kultúra hedonizmus újjáéledése

A "humanizmus" kifejezés az 1. században használt latin "humanitas" (emberiség) szóból származik. IDŐSZÁMÍTÁSUNK ELŐTT. a híres római szónok, Cicero (Kr. e. 106–43). Számára a humanitas az ember nevelése és oktatása, amely hozzájárul az emelkedettségéhez.

Kulturális trendként a humanizmus a 14. században jelent meg Olaszországban, és a 15. századtól terjedt el Nyugat-Európában. A reneszánsz, vagyis a reneszánsz (a francia renaitre-től az újjáéledésig) az európai kultúra fejlődésének egyik legfényesebb korszakává vált, és a XIV. Század közepétől csaknem három évszázadot ölelt fel. a 17. század első évtizedéig. Ez az Európa népeinek történetében bekövetkezett jelentős változások korszaka volt. A magas szintű városi civilizáció körülményei között megkezdődött a kapitalista kapcsolatok kialakulásának folyamata és a feudalizmus válsága, a nemzetek összecsukása és a nagy nemzeti államok létrehozása zajlott, megjelent a politikai rendszer új formája - abszolút monarchia, új társadalmi csoportok alakultak ki - a burzsoázia és a bérmunkások. Az ember lelki világa is megváltozott. A reneszánsz embert az önmegerősítés vágya, a nagy eredmények vívták ki, aktívan részt vett a társadalmi életben, újra felfedezte a természet világát, igyekezett mélyen megérteni, megcsodálta szépségét. A reneszánsz kultúráját a világ szekuláris felfogása és megértése, a földi lét értékének, az ember elméjének és kreatív képességeinek nagyságának, valamint az egyén méltóságának érvényesítése jellemzi. A humanizmus lett a reneszánsz kultúra ideológiai alapja.

A költőt és filozófust, Francesca Petrarcát (1304-1374) egyhangúlag a humanizmus ősének tartják. Petrarch volt az első nagy humanista, költő és polgár, akinek sikerült meglátnia a reneszánsz gondolati áramlatok teljességét, és egy költői szintézisbe egyesítve őket, amely a jövő európai generációinak programjává vált. Munkájával Nyugat- és Kelet-Európa különböző törzseinek ezekben a jövő generációiban tudta - bár nem mindig egyértelmű - tudatát átitatni egy bizonyos szellemi és kulturális egységnek, amelynek jótékony hatása modern korunkban is megmutatkozik. Petrarch hosszú távú szerelmi története Laura számára világhírűvé vált, amelyet a költő egy csodálatos kanyon- és szonettciklusban fejezett ki, amelyet „Az énekek könyve” címmel tettek közzé. Ez a könyv, valamint Petrark többi költői műve olyan nagy benyomást tett kortársaira, hogy életében az egyik legnagyobb költőként ismerték el, és babérkoszorúval koronázták meg.

Munkájában számos olyan út kezdete, amelyen az olasz reneszánsz kultúra fejlődése ment. A saját tudatlanságról és sok másról szóló értekezésében határozottan elutasítja a középkorban rejlő skolasztikus skolasztikát, amellyel kapcsolatban demonstratív módon hirdeti állítólagos tudatlanságát, mert egy ilyen tudományt teljesen haszontalannak tart egy korabeli ember napja számára. Petrarch azonban nemcsak költő, hanem különös és érdekes gondolkodó és filozófus is. Ő volt az, aki Európában elsőként fogalmazta meg a humanizmus gondolatait, elkezdett beszélni az ősi szellem, az ókor eszméinek felelevenítésének szükségességéről. Nem csoda, hogy már a 15. század elején. írta: "Francesca Petrarcát részesítették előnyben elsőként, felismerte és felismerte, és napvilágra hozta az ókori stílus elveszett és elfeledett kegyelmét." A humanizmus etikai gondolkodásba hozta az emberi személy és a földi élet értékének felismerését. Innen fokozatosan alakultak ki az emberek boldogságának, igazságosságának és egyenlőségének gondolatai. Önként vagy önkéntelenül, de a reneszánsz humanista menete hozzájárult az egyén jogainak érvényesüléséhez és különösen a boldog élethez való jog elismeréséhez. Nem meglepő, hogy a jövőben a humanizmus szervesen átalakult emberbarátsággá, amely elősegíti a kapcsolatok szelídségét, az együttérzést, az irgalmat, a barátságosságot és végül a másként gondolkodók iránti toleranciát. Számos filozófiai irányzat elnyelte a humanizmus vonásait. A humanizmus mint jelenség történelmileg változó nézetrendszernek bizonyult. A művészetben született, megnyitotta az utat a tudomány, a tudományos és a technológiai forradalom előtt, hozzájárult a gazdasági fellendüléshez, az oktatáshoz, a társadalmi átalakulásokhoz és a forradalmakhoz.

Reneszánsz periodizáció. Az antropocentrizmus a reneszánsz fő gondolata. Petrarca és Boccaccio az új világkép alapítói. Machiavelli és "Az uralkodó" című műve. More és Campanella az utópikus kommunizmus alapítói. Felfedezések a természettudományokban. Pico della Mirandola és Alberti az emberi méltóság szóvivői. Reneszánsz művészet: festészet, szobrászat, építészet.

Reneszánsz (fr. Reneszánsz;ital. Rinachimento)egy olyan időszak, valamint humanista mozgalom az európai kultúrtörténetben, amely a középkor végét és a modernitás kezdetét jelzi. A reneszánsz Olaszországban a 14. században keletkezett, elterjedt a nyugati országokban (északi reneszánsz), és a 16. század közepén érte el csúcspontját. A XVI végére - a XVII század elejére. észrevehető a reneszánsz hanyatlása, az úgynevezett manierizmus.

A reneszánszban az ember, egyénisége emelkedik az első helyre. A lélek minden emberben feltámad, és a világot fényesebbnek, színesebbnek és örömtelibbnek érzékeli, mint a középkorban. Az új ötlet felkavarta az emberiséget. A reneszánsz emancipálta a hosszú középkorban felhalmozódott szellemi energiát, és a szellem az emberi héjon belül tartotta, felszabadította, felszabadította és mintegy belélegezte a műalkotásokat, a tudományt és a filozófiát. Az egyéniség a kultúra talapzatára emelkedett. A reneszánsz felfedezte az emberi "én" -t és annak nagyságát. Az ember a végtelen világot saját belső világának tekinthette. Az antropocentrizmus a reneszánsz világképének vezető és fő gondolata lett.

A reneszánsz kezdete Olaszországban Petrarch és Boccaccio írók nevéhez fűződik, akik Dante hagyományait fejlesztették ki a "dolce style nuovo" ("édes új stílus") és a népi - "vulgare" nyelv gazdagításában.

A szociálpszichológiában és az erkölcsben felvázolt világi érzelmek a szellemi légkör egyik jellegzetes vonásává váltak, amelyben a humanisztikus eszmék kialakultak. Egy új világkép születése, amely a reneszánsz kultúra ideológiai jele lett, a legtöbb kutató Francesco Petrarca nevéhez fűződik, aki merész kihívást vetett a skolasztikus tudomány elé. Petrarkus munkájában számos olyan út kezdete rejlik, amelyen haladt az olaszországi reneszánsz kultúra fejlődése. A formai terminológiai módszeren alapuló skolasztika Petrarkus ellenzi az emberi lét gyakorlata által felhalmozott élettapasztalatokon alapuló tudományos ismereteket; boldogság "Isten városában" - földi emberi boldogság; lelki szeretet Isten iránt - fenséges szeretet egy földi nő iránt.

Azok az elképzelések, amelyeket G. Boccaccio „Dekameronban” tükröznek, a földi örömök dicsőítése, az emberek egyenlősége származástól függetlenül. Ez a munka azt a gondolatot is tükrözi, hogy az ember nem társadalmi származásában nemes, hanem abban, hogy milyen cselekedeteket hajt végre.

A Dekameron egyik fő gondolata az önszeretet. A személyiség szerepének emelkedettségére vezette az olvasót. Indikatív ebben a tekintetben a canzona, amelyet az egyik hősnő énekelt, amikor az első nap novelláit elmesélték: "annyira elvarázsol a szépségem." Canzona határtalan szeretetről beszél önmagának. A gazdagság élvezetéről beszélünk: testi, szellemi, lelki, személyiségéről. Ez a zóna a korszakot tükrözte, a csodák csodájaként nyitotta meg az emberi "én" -t.

Az irodalom fejlődését megkönnyítette a könyvnyomtatás felfedezése (1450-es évek). Nagy találmány volt, amely lehetővé tette a könyvek kiadásának sokszorosítását, ellentétben a scriptoriumi levelezéssel, és új kiadásokat is kivett az egyház monopóliumából.

A papság egyre inkább elveszítette tekintélyét és pozícióit. Rotterdami Erasmus holland humanista (1469-1536) és más gondolkodók kritikus hozzáállása a Bibliához forradalmi hozzájárulást adott a reformáció fejlődéséhez. "A hülyeség dicsérete" Az Erasmus aktívan befolyásolta az egyházzal és a társadalomban meglévő szokásokkal kapcsolatos hozzáállás változását. És a "A keresztény harcos fegyvere" című műben keresztény erkölcsi elveket fogalmaztak meg a modern szuverén politikájának végrehajtására, aki szavai szerint "a nép szolgája". A kilátások változását véres háborúk kísérték. Ez számos európai ország kieséséhez vezetett a katolicizmustól, vagyis a protestantizmus különféle formáinak megjelenéséhez. Machiavelli (1469-1527) A szuverén című könyvében nyíltan szembeszállt a klérus autokráciájával. Úgy vélte, annak ellenére, hogy a köztársaság a legfejlettebb kormányzási forma, az európai megosztottság és viszályok jelenlegi politikai helyzetében ez nem alkalmazható. Csak egy erős szuverén képes egyesíteni a népet egyetlen államban. Ugyanakkor osztatlan erővel kell felruházni, „erősnek kell lennie, mint az oroszlánnak és ravasznak, mint a rókának”, minden lehetséges eszközt fel kell használnia az erő megtartására a kezében, mert a nagy „cél igazolja az eszközöket”. A "sárgarépával és pálcikákkal" el kell nyernie az emberek szeretetét, arra kell késztetnie őket, hogy tiszteletben tartsák erejüket és erejüket. Machiavelli könyvében arra szólított fel, hogy az egyház csak a lelki kérdésekkel foglalkozzon, az erkölcs nevelésével, és az államhatalomnak teljesen világivá kell válnia. Machiavelli ilyen kijelentései annyira eretnekek, merészek és szemtelenek voltak, hogy csodával határos módon sikerült elkerülnie az inkvizíció tüzét. De elhangzott egy gyorsan fejlődő valóság igényeit tükröző szó, és történelmi cselekedetek következtek.

Ifjabb Hans Holbein A szószékről ereszkedő ostobaság. "A hülyeség dicsérete" rajzsorozat.

A reneszánsz igazságosan szervezett állapotának elmélkedése egy egész társadalmi irányzat - az utópikus kommunizmus - létrejöttéhez vezetett. Képviselői Thomas More (1478-1535) és Tommaso Campanella (1568-1639) voltak.

"Utópia" című művében (amit úgy fordítanak, hogy sehol sem található) Mor, majd a "Nap városában" szereplő Campanella alátámasztja a társadalmi igazságosság tézisét az erkölcs keresztény elveiről. Államaik minden állampolgárának keményen kell dolgoznia, korlátozott munkanappal kell rendelkeznie, nem kell magántulajdonnal rendelkeznie, közösen előállított juttatásokat kell igénybe vennie, el kell segítenie a „város és az ország” közötti határ elhomályosítását, elő kell mozdítania a gyermekek társadalmi nevelését és az egyéni képességek maximális megnyilvánulását. Mor és Campanella egyaránt megértette, hogy magas szintű társadalmi haladás érhető el az állam aktív támogatásával a tudomány, a technológia és a spiritualitás fejlesztésében. Ennek remek példája volt a reneszánsz.

A természet törvényeinek ismeretének szükségessége a 15. század második felében. mélyen beágyazódott a tudományba, ma már nemcsak humanitárius. Ebben az időszakban számos tudományos felfedezés megváltoztatta az emberiség életét, hozzájárult az interkulturális kommunikációhoz. A földrajzi felfedezések (ideértve Amerika felfedezését Columbus által 1492-ben) megteremtették az előfeltételeket Afrika, Ázsia, az Új Világ gyarmatosításához és a velük folytatott kereskedelem fejlődéséhez. Század eleje. a nagy földrajzi felfedezések korának fénykorára nyúlik vissza, amelynek eredményeként elkészült a mai világtérkép. Azóta a világ különböző földrészeinek népei közötti kapcsolatok jellege gyökeresen megváltozott.

A természettudomány a 15. században vált. a szabad gondolkodás fókusza, számos merész és eredeti ötlettel gazdagítva a humanisztikus világképet. A tapasztalatot, egy tudományos kísérletet elismerték a környező világ megértésének fontos láncszemeként, amelyek megerősítették a világ és az ember reneszánsz szemléletének reális tendenciáit.

De nem volt könnyű megalapozniuk, néha meggyőződés és emberi élet áldozatát követelték. Nicolaus Copernicus "Az égi szférák keringéséről" című könyvében tehát a világon először került elő a heliocentrikus tan - a naprendszer felépítésére vonatkozó modern elképzelések alapja. Nicolaus Copernicus (1473-1543) nagy lengyel csillagász volt. Csak természetes halál útján menekült meg az inkvizíció bíróságától és annak máglyájától. Nevét úgy örökítette meg, hogy felhagyott Claudius Ptolemaiosz általánosan elfogadott, régi és uralkodó rendszerével, amely szerint a Föld az univerzum központja és az univerzum alapja. Kopernikusz úgy vélte, hogy a Föld a legáltalánosabb bolygó, és a Nap körül forog. Körülbelül harminc évig dolgozott a tanításon, újra és újra tesztelve fantasztikus ötletét. Lelkes katolikus volt, óvatos ember, ezért nem sietett a kézirat kiadásával. Kopernikusz halálának napján, 1543 május 24-én kapta meg művének első példányát. A könyvet a Pápának, a Legszentebb Uralkodónak, III. Pál nagy pápának szentelte, és az előszóban ezt írta neki szólítva: csak kevesen fogják tudni, hogy ezekben a könyveimben, amelyek a világszférák forgásáról írtak, némi mozgást adtam a földgömbnek, azonnal sikítani fognak rám és ilyen véleményekre. Nem szeretem ugyanolyan mértékben a műveimet, nehogy odafigyeljek mások megítélésére róluk. De tudom, hogy egy ember-filozófus reflexiói \u200b\u200bmessze vannak a tömeg érvelésétől, hiszen olyan mértékben keresi az igazságot, amennyire Isten megengedi az emberi elmét ... Engem, aki hosszú ideig lassú voltam, sőt hajlandóságot tanúsítottam, a barátaim hurcolták el. Azt mondták, hogy minél értelmetlenebbnek tűnik a Föld mozgásáról szóló tanításom sokak számára, annál inkább csodálatosnak és hálát érdemlőnek tűnik műveim publikálása után, amikor a sötétséget a legtisztább bizonyítékok eloszlatják. " * Ebben az időben az egyházat közvetlenül érdekelte a naptár reformja, és Kopernikusz közeli barátja, a püspök úgy vélte, hogy az egyház érdekelt abban, hogy a mozgástudományban megfelelően kialakított idősor és elmélet legyen.

* Idézve. A könyv szerint. : Vladimirov S.V., Volkov V.A.Ok kontra dogma. M., 1982. S. 50.

Az óvatos és bölcs Kopernikuszot ügyének lelkes és lelkes propagandistái, Giordano Bruno és Galileo Galilei váltották fel. Részben nekik köszönhetően 1582-ben naptárreformot hajtottak végre, és a mai napig mindannyian a Gergely-naptár szerint élünk, a Kopernikusz számításainak megfelelően.

De csak az 1960-as évek elején indult vita egyházi körökben, amelyek reformokat követeltek. A katolikus egyház kánonjai és a való élet közötti eltérés már nem volt ijesztő, hanem egyszerűen nevetséges. 1966. június 14 a Vatikáni II. zsinaton megszüntették a Tiltott Könyvek Indexét, amely tartalmazta Kopernikusz "Az égi szférák forgalmáról" című könyvét. Több mint 400 éve létezik, és eljátszotta negatív szerepét, amennyire csak lehetett, akadályozta a tudomány és a filozófiai gondolkodás fejlődését.

A reneszánsz egészében sok olyan zsenit, szenvedélyt adott életre, ahogyan LN Gumiljov nevezné őket, olyan embereket, akikben hihetetlen tehetség- és életenergia élt. A reneszánsz által generált titánok között az emberiség szenten őrzi azokat a neveket, amelyeket Olaszország adott: Leonardo da Vinci, Raphael, Michelangelo, Titian, a politikus Machiavelli, filozófusok Alberti, Bruni, Valla, Ficino, Cusansky Miklós), Brunelleschi és Bramante, Franciaország az angliai Rabelais és Montaigne történetei - Mora, Bacon, Sydney, Shakespeare. Spanyolország - Cervantes, Lengyelország - Kopernikusz. Németország - Boehme, Münzer, Kepler. Mindezen szerzők műveiben felmerül az az elképzelés, hogy a teremtett világ harmóniája mindenütt megnyilvánul: az elemek működésében, az idő lefolyásában, a csillagok helyzetében, a növények és állatok természetében.

