vida selvagem. Seu princípio básico são os seguintes: Uma pessoa tem o direito de viver como quiser, e o resto do mundo é obrigado a servi-lo.

Antropocentrismo e o humanismo do Renascimento foram posteriormente utilizados por muitos filósofos e cientistas, como Descartes, Leibniz, Locke, Hobbes e outros. Essas duas definições foram repetidamente tomadas como base em várias escolas e fluxos. O mais significativo, é claro, para todas as gerações subseqüentes tornou-se humanismo, na era do renascimento, semeando as sementes de boa, iluminação e mente, que nós e hoje, depois de alguns séculos, consideramos o mais razoável para uma pessoa. Nós, descendentes, aproveitamos hoje as grandes conquistas da literatura e arte do Renascimento, e ciência moderna Com base em muitos exercícios e descobertas que se originaram no século XIV e existem até agora. O humanismo do Renascimento tentou fazer para ensiná-lo a respeitar a si mesmo e aos outros, e nossa tarefa é ser capaz de salvar e multiplicar os melhores princípios.

abstrato

a TAXA: "Cultura da Arte Mundial"

sobre o tema: "Humanismo como base da cultura do Renascimento"

Cheboksary.

2010

1. Introdução ................................................. ........................... .. 3.
2. características gerais Epochs .......................................... .. ..... .4.4.
3. Pensamento humanista do renascimento .............................. ... 7.
4. Conclusão ................................................. ....................... 14.
5. Lista de literatura usada ......................................... 18

Introdução

A arte do reavivamento surgiu com base no humanismo - o fluxo de pensamento público, que se originou no século XIV. Na Itália, e depois durante a segunda metade dos séculos XV-XVI. Estabelecido em outros países europeus.

Chegando no século XVI. O termo "Revival" significava o surgimento da nova arte, revivendo a antiguidade clássica, a cultura antiga.

Características gerais da era

Idade Média, ou melhor, o período de transição da cultura medieval para a cultura do novo tempo (Xiv-xvii séculos.) , referiu-se à era do renascimento.

A era do renascimento foi a maior revolução progressiva de todos os experimentados pela humanidade, a época, que "precisava de titãs e que deu origem a titãs na força de pensamento, paixão e caráter, sobre versatilidade e bolsas".

A história da cultura humana conhece muitas decolagens, brilhantes, florescentes, artisticamente abundantes, intelectualmente ricas e frutíferas eras. E, no entanto, europeu - principalmente italiano - Renascimento dos séculos XIV-XVI. Ele se tornou um renascimento com uma letra maiúscula - todo renascimento renascentista.

Sim, e este próprio termo é um renascimento - houve precisamente então, no ambiente de poetas florentinos, artistas e conhecedores de antiguidade (em italiano - Rinaseno, mas em todas as línguas europeias uma palavra francesa de renascimento foi incluída), quando Na Europa, em sua vida cultural e social do aço, há mudanças essenciais. Portanto, é especialmente significativo um golpe cultural, perfeito por renascimento, é claro, para a vida espiritual da Europa. Mas direta ou indiretamente, imediatamente ou em alguns séculos, afetou a cultura e a vida de todas as nações do mundo, porque era o espírito renascentista - liberdade individual, conhecimento ousado, adoração antes do antigo, principalmente o mundo infernal em todo o mundo, Insaciabilidade intelectual - permitiu que os europeus tomassem hegemonia política, cultural e econômica em todo o mundo.

Neste momento, os humores antipodeais prevaleceram na sociedade, visionais humanistas, apelar para herança cultural Antiguidade. Daí o nome "Revival". Revival surgiu e mais brilhante se manifestou na Itália.