A reneszánsz kultúrája az antikvitás és a középkori kereszténység jellemzőinek szintézisét tükrözi, a humanizmus pedig a kultúra szekularizációjának ideológiai alapjaként működik. Megnyilvánul Manetti "ember méltóságának" (1396-1459) és a "szabad akarat" Lorenzo Valla (1407-1457) tanában, valamint az ember mint Pico della Mirandola (1463-1494) mikrokozmoszának tanában. A humanista antropocentrizmus megnyilvánul Nyikolaj Kuzansky filozófiai tanításaiban, valamint Ficino és Giordano Bruno panteizmusában is.

Albrecht Durer Krisztus nagy feje.

A reneszánsz elutasította az ember-rabszolga fogalmán alapuló filozófiát, és szemben állt egy másik filozófiával, amely az ember-uralkodó, a világot megismerő és meghódító ember (S. D. Artamonov) koncepcióján alapult.

A reneszánsz művészete a feudalizmus és a kapitalizmus közötti átmeneti időszakban jelent meg. A kapitalista kapcsolatok további kiépülésével Európában a reneszánsz kultúrája szétesett. Virágkorát azzal az időszakkal társították, amikor a feudális társadalmi életrend és magatartás alapjai alapvetően megrendültek, különösen a városokban, és a polgári-kapitalista kapcsolatok még nem alakultak ki minden merkantilis prózaiságukban, minden aljas "erkölcsükkel" és lélektelen képmutatásukkal együtt.

A reneszánsz első szakaszában a kézműves személyes munkáját, különösen a háztartási cikkek előállítása terén, még nem sikerült teljesen kiszorítani, a gyártás során elpusztítani; a vállalkozó szellemű kereskedő vagy bankár még nem vált fővárosa arctalan függelékévé. A személyes intelligencia, bátorság, találékonyság még nem veszítette el fontosságát. Ezért az emberi személy értékét nem annyira a tőke "ára" határozta meg, hanem a tényleges tulajdonságai is. Az egyes városlakók aktív részvétele a közéletben különösen kedvező körülményeket teremtett az aktív, energikus személyiség virágzásához.

Az egyházi erkölcs kritériumait, a középkori ember (aszkéta szerzetes vagy harcos-lovag "félelem és szemrehányás nélkül") ideálját felváltja a földön boldogságra törekvő fényes erős személyiség ideálja, amelyet szenvedélyes vágy ragad meg, hogy kifejlessze és megerősítse aktív természetének kreatív képességeit.

A reneszánsz kultúrájának kialakulásában nagy jelentőségű volt az ókor nagy örökségéhez való vonzódás, amely a középkori Európában nem veszett el teljesen. Az ókori kultúra pátosza örömteli és szenvedélyes vágy volt a való világ megismerésére annak minden érzéki varázsában. De a reneszánsz ember képét kezdettől fogva nagyobb individualizáció és pszichológiai konkrétum különböztette meg, mint az ókori klasszikusok művészetében.

A XVI. Olaszországban a humanista kifejezés jelent meg először, és a XIX. - humanizmus (latinul fordítva: "emberség:"). Az új (irányok ezekkel a kifejezésekkel) képviselői meg akarták mutatni pókjaik és irodalmuk világi jellegét, megszabadítva őket a teológia dominanciájától.

A természetes emberi érzések szépsége, a valódi emberi élet költészete áthatja a XV-XVI. Századi reneszánsz művészetét.

Az építészetben a formák harmonikusan tiszta szépségére törekvő életigenlő humanizmus eszméi a világi épületekben nyilvánultak meg. A városházák, a loggiák, a szökőkutak, a jótékonysági házak különösen elterjednek, és hangsúlyosan monumentális és világi jelleget szereznek. Az új típusú építészet markáns példája Filippo Brunelleschi (1377-1446) olasz építész alapítóháza. Firenzében épült. A tér oldalára nyitott oszlopcsarnoka, gyönyörű félköríves boltívekkel fejezte ki barátságosságát és vendégszeretetét.

A város közérdekeit szolgáló polgári építészet mellett egy teljesen új típusú építészet is kialakul. A gazdag polgár lakása az ünnepi vidámság szellemével átitatott monumentális palotává válik - palazzóvá. A palazzo a városházákkal és templomokkal együtt nagyrészt meghatározta az olasz reneszánsz város építészeti megjelenését.

Különösen fontos volt az ősi rendrend iránti vonzerő, az építészeti szerkezet felépítésének ésszerűsége, következetessége, valamint az épület tektonikai logikájának azonosítása. Nem kevésbé fontos volt a rendrend humanisztikus alapja, mértékének és arányainak összefüggése az emberi test méretarányával és arányával.

Brunelleschi tanítványa és követője, Leon Battista Alberti (1404-1472) kidolgozta az ősi rendek szisztematikus használatát, és a firenzei Palazzo Ruchelai építkezésénél megmutatta, hogyan használták és kombinálták őket.

A reneszánszra nagyon jellemző az ünnepi és ünnepélyes építészeti struktúrák széles körű vonzereje, amely ellen monumentális szobrászati \u200b\u200bés festészeti alkotásokban megjelenik az a kép, hogy egy ember uralja a világot, vagy aktívan harcol benne céljainak elérése érdekében. Ezért a földi, világi jellegzetesség jellemző az Olaszországban a 15.-16.

Ennek markáns példája a Szent székesegyház. Péter Rómában. A nagy olasz építész, Donato d "Angelo Bramante (1444-1514) által tervezett, középső kupolaszerkezet formájában, lekerekített ágú görög kereszt formájában, a középső kereszt fölött hatalmas gömb alakú kupola formájában, a katedrálisnak egy teljesen új típusú katolikus templomot kellett volna képviselnie, ahol a tér a tömeg fölött érvényesül. Bramante halála után szinte az összes híres építész, aki a 16. század első felében Rómában tartózkodott, részt vett a székesegyház építésében, építkezése különös jelentőségre tett szert a pápák azon vágya kapcsán, hogy megerősítsék a katolicizmus és a pápai állam pozícióit. be kellett volna árnyékolnia a pogány templomok romjait és az azt megelőző keresztény épületeket.

1546-ban a székesegyház építésének irányítása az olasz reneszánsz nagy zsenijének, Michelangelo Buonarroti (1475-1564) kezébe került. Az elődök által bevezetett számos változtatás ellenére Michelangelo az egész kompozíció nagyobb fúzióját érte el, ahol a fő tér (az oszlopsorral körülvett dobmal ellátott központi kupola) feltétel nélküli túlsúlyba került a szerkezet másodlagos celláival (négy kis kupola) szemben. Így Michelangelo visszatért a centrikus síkra, amelyben megnyilvánult a humanista eszmék diadala.

Ha Olaszországban a középkori építészettel való szakítás nyitottabb és következetesebb volt, akkor az Alpoktól északra (Hollandia, Németország) a reneszánsz város új típusú építészete főként a gótikus építészet újrafeldolgozásával jött létre a nagyobb összhang és a formák fokozott ünnepe jegyében.

A reneszánsz idején a művészet kivételes szerepet játszott a kultúrában, és nagymértékben meghatározta a korszak arcát. Külön műhelyek, egymással versengve, gyönyörű művekkel díszítették a templomokat és a tereket. A gazdag patrícius családok képviselői személyes ambíciókból és politikai számításokból, valamint vagyonuk teljes élvezetének vágyából csodálatos palotákat emeltek, drága középületeket építettek, és csodálatos ünnepi műsorokat és felvonulásokat szerveztek a polgárok számára.

Festők, szobrászok, építészek a nemes verseny szellemétől vezérelve igyekeztek munkáikban a legnagyobb tökéletességet elérni.

A reneszánsz művészetének jellemző vonása a reális festészet példátlan virágzása volt. A festészet először tárja fel a benne rejlő lehetőségeket az élet, az emberi tevékenység képeinek és környezetének széles körű lefedésére.

A tudomány iránti szenvedély hozzájárult az emberi anatómia elsajátításához, a reális perspektíva kialakulásához, a légi környezet közvetítésének első sikereihez, a szögek felépítésének készségéhez, vagyis ahhoz a szükséges tudásmennyiséghez, amely lehetővé tette a festők számára, hogy reálisan és igazságosan ábrázolják az embert és a környező valóságot. Ezért a zseniális művész, Leonardo da Vinci is nagy tudós volt. És a legjobb tudósok és gondolkodók munkáit nemcsak a sajátos költészet és képzet szelleme áztatta, mint például a francia Francis Bacon Új Organon című művében, de gyakran e tudósok társadalomról alkotott nézeteinek legbelső lényegét fikció formájában fejezték ki (Utópia: Thomas More ).

Olasz tudósok a kultúra minden területén alapismeretekkel rendelkező egyetemes ember eszményét terjesztették elő. A reneszánszban rejlő univerzalizmus gondolata az egész emberiség számára közös kultúra eszméjéhez vezetett, felülkerekedve az országok és nemzetek szűk keretein. „Aki mindent megtanult, sehol sem idegen; gazdagság és barátok nélkül is minden város polgára, és bátran megvetheti a sors minden viszontagságát "- írta Ghiberti, a 15. századi humanisták egyike.

A realizmus történetében először találta meg a reneszánsz művészete a képalkotás módját, amely a személy egyéni identitásának fényes nyilvánosságra hozatalát a személy legjellemzőbb és legjellemzőbb tulajdonságainak azonosításával ötvözte. A reneszánsz realisztikus portréja elválaszthatatlanul összekapcsolódik a legmagasabb virágzás időszakával, van Eyck, Leonardo da Vinci, Raphael, Durer, Titian nevével. A reneszánsz portréját áthatja a személyiség megerősítésének pátosza, a tudat, hogy egyéniségének sokszínűsége és fényessége a normálisan fejlődő társadalom szükséges feltétele.

A természetben új feladatok megoldása, a festés fejlesztette és javította technikai eszközeit. Freskót (Giotto, Masaccio, Raphael, Michelangelo) széles körben fejlesztettek ki, különösen Olaszországban, a monumentális festészet terén. A mozaik szinte teljesen eltűnt, gazdag színhatásokat ért el, de kevésbé alkalmazkodott a kötetek és formák reális megjelenítéséhez. A tempera technika, különösen a kora reneszánsz művészetében, eléri a legnagyobb tökéletességet.

A reneszánsz művészet legnagyobb alkotásai közé tartozik Raphael vatikáni freskói. II. Julius pápa szerint a Vatikán strófáiban (szobáiban) folytatott freskóciklusok általános ideológiai programjának a katolikus egyház tekintélyének és fejének, a római főpapnak a dicsőítését kellett szolgálnia.

A station della Senyatura (az aláíró terem - itt pecsételték meg a pápai dekrétumokat) festésének témája az emberi lelki tevékenység négy területe. A teológiát a "Dispute", a filozófia - "Az athéni iskola", a költészet - "Parnassus", az igazságosság - "Bölcsesség, mértékletesség és erő" képviseli.

A strófák legjobb freskóját és általában Raphael legnagyobb művét az "athéni iskolának" kell tekinteni. A múlt híres filozófusai - Diogenes, Zénó, Szókratész, Pitagorasz, Platón és Arisztotelész - a szellemi szabadság és az Univerzum megismerése jegyében személyesítik meg a kreatív kreatív energia világát.

Az állomásfestés továbbfejlesztése, érdeklődés a formák plasztikusan kifejező formázása iránt, valamint felébredt. 20-30-as évek XVI az érzelmileg kihegyezett ecsetvonás iránti érdeklődés az olajfestési technikák gazdagodását váltotta ki. Az északi reneszánsz mesterei különleges szerepet játszottak a fejlődésében: Jan van Eyck, Rogier van der Weyden, Bouts, Hieronymus Bosch stb.

A XVI. az olajfestési technika dominánssá válik. Ennek a technikának a legnagyobb mesterei a velencei iskola képviselői voltak: Giorgione, Titian, Veronese, Tintoretto.

A művészetfogyasztók körének bővülése - különösen Európa északi országaiban - a metszetek virágzásához vezetett. Fejlesztették a favésést és a vésést a fémre, megszületett a rézkarc és elért első sikereit. A metszet és a rézkarc jelentős helyet foglalt el Rembrandt, Dürer, Holbein és Bruegel munkájában.

A könyvnyomtatás felfedezésének és széles körű elterjedésének nagy jelentősége volt a metszet virágzásának szempontjából. A metszetet széles körben alkalmazták a nyomtatott könyvek díszítésére és illusztrálására. Számos olasz, holland, német, francia kiadó készít művészeti kiadványokat, amelyek egyedülállóak a magas szintű hozzáértésükben. De Tou francia ügyvéd azt írta: "Franciaország többet köszönhet Robert Etienne-nek, aki javította a könyvkiadást, mint a legnagyobb katonai vezetőknek, akik kibővítették határait."

A cselekmények körét illetően a reneszánsz képzőművészete alapvetően továbbra is a keresztény mítoszokból és legendákból nyert hagyományos motívumok felé fordul, széles körben kiegészítve azokat az ókori mitológia cselekményeivel.

A német reneszánsz nagy művésze, Albrecht Durer az ókori mesterek tekintélyére utalva így írt: „Ne ölj a gonosz nemes művészetből, amelyet nagy munkával és szorgalommal találtak meg és halmoztak fel. Végül is a művészet nagyszerű, nehéz és nemes, és Isten dicsőségére fordíthatjuk. Mert ahogy ők adták bálványuknak, Apollónak a legszebb emberi alak arányait, ugyanolyan intézkedéseket szeretnénk alkalmazni Krisztus Urunkra, amely az egész világ legszebbje. " Továbbá Durer azt állítja, hogy Mária képét a legszebb nő, Vénusz és Sámson, Herkules álarcában ölti magába.

Lényegében ez döntő változást jelentett a régi keresztény szubjektumok és motívumok teljes tartalmában. A természetes emberi érzések szépsége, a való élet költészete döntően kiszorította a középkor képeinek misztikus elidegenedését.

A vallási témákban írt művek jelentős részének kultikus célja volt, vagyis templomoknak és székesegyházaknak szánták. De tartalmát tekintve ezek a művek hangsúlyozottan realisztikus jellegűek voltak, és lényegükben az ember földi szépségének megerősítésére fordultak.

Ilyen például Raphael Santi (1483-1520) Sixtus-madonnája, amelyet a piacenzai kolostor számára adtak elő. A kortársak a kegyelem (kegyelem) kifejezéssel jelölték ki Madonna rendkívüli varázsát. „A szépség megírásához - mondja Raphael egyik levelében - sok szép nőt kell látnia; de mivel a szépségek ritkák, és a megfelelő választás nehéz, a művész "valamilyen ötletet" használ, amely a fejében fejlődik ki, és amelyet megpróbál követni. "

Ugyanakkor a tisztán világi festészettípusok önálló műfajként jelennek meg: egyéni és csoportos portré. A késő reneszánsz idején a táj és a csendélet műfajai kezdtek kialakulni.

A szobrászatban, különösen a mitológiai, bibliai és valódi modern alakoknak szentelt szobrokban, az akkori ember jellemző vonásait és tulajdonságait hősi és monumentális formában erősítik meg, feltárul karakterének szenvedélyes ereje és energiája.

Szembeötlő példa Dávid óriási márványszobra (5,3 m), amelyet Michelangelo készített. A nagy szobrász a bibliai mítosszal és a bevett hagyománnyal ellentétben nem fiúként, hanem fiatalemberként ábrázolta ezt a nyertest, és nem a győzelem után, hanem a csata előtt. 1504-ben a nagy művészek külön bizottsága úgy döntött, hogy ezt a szobrot a firenzei Signoria palota elé helyezi, jelképül annak, hogy "az uralkodóknak bátran meg kell védeniük az embereket és igazságosan kell uralkodniuk rajta".

A perspektíva több figurájú megkönnyebbülése elterjedt. Ebben a művész ötvözte a szobor plasztikai láthatóságát és a festészetben rejlő, perspektíva felépített tér mélységét, összetett események ábrázolására törekedett, nagyszámú ember részvételével.

A „Kentaurok csatája” című dombormű, Michelangelo egyik első szobrászati \u200b\u200bműve, amely lejött hozzánk, élénk illusztrációként szolgálhat. Annak ellenére, hogy a művet tizenhét éves fiatal készítette, Michelangelo művészetének fő témáját hozza fel - a harc témáját, mint hősies ember apoteózisát, erejét és szépségét.

Ha a reneszánsz kezdeti szakaszában a művészet minden fajtája még mindig szorosan kapcsolódik a művészeti mesterségekhez, akkor a nagy reneszánsz kezdetére a festőt és a szobrászművészt kiemelték a kézművesek közül. A festészet vagy a szobrászat mestere művész, fényes, tehetséges kreatív ember, teljesen elválasztva a többi kézművestől. Ha sikeres, akkor gazdag ember, aki kiemelkedő helyet foglal el a társadalomban. De a kreativitás szabadságát a rendezetlen személyes sors, a verseny és a rivalizálás elemei is veszélyeztették. A művész új közéleti helyzete szintén tele van a "magas" és a "kézműves" művészet közötti szakadék veszélyével.

Sokkal később ez a veszély különösen káros hatással volt az iparművészetre. A reneszánsz idején a kapcsolat még nem szakadt meg teljesen. Például csak a késő reneszánsz szobrász, Cellini csodálatos ékszereit kell felidézni, a francia Pallisi munkásságát, aki személyében egyesített egy kiemelkedő humanista tudóst és egy majolikamestert.

Nem véletlen, hogy a reneszánsz idején nemcsak az összes korábban ismert iparművészeti típus virágzott, hanem olyan ágait is tovább fejlesztették, mint az ékszerek, a művészi üveg, a fajanszra festés stb. A vidámság és a színek hangzása, a kecses nemesség formák, a stílus egységének mély érzete jellemző a reneszánsz iparművészetére.

Mindezek összefoglalhatók a nagy Hegel szavaival: „A tudományok újjászületése, a képzőművészet virágzása és Amerika felfedezése, valamint Kelet-Yindia felé vezető út hasonlítható össze a hajnalral, amely hosszú viharok után ismét egy gyönyörű napot jelent először. Ez a nap volt az egyetemesség diadalának napja, amely végül a középkor hosszú, gazdag és szörnyű éjszakája után következett be. Ezt a napot a tudomány, a művészet fejlődése és a felfedezések vágya jellemzi ... "

5. ŐSI OROSZ MŰVÉSZET (IX-XVII. Század)

A régi orosz művészet a népi hagyomány kollektív sokoldalú géniuszának létrehozása.

N. A. Dmitrieva

Több mint hétszáz év lefedi az ősi orosz művészi kultúra időszakát. Eredete a Kijev előtti időszak keleti szláv törzsek életébe nyúlik vissza. A kulturális jelenségek és formák sokféleségén keresztül láthatók a közös vonások: a vallás (keresztény-pogány kettős hit), a hagyomány és az elszigeteltség (lokalitás) erős hatása, valamint a kánon túlnyomó betartása és az anonimitás (személytelenség).

Az ókori Rusz művészete magában foglalja a kijevi állam, a hatalmas Vlagyimir-Suzdal fejedelemség, a novgorodi bojárköztársaság és Moszkva művészetét, amelyek a mongol-tatár invázió megpróbáltatásai után az ország egyesítéséért vívták a harcot.

Az ősi orosz állam nemzeti büszkeségünk, az orosz nép eszméinek élénk megtestesítője. A lelki tisztaság iránti vágy és az együttérzés képessége, a lelkierő és a hősies terjedelem, a szülőföld iránti szeretet, a kemény munka, a tolerancia és az érzékenység - ezek a nemzeti jellem legjobb tulajdonságai, amelyek az ókori orosz művészet nagyszerű alkotásait táplálták.

Az őszinteség és az őszinteség, a harmónia és az egység vágya az emberek életével, a natív természettel, a különleges szívélyesség és őszinteség, az ember mély behatolása és célja az ősi orosz mesterek eredeti hozzájárulását képezik az egyetemes értékek kincstárához.

Mongol előtti Rus (IX - XII. Század eleje)

Az ősi orosz állam - a kijevi Rusz - kialakulása a 9. századra fejeződött be. A középkori Európa egyik legnagyobb állama - Oroszország - történelmileg Skandinávia és Bizánc, Nyugat-Európa és az Arab Kelet közötti politikai, kereskedelmi és kulturális kapcsolatok zónája volt, és kívülről kreatívan asszimilálta a befolyását, támaszkodva saját kultúrájára, amely a pogányság korában alakult ki.

A "Bálványok fektetése" (XII. Század) ismeretlen orosz szerzője a szláv pogányság fejlődésének három szakaszát azonosította. Az első szakaszban a szlávok „kincseket (áldozatokat) raktak az elemeket irányító ghoulok és bereginák, jó és gonosz szellemekért. A második szakaszban imádták az Univerzum legősibb mezőgazdasági istenségét, a rudat és a fáradságos nőket, a jólét és a termékenység istenségeit. A szülés és a nők szülés ünnepe szüreti fesztivál. A klán életet adott minden élőlénynek, és gyökérfogalmak forrásává vált: emberek, természet, rokonok, szülőföld ... A harmadik szakaszban kialakult Perun hercegi harcos isten állami kultusza, akit korábban a mennydörgés isteneként tiszteltek, és a Rúd lett a család védőszentje, otthon. "

A Perun előtti idők legfontosabb istenségei közé tartozik Svarog (a menny és a mennyei tűz istene), fiai - Svarozhich (a földi tűz istene) és Dazhdbog (a nap és a fény istene, minden áldás adója), a nap istenek (Nap) között - Koljada, Kupalo, Yarilo , később - Khors. Stribogot a levegő elemének isteneként tisztelték, Veles (Volos) pedig a szarvasmarha és a vagyon védőszentje volt. Veles kultusza minden szláv országban elterjedt volt, Oroszország egészére esküdött a nevére. A kíséret között Veles a művészet - a zene és a dalok - védőszentjének számított; nem hiába hívják "Igor műsorvezetőjének fekvésében" a legendás énekesnőt, Boyant Veles unokájának.

Az istentiszteleti helyek templomok, templomok, templomok voltak, amelyekben a mágusok (papok) imádkoztak, rituálékat hajtottak végre és áldozatokat hoztak az isteneknek.

Őseink lelki törekvései a legvilágosabban a természet kultusában nyilvánultak meg, mélyen költői és fejlettek. Az ősi szláv élete a naptár és a mezőgazdasági kör alá volt rendelve, és ünnepi ünnepségek kísérték. A szlávok márciusban kezdték az újévet, amikor a legenda szerint a fényistenek elkezdték megalkotni áldott királyságukat, létrejött a világ és az első ember. A farsangi búcsúztatást és a tavasz, a hét vagy az orosz hét megidézését, Ivan Kupala nyári ünnepét, a téli Koladadát stb. Rituális játékok kísérték kórusdalokkal és táncokkal. A folklórban, a dekoratív és alkalmazott népművészetben az ősi szlávok művészi kultúrája főleg megőrződött, amely évszázadok óta táplálja mind a zenei kultúrát, mind az orosz irodalmat. Hiszen mind a mesék, mind az epikus eposzok születése összefügg a pogány múlttal.

A szláv törzsek művészeti kultúrája, valamint az ókori és a szkíta Fekete-tenger vidéke hozzájárult a középkori Oroszország eredeti kultúrájának megteremtéséhez. Másrészt a bizánci keresztény kultúra kreatív felfogásának folyamatában alakult ki.

A pogány politeizmusról (politeizmus) primitív egyenlőségével a keresztény vallás monoteizmusára (monoteizmusára) való áttérés, amely megszentelte a központosított hatalmat és a felülről kiszabott társadalmi egyenlőtlenséget, évszázadokig folytatódott. Az oroszországi kereszténységet időnként erőszakkal érvényesítették, de gyakrabban alkalmazkodott a pogány világképhez.

A krónika szerint 980-ban Vlagyimir Szvjatoszlavics kijevi fejedelem a "pogányság hibáit" látva tette a második, döntő jelentőségűvé (miután a kereszténységet Askold és Dir kijevi fejedelmek elfogadták a 860-as években) Rusz megkeresztelését. A legenda szerint a hit megválasztása esztétikai jellegű volt: Vlagyimir követeit sokkolta a bizánci istentisztelet szépsége, nagyszerűsége és pompája.

A kereszténység elfogadásával megkezdődik a hivatalos, állami kultúra kialakulása és a népi kultúrával való kölcsönhatásának összetett folyamata.

Az ortodoxia elfogadása, amely lehetővé teszi a nemzeti nyelveken való istentiszteletet, hozzájárult az írás elterjedéséhez, valamint az ősi orosz irodalom kialakulásához, mind a szóbeli népművészet, mind Görögország, Egyiptom, Júdea és Szíria fordított irodalma táplálkozott. Az irodalmi műfajok közül kiemelkednek a krónikák (Nestor kijevi barlangkolostor kolostorának "A hosszú évek meséje"), a szentek élete (Nestor "The Pechora Theodosius szerzetesének élete"), a tanítások (Vladimir Monomakh) és a "séta" (Dániel apát a palesztin zarándoklatról). Kevés irodalmi műemlék maradt fenn Kijev Ruszban, de ezek tanúskodnak a polgári tudatról, a hazaszeretetről és a valós történelmi személyek és események képeinek nemességéről.

Általánosságban elmondható, hogy a kora középkor, a mongol előtti időszak művészetének olyan jellegzetes jellemzője van, mint a formák monumentalitása. Az építészet különleges helyet foglal el. Az orosz kézművesek a templom bizánci keresztkupolás formájának asszimilálása során a faépítészet hagyományát - a többkupolát - is alkalmazták.

Az első, amelyet a krónikában említenek, a kijevi Rusz híres kőtemploma - a Szűz mennybemenetele templom vagy a tized templom - egy hatalmas, 25 fejes hatoszlopos szerkezet. Körülötte volt a fejedelmi palota, a századok kúriái és a városi nemesség. Az invázió során a templom megsemmisült.

A műemlékek közül a leghíresebb Szófia Kijevszkaja. Ez a fő székesegyház, amelyet Bölcs Jaroszláv alatt építettek, egy öthajós, öt apszis, 13 kupolás templom. A belső tér gazdag és festői. Sophia székesegyházakat állítottak fel Novgorodban és Polotskban Kijev Szent Sophia mintájára. Bár a kőépítést Oroszországban hajtották végre a X-XI. főként bizánci építészek részéről ezek az épületek poli kupolájukkal, piramisszerkezetükkel és új építőanyagukkal különböztek a bizánciakétól.

A kijevi Rusz festését monumentális formák - mozaikok és freskók is képviselik. Az orosz mesterek átvették a bizánci templomok festésének rendszerét, bemutatva a nemzeti jellemzőket. A festői kánon "írástudatlanok evangéliuma". Mozaikok borították a központi kupolát, a kupola alatti teret (a Mindenható Krisztus a központi kupolában és az orantai Szűz az oltárapszisban). A templom többi részét freskók díszítik (jelenetek Krisztus, Isten Anyja, prédikátorok, vértanúk stb. Életéből). A világi freskók egyedülállóak. Például Bölcs Jaroszlavról két csoportkép, családjával, bohóc figurákkal, zenészekkel stb.

A XI. az ikonfestés első virágkorát éli. Sok ilyen festőállvány-festmény készült. A híres ikonfestő, Alimpiy Pechersky neve fennmaradt; neki köszönhető, hogy létrehozta Oranta Jaroszlavl, vagy Nagy-Panagia ikonját. Az ikonokat a láthatatlan világ látható szimbólumaként tisztelték. A legenda szerint a legősibb ikonok csodával határos módon jelentek meg ("A Megváltót nem kézzel készítették"), vagy a természetből festették őket (Lukács Theotokos evangélista).

Az egyház követelte az ikonográfiai kánon betartását. Az írás konvencionalitása: laposság, alakok megnyúlása, fordított perspektíva és időtlenség, arany háttér, mint az isteni fény szimbóluma - hangsúlyozta a képek magasztos szellemiségét. Teológia képekben, színekben, gesztusokban, feliratokban és szövegekben - ez az ikon célja. Az ikonográfiai kánon követéséhez a mesterek ikonográfiai eredetiket, valamint magyarázó (a cselekmény verbális leírása) és arcvonalakat használtak.

A mongol előtti Rusz kultúrájának fénykora (XII - XIII. Század eleje)

A kijevi állam összeomlása után számos független fejedelemség alakult ki - Vlagyimir-Szuzdal, a Novgorodi Köztársaság stb. egyetlen történelmi és kulturális folyamat több áramlatra oszlott, de Oroszország eredeti szellemi egysége megmaradt.

Ekkor megszületett a nagy "Igor fektetése hadjárat" és "A fogvatartott Dániel imája". Az építészetet a mennyiség csökkentése és a kőépületek egyszerűsített elrendezése jellemzi. Novgorod kifejlesztette saját templomát. Kijev gyönyörű luxusa idegen volt a kereskedő várostól. Egy kis köbméteres, egy kupolás templom egy vagy. három apsír faragott díszítés nélkül, mivel a helyi kő nem volt alkalmas a faragásra (Nereditsán található Megváltó temploma).

A Vlagyimir - Suzdal fejedelemségben a kőépítés különösen aktív volt Andrej Bogolyubsky alatt. A Nagyboldogasszony-székesegyház híres - egy fenséges ötkupolás templom, amelyet faragott íves öv díszít - az Istenanya háza. A Nerl és a Klyazma összefolyásakor pedig egy magas mesterséges dombon emelték a közbenjárási templomot, amely a világ építészetének emlékműve. A Theotokos-ciklus új ünnepének szentelve a legenda szerint ezt a templomot Andrey Bogolyubsky herceg építtette, fia Izyaslav halála miatt szomorkodott. A közbenjárás egykupolás temploma az arányok harmóniájával és a kép költészetével, az égre törekvéssel lenyűgöz.

A kijevi állam hanyatlásával a drága mozaikművészet vagy a "villódzó" festészet a múlté lett.

Ekkor Oroszországban megjelent a bizánci "Gyengédség Miasszonyunk" ikon, amelyet "Vlagyimir Miasszonyunk" -nak (Tretjakov Galéria) neveztek el, számára építették Vlagyimirben a Nagyboldogasszony-székesegyházat. Az ikon drámai sorsa, valamint a csodálatos szépség és lélektudat Oroszország egyik leghíresebbjévé tette.

Ennek az időszaknak a novgorodi iskoláját a bizánci-kijevi hagyomány ikonjai képviselhetik. Ez a "Megváltó nem kéz által készített" (TG). Ezt a diadalmas Krisztus-képet ábrázolták az orosz katonai transzparensek. Az "Ustyug Annunciation" (RM) ikon monumentális. Az "Arany hajú angyal" (RM) ikon szintén széles körben ismert. A képek súlyossága és lenyűgözősége, az ellentétes színek kombinációja, a formák kibővítése a novgorodi iskola sajátosságai.

Legmagasabb szinten az ősi orosz kultúra fejlődését a mongol-tatár invázió szakította meg.

Század második felének orosz kultúrája

Ha az idő 1240-től a XIV. Század közepéig. a nyugati feudális urak (német, tver, dán, magyar, litván és lengyel) inváziója és inváziója kapcsán a kultúra minden területén észrevehető csökkenés jellemezte, majd a XIV. a 15. század végéig. a nemzettudat felemelkedése, a Moszkva által vezetett orosz földek egyesítésének vágya. Bizánc veresége és a török \u200b\u200buralom megteremtése a Balkánon növelte a moszkovita Rusz, mint az ortodoxia központjának jelentőségét.

A mongol-tatárok elleni harc az eposzokban a folklór fő témájává és a történelmi dalok új műfajává vált (például Avdotya-Ryazanochka-ról, aki egy új Ryazan építését vezette). Az irodalom vezető műfaja a katonai mese ("Az orosz föld pusztításának szava", "Razan romjának meséje Batu által"), később pedig történeti művek találhatók a tatárok győzelméről ("A Mamajev-csata meséje", a Kulikovo-csata krónikamese ". Zadonshchina ", közel az" Igor ezredének fektetéséhez ").

A novgorodi építészet önálló fejlődése egy egyszerű és konstruktívan tiszta, klasszikus típusú, egyterű, gazdag külső dekorációval rendelkező templom létrehozásához vezetett (Fjodor Stratilat-templom, Spaso-Transfiguration on Ilyin), más országok építészetében nincs hasonlója.

Pszkovban főleg a védelmi építészet alakult ki. Az Izborsk erőd az ókori Rusz egyik legnagyobb építménye. XV - a pskovi építészet gyors fejlődésének ideje, 22 templomot emeltek.

A "kulikovszkij utáni" időszakban a moszkvai fejedelemség kőépítése nagy léptékűvé vált. Templomokat építettek Moszkvában, Kolomnában, Zvenigorodban, Mozhaiskban, Dmitrovban. A korai moszkvai építészet egy új típusú, egy kupolás, toronyszerű szerkezetű templomot hozott létre egy magas lábazaton, komplex tetejével, koronázva oszlopos horgolt zakomárokkal és kokoshnikkokkal, kupola magas dobon és lépcsőrendszerrel az ígéretes portálokhoz (Szentháromság) A Szentháromság-Sergius kolostor székesegyháza, a moszkvai Spaso-Andronnikov kolostor Megváltó székesegyháza).

Oroszország hosszantartó elszigeteltsége Bizánctól és az orosz földek széttagoltsága a XIII. Novgorodi és Rosztovi festőiskolák, a XV. - Tver, Pszkov, Moszkva és Vologda. A leginkább megőrzöttek a novgorodi műemlékek. A vörös háttér ikonok (Szent János Climacus, George és Blasius, RM) egyfajta "lázadássá" váltak a bizánci hagyomány ellen. A bennük levő ünnepi művészetből élénk színek, díszek, forma grafikai felépítése ("Nikola Lipensky", Novgorodi Múzeum).

A XV. virágzik a monumentális freskófestés Novgorodban. A nagy bizánci Theophanes, a görög nagy hatással volt rá. 1378-ban festette Ilyinre a Megváltó templomát.

A kupola - Krisztus Pantokrátor (Mindenható), és a dob - a sorsról, az apszisban - közösség (Eucharisztia) és szentek. F. Grek festői mesterét erővel és bátorsággal öntik el: széles ecsetvonások, magabiztosan elhelyezett kiemelések (az isteni energia jeleként), a vörös-barna és sárga okker túlsúlya - minden kifejező eszköz a szenvedélyes lelki égetés megtestesülését célozza.

Az eredeti ikonok között szerepel a novgorodi „haza", amely a Szentháromságot nem három angyal formájában értelmezi. Az Atya Isten ősz hajú öregember a trónon, a Fiú Isten ifjú, a Szentlélek galamb. Ilyen speciális formára volt szükség az eretnekség leküzdésére, amely elutasította a Szentháromság dogmáját. A XV. megjelenik egy új típusú két-három részből álló ikon, amelyet történelmi festményként érzékelnek ("Csoda a legszentebb Theotokos jelének ikonjából" vagy "Novgorodi csata suzdaliakkal").

A moszkvai festészet terjedelme és következményei a XIV-XV. Nem ismertem egyenrangú embert. Mire F. Grek Moszkvába költözött, itt jellegzetes művészeti hagyomány alakult ki. A moszkvai mesterek tanulnak Feofantól, de nem utánozzák. Egy görög mester irányításával festették meg a Szűz mennybemenetele templomot, a moszkvai Kreml arkangyal és Angyali üdvözlet katedrálisait. Theophanes körének fennmaradt ikonjai közül a legjobb a "Donszkaja Isten Anyja" a kolomnai Nagyboldogasszony székesegyházból, hátul a "Szűz mennybemenetelével" (Tretyakov Galéria).