Renascença se opõem à nova era de medieval como um período de escuridão e ignorância. Mas a peculiaridade desta vez é, antes, não o movimento da civilização contra a selvageria, a cultura - contra a barbárie, o conhecimento - contra a ignorância, e a manifestação de outra civilização, outra cultura, outros conhecimentos. A era do renascimento é um golpe principalmente no sistema de valor, na avaliação de todas as coisas e a atitude em relação a ela. A convicção surge no fato de que uma pessoa é o maior valor. Essa vista para a pessoa levou à característica mais importante da cultura renascentista - o desenvolvimento do individualismo na esfera da visão de mundo e da manifestação abrangente da individualidade na vida pública. Uma das características das características da atmosfera espiritual desta vez foi um avivamento perceptível de humores seculares. Kozimo Medici - o governante de Florença - disse que cairia aquele que estava procurando apoiar as escadas para as escadas, e que ele pessoalmente sempre a fortaleceu na Terra. A natureza secular é inerente a um fenômeno tão brilhante da cultura do reavivamento, como o humanismo. No sentido amplo da palavra, o humanismo é uma imagem de pensamento, que proclama a ideia do benefício humano o objetivo principal do desenvolvimento social e cultural e defende o valor do homem como pessoa. Em tal interpretação, este termo é usado em nosso tempo. Mas como um sistema holístico de visualização e o amplo fluxo de pensamento público, surgiu o humanismo na era do renascimento. Na formação do pensamento renascentista, uma antiga herança cultural desempenhou um papel enorme. A conseqüência do aumento do interesse na cultura clássica foi o estudo de textos antigos e o uso de protótipos pagãos para a forma de realização de imagens cristãs, reunindo reuniões, esculturas e outras antiguidades, bem como a restauração da tradição romana de bustos romanos. O renascimento da antiguidade, na verdade, deu o nome de toda a época (porque o Renascimento é traduzido como um renascimento). A filosofia ocupa um lugar especial na cultura espiritual deste tempo, e é inerente a todas as características mencionadas acima. A característica mais importante da filosofia do renascimento é o foco anti-polástica das visões e ensaios de pensadores deste tempo. Outra característica característica é a criação de uma nova imagem panteísta do mundo, identificando Deus e da natureza. Finalmente, se a filosofia da Idade Média é Aocêntrica, então a característica da pensamento filosófica do reavivamento é antropocentrismo. A pessoa não é apenas o objeto mais importante de consideração filosófica, mas também a ligação central de toda a cadeia da existência. Apelo ao homem e sua existência terrena marca o começo de uma nova era, que se originou na Itália, e na virada dos séculos XV-XVI. Torna-se fenômeno pan-europeu.