A görög Feofan és Andrei Rublev, az ókori Oroszország legnagyobb művésze találkoztak a Kreml Angyali Üdvözlet-székesegyház ikonosztázának létrehozásáról szóló munkában. A magas ikonosztázis orosz nemzeti jelenség, ezek a kiemelkedő ikonfestők fontos szerepet játszottak kialakulásában.

Az imádságban az Istennel való egység teljessége - a kórushangzásban ezt az elképzelést az ikonosztázis kompozíciója testesíti meg, amelyet az általános ritmus és színrendszer művészi eszközei is összehegesztenek. Az ikonok (rangsorok) összefüggésben álltak a templom felépítésével és a falak festményével. Az ötszintű ikonosztázist "időrendben" olvassuk: felülről - az ószövetségi egyház előde sora Ádámtól Mózesig, középen az Újszövetségi Háromsággal; alul a prófétai sor, valamint a Szűz és Gyermek látható a központi ikonon; majd az események ünnepi szertartása Krisztus és Isten Anyja életétől születésétől Nagyboldogasszonyig; majd egy deézis ikonsor, amely könyörületért imádkozik a Megváltóhoz (középen); alul a helyi rang volt - számos ikon, különösen a területen tisztelt, és egy templom ikon (a királyi kaputól jobbra).

Theophanes görög kefe az Angyali üdvözlet székesegyházban a Deesis 7 ikonjához tartozik, és az ünnepek 7 ikonját láthatóan Andrej Rublev festette. Keveset tudunk erről a ragyogó ikonfestőről. A Vlagyimir Nagyboldogasszony-székesegyházban részt vett egy 61 méteres ikontól 6 m magas monumentális ikonosztázis létrehozásában, a legjobb "Vlagyimir Szűz" ikonjai között. Csodálatos módon megőrizte a zvenigorodi rangot: "Mihály arkangyal", "Pál apostol", "Megváltó" - Krisztus ragyogó képe - az igazság tanítója.

A. Rublev legtökéletesebb alkotása a "Szentháromság", amelyet Radonez Sergius szellemi tanító dicséretére írtak a Szentháromság-Sergius kolostor Szentháromság-székesegyházához. Az ikon tartalma nem korlátozódik a szentség szentségéről és az istenség hármasságáról szóló teológiai elképzelésekre, magában hordozza az emberiség valódi szabadságának feltételeként a titoktartás fenséges eszméjét, az emberek lelki egységét is.

Század végének orosz kultúrája

Két és fél évszázad szinte teljes elszigeteltség után a fiatal orosz állam kultúrája kapcsolatba került a nyugat reneszánsz kultúrájával, megerősítve ezzel pozícióját az európai államok között.

A történelmi dal mellett megjelenik egy népballada ("Iszonyú Iván haragja a fia ellen", "Pszkov védelme"). Fejlődik a világi újságírás és a történelmi irodalom, amelyet az autokrácia megerősítésének gondolata és az egyházzal való szövetség erősít. Megjelenik az akciódús regény új műfaja is, hőse aktív kereskedő nép.

Moszkva előretörését az építkezés nagysága kísérte. Európa legjobb építészei Oroszország egész területének legképzettebb kézművesei mellett dolgoztak, egy egész orosz építészeti stílust létrehozva. A Kremlben, Ivan Kalita idejéből származó régi templomok helyén újakat emeltek. Elsőként a Nagyboldogasszony-székesegyházat (Arisztotelész Fioravanti olasz építész) építették - egy fenséges, keresztes kupolás, ötkupolás templom, egyetlen belső térrel. Az Angyali üdvözlet székesegyházát, a nagyhercegek házi templomát Pskov mesteremberek építették. A hagyományos szentképek között megtalálhatók a nagy orosz fejedelmek és bizánci császárok hagyományos portréi. Az arkangyal székesegyház (Aleviz New olasz építész) ötvözte a 15. századi olasz palota építészetének hagyományos elemeit és jellemzőit. (kagylók zakomarasokban, díszes portálok, kerek velencei ablakok). Ebben a székesegyházban - az állami nekropoliszban - nagy fejedelmeket és királyokat temettek el. A Katedrális tér együttesét a Fazettás kamra (Marco Ruffo, Pietro Antonio Solari) fejezi be, amelynek egy 500 méteres négyzet alakú csarnoka volt, négy keresztboltozattal borítva, közepén erőteljes tartóoszloppal.

A 16. század elején. a kőépítészetben megjelenik egy új típusú, gödrös tetejű templom, amely feleleveníti az orosz faépítészet hagyományait. Két híres templom kapcsolódik Szörnyű Iván nevéhez. A kolomenskojei Felemelkedési templomot IV. Kis Iván (a leendő rettenetes) - trónörökös - születésének tiszteletére állították fel; templom-emlékmű a szülőföld dicsőségére. A sátortetős templom egyik változata a Szent Bazil-székesegyház volt

(Az árok védelme) - a Kazan Khanate hódításának emlékére készült emléktemplom, amelyet Barma és Postnik építészek építettek a Kreml falai alatt. A középső csípőoszlop körül nyolc kisebb, díszes fejezetekkel koronázva - egy multinacionális mese kőköltemény. Ez az orosz nép építészeti géniuszának felemelkedése volt. A stoglavi székesegyház 1551-ben tiltotta a sátrak építését, mivel az ellentmond a bizánci terveknek.

A 15. század második felének festői között. Dionysius kiemelkedik. Folytatja a "rubel" irányt és visszavonul tőle. Láthatóan nemesi származású laikus Dionysius egy nagy artel élén állt, amely fejedelmi, kolostori és nagyvárosi parancsokat hajtott végre. A "Megváltó az erőben" és a "Kereszthalál" (Tretyakov Galéria) ikonjairól, valamint a hagiográfiai - Péter és Alekszij metropolitáról ismert. Dionysius legemlékezetesebb műemléke a Vologda régióbeli Ferapontov kolostor Betlehemes székesegyházának freskói, élénk égszínkék színben egyesülve - színekben ujjongó dicséret. A rubelmélység és az egyszerűség helyét az ünnepi ünnepélyesség foglalja el, kiegyensúlyozott és dekoratív Dionysiusban. Dionysius után az Ősi Rusz epikus dala fokozatosan elhal. A Stoglavy-székesegyház rendeleteivel a művészet eszközzé válik az egyház kezében, ő maga pedig a despotikus autokrácia eszközévé. Az egyházi felügyelet körülményei között az igazi kreativitás elhalványult, a sablon és a kivitelezés uralkodott.

A művészet segítségével az állam megpróbálta felmagasztalni a történelmi és allegorikus műfaj ikonfestményében szereplő hivatalos politikai elképzeléseket Szörnyű Iván ünnepélyes visszatéréséről a meghódított Kazanból - "Áldott a mennyei király serege". A "Moszkva - a harmadik Róma" gondolatát a Novodevicsij-kolostor falfestményei testesítették meg.

Században volt. kialakult a nagy orosz nemzetiség kultúrája, és megkezdődik az orosz nép kultúrájának története a szó helyes értelmében, és az ősi orosz művészi kultúra fejlődése végső szakaszába lép.

6. AZ ŐS ROMA MŰVÉSZETI KULTÚRÁJA

Évszázadokig és törzsekig, akik megalázták a vitát, ... mindenki részesei voltak az egyetemes ünnepnek. Róma kinyújtotta szárnyát a föld felett. Minden igazság, amely a napvilágra került, A győzelmek zúgása alatt, a római jogok árnyékában, Erőteljesen új ötvözetté olvadt. -... Róma a végéig befejezte az uralkodó munkáját. Akkor valósult meg, amikor a barbárok seregének sikolya és kiáltása alatt a Birodalom megbuktatott.

V. Bryusov. "Gondolat fénye"

Róma növekedett a szabadságon, de a rabszolgaság megsemmisült.

A. Puskin. "Licinia"

A római civilizáció az ősi kultúra legmagasabb virágzásának korszaka lett, és egyben utolsó oldala is. A római állam a folyó vidéki közösségéből származott. Tiber egy világhatalomnak. Az "örök város" kiterjesztette hatalmát a Brit-szigetektől Észak-Afrika partjain át, a Herkules-oszlopoktól (Gibraltár) Ázsia belsejéig.

A római kultúra (Kr. E. VIII. Század - Kr. U. Század) sokkal összetettebb jelenség volt, mint a görög. Számos olyan törzs és nép vett részt ennek kialakításában, akik alávetették magukat a római uralomnak - Olaszország, a görög régiók, a hellenisztikus államok (Egyiptom, Pergamum stb.) Lakossága. Kialakult a görög és a római kultúra szintézise - a késő antik görög-római kultúra (Kr. U. 1. – 5. Század). Ő képezte az alapját Bizánc, Nyugat-Európa és számos szláv állam középkori civilizációjának.

Már maga a "Róma" szó a nagyság, a dicsőség és a katonai képességek, a gazdagság és a magas kultúra szinonimájává vált. "Minden út Rómába vezet" - mondta a híres mondás a világ fővárosáról. És az "Örök város" (Kr. U. 476) bukásának híre olyan volt, mint egy mennydörgés, amely megütötte a kortársakat.

Rómában mindig is érvényesült a római nép különleges választottságának gondolata és az erre szánt győzelmek sorsa. Patriotizmus, hajlandóság az élet feláldozására a hazáért, tisztelet és szeretet a hősi múlt, az ősök hagyományai iránt - ez volt a római ideológia alapja.

Az egyetlen római, főleg nemes patriciushoz méltó tett a politika, a háború, a mezőgazdaság és a törvényalkotás volt. Az államigazgatás és a jog, az útépítés és a katonai művészet a rómaiak körében elért tökéletességet, az irodalmat és a művészetet sikeresen oltották be a görög törzsbe. A szobrász munkáját azonban mesterségnek tekintették, ezt bizonyítja különösen a római szobrász portré névtelensége.

Az ókori humanizmusban a rómaiak bevezették az analitikus világkép vonásait: a kemény próza, a gondolkodás pontossága és historizmusa képezte a görög mítoszalkotás magasztos költészetétől távol álló kultúra alapját. A gyakorlatiasság áthatja a római kultúra minden területét.

Ha a görög nép zsenialitása művészi zseni, akkor a római zsenialitás politikai, folyamatosan arra törekszik, hogy kiterjessze befolyási övezeteit és állami érdekeit. Róma külső története a folyamatos háborúk története. A belső történet mozgalmas és véres. A plebejusok és a patriciusok, a politikai pártok és az arisztokrata családok közötti harc nem csillapodott.

Minden írott történelemnek, legendának és vallásnak, különféle művészettípusoknak meg kellett erősíteniük a rómaiak katonai erejének gondolatát, állítólag a kezdetektől fogva előre meghatározott, örök és rendíthetetlen.

Különös hatást gyakorolt \u200b\u200ba római művészi kultúra fejlődésére a vallás, amely a rabszolgabirodalom válságának korszakában a közösségek (család, szomszéd és civilek) vallásától a kereszténység világvallásáig terjedt a fejlődés útján.

"Fogságba esett Görögország magával ragadta a vadon győzteseit" - Horace római költőnek ez a mondata az istenek görög pantheonjának rómaiak általi kölcsönvételéről szól.

A görögöktől kezdve a rómaiak átvették azt a szokást, hogy szobrokat állítanak az isteneknek, és imádják őket és templomokat. A görög Zeuszt azonosították Roman Jupiterrel, feleségét Herát Junóval, Aidát a Plútóval, Arest a Marssal, Aphroditét a Vénusszal, Artemiszet Dianával, Athénát Minervával, Hephaestust Vulkánnal, Hermest Merkurival, Poseidont Neptunussal, Dionüszoszt Bacchussal .d.

A császári kultusz megalapozásában és elterjedésében Octavianus Augustus óta különleges szerepet játszott a görög szobor, vagy inkább a római mesterek általi lemásolása. A római mitológia és vallás középpontjában azonban a "római mítosz" áll, amely a Karthágóval győztes pun háborúk előestéjén és utánuk alakult ki. Róma óriási katonai fölénye ellenére az ősibb kultúrájú országok a rómaiakat "barbároknak" tekintették. Megérett az igény a "nagyhatalmak" között egy "törvényes" hely igazolására. Innen ered a vonzalom a görög kultúra iránt, az a vágy, hogy összekössék a rómaiak és dőlt szavak eredetét a görögökkel és a trójai állatokkal. Az „ősök” hőstetteiről szóló történetek megsokszorozódtak: Aeneas hősről, Venus szerelmi istennő fiáról, aki elmenekült Trója elől, utódairól, Romulusról és Remusról, akit egy farkas táplált, stb.

Az ősi hagyomány Róma megalapítását Kr. E. 753-nak tulajdonítja. e., a legendás Romulusnak, amikor Remus megugrotta az új város határait jelölő barázdát, és testvére veszekedés közben megölte. Romulus lett az első római király, és az új város megkapta a nevét.

A cézárok császári kultuszának elterjedésével a Szenátus élete során a császárt istenek serege közé sorolta, templomokat létesítve számára. Az uralkodó személyisége Róma hatalmát szimbolizálta. Kultusza egyesült az örök várost pártfogó Roma istennő kultuszával.

A meghódított Etruria és Görögország építészeti eredményekkel ruházta fel Rómát, amelyet a római építészet példátlan mértékű várostervezéssel öltött testre a stratégiai terveknek és a birodalmi ambícióknak megfelelően. A római építészet nagyszerű, fenséges, pompás és konkrét történelmi tartalommal rendelkezik, valamint magas szintű gyakorlati megvalósíthatósággal, az építési módszerek és a tervezési megoldások újszerűségével. A római eredmények között szerepel a beton feltalálása, az ív széles körű használata és egy gömb alakú kupola felállítása.

A római társadalom igényei új típusú struktúrákat eredményeztek: amfiteátrumok a gladiátoros játékokhoz és az állatok csalogatásához, fürdők - grandiózus római fürdők, diadalívek és oszlopok, császári fórumok és szentélyek (Baalbek) stb. Paloták, kúriák, villák, színházak, templomok, hidak, sírkövek műemlékek stb. új építészeti megoldást kaptak római talajon. A racionalizmus, amely a római építészet alapja, a térbeli terjedelemben, a gigantikus építészeti komplexumok integritásában és a geometriai alakzatok szigorú szimmetriájában mutatkozik meg.

Világhírű római vízvezetékek, az aszfaltozott utak közül az első - Appian - "az utak királynője", amelyet 100 év alatt építettek, ie 312-től. e., és a VII. a világ egyik csodája.

Titus (Jeruzsálem elfoglalásának tiszteletére) és Nagy Konstantin császárok megőrzött diadalívei. Eredeti emlékmű volt Traianus császár temploma előtti 30 méteres oszlopa, amelyet 200 méteres övdombormű díszített, amely a történelmi megkönnyebbülés élénk példáit hozta fel, dokumentáris pontossággal közvetítve a menetelő élet képeit és a háborúk epizódjait harcokkal.

Kétségtelen, hogy az ókori Róma leg grandiózusabb műemlékei a Colosseum és a Pantheon.

Az ókori Róma leggigantikusabb látványos építménye - a flaviai amfiteátrum (Kr. U. 75-82) - kőtálában mintegy 50 ezer nézőt tudott befogadni.

A Colosseum név a mellette álló kolosszusból származik - Nero szobra, amelyet később Helios alakjává alakítottak át. A Colosseum hatalmas, ellenálló ovális külseje tele van kemény energiával. Ezt az érzést nemcsak az épület mérete (kb. 50 m magasság, 156 m és 188 m átmérő), hanem az egyszerű íves ritmusok ünnepélyes ereje is generálja. Négy szintet három rend elemeivel díszítenek: alul - toszkán (az uretruszkáktól kölcsönzött), fent - jón féloszlopok, a harmadik szint és a negyedik (fent hatalmas kőöv) korinthusi stílusban; az amfiteátrum íves kompozícióját befejező kőgyűrű visszafogott erő érzetét kelti. Romokban, a valaha díszítő szobrok nélkül is feltörhetetlen erővel lélegzik a Colosseum.

A Pantheon (118–125) versenyez a Colosseummal a tervezés nagyszerűségét és a térbeli megoldás szélességét tekintve - „minden isten temploma”, amelyet Damaszkuszból származó Apollodorus görög építész épített Hadrianus császár alatt és a legfontosabb római isteneknek szentelték.

A Jupiter, a Mars, a Vénusz, a Roma és más istenségek bent hét fülkében ültek. A Pantheon egy monumentális sima falú rotunda, amelyet félgömb alakú kupola koronáz meg, a templom bejáratát széles tizenhat oszlopos portikó díszíti: összetett (vegyes) rend. A templom külső megjelenésének némi nehézségét, tömegességét megváltoztatja a fenséges gömb alakú tér soha nem látott tágasága, amelyet egy kerek kilenc méteres lyuk fénye áraszt el, becenevén "a Pantheon szeme" (a kerek templom átmérője és valamivel 40 méter feletti magasság). A Pantheon belseje a nyugalom és a magasztos fenséges harmónia érzetét kelti. Század végéig. kupolája a legnagyobb maradt a világon. A középkorban a Pantheont keresztény egyházzá változtatták, és 1520-ban a nagy Raphaelt temették el benne. Ez a fenséges épület, akárcsak az Univerzum egy részecskéje, az antik tér volt az építészet utolsó remekműve a birodalom fénykorában és a római építészet csúcsa.

Szintén a világ jelentőségű és értékű jelenségei közé tartozik a római szoborportré - az ókori Róma története személyekben, a nagy birodalom példátlan felemelkedésének és tragikus halálának történelmi "dokumentuma". A római portré eredete összefügg a meghódított etruszkok temetési kultuszával, a görög hellénisztikus szobrászattal, valamint az ősök római kultuszával: az a szokás, hogy viaszmaszkot távolítanak el az elhunytakról, és a család tagjainak szobrászati \u200b\u200bportréit őrzik. Ezért a csodálatos megbízhatóság, még a "naturalizmus" és a műanyag tulajdonságok irgalmatlan valóságtartalma. Különösen igaz ez a római császárok hatalmas galériájára.

A korai birodalom korában a római művészet, teljesítve a császár személyének felemelésére és istenítésére vonatkozó hivatalos parancsot, megtanulta hízelegni a hatóságoknak.

Megőrzött Augustus szobrászati \u200b\u200bportrék a republikánus parancsnok képére (a Prima kikötőtől), szobrok a heroizált görög klasszikusok hagyományai szerint, Augustus az áldozati felszabadítás ünnepélyes rítusát hajtja végre a feje fölé dobott tógában, és végül. Augusztus Jupiter képében (a trónon ülő phidiusi olümposzi Zeusz mintájára). Az egyik póluson könyörtelen portrék láthatók Nero, Caligula, Caracalla gonosz zsarnokairól, a "katonák császárainak" galériájáról, a másik oldalon pedig Trajanusról, Vespasianusról, Adrianról, Anthonyról, Piusról készült szobrok, amelyek ésszerű állami tevékenységre törekednek. A császár-filozófus, Marcus Aurelius is Róma legjobb embereihez tartozott, filozófiai okfejtésében eltűnt az egykor magabiztos római, a világ uralkodójának nyugalma, a támogatást kereső gondolat lázasan vándorol, és készségesen hajlik a halmokban hirdetett vak sors iránti szomorú ironikus alávetése felé. Azonban a korántsem hősies császár Marcus Aurelius hozta létre az első lovas emlékművet, amely lejött hozzánk.

Kétségtelen, hogy Róma szobrászati \u200b\u200bemblémája a híres bronz Capitoline-farkas, feltehetően etruszk mester öntötte el. A Capitolium-dombon állították fel az etruszk királyok megdöntésének emlékére közel egy évszázados háborúk után.

Az ókori római művészi kultúra kiemelkedő oldala az "arany latin" -hoz kapcsolódik. A legtermékenyebb "Augustus kora" éppen a római költészeté volt. Virágzása Virgil, Horace és Ovidius nevéhez fűződik.

Virgil Maront "római homérosznak" hívják a "Aeneid" című epikus költemény létrehozása miatt, amely a trójai Aeneas és társai vándorlásáról szól. Ugyanakkor a versben van egy másik hős - Róma szelleme. Az "Aeneid" közepén halhatatlanságának ideálja áll, az isteni gondviselésen alapul. Troy halála, Aeneas és Karthágó Dido királynőjének tragikus szerelme, a hős útja a síron túli királyságon keresztül, ahol Aeneas megnyitja küldetését - a Nagyváros megalapítása, és egyéb események a római nép nemzeti eposzában kerülnek újjá. , a mitikus ősök dicsérete, a hazaszeretet és az emberi érzések szívből jövő megértése.

Ha Virgil létrehozta a klasszikus római eposzt, akkor Horace (Quintus Horace Flaccus), Virgil barátja és kortársa, klasszikus római dalszövegeket készített.

Horatius őseinek vitézségét is dicsőítette, kortársait arra ösztönözte, hogy méltóak legyenek apjukhoz, de hajlandóbb emlékezni a modor ősi szépségére, megtanította élvezni a szerény gazdagság „arany középútját”, szeretetről, baráti mulatságokról írt. Talán a legjobb versek, amelyeket Horace a költészetnek szentelt, "Adesei" között kiemelkedik a híres "Emlékmű" -ből; ebből az óda ihlette Alekszandr Puskin verset írt "Magamnak nem kézzel készített emlékművet állítottam ..."

Virgil és Horace munkája utat nyitott fiatalabb kortársuknak, Publius Ovid Nazonnak. "A szeretet és a gyengéd szenvedély énekese", ragyogó költő, Ovidius szenvedőként fejezte be életét, Octavianus Augustus száműzte a Fekete-tenger akkori zord partjaira és elfelejtette. Nyilvánvalóan a császár elégedetlen volt Ovidius költészetével, amely nem felelt meg politikájának.

Ovidius fő költői műve "Metamorphoses" az ősi mítoszok gyűjteménye arról szól, hogy az egyik test átalakul a másikba. Így a nárcisztikus nárcisz virág lett; megelevenedett egy gyönyörű lányszobor, amelyet Pygmalion faragott, és felgyújtotta a szeretet iránta; Az Apollón által üldözött Daphne nimfa babérfává vált stb. Ennek eredményeként a görög és római mitológia legpoétikusabb képeinek (több mint kétszáz) leggazdagabb gyűjteménye született.

A latin nyelv halott, de nélküle a modern világkultúra elképzelhetetlen. Aki latinul tanul, asszimilálja a világkultúrát. A X. század elején. időszámításunk előtt e. A latin nyelvet csak az Apenninek egyik kis régiójának lakossága beszélte, majd az archaikus latint a klasszikus váltotta fel, ez a nyelv Cicero és Caesar prózájában, a római költészetben virágzott. A középkorban a latin alapján alakultak ki a román nyelvek (olasz, francia, spanyol, portugál, román stb.), A latin pedig a katolikus egyház és a pókok nyelvévé vált. A modern tudomány pedig szorosan kapcsolódik a latinhoz; a görög nyelv mellett a tudományos terminológiai oktatás forrásaként szolgál.

Szárnyas latin mondások díszítik és gazdagítják egy modern kultúrált ember beszédét. A latin „terra incognita” („ismeretlen föld”) révén a római kultúra és történelem egyre érthetőbbé válik. "Urbi et orbi" ("a város és a világ") - Caesar elefántja mindenki figyelmébe szólt: "Veni, vidi, vitsi (" jött, látott, meghódított "), valamint a politika törvénye:" Divide et im "(" oszd meg és szabály "). A római társadalom "Homo sa-jens" ("ésszerű embere") azonban megértette, hogy az életben az a lényeg, hogy önmagát megismerje ("Nose te ipsum"), az élet a legyőzésen, a töviseken keresztül a csillagokig halad ("Per aspera hell astra") ... És az ember lelkében mindig ott van a remény szikrája - „amíg lélegzem, remélem” („Dum Spira, Spera”), bár tudom, hogy a „földi dicsőség elmúlik” („Sik transit gloria mundi”), majd a szelénium - csend és csend.

Talán egy spirituális végrendelet: a görög-római világ lehet a Bias görög bölcs szavai - "Ompia mea mekum porto" ("mindent magammal viszek") - az ember valódi gazdagsága a belső tartalmában.

7. AZ ŐSGÖRÖGORSZÁG MŰVÉSZETI KULTÚRA

Az ősi Hellák földjén az emberiség gyermekkora ... a legszebben fejlődött, és örök varázsa van számunkra, mint egy soha meg nem ismétlődő lépés.

"Az ókori Görögország művészeti kultúráját antiknak (latinul" ókori "-nak) nevezik. Így kezdték a reneszánsz olasz humanistái a görög-római kultúrát a legkorábbi számukra ismertnek nevezni. A koncepció a klasszikus ókor szinonimájaként maradt fenn, és elválasztja a görög-római kultúrát az ókortól.

Az ókori világ története és kultúrája általában több időszakra oszlik.

1. Égei-tengeri művészet (kréta-mükénéi kultúra) - Kr. E. 3-2 ezer e.

Görög művészet - homéroszi korszak - XI-VIII időszámításunk előtt e. archaikus - VII-VI. időszámításunk előtt e. klasszikus - V-IV. időszámításunk előtt e. Hellenisztikus - 4.-1. Század vége időszámításunk előtt e.

Etruszk művészet - VIII-II időszámításunk előtt e.

Róma művészete - a királyok korszaka - VIII-VI időszámításunk előtt e. köztársaságok - V-I századok. időszámításunk előtt e. birodalom - 1. század BC-V században HIRDETÉS

Az Égei-tenger medencéjében kialakult égei kultúra kb. Kréta, Görögország szárazföldi része (Mycenae és Tiryns), Kis-Ázsia partjai (Troy) és a Kükládok.

Az angol Arthur Evans krétai ásatásai (1900 és 1941 között) egy eddig ismeretlen "görög előtti" kultúrát tártak fel a világ előtt, amelyet Minoannak nevezett a legendás Mi-nos király után.

Egy hatalmas tengeri hatalom, amelynek fővárosa Knossos, eredeti palotakultúrát hozott létre, amelyben a természetes és vallási motívumok szervesen összefonódtak. Az égei-tengeri művészet legérdekesebb oldala a Knossos-palota, amely a legenda szerint Minos királyhoz, a labirintushoz és a szörnyű Minotauroszhoz kapcsolódik.

Nyilvánvalóan ez a palota volt az állam közigazgatási és vallási központja, a fő magtár és a kereskedelem "otthona". A nagy központi udvart 300 különböző szoba vette körül, amelyek különböző szinteken helyezkedtek el és sok lépcsővel voltak összekötve, amelyek mellett könnyű kutak voltak. A palota építészeti összetételének legfontosabb szerkezeti eleme az úgynevezett irracionális faoszlopok voltak, lefelé szűkültek és élénken festettek (piros - a törzs, fekete - a kerek főváros). A palota teraszszerű módon nőtt, mintha megismételné a hegyvidéki terep körvonalait, illeszkedve a krétai tájba.

A palotaházak fő díszítése a freskófestés volt, amely frízek vagy panelek formájában töltötte meg a falakat. A krétai művészek fényes színes palettája közel áll a tengeri hullám színárnyalatához. A festészet (ellentétben az egyiptommal) az alkotó abszolút lazaságának és belső szabadságának benyomását kelti. Híres freskók az ünnepségről: "Ladies in Blue", "Parisienne", "Tsar Priest", "Acrobats with a Bull".

A krétai keramikusok remek darabokat is készítettek. Köztük vannak Kamares stílusú vázák (az azonos nevű barlangban találhatók). Például egy polip váza, ahol az edény gömb alakja harmonikusan kombinálódik a tekercselő vonalakkal egy tengeri állat képében. Krétának nincsenek ismert műemlékei. Csak színes fajanszból és elefántcsontból készült kis műanyag mintákat éltünk túl ("Az istennő kígyókkal"). Kréta művészete általában ünnepi, színes, dekoratív és keleti lapos és díszes benyomást hagy maga után.

A krétai civilizáció halálának nyilvánvalóan két oka van. A XV. Század közepén. időszámításunk előtt e. Kréta erős földrengést és a szigeten lévő Santorini víz alatti vulkán kitörésének következményeit élte át. Fera. A szigetnek az akha görögök általi meghódítása is szerepet játszott. A szárazföldi Görögország átvette az égei-tengeri kultúrát.

A krétai civilizációval ellentétben a mükénéi civilizáció súlyosabb és bátrabb volt. Monumentális védekező építészetet hozott létre (akropolisz Mükénéban és Tiryns "sziklavilág" ciklopos "falazatával, a grandiózus Mükénéi Oroszlánkapu, amelyet két oroszlán heraldikai kompozíció díszít).

Még 1876-ban Heinrich Schliemann német régész sziklás "aknasírokat" fedezett fel Mükénában, sok aranyból, ezüstből és elefántcsontból; talált és grandiózus "kupolás sírok", vagy tholók.

A palota építészetében új típusú szoba jelenik meg - a megaron. Összetétele portikával, előcsarnokkal és előszobával, amelynek közepén négy oszloppal körülvett kandalló volt, egy görög templom építészetére számít.

A mükénéi államot elsöpörték - a XII-XI. Század fordulóján. időszámításunk előtt e. új invázió északról: a dóriak tűzzel és karddal vonultak végig a Peloponnészoszon, majd később megalapították Spártát. A dóriai hullám azonban elhaladt a jón törzsek által lakott Attika vidékén, akik különleges szerepet játszottak Hellas fénykorában.

A görög kultúra általános hanyatlása és a lassú újjászületés hátterében a művészet két típusa tűnik ki a homéroszi időszakban: vázafestés és eposz irodalom. A vázafestés legjobb példái a nagy Dipylon vázák (Athénban, a Dipylon kapu közelében találhatók) - sírkő amfórák és kráterek, amelyeket geometriai díszszalagokkal díszítettek, köztük cselekményvázlatos kompozíciók.

A korszak ismereteinek legfőbb forrása az ókori görög irodalom két remekműve - Homérosz "Iliad" és "Odyssey". Az első a görög-achájok és a trójaiak tízéves háborúja utolsó évének eseményeiről és Trója közelgő elfogásáról szól. Század közepéig. Troy-t (Ilion) kitaláltnak tartották, de Heinrich Schliemann életének álmát teljesítve bizonyította létezését. A második versben Odüsszeusz, Ithaca-sziget királyának vándorlásai bontakoznak ki az első görög hajósok fantasztikus történeteinek hátterében az ismeretlen nyugati tengerek csodáiról. Úgy gondolják, hogy mindkét vers az ókori görög énekesek (aed vagy rapszódák) epikus dalaiból nőtt ki, a történelmi, mitológiai, erkölcsi, filozófiai, legendás és esztétikai tartalom gazdagságát tekintve "az ókor enciklopédiájának" nevezhetők.

Az Iliászban három karaktercsoport létezik: 1 - trójaiak Priam király és fiai vezetésével - a nagy hős Hector és Párizs (miután Elenát elrabolta Menela spártai király feleségét és megkezdődött a trójai háború), Hecuba királynő és Hector felesége, Andromache ... 2 - a görög achájok, Agamemnon, Achilles nagy hős vezetésével, az Agamemnónra mérges vers kezdetén nem hajlandók harcolni a trójaiakkal, ami barátja, Patroclus halálához vezet Hector kezéből, megbosszulva barátját, Achilles megöli a bátor trójai, később visszatér (váltságdíjért). ) testét az idősebb Priamnak; funky Hector számára és a háború és kegyetlen bosszú elítélésének verse véget ér ... 3 - Olimpiai istenek, aktívan beavatkozva az emberek életébe.

Az archaikus korszak szülte a görög filozófiát és tudományt, az irodalom, a színház, a rendi építészet és az archaikus szobrászat fő műfajait.

Az ókori görögök kultúrájának megkülönböztető jegye az agon verseny volt. Kr. E. 776-ban. e. először rendezték meg az olimpiai játékokat (a Zeuszról elnevezett Olympia területén). Öt napig hirdették a szent békét. Az "Olympionik" (háromszoros győztes) olajágot kapott, és szobor felállításának jogát az olümposzi Zeusz templomának szent ligetében. Apolló tiszteletére a sportolók a delfi pythi játékokon versenyeztek, a díj babérkoszorú volt. Isthmianban - Poszeidón tengeristen tiszteletére a fenyő koszorú volt a kitüntetés. Zeusz Legfelsõbb Úr tiszteletére Nemean játékokat is szerveztek. A sportoló gyönyörű teste lendületet adott az antik szobrászat fejlődésének.

A hősök korszaka eltűnt Homérosznál. A szó művészete az egyén érzéseihez és élményeihez fordult - szövegek születtek (versmondás líra kíséretében). A szenvedélyes Archiolokh fr. Paros, a vidám Anacreon, a fenséges Alcea és a finom költő, Sappho. A kórusszövegek (Dionüszosz isten tiszteletére dicsérik) az Ősi Spártában alakultak ki. A költő, Pindar dicsősége is nagy volt.

Ebben az időben Görögország létrehozta saját államrendszerét, amely a rabszolgákat birtokló demokrácia kialakulásához vezetett. A keleti despotizmushoz képest ez progresszív lépés volt. Szellemileg szabadok, a görögök az ideált saját fejlődésükben látták, amint az illik a pólus emberéhez és polgárához, vitéz szellemhez és gyönyörű testhez.

Hellas művészi munkája - a világ történetében először - a realizmust mint a művészet abszolút normáját alapozta meg. Nem a természet pontos másolása, hanem abszolút gyönyörű képekre való törekvés, amelyekre a természet csak utalt. Kik az Olümposz istenei (Zeusz, Aphrodité, Athéné), ha nem olyan emberek, akik emberi tökéletességükben megszerezték a halhatatlanságot? A mítoszteremtést követően a művészet olyan embert kezdett ábrázolni, aki fel van ruházva azzal a vitézséggel és szépséggel, amelyet ki kellene fednie magában.

Az archaikus szobrászat két típust fejlesztett ki: Kuros (egy meztelen fiatalság szobra, amelynek kultikus jelentősége volt Apollo képének, valamint általában egy fejlett férfifigurának) és az ugatás (szüzek kultuszszobrai a dekoratív ruhadarabokban és élénken díszítettek; később az ugatások kariatidákká váltak az építészetben - oszlopok női alak alakja). Az Egyiptomból és Mezopotámiából származó mintákat kölcsönvéve az archaikus monumentális szobrok (akár 3 m magasak is) a realizmusban nagyon gyorsan fejlődtek, megtartva a híres „archaikus mosolyt” a Kuros és a Kor arcán, mivel a művész megpróbálta belülről spirituálni, megvilágítani az állandósult képet.

Az archaikus idők építészete túlnyomórészt templomi jellegű. A görögök fokozatosan kifejlesztettek egy rendszert, amely később a rómaiaktól megkapta a névrendet (rend, rendszer). Mindegyik templom azonban az egyediség érzetét kelti, mivel a rendrendszert kreatív módon alkalmazták, figyelembe véve a természeti és építészeti környezetet. Az archaikus a görög rend két változatát alkotta: egy masszív dór, amely a férfiasság, az erő és a súlyosság harmóniájának gondolatát testesíti meg, és a karcsú, elegáns jón. Később (Kr. E. 5. században) csodálatos, látványos korinthusi rend jelent meg. Mindhárom rend különbözött az oszlopok (támaszok) és az entablature (padlók) dekorációjának arányában és jellemzőiben.