Pensamento humanista do renascimento

Uma nova visão de mundo que surgiu no renascimento é feita pelo humanismo (de lat. - humano, humano), que ainda está no século I. Bc. Famoso palestrante romano cícero (106-43 aC. Er). Para ele, Humanitas é a educação e educação de uma pessoa que contribui para sua elevação. Ao melhorar a natureza espiritual humana, o principal papel foi atribuído um complexo de disciplinas que consistem em gramática, retórica, poesia, história, ética. Foram essas disciplinas que se tornaram base teórica da cultura renascentista e conseguiu o nome "Studia Humanitatis" (disciplinas humanitárias). O poeta e filósofo Francesca Petrack (1304-1374) é unanimemente considerado pelo humanismo. Em seu trabalho - o começo de muitos caminhos que o desenvolvimento da cultura renascentista na Itália foi. No tratado "sobre a ignorância dos próprios e muitos outros", ele rejeita fortemente a bolsa escolástica inerente à Idade Média, em relação à qual defiantemente proclama sua suposta ignorância, porque considera essa bolsa de estudos de um dia completamente inútil seu tempo. No tratado mencionado, uma abordagem fundamentalmente nova para a avaliação de uma herança antiga é manifestada. De acordo com Petrarca, venha a uma nova floração da literatura, arte, a ciência permitirá imitação cega dos pensamentos de predecessores notáveis, mas o desejo de subir para as alturas da antiga cultura e, ao mesmo tempo, repensar e transcendê-lo em algo . Esta linha, agendada por Petrarca, tornou-se levando contra o humanismo à antiga herança. O primeiro humanista acreditava que o conteúdo da genuína filosofia deveria ser a ciência do homem, e em todo o seu trabalho ele soa uma chamada para reorientar a filosofia sobre esse objetivo digno de conhecimento. Seus argumentos de Petraque colocaram a base para a formação de uma autoconsciência pessoal do Renascimento. Em diferentes épocas, a personalidade está ciente de si mesmas de maneiras diferentes. A pessoa medieval foi percebida pelo mais valioso quanto uma pessoa, mais seu comportamento correspondia aos padrões adotados na corporação. Ele discutiu através da inclusão mais ativa no grupo social, para a corporação, em uma ordem inválida é um valor tão público exigente do indivíduo. O homem renascentista gradualmente recusa conceitos medievais universais, referindo-se a um indivíduo específico. Os humanistas produzem uma nova abordagem para entender uma pessoa na qual o conceito de atividade é desempenhado um papel enorme. O valor da personalidade humana é determinado não por origem ou afiliação social, mas o mérito pessoal e a frutífera de suas atividades. A personificação vívida dessa abordagem pode servir, por exemplo, as atividades versáteis dos famosos battistas Humanist Leona Alberta (1404-1472). Ele era arquiteto, um pintor, o autor dos tratados sobre arte, formulou os princípios da composição pictórica - o equilíbrio e simetria de cor, gestos e poses personagens. De acordo com Albert, uma pessoa é capaz de derrotar a vizinhança do destino apenas com sua própria atividade. "Facilmente derrota aquele que não quer ser derrotado. Tolera o go do destino que é usado para obedecer ". No entanto, seria errado idealizar o humanismo, para não notar suas tendências individualistas. Um genuíno anthem individualismo pode ser considerado criatividade Lorenzo Valya (1407-1457). No principal ensaio filosófico, "sobre prazer" uma propriedade integral da Valla humana proclama o desejo de prazer. Meril da mesma moralidade é um benefício pessoal. "Eu não posso entender suficientemente por que alguém quer morrer pela pátria. Você morre, porque você não quer a pátria, como se com a sua morte ela não morrerá. Semelhante posição de visão de mundo Parece como social. Pensamento humanista da segunda metade do século XV. Foi enriquecido com novas idéias, o mais importante da qual foi a ideia da dignidade da pessoa, apontando para as propriedades especiais de uma pessoa em comparação com outras criaturas e sua posição particular no mundo. Giovanni Pico della Mirandola (1463-1494) em seu brilhante "discurso sobre a dignidade de uma pessoa" coloca no centro do mundo: "Nós não lhe damos, sobre Adam, nem do seu lugar, nem imagem definida, nem Um dever especial, de modo que o lugar e o rosto, e os deveres que você tinham em seu próprio pedido, de acordo com sua vontade e sua decisão. " Argumenta-se que Deus (contrário ao dogma da igreja) não criou uma pessoa em sua imagem e semelhança, mas proporcionou a ele a oportunidade de criar a si mesmo. A culminação do antropocentrismo humanista torna-se a ideia do Pico que a dignidade de uma pessoa é concluída em sua liberdade: ele pode ser aquele que deseja. Ao glorificar o poder de uma pessoa e sua grandeza, admirando suas incríveis criações, o pensamento da era do renascimento inevitavelmente veio à reaproximação de uma pessoa com Deus. "Uma pessoa mansa viva e ganha o mar, conhece a conta do tempo ... Além disso, vira a noite com uma lâmpada no dia. Finalmente, a divindade de uma pessoa revela nossa magia. Ela cria milagres com as mãos de uma pessoa - como aqueles que podem criar natureza e aqueles que só Deus pode criar. " Em tal raciocínio, Dzhannozzo Manetti (1396-1472), Martilyo Fechino (1433-1499), Tommaso Campanella (1568-1639), Pico (1463-1494), etc. A característica mais importante do antropocentrismo humanista foi manifestada - uma tendência para Deificação do homem. No entanto, os humanistas não eram heréticos nem ateus. Pelo contrário, na esmagadora maioria, eles permaneceram crentes. Mas se uma visão de mundo cristã argumentou que Deus deveria estar em primeiro lugar, e depois um homem, os humanistas apresentaram uma pessoa à frente e depois falavam sobre Deus. A presença de Deus na filosofia de até os pensadores mais radicalmente conquistados do renascimento foi imposta ao mesmo tempo atitude crítica em relação à Igreja como instituto social. A visão de mundo humanista, assim, inclui anticlerical (de lat. Anti - contra, clericalis - igreja) vistas, isto é, as opiniões dirigidas contra as reivindicações da Igreja e o clero para a dominação na sociedade. Nos escritos de Lorenzo Valya, Leonardo Bruni (1374-1444), Pozho Bracolini (1380-1459), Erasca Rotterdam (1469-1536) e outros contêm performances contra o poder secular dos pais romanos, exposição à elegibilidade dos ministros do Igreja e depravação moral do monasticismo. No entanto, isso não impediu que muitos humanistas se tornassem servos da igreja, e dois deles são Tommaso Parentechelli e Enia Silvio Piccolomini - até mesmo foram erguidos no século XV. no trono papal. Devo dizer que até o meio do século XVI. Perseguição de humanistas da Igreja Católica - O fenômeno é extremamente raro. Os defensores da nova cultura secular não têm medo de incêndios da Inquisição e foram ouvidos de bons cristãos. E apenas a Reforma forçou a igreja a ir à ofensiva.

O humanismo proclamou o maior valor do homem e seu benefício. Os humanistas acreditavam que cada pessoa tinha o direito de crescer livremente como pessoa, percebendo suas habilidades.

As características separadas do humanismo estão presentes na cultura antiga, mas o humanismo revivido foi variado e mais de um.

O humanismo significa não apenas o que uma pessoa é reconhecida como o maior valor, mas também o fato de que uma pessoa é declarada o critério de todos os valores. Essa característica do humanismo foi expressa em antiguidade Protágora: "O homem é uma medida de todas as coisas". Tal visão sugeriu um autoconhecimento de uma pessoa.

As idéias do humanismo são mais brilhantes e totalmente incorporadas na arte, cujo tema principal tornou-se uma pessoa bonita e harmonicamente desenvolvida que não limitou possibilidades espirituais e criativas.