Ekkor alakult ki a görög templom klasszikus típusa - periféria (tollas), téglalap alakú, minden oldalról oszlopsor veszi körül. A görög templom "istállóként" szolgált az istenség szobrához, amelyet a szentélybe (naosz) telepítettek.

A Hellas természetéhez hasonlóan a görög művészet is fényes és színes volt, és ünnepélyesen ragyogott a napon. A templom építészeti részleteit és szobrászati \u200b\u200bdíszeit festették, a város minden nyilvános helyén álló márványszobor szintén polikróm volt, és színes berakásokkal díszített bronzszobrok lángoltak arany fényűen. Manapság mindez szinte elveszett, és a bronz elvesztette eredeti fényét.

A görög szobrászat színe jelzi a festészethez fűződő kapcsolatát és a látható világ szépségének közvetítésének vágyát. A görög festészet élénk tükre a vázafestés. Az amfórák, kráterek, kecses hydriumok, lapos cilicák, hosszúkás lecitákok nemcsak tökéletes formájúak, hanem harmonikusan festettek mitológiai jelenetekkel is. Eleinte fekete alakos festmény alakult ki, később pedig egy tökéletesebb vörös alakos festmény jelent meg.

A görög kultúra aranykorát, amely "Görögország legmagasabb belső jólétét" (K. Marx) jelöli, megelőzte Hellas nagy próbája, a perzsák félelmetes inváziója és Athén pusztítása.

Az Athoson, a Maratonon, a Salamison és a Plataea-n, valamint a Thermopylae-szurdokban elért görög győzelmek dicsősége sok évszázadon át megvilágította Hellas történetét. Athén vezette a görög tengeri uniót, és a győzelem után a kulturális és gazdasági fellendülésben vezető helyet foglalt el. Athén uralkodói (elsősorban Periklész) arra törekedtek, hogy városukat a görög világ legnagyobb kulturális központjává tegyék. Thucydides történész Periklész szájába adta a következő szavakat: "Városunk az összes hellák iskolája, és úgy gondolom, hogy mindannyian könnyen kifejezhetjük egyéniségünket különböző életkörülmények között." Sport mindenkinek, oktatási rendszer, rendszeres színházi és vallási ünnepségek. A személyiség teljes körű fejlődésében a görögök sok más nép előtt jártak. Mindez biztosította a görög művészeti kultúra átfogó virágzását.

Athénban élt Protagoras ("Az ember minden dolog mércéje") és Anaxagoras, az egyetemes gondolkodású Democritus ("A szegénység egy demokráciában ugyanolyan jobb, mint a királyok alatti jólét, mint a szabadság jobb, mint a rabszolgaság"). A nagy Szókratész, Platón tanára a hellén bölcsesség megtestesítője lett.

A tudomány szintén gyorsan fejlődött Hippokratész - az "orvos atyja" és Herodotosz - a "történelem atyja" személyében.

A színházi ünnepek alatt (3 nap) a görögök a legjobb dramaturgot, produkciót, színészt és choregát (az előadás szervezőjét) választották. A tetőtéri tragédia világhírét Aeschylus ("perzsák", "láncolt Prometheus", "Oresteia" stb.), Sophokles ("Oidipus király", "Antigone", "Electra") és Euripidész ("Medea", "tragédia atyja") hozta. "Phaedra") A vígjáték színe Aristophanes munkájához kapcsolódik, aki cselekményeket merített Athén modern politikai életéből ("Lovasok", "Felhők", "Békák", "Lysistratus" stb.). A színház igazi életiskolává és polgárképzővé vált.

Athén büszkesége az újonnan átépített csodálatos együttes - az athéni Akropolisz. Fehér márvány épületeket emeltek: a Parthenon, a Propylaea (az Akropolisz ünnepi bejárata), a Niki Apteros templom (Szárny nélküli győzelem), az Erechtheion templom és a Pinakothek (festménygyűjtemény). Az Akropolisz tervezését és építését Görögország legnagyobb szobrászművésze, Phidias rendezte. A fenséges építészeti együttes megtestesítette az athéni állam hatalmát és először az általános hellén egység gondolatát.

Parthenon - a Szűz Athéné temploma - a világ építészetének gyöngyszeme (Iktin és Callicrates építészek, Phidias szobrász). Az Akropolisz fölé emelkedik, ahogy az Akropolisz Athén fölé. A Parthenon gyönyörű, hősies és monumentális. Ez egy dór periféria, az ión rend elemeivel. Az Akropolisz romos állapotában is kitörölhetetlen benyomást kelt.

1687-ben egy velencei ágyúgolyó felrobbantotta a török \u200b\u200bhódítók által a Parthenonban felállított pormagazint. És a 19. század elején Lord Elgin angol diplomata elrendelte, hogy bontsák le a Parthenon híres frízének egy részét (a fal felső részének díszítése), és távolítsák el az oromfalakon fennmaradt szobrokat. Idővel a brit kormány megszerezte őket, és most a Parthenon-szobrok jelentik a londoni British Museum büszkeségét. A műalkotásokkal szembeni barbár hozzáállást azonban elginizmusnak hívták.

Korábban, az archaikus korszakban, az efezusi (Kis-Ázsia) Artemis szentély-temploma is híres volt - a "világ hét csodájának" egyike, később pedig a hellenisztikus időkben a halicarnassusi mauzóleum, az Alexander világítótorony (Egyiptomban) is. "Csodálatos hét", valamint a Pergamumi Zeusz-oltár (Kr. E. II. Század). Ha az archaikus szobrászat szerzősége még nem jött létre, akkor a klasszikus korszak és a helyébe lépő hellenizmus megtartotta a legnagyobb szobrászmesterek nevét.

Ez a dicsőséges hét nagy lista természetesen megnyitja Phidias-t. Híres a 12 méteres Athena Parthenos szobráról, amely egykor a Parthenon szentélyében állt, krizoelephantin technikával (elefántcsonttal és arannyal borított faváz), amelyet a művészet csúcsaként tiszteltek. Jobb kezében Athena Nika (Győzelem) szobrát (2 m) tartotta, baljával pedig megkönnyebbüléssel egy pajzsra támaszkodott, dárdája a vállának dőlt. A szobor nem maradt fenn, de a kortársak leírása alapján rekonstruálták. Ugyanilyen híres a phidiusi Zeusz-szobor ("a világ csodája") az olümpiai templom számára. Zeusz a trónon ült. Phidias egy erre a célra épített műhelyben faragott. Jegyzőt, amelynek jobbján szent küldöttként sas, bal kezében pedig szárnyas Nika volt az „istenek és emberek atyja”. Úgy gondolják, hogy az arany díszítés körülbelül 200 kilogrammot nyomott, és a drágakő szeme akkora volt, mint egy ököl. A tizenkét méteres szobor csaknem 900 évig állt és az 5. században tűzvészben halt meg.

Az egyik első szobrász, akinek sikerült valósághűen átadni egy hatalmas test mozgását, Miron volt, híres "Discobolus" -jával. Polycletus szobrász meghatározta a test tökéletes arányait, és műanyagban továbbította őket. Az ő "Dorifor" (lándzsahordozója) a kánon szerint jött létre, amely akkor több mint száz évig uralkodott. A bronz "Discobolus" és "Dorifor" márvány római másolatokkal kerültek hozzánk. Három athéni mester műanyag képének szigorú felségének felváltása a 6. században. jött Scopas drámai pátosza ("Menada") és a Praxiteles képek ("Hermész a Dionüszosz csecsemővel", "Cnidus Aphrodité" ábrándos kegyelme - Cnidus szigetén, aki meztelen istennő szobrát szerezte, azt mondják, igazi zarándokút volt, aki alig akarta csodálni szépségét).

A hellenizmus kezdetének korszakában, amikor Nagy Sándor hódító hadjáratainak köszönhetően a görög világ szokatlanul terjeszkedett és aktívan kölcsönhatásba lépett a keleti kultúrákkal, Lysippos lépett elő (Alexander szobrász szobrászművésze, aki szobrászati \u200b\u200bportréit készítette, valamint a híres "Apoxyomenos" - egy sportoló, aki fésűvel tisztítja a testet, és huncut "Eros" nyilak gyűrűjével és íjjal a vállán).

A művészi Leochares "Belvedere-i Apollójával" (egy bronz eredeti márvány másolata most a Vatikáni Palotában van) szintén a hét nagy közé tartozik. Színházi látványos póz a fény és a művészet istenétől, félretéve a bal kezét, és köpenyt véletlenül fölé dobtak.

A híres hellenisztikus remekművek között szerepel a monumentális "Nika of Samothrace" (Párizs, Louvre), "Laocoon with Sons" (Róma, Vatikán) és a Zeusz-oltár szobrászati \u200b\u200bfrízje (a kis-ázsiai Pergamumból), most maradványait a berlini "Pergamon - Museum" őrzi. A "Venus de Milo" szobor (Párizs, Louvre) szintén világszerte hírnevet szerzett.

A görög művészet befejezte történelmi útját. Megkezdődött "létének" új szakasza - mint minden későbbi művészeti kultúra legmagasabb modellje. Az első "tanítvány" pedig az ókori Róma volt.

8. AZ ŐS EGYIPTOM MŰVÉSZETI KULTÚRÁJA

Van valami, ami előtt a csillagképek közönye és a hullámok örök suttogása egyaránt visszahúzódik - annak a személynek a tettei, aki elveszi áldozatát a haláltól.

Ősi egyiptomi szövegből

Az ókori Egyiptom állam a Nílus völgyében magas és kifinomult kultúrát teremtett. Megmutatta az ősi keleti rabszolgatartó despotizmus (Babilon, Sumer, Asszíria, Urartu) stílusának közös vonásait "gigantomaniájukkal", de az ókori Egyiptom művészete legyőzte durva tűnődöttségét, és kifejlesztette az összehasonlíthatatlan nemesség és tisztaság művészi formáit.

Az óriási gízai piramisok, Khafre fáraó Nagy Szfinxje és Nefertiti királynő szobrászati \u200b\u200bportréja Egyiptom világhírű művészi emblémái, amelyek az évszázadok mélyéről származnak.

A Kr. E. IV. És III. Évezred fordulóján született. Kr. Az ókori Egyiptom kultúrája fejlődésének több szakaszán ment keresztül, csúcspontját az ókori (Kr. E. XXVIII-XXIII. Század), a középső (Kr. E. XXI-XVIII. Század) és az Új Királyság (XVI-XI.) Korszakában érte el. században).

Az ókori egyiptomi kultúra jellemzői összefüggenek az államiság korai fejlődésével, az elszigetelt földrajzi elhelyezkedéssel, valamint a vallás (különösen a temetési szertartás) mély és átfogó hatásával a művészi tevékenység minden területén.

Az ókori Egyiptom művészeteinek együttesében az építészet áll az uralkodó vallási és állami eszmék szóvivőjeként, amelyek piramis formájában (görögül „szent magasságban”) kristályosodnak ki. Az isteni és a földi hierarchia szimbóluma, három világ (istenek, emberek és halottak) összekapcsolódása - a piramis a világ képét tükrözi, amely az ókori egyiptomiak fejében kialakult. Középpontjában az istenített fáraó, mint Horus (Horus) isten megtestesítője és a világok közötti közvetítő.

Időtlen időktől fogva, mivel évszázadok óta az Örökkévalóság házaként épültek, az Óbirodalom piramisai (a gízai együttes) maradtak az egyetlen „világcsoda”, amely felhasználásunkra jött.

Őket megelőzte a "Piramisok Anyja" - Josser fáraó (60 m) hatlépcsős síremléke, amelyet Imhoten nagy építész épített, és amely a korlátlan hatalom szimbólumává is vált.

A piramis a monumentális temetkezési komplexumok - nekropoliszok - része, temetési templomokkal, szfinxek által mászó utakkal, társpiramisokkal, szent hajóval és hatalmas erődfallal.

A piramis központi helyzete a királyi temetkezés építészeti összetételében többek között annak napszimbolikájának köszönhető, mert a napkultusz a legmagasabb volt a vallási eszmék rendszerében. Egyiptomot a Nap földjének, a fáraókat pedig fiainak hívták. Mint a földre hulló napsugár, a piramis a fáraó ég felé vezető útját szimbolizálta. Formája az Örökkévalóságot, a képarány pedig a Világegyetem Isteni Harmóniáját jelentette.

Cheops (146,6 m), Khafren (143,5 m) és Mikerin (66,5 m) fáraók gízai óriási sírjai több mint negyven évszázadon át álltak, a fáraók kérlelhetetlen akaratának rendkívüli emlékei, a parasztok és rabszolgák százezreinek sokéves kemény munkája. és az építés magas művészete, valamint az ősi tudás középpontjában áll. A piramisok még mindig sok rejtélyt rejtenek.

Ha az ókori és középső királyság korában az udvari nemességet sziklasírokban temették el, akkor az Új Királyságban a fáraók a Királyok és Királynők völgyében lévő sziklákban kezdték építeni síremlékeiket, hiába remélve, hogy megvédik magukat a rablóktól, és a piramisok a temetkezések építészeti és szimbolikus díszítései maradtak.

Az ókori egyiptomiak a templomot Isten földi tartózkodási helyének és az univerzum mintájának tekintették. Az Új Királyság idején a templomépítészet virágzott.

A karnaki és luxori Amun-Ra szoláris istenség templomai-szentélyei világhírűek. Ha az ősi piramis olyan, mint egy hegy, akkor ezek a templomok sűrű erdőre hasonlítanak. A templomokat csaknem két kilométer hosszú út kötötte össze - a Szfinxek sugárútja, a bejáratnál naptáblák-obeliszkek voltak. Az erőteljes oszlopok fenséges portált alkottak, amelyet a fáraók faragott kolosszusa díszített. Minden következő uralkodó újakkal egészítette ki a meglévő templomokat, ezért az évszázadok során Karnak és Luxor komplexumai sikátorokkal és terekkel, oszlopcsarnokkal és templomokkal rendelkező kővárosokká váltak. A lineáris elrendezést követve a templom összetétele a komor hypostyle (oszlopos) csarnokon át befelé, a szentélyig tágult az istenség szobrával. Karnanban a hypostyle 134 oszloppal rendelkezik (Egyiptom növényi formáit utánozzák): papirusz alakú, lótusz alakú, tenyér alakú, akár 23 m magas. A karnaki hipostília az ókori egyiptomi építészet egyik legmonumentálisabb belső tere.

A monumentális építészet utolsó emelkedése a Ramessidák korszakához kapcsolódik - ez egy példátlan méretű sziklás templom, II. Ramszesz, Abu Simbel.

Az óriás pilont a hódító fáraó húsz méteres kolosszusai díszítik. Századunk 50-es éveiben az ENSZ és az UNESCO egyedülálló akciót szervezett Abu Simbel félelmében az Assuan-gát építése során. A templomot óriási tömbökké fűrészelték, és új helyre költöztették. Az ókori egyiptomi építészek alkotását megmentették.

A művészetek ikonikus szintézisében az építészetet szobrászat kísérte, amely egyaránt kanonikus és monumentális volt, miközben a tartós művészeti hagyományokat megőrizte.

A kerek szobrászat remekei közé tartozik a Nagy Szfinx, a Gizekh-nekropolisz őrzője, a természet és az ember alkotása (az oroszlán testének szikla tömege a király fejével). A "borzalom atyja" nem szenvedett az időtől, Napóleon katonái megcsonkították (orr le) a 19. század elején. Később a britek elvették a kőszakállat. Most Khafre szfinxje komolyan aggódik az európai tudósok miatt annak állapotával.

A kerek szobor kultikus céljának megfelelően, hogy az elhunyt lelke legyen, csodálatos portrék készültek.

Ilyen a trónon ülő Tsarevich Rahotep és seggének Nofret (Kairó, Egyiptomi Múzeum) szoborcsoportja. A kanonikus nemcsak fenségesen - nyugodtan, pózol, hanem a férfi szobor vörösbarnával, a nőstény sárgával, haj - fekete, ruha - fehér és piros színnel. Az írástudó alakjának kánonját Kaya írástudó híres szobra reprodukálja a Louvre-ból.

A szobrászati \u200b\u200bdomborművészet (féldombormű és metszett dombormű) művészetében az egyiptomiak plasztikus kifejezőkészséget is elértek, és egy figura egyedi sziluettjét hozták létre, mintha síkra terülne. A kánon Narmer fáraó képével kezdődött a híres palettán, és a "Khesira építész" fából készült portré megkönnyebbülés ragyogó folytatássá vált. A sírokban és templomokban található megkönnyebbüléseket a fríz (szalag) elrendezési elve, a színezés konvencionalitása és az íráshoz való kapcsolódás különbözteti meg. A fennmaradt és már a XX. Században felfedezett domborművek különleges kifinomultsággal vannak ellátva. Tutanhamon fiatal fáraó sírjai.

Harmincöt évszázados feledés után Nefertiti, az Új Királyság királynője is megjelent a világ előtt. Számos szobrászati \u200b\u200bképét megtalálták Thutmes szobrászművész, az eretnek fáraó udvarmestere, vagy az átkozott fáraó Akhenaten műhelyének ásatásain, akik nemcsak egyetlen napisten - Aton kultuszát mutatták be, hanem befolyásolták azt a művészetet is, amely kiemelkedik az Új Királyság különleges Amarna-korszakában ( Akhenanen új Akhetanon nevű városának a helye a modern Tellel Amarna. A régi kánonoktól való eltávolodás és az élet közelebb kerülése érdekében - ezt a feladatot Akhenaten korának művészei megoldották, és a híres Thutmes műveiben (családi portrék, Nefertiti szobrászati \u200b\u200bportréja magasban) megtaláltuk az ember képének igazi lírai értelmezését. tiarát és befejezetlen arany homokkő portrét a berlini Állami Múzeumok őrzik).

Az ókori Egyiptom zenei kultúrájáról vannak feltételezések, amelyek közül csak néhány hangszer és a zenészek domborművekben és festményeken való ábrázolása maradt fenn. Nyilvánvalóan létezett népi, templomi és palotazene, a monofonikus dallamot hárfa, furulya, ütőhangszerek színezték.

Az ókori egyiptomi irodalmat különféle műfajok különböztetik meg: mesék, tanítások, himnuszok isteneknek és királyoknak, dicsérő énekek, és az Új Királyság kora óta - magas költői érdemekkel rendelkező szerelmes szövegek.

Az ókori Egyiptom nem tárta fel minden titkát a világ előtt. Hatalmas szerepét a világkultúra történetében még nem értékelték teljes mértékben. Az ősi kultúra tanulmányozása Napóleon katonai expedíciója után kezdődött, és Dominique Vivant Denon, a híres, 24 kötetes "Egyiptom leírása" című mű illusztrátora is részt vett benne. Tehát Európa megismerkedett egy titokzatos és egzotikus országgal, de írása halott nyelv volt. A "Rosetta-kőnek" köszönhetően egy nagyszerű tudományos felfedezést tett egy másik ragyogó francia, a "hieroglifák feltámadója" - Jean Francois Champoliop. Így kezdődött az egyiptológia. Az ókori Egyiptom művészi képei, amelyek korunk előtt (különösen a hellenisztikus korszak alatt) befolyásolták a Földközi-tenger egész kultúráját, majd a 19. századtól beléptek az európai kultúrába, ma is megőrzik időtlen szellemi nagyságukat és esztétikai tökéletességüket.

9. A KÖZÉPMŰVÉSZETI KULTÚRA JELLEMZŐI

Egyoldalú lenne a középkorban csak az európai népek "gyermekkorát" látni, egy új történelem előkészítő szakaszát ... önálló történelmi és művészeti értékkel bírnak.

A. Ya. Gurevich

Ha az emberek a középkorra gondolnak, akkor általában egy páncélos lovagot képzelnek el, aki nehéz karddal, ellenséges hadjárattal, feudális vár vagy katedrális kőtömegeivel üt meg az ellenséggel, a jobbágyparasztság kimerítő munkájával, a világi kísértésekről lemondó szerzetes, az inkvizícióval. Vas. Egy szikla. Imák, tűz és vér.

A középkorban sok nehéz, sötét, embertelen dolgot halmoztak fel. Talán ezért nevezték a reneszánsz humanistái az ókor hanyatlása és az újkor közötti évezredet (V-XV. Század) a mentális stagnálás, a "sötét éjszaka", a középkor korszakának, és az újraélesztett ősi kultúra ragyogó sugaraival igyekeztek szétszórni a középkor sötétségét.

A modern történetírás és művészettörténet a középkorban nem az elválasztó szakadékot, hanem az ókori és a modern kultúrát összekötő hidat látja, amely a legösszetettebb korszak, amelynek megvan a maga egyedi vonása, az emberiség kulturális és történelmi fejlődésének egyik szakaszaként, amely megfelel a feudalizmus megjelenésének, fejlődésének és bomlásának.

A középkori élet tragikus oldalai közül: végtelen feudális és vallási háborúk, a birtokosok és az egyház zsarnoksága, a pestis és a pestis hatalmas járványai, az utolsó ítélet mindig fenyegető ítélete és a világ végének várakozása - a középkor embere tudta, hogyan kell élvezni az életet, világosság és szeretet után nyúlt, meglátta a világ szépségét az isteni szépség szimbólumai; tudta, hogyan kell önzetlenül dolgozni, dicséretet mondva a Teremtőnek nagy és apró tettekben; a középkori kultúra nem hiába hagyott hátra nagy és sokoldalú művészeti örökséget, amelyet nagy mesterek voltak a „kis emberek”.

A kereszténység különleges szerepet játszott a középkori kultúra kialakulásában, amely nagyszerű történelmi szintézist hozott létre, örökítve és átalakítva a Közel-Kelet vallásainak elképzeléseit és képeit, valamint a görög-római ókori filozófia hagyományait. A kereszténység a világtörténelem során először terjesztette fel az összes ember Isten előtti egyenlőségének, az erőszak elítélésének, a világ tökéletlenségének legyőzésének gondolatát mindenki erkölcsi fejlesztése, minden ember szellemi egységének gondolata révén. „Krisztus személyének tragédiája betölti a világot, minden emberben él” (DS Likhachev). Ennek a tragédiának az akut élménye a középkori művészeti kultúra remekeinek fő tartalma.

Szokás a középkor több mint ezer éves történetét három fő időszakra osztani: kora (V-XI. Század), érett vagy klasszikus (XII-XV. Század) és késő középkor (XVI-XVII. Század eleje), amelyeket széles körű elterjedés és nemzeti jelek jellemeznek. - az ébredési eszmék jellegzetes megnyilvánulása a művészetben.

A középkori élet és kultúra minden összetettsége, heterogenitása, többrétegűsége, paradoxona és ellentmondásai ellenére létezik egy egységes elv is - a „világ geocentrikus modellje”, amely ideális, humanista megtestesülést talál a művészetben.

A legkorábbi keresztény vallásosság a bizánci művészeti rendszer kialakulásában nyilvánult meg. A kora középkorban Bizánc maradt a hellén ősi kultúra hagyományainak egyetlen őrzője, átadta ezt a kulturális stafétát a 10. században. Az ókori Oroszország az ortodoxiával együtt.

Bizánc megalkotta a keresztény egyházak fő típusait (bazilika, centrikus és keresztes kupolás), az ókori építészetet a keresztény vallási tanításnak megfelelően újragondolta a templommal, mint a mennyei egyház földi mintájával, mint a hívők üdvösségének hajójával, mint imaházzal. Ezért a fő figyelmet a belső tér növelésére és a templom belső díszítésének isteni pompájára fordították.

A Bizánci Birodalom fő temploma a Szent templom volt. Sophia Konstantinápolyban, a VI. Században emelték. Justinianus alatt Anfimy és Isidore építészek (ritka eset a középkori építők nevének megőrzése, mert ez a középkorban senkit nem érdekelt, mivel a szépséget alkotó mesterek a feudális létra alsó lépcsőjén álltak, munkájukat kollektívnak, ezért nem személyesnek és szinte mindig névtelen, névtelen maradt).

A St. Szófia egyesítette az ókori római Pantheon és az ókeresztény bazilika konstruktív elveit, a téglalap közepét a kupola óriási féltekéje (31,5 m átmérőjű) koronázta meg. Úgy tűnik, hogy a templom felépítése titokzatosan változik különböző nézőpontokból, egy kőből készült csoda.

A középkorban a művészetek új templomi szintézise születik, amelynek különbségei vannak az ortodoxiában és a katolicizmusban, amelyeket 1054-ben osztottak fel: az építészet és a szobrászat, a festészet (freskó, mozaik, ikon vagy ólomüveg) és a dekoratív és iparművészet a lenyűgöző nagyszerűség és a felemelő szellemiség grandiózus együttesében egyesül. , vokális és hangszeres zene (orgona).

Először hajtottak végre ilyen művészi szintézist a bizánci istentisztelet szertartásos rituáléjában, amelyet az ókori Oroszország és a kereszténység ortodox ágának más államai fogadtak el.

Ha keleten az ókortól a középkorig az átmenet fokozatosan, akkor nyugaton - az ókor kulturális hagyományainak megsemmisítésével és megtörésével. Az ókori Róma bukása, a népek nagy vándorlása és Európa "barbarizálása" - a középkori civilizáció születésének tégelyében Nyugat-Európa művészeti kultúrája is kialakult.

Nyugat- és Közép-Európa középkori művészete a tíz évszázados fejlődésében három szakaszon ment keresztül: a pre-román (vö. V-X. Század), a román (a XI-XII. Század) és a gótika (XII-XIV század). Egyes államokban a gótikus művészet a XV-XVI. ("Lángoló gótika") együtt élt a reneszánsz művészetével.

Az egykori Római Birodalom területén keletkezett "barbár királyságok" közül a legnagyobb és leghatalmasabb a frankok királysága volt, amelyet először a Meroving-dinasztia irányított, akik a katolikus rítus szerint átvették a kereszténységet, majd a frankok a "karoling reneszánszát" (VI-IX. Század) élik meg, ez a korszak Nagy Károly birodalmával zárul, amelyet a pápa "rómaiak császáraként" koronázott meg.

Ebben az időben a dekoratív és iparművészet gyorsan fejlődött (kötőelemek, csatok, fegyverek, edények, keresztek, az egyházi könyvek keretei sokszínűek, drágakövekből, színes üvegből vagy zománcból készült betétekkel lepik meg a dísz gazdagságát az "állati stílus" kombinációjával) és a könyv művészetét miniatúrák.

A IV. Századtól. a kialakuló kolostorok a pergamenből készült és színes miniatúrákkal díszített keresztény könyvek (evangéliumok, az egyházatyák tanításai, liturgikus könyvek) létrehozásának központjaivá válnak, ahol aranyat, lilát és gouache-t használtak. A kedvenc téma az evangélisták képei voltak.

A kora középkori könyvtervezés mintái, amelyek drága és kifinomult ajándékká váltak, egy kifinomult kész díszstílust mutatnak be, amely nagy hatással volt az egész európai kultúrára.

A normannok pusztító inváziója során számos kulturális központ és művészeti, építészeti műemlék pusztult el, kolostorokból és palotákból számtalan gazdagságot raboltak ki. Rövid fénykorában a karoling művészet felélesztette a késő ókor vívmányainak nagy részét, de nem hozott létre új, teljes rendszert, amelyről kiderült, hogy a leváltó római kor hatalmába tartozik, amely kifejlesztette az első közös európai művészi stílust.

A kifejezés a XIX. Században jelent meg, amikor a régészek az X-XII. Század épületeiben. hasonlóságokat talált a római építészettel, később a román stílus általában a korszak művészetének kezdte nevezni.

A széttöredezett, harcban álló Európában az építészeti struktúrák fő típusai a lovagvár, a kolostoregyüttes és az erőd típusú templom lettek, hatalmas kőfalakkal, keskeny ablakokkal és magas tornyokkal.

A megnövekedett szellemiségre való törekvés ugyanúgy megkülönbözteti a román művészet mintáit, mint a bizánci, ugyanakkor a lelkileg tökéletes és az ember valós világától elszakadt kép nem kapott ugyanolyan fejlődést, mint Bizáncban, a nyugat-európai művészetben az élethez való aktív hozzáállás a vallásossággal párosult. A román építészet lenyűgöz hatalommal, szobrászattal - nyugtalan lélekkel. Az érzések fokozott megnyilvánulásában érezhető a barbár művészet hagyományai, a feudális háborúk és keresztes háborúk korszakának viharos és félelmetes jellege. A román székesegyházakban kialakul a keresztény templom bazilikus típusa. A hatalmas hosszúkás hossztest (hajó) egy hajóhoz hasonlítja a templomot. Az oldalsó folyosók alacsonyabbak, mint a középső. Keresztmetszet keresztezi őket, és a latin kereszt képződik a tervben. Hatalmas torony emelkedik a kereszteződés fölé (középső kereszt), keletről a templom az apszis félkörével (benne oltárral) záródik. Keskeny magas tornyok őrzik a templomot (kettő a keleti és a nyugati végén). A román stílusú templom építészete minden részletében világos, megkülönböztetett és világos, bátor szépség, lenyűgöző képesség és ünnepélyes hatalom különbözteti meg.

A román korszak keresztény templomának díszítésében újdonság volt a szobrászati \u200b\u200bdíszítés kívül és belül, amely lehetővé teszi a székesegyház összehasonlítását egy kőkönyvvel, amely megragadja a középkor lelkét. Bár az egyház vezetői és "irányították" a művészetet - gyakran nem tudták sem megérteni, sem jóváhagyni a templomok szobrászati \u200b\u200bdíszítését.

A román mesterek falakat, ajtókat és oszlopokat laktak egy korábban nem látott világban: a szentek, az apostolok, az evangélisták képei guggolnak, muzhikovat, nyilvánvalóan közös eredetűek, a templomok portálja (bejárata) fölötti félkör alakú tympánokban, különösen gyakran az utolsó ítéletet ábrázoló domborművet helyezik el, ahol Krisztus a bíró és védő vazallusaik, és a furcsa díszek "furcsán csúnya képek" - kentaurok, majmok, oroszlánok és mindenféle kőkimérák - körül néha összekeverednek a szentek hadjáratában, és jelen vannak a "szent interjúkban". Nyilvánvalóan ezek a fantasztikus képek pogány népi kultuszokból, mesékből és mesékből, népi eposzokból kerültek a román művészetbe, kifejezve a jó és a rossz erői közötti küzdelem népi megértését és eszméjét az emberi lélekért.

A templomok belsejében a tai, akárcsak a Karoling-korban, sokszínű freskókkal voltak díszítve, új jelenség a színes történelemeket ábrázoló színes üvegablakok; ez a fajta templomfestés különösen a gótikus korban alakult ki. A híres román székesegyházak fennmaradtak Németországban (Weirme, Speyer, Mainz) és Franciaországban (Poitiers-i Notre Dame, Moissac Saint Pierre, Autun Saint Lazare).

Századig. Európa fő kulturális központjai a kolostorok voltak, ahol a legtöbb képzett ember volt, az építési problémákat vitatták meg, könyveket másoltak. Azonban a XII. az elsőbbség kezdett átadni az új gazdasági és kulturális központoknak - azoknak a városoknak, amelyek a feudális urak ellen harcoltak függetlenségükért. Nem csoda, hogy azt mondták: "a város levegője szabaddá tesz". A gondolatszabadság és a feudális rendszerrel szembeni kritikus hozzáállás, amelyet az egyház szentesített, mintha eredetileg a mennyben jött volna létre, és ezért rendíthetetlen, a városiak körében született meg.

A világi lovagi irodalom és költészet ebben az időben magas virágzást ért el, a városi világ irodalma formálódott, befejeződött a középkor hősies eposzának megalkotása.

A leghíresebbek a "Roland dala", az "Oldalsó dal" és a "Nibelungok dala" című német eposzok.

A "Roland dala" középpontjában egy epizód található Nagy Károly spanyol hadjáratából 778-ban, a versben a hódító hadjárat igazságos háborúvá alakul át a "hitetlenekkel", a saracenekkel. Marsilius szaracén király alattomos fegyverszünete, Károly bosszúálló tanácsadójának, Ganelonnak az elárulása, Roland lovag véres csatája a saracenekkel és a főszereplő halála, Karl szaracén hadsereg legyőzése, Roland menyasszonyának halála és Ganelon kivégzése - ezek az epikus cselekmény fő eseményei, és egy fiatal lovag bátorsága.

A Nibelungs dala, amely több évszázad alatt alakult ki, hatalmas dal-eposz legenda, amely képeket tartalmaz a ragyogó lovagi udvari életről, a 4.-5. A legenda fő témái: az arany vakító romboló ereje (a Nibelungok kincse), Siegfried bátor lovag - a középkor "ideális hőse" - szeretetének és boldogságának vágya, a hatalmas Brünnhilde bosszúja, amelyet Siegfried szerelmének reményében csalt meg, akinek akaratát a komor gonosz Hagen hajtja végre, , valamint felesége, Krimhilda szörnyű megtorlása és a legenda összes főszereplőjének halála. Egy középkori szerző története, aki behatolt az ember pszichológiájába, és egyúttal varázsgyűrű fantasztikus képeivel, csodálatos kardjával, Siegfried által legyőzött sárkány csodálatos vérével díszítette tevékenységét, elképesztő, valamint "A Nibelungs dala" humanisztikus felismerésekben gazdag, hogy a bosszú pusztító töltete visszatér a feladóhoz, dooming mind az istenek, mind az emberek világának megsemmisítésére.

A középkorban lett a költészet az európai irodalom királynője. Még a krónikák is költői formába öltöztek, és a szentírás olyan költői ritmusokat szerzett, amelyekre jobban emlékeztek, az építő szövegek pedig a költészet szépségét.

Századi könnyű lovagi kultúra udvari illemtana. követelte, hogy a hagyományos katonai képességekkel együtt a lovagnak legyen kecses modora, mindenben tartsa be a "mértéket", ismerkedjen meg a művészettel és tisztelje a gyönyörű hölgyeket, vagyis legyen az udvari tisztelet példája, az úgynevezett courtoisia.

A lovagi költészet ragyogó oldala a francia provence-i trubadúrok ("írók") munkája volt, a gyönyörű hölgy kultusza ugyanarra a helyre került, mint a madonna kultusza a vallásos költészethez. A trubadúrok szeretete egyfajta lázadás volt az emberek közötti merev osztálygátak ellen. A provence-i költészet tiszteletet adott az örökké élő természet szépsége iránt is; Dante, Petrarch és a reneszánsz más költői a provence-i költészet legjobb példáin tanultak, mert a trubadúrok vezették be a rímet széles irodalmi használatba. Németországban a középkori lovagi költészetet minnesangnak, költőit minnesingernek hívták. A Tannhäuser című operában Richard Wagner a XIX. fenséges emlékmű, és a Der Ring des Nibelungen című operatetralógiában is tisztelgett a nemzeti eposz előtt; Wagner a "Nürnbergi Meistersingers" című operát a városi, polgári céh szobrászművészetének szentelte; mint ő, a 19. század számos európai romantikusa. nemzeti középkori képek ihlették.