O humanismo desenvolve-se como um movimento ideológico, ele captura os círculos mercantis, encontra pessoas que pensam como cuidadas nos pátios dos tiranos, penetra nas esferas mais altas religiosas - para o escritório papal, torna-se poderosas armas de políticos, é aprovada nas massas, deixa uma marca profunda Na poesia folclórica, a arquitetura, dá um material rico para artistas e escultores de busca. Há uma nova intelligentsia secular. Seus representantes organizam canecas, ler palestras nas universidades, são os conselheiros mais próximos do soberano.

Os humanistas trazem liberdade de julgamento na cultura espiritual, independência para as autoridades, espírito crítico ousado. Eles são cheios de fé nas oportunidades ilimitadas de uma pessoa e argumentam-lhes em numerosos discursos e tratados. Para os humanistas, não há mais do que a sociedade hierárquica em que uma pessoa é apenas expressiva dos interesses da propriedade. Eles se opõem a qualquer censura e especialmente contra a censura da igreja. Os humanistas expressam a exigência da situação histórica - formam uma pessoa empreendedora, ativa, iniciativa. O homem já é um buquê de seu destino e a providência do Senhor aqui. Uma pessoa vive em sua própria compreensão, ele "lançou à liberdade" (N. Berdyaev).

O humanismo como o princípio da cultura do Renascimento e o quão ampla se baseia publicamente na imagem antropocêntrica do mundo, o novo centro é aprovado em toda a esfera ideológica - uma personalidade poderosa e excelente.

A pedra angular da nova visão de mundo lança Dante Aligiery (1265-1324) - "O último poeta da Idade Média e, ao mesmo tempo, o primeiro poeta do novo tempo" (F. Engels). Criado por Dante em sua "comédia divina" a grande síntese de poesia, filosofia, teologia, a ciência é ao mesmo tempo o desenvolvimento total da cultura medieval e a abordagem da nova cultura do Renascimento. Fé no propósito da Terra do homem, em sua capacidade de fazer sua própria façanha terrestre, permitiu que Dante fizesse a "comédia divina" a primeira dignidade do homem. De todas as manifestações da sabedoria divina, uma pessoa para ele é o "maior milagre".

Esta posição foi desenvolvida por Francesco Petrarca (1304-1374), filósofo e um poeta lírico brilhante, que é considerado o helicato do movimento humanístico na Itália. A adoração do homem, sua beleza, a mente é preenchida com o trabalho de Janozzo Manetti (1396-1439) "sobre a dignidade e superioridade de uma pessoa". O tratado "no prazer" Lorenzo Eixo (1407-1457) aprova a naturalidade das alegrias terrenas e prazeres sensuais do homem. Pico della Mirandola (1463-1494) Os humanistas do Renascimento estão convencidos de que uma pessoa, como Deus, tem liberdade de ação, ele mesmo gerencia o destino e a sociedade, fazendo a escolha certa e racional.

Mas a formação e o florescimento do humanismo é profundamente contraditório. O escopo sem precedentes atinge a ciência, a poesia, a arquitetura, as flores das artes visuais. Muitos governantes se tornam patronos de artes. Mas os problemas das relações sociais são resolvidos pela adaga e pelo veneno, conspirações e guerras. A história da família Borgia liderada pelo próprio Papa Alexandre VII - um assassino, um ladrão e depravado, que, no entanto, foi dotado do brilhante talento dos estadistas. O historiador famoso, o poeta e o diplomata Machiavelli encontra esta desculpa: o soberano perfeito, ele observa, deve ser capaz de combinar as técnicas de raposas e leões, não apenas por uma pessoa, mas também uma besta. De acordo com o testemunho dos contemporâneos, TireRA Sigismund Malast "em crueldade ultrapassou todos os bárbaros," seus próprios sacrifícios pessoalmente. Mas ele possuía ampla conhecimento da filosofia, entre suas cortes, havia alguns humanistas, e quando discutir obras de arte mostrou o bom gosto. E a adaga que gostava de Malatest, era uma amostra de arte de jóias. Os pesquisadores notificaram repetidamente que o bem e o mal entrelaçam na era do renascimento da maneira mais bizarra. As pessoas saíram da Idade Média, o alto ideal do humanismo iluminou sua vida espiritual, mas eles ainda são novatos no frete. A harmonia na estrutura social não foi alcançada e paixões irrestritas possuídas indivíduos, incentivando-os a agir, não parando contra qualquer coisa e sem pensar nas conseqüências.

Conclusão

O gifting universal dos mestres do Renascimento - eles freqüentemente trabalharam no campo da arquitetura, esculturas, pintando, combinaram o fascínio com literatura, poesia e filosofia com o estudo das ciências exatas.

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