Az "új európai" irodalmi alkotás általában műfajilag sokszínű. A nemzeti hősies eposzon és udvari szövegeken kívül voltak lovagi mesék és regények (Trisztán regénye), a "tanult" latin költészet, a vagantek költészete - vándor diákok, szerzetesek és más emberek, a keresztény irodalom - "magas" teológiai és "alulról jövő". szimplonok ”(a szentek élete és a túlvilág jeleneteinek„ látomásai ”), a városi irodalmat a fablio és a„ schwank ”mindennapi komikus költői műfajai, valamint a balladák és a rondó szövege képviseli.

A színházat az egyház betiltotta. Az egyházi és népi előadások csak egy szakaszon tudhatók be a színházi művészetnek. Az egyházi "színházi" műfajok közé tartoznak a liturgikus drámák (színházi elemekkel ellátott énekek), csodák (csodák a szentek életéből), misztériumok - szentségek, igazak és igazságtalanok bemutatása, az erkölcs a sikerek és erények harcáról. Vándorszínészek különféle népszínházai is működtek.

A városi gótikus kultúra fejlődésével a gótikus székesegyház minden társadalmi élet középpontjába került. A "maniera gothic" - "gótikus stílus" kifejezés (a germán törzs nevéből származik) szintén a reneszánszból származott, mint a középkor nyers, barbár művészetének elítélése. Az idő múlásával a kifejezés tartalma megváltozott. A nyugat-európai középkor utolsó szakaszát gótikusnak kezdték nevezni.

A gótikus művészetben a középkori emberiség "öntudatlan vallomása" hatalmas, lenyűgöző erővel fejeződik ki. A középkor pedig „fenségesnek tűnik, mint egy hatalmas gótikus templom, sötét, komor, mint a boltozatai, amelyeket egymást metszenek, tarkaak, mint a sokszínű ablakai és rengeteg díszítő dekoráció, fenséges, impulzusokkal teli, mint oszlopai az ég felé repülve és a felhőkben pislákoló templom ”(Gogol).

A gótikus mesterek a támogatási rendszer fejlesztésével forradalmasították az építészetet. A hatalmas román fal eltűnt, az épületet keretre, felfelé kinőtt kőbordás keretre redukálták. A gótika fejleszti a keresztény templom bazilikus típusát. Az egyik hajót a másiktól elválasztó árkádok átmeneti jellege hangsúlyozza a belső tér egyes részeinek nyitottságát és összekapcsolódását, és a nagy áttört ablakok - boltíves és kerek ("gótikus rózsa") színes üveggel - ólomüveg ablakok - könnyűvé, illuzórikussá és könnyen átjárhatóvá teszik a belső tér közötti akadályt a katedrális és a külvilág. A tér elsöprő ereje és rendkívüli nyitottsága, a kőszerkezet nagyszerűsége és dinamizmusa, az ólomüveg ablakokon átáradó színes színes fény - mindez egyetlen monumentális művészi képpé olvad össze.

A gótikus székesegyház magában foglalja egy középkori város teljes világát, enciklopédiává válva. A gótikus stílus temperamentumos és drámai, akárcsak egy középkori város elfoglalt élete. Franciaország a gótika hazája lett, valamivel később elterjedt Németországban (kölni székesegyház, "tégla gótika"), Angliában (a londoni Westminster apátság), Csehországban (Szent Vitus-székesegyház) és a katolikus világ más országaiban.

Franciaország leghíresebb katedrálisait a Notre Dame-i Miasszonyunknak szentelik Amiensben, Chartres-ban, Rouen-ben, és természetesen Reimsben és Párizsban. Ezek „hatalmas kőszimfóniák” (V. Hugo), komplex szobrászati \u200b\u200bdíszítéssel, ahol az építészet minden elemét „humanizálják”, különféle élőlények lakják, a gótikus szobrok pedig az ihletett extázis kifejezésével lepik meg, amely átalakítja és nemesíti a kimerült testeket. A gótikus művészetben a harmadik birtok álmaival és szenvedéseivel, kétségbeesésével és reményeivel fejezte ki magát.

A művészetek templomi szintézisében, Isten világképének megalkotásában a zene tette a végső pontot. Az egyházi zene fejlődése az egyrészes, latin nyelvű imádkozásokon alapult - a gregorián ének (énekek gyűjteményét I. Gergely pápa kezdeményezésére hozták létre). A IX. Századtól. a Bizáncból Európába érkezett orgona elismerést kapott. Később a gregorián dallamdallamok alapján megjelent a motívumok polifonikus zenéje és a katolikus mise. A gregorián ének magasztos képeit a 18. század ihlette. a nagy I.-S. Bach.

A középkori művészeti kultúra összetett, drámai módon fejlődő és egyben bezárt az osztályhierarchián és a „geocentrikus modell” világképen belül. Az emberről szóló, a művészettörténet által létrehozott nagy könyv egyik legdrámaibb oldala a középkorhoz tartozik.

10. India, Kína és Japán művészi kultúrája

India, Kína és Japán művészete a keleti népek művészeti kultúrájához tartozik. Egyesíti őket a történelmi fejlődés útjainak hasonlósága, valamint a buddhizmus terjedése ezekben az országokban, amelyek befolyásolták az új művészet megjelenését az ókor és a középkor fordulóján. Ezt a művészetet megkülönböztette a valóság terjedésének szélessége, az ember és a természet mély rokonságának tudata és nagy érzelmi intenzitás. Az indiai szobor, a kínai tájfestés, a japán kolostorok és kert csak néhány híres példa.

Az ókortól kezdve India művészetét hatalmas fantázia, az Univerzumról alkotott elképzelések nagyságrendje táplálja. A művészi kifejezés eszközei sokszínűségükben és színükben feltűnőek, emlékeztetve India virágzó természetére. Az élet egységének gondolata minden megnyilvánulásában áthatja a filozófiai tanításokat, az esztétikát és a művészetet. Ezért a szintézis szerepe az indiai művészetben olyan nagy - építészet és szobrászat, építészet és festészet, valamint költészet, festészet és zene. A Rámájana és Mahábhárata ősi eposzainak témáin alapuló híres színházi előadások a vizuális művészetek által megragadott klasszikus pózok és gesztusok forrásává váltak, melyeket kifejezés és bátorság különböztet meg. A világ legnagyobb félszigetének (Hindustan) számos törzse vett részt az indiai művészet kialakításában.

A II. Közepétől az I. évezred közepéig tartó időszak. e. főleg a brahmanizmus filozófiájának és az ősi szanszkrit nyelvű irodalom virágzásához kötődik. Azonban jóval korunk előtt, amikor Egyiptom, Mezopotámia, Irán és Kína civilizációi formálódtak, Indiában megjelentek a kézművesség, a tudományok és a művészetek. A nyelvtan, a matematika és az orvostudomány nagymértékben fejlődött. Az indiánok világszerte dicsőítették "Bharat országát", megtanítva az emberiségnek a digitális rendszert és a sakkjátékot, a legfinomabb színes szövetek és a damasztacél gyártását,

A formák kivételes változatossága, a visszafordíthatatlan találmány, a népi hagyományok optimista ereje és kitartása a kultusz, a kanonikus korlátozások ellenére a legcsodálatosabbak az indiánok művészi alkotásában. Nem meglepő, hogy India számos utazót vonzott. Még a 15. században. Tver kupin Afanasy Nikitin előadta a "Séta a három tengeren" című előadást. A 18. században. Gerasim Lebedev színházat hozott létre Kalkuttában. És a XIX. az indiai képeket A.D. vásznain rögzítették. Saltykov, VB Vereshchagin (kb. 150 festmény), IK Roerich. A Roerichok (apa és fia) kreativitása az orosz-indiai kulturális kapcsolatok külön oldala.

A 2. évezred közepén a virágzó indusi civilizáció elpusztult a nomád törzsek - az árják - támadásában. Csak a kényelmes városok, Mohenjo-Daro és Harappa romjai maradtak fenn, valamint a fejlett művészet és a kézművesség, valamint a kis plasztikai művészetek számos tárgya. A megérkezett árják az ősi "Védák" ("Tudás") megalkotóinak számítanak, himnuszaik és imáik az istenségekhez, sokféle információ az árják életéről és életéről, a társadalom négy kasztosztályra (varnákra) való felosztásáról: papok - brahmanok, harcosok - a kshatriyák, gazdák, kézművesek és kereskedők - a vaisyavák és az alsó varna - a szudrák, akik a rabszolgákkal együtt az első háromnak voltak alárendelve.

A hatalmas rabszolgatartó államok kialakulása során (Kr. E. IV – IV. Század) epikus irodalom jelent meg - a szanszkrit „Ramayana” és „Mahabharata” nagy versei (nyolcszor meghaladva az ókori görög eposzt), amelyek a legendákat közvetítették a bátor és bátor hősök, az új hatalmas dinasztiák küzdelméről és megerősítéséről.

A jó diadalának gondolata a gonosz felett az ősi indiai eposz alapja, átjárja Sunda és Upasunda testvérek történetét, akik úgy döntöttek, hogy megértik az univerzum titkait, egy verses legendát Naláról és a gyönyörű Damayanti-ról. Általában a "Mahábhárata" 18 könyvének cselekménye két királyi család makacs küzdelméről szól a hatalomért. Nemes képek jönnek létre a Rámájanában is. Ráma herceg félelmetlensége és vitézsége, testvére, Lakshman odaadása, Szita hűséges szeretete, aki Rámával osztotta az erdőben a száműzetést, és Ravana démonúr ravaszsága régóta közmondásos. Néhány goroi verset ma is istenekként tisztelnek, és ünnepeken a "Rámájana" jeleneteit játsszák a tereken. Az indiánok "bölcsesség és szépség óceánjának" nevezik eposzukat.

A. Macedonian csapatai kiűzése után a Maurya-dinasztia került hatalomra. Ashoka király, miután Indiát hatalmas birodalommá egyesítette, megkezdte a buddhista kultuszépületek grandiózus kőépítését. Kr. E. 261-ben Ashoka alatt hivatalosan is átvették a buddhista vallást. e.

A buddhizmus (eredetileg nem vallás, hanem etikai tanítás) a legenda szerint a 6. században jött létre. időszámításunk előtt e. a Shakiev klánból származó fejedelem, Sidhartha Gautama néven, később Buddhának ("megvilágosodott"). Buddha az emberi önfejlesztés, a gonosszal szembeni ellenállás, a világi kísértésekről való lemondás gondolatát hirdette. Buddha kölcsönadta a reinkarnáció fogalmát a Brahman vallástól, de azt tanította, hogy a legmagasabb béke - a nirvána - állapotát mindenki elérheti, még egy erőtlen szudra is, és nem csak a legmagasabb kaszt.

A buddhizmus vallási és etikai elveit tükrözik a buddhista irodalom (kánoni legendák, vallási és filozófiai értekezések). A jatakákban - Buddha reinkarnációiról szóló legendákban - sok folklór és mindennapi anyag található. A belőlük származó parcellákat szobrászok és festők gyakran használták vallási épületek díszítésére.

A leggyakoribb: ereklyetartók - sztúpák, gaoloii - stambhi, barlangi templomok - chaitya, kolostorok - vihara.

A sztúpa buddhista kultuszemlék: halmozott földgömb, téglával vagy kővel szembesülve, alacsony dobon állva, a felső részében kamra található Buddha ereklyéinek - fog, göndör, csont - és vallási könyvek tárolására; a sztúpa tetején - korongokkal-napernyőkkel ellátott rúd, amely a megismerés szakaszait szimbolizálja a nirvána felé vezető úton; a kerítés és a kapuk (4) kőbe építették a védikus korszak fából készült kerítéseit és kapuit. Klasszikus példa a sanchi sztúpa (rúdmagasság - 23,6 m, alapátmérő - 36,6 m). A kerítést és a kaput gazdagon díszítik domborművek és kerek szobrok, amelyek Jatakas alapján készültek, nagy igazságérzettel és szeretettel a természet iránt. A sztúpa faragott kapui Sanchiban "megismertetnek minket az ősi indiai művészet világával".

Stambhi - kőből álló emlékoszlopok, Ashoka alatt, a buddhizmus történelmi helyszínein. Mindössze 10, 15 m magas és 250 tonnát meghaladó oszlop maradt fenn. A cár vallási és etikai tartalmú rendeleteit általában az oszlopra vésték. A leghíresebb a Sarnathban (Kr. E. 3. század közepe) található oroszlánfõváros. Mintha összeolvadt hát, négy oroszlán. A főváros abakáját a négy sarkalatos pont szimbóluma díszíti - elefánt, oroszlán, ló és bika domborművei, köztük a "törvény kereke" (csakra) - Buddha tanításának szimbóluma. Az "Oroszlánfőváros" jelenleg az Indiai Köztársaság állami emblémája.

A legenda szerint Buddha arra buzdította tanítványait, hogy távolodjanak el a hiú világtól. Az Ashoka alatt álló első templomok és kolostorok megalapozták a monolit sziklaépítészetet, amely a II. Századtól létezett. időszámításunk előtt e. a 7. századig HIRDETÉS

A korai időszak egyik legpompásabb szerkezete - a karli chaitya, 37,8 m hosszú és 13,7 m magas. Belül, hasonlóan a többi templomhoz, két oszlopsor osztja három hosszanti tengerbe. Monolit kőből készült sztúpa kerül a középhajó félköríves végébe. A szétszórt lágy fényáram elvész egy hatalmas barlang félhomályában, amelyet illatos tömjén kékes füstje tölt meg. A leghíresebb az Ajanta-barlangkomplexum, amelyet később, az indiai középkor hajnalán, a Gupta-korszakban hoztak létre. Mint egy hatalmas füzér, 29 barlangi templom és kolostor van faragva a Vaghora folyó meredek partján, Ajanta szervesen ötvözi az építészetet, a szobrászatot és a festészetet,

A buddhizmus korai struktúráiban nem voltak szobrászati \u200b\u200bképek a törvénytanárról. Korszakunk kezdetére Indiát már szorosan összekapcsolta a kereskedelem a Római Birodalommal. A kulturális értékek cseréje hozzájárult egy új "görög-buddhista" művészet kialakulásához. Az uralkodók istenítésének római szokása a királyok és egyes istenségek szobrászatban való ábrázolásához vezetett a római császárok vagy a phidiusi Zeusz pózában. Gandhara művészetében az ókori és az indiai szintézis zajlott a "nagy tanító" és a bodhiszattvák képében, akik elérték a tökéletességet, de önként maradnak az emberek között, hogy oktassák őket az Úton. A szobrászati \u200b\u200bkánonok fokozatosan formálódnak. Ez különösen a Buddha képein figyelhető meg (például a hosszú fülek a 32 benne rejlő 32 tulajdonság egyike). A kánonok korlátozó keretei ellenére azonban ismeretlen mesterek az individualizációra, a kreatív eredetiségre törekedtek.

A III-V. Századok időszaka, amikor a Gupta-dinasztiának sikerült egyesítenie az országot, India gazdasági és kulturális életének virágzása. Ez egy csodálatos előzmény a középkorhoz, az indiai művészet "aranykorához". Ez a szanszkrit költészet és dráma klasszikus korszaka, az előadóművészet elválaszthatatlanul kapcsolódik a zenéhez, az énekléshez és a tánchoz.

Az 5. század legnagyobb költője és drámaírója, a "Felhő hírnöke" című lírai költeményt és az "Elismert Shakuntala" című drámát remekműveknek ismerik el. Kalidasa. A dráma a fiatal remete Shakuntala és Dushyanta király szerelmi megpróbáltatásairól mesél. Fia, Bharata nevéből India ősi neve - "Bharat országa" származik. Kalidasa költészete még mindig életet adó forrás sok indiai és más országbeli költő számára. A kiterjedt templomépítésből kevés maradt fenn. A nagy megvilágosodott temploma ”(Mahabothi), amelyet a 2. – 3. Században építettek, ahol a legenda szerint Buddha egy szent fa alatt ült a megvilágosodás éjszakáján, egy 55 m magas, szoborral díszített monumentális torony: a templom célja változik, ez már nem gyűjtőhely imádók, és az istenség lakhelye szobrával együtt.

A Gultsok korában az Ajanta barlangtemplomok híres falfestményei készültek, amelyeket meleg, okker tónusú tempera festékekkel felvittek egy gipszrétegre. Előttünk tárul fel a mindennapi élet színes világa, a mitológia és a történelem, India természete, gyakran a kedvenc buddhista jatakákból készülnek cselekmények. Az Ajanta-festmények remekei között szerepel Buddha herceg festői portréja - "Bodhiszattva lótusszal" és "A haldokló hercegnő". Ajanta női képei különösen költői, mintha visszhangoznának Kalidasa költő hősnőinek képeivel. Az Ajanta világméretű és művészi értékű műemlék, „ezek olyan barlangok, ahol az élet fáklyája még mindig ég az éjszaka mély sötétjében”; "Ajanta festményei ugyanolyan fontosak voltak Ázsia művészettörténete szempontjából, mint az olasz freskók Európának" (M. Sngh). A középkori művészet Indiában összetett, ellentmondásos és több műfajú. A VII-VIII. A brahmanizmus ismét előrehaladott, amelyet új, módosított formában hinduizmusnak kezdtek nevezni. A fő istenségek a szentháromság voltak - "Trimurti": Brahma - a világ teremtője, Visnu - őrzője, Shiva - a romboló egy új létrehozásának jegyében; Visnu különböző megtestesülései - Krisna, Ráma, Buddha; Siva feleségének, Parvati-nek a kultusza terjedt el; Ganesha-t széles körben tisztelték egy gyermek testével és egy elefánt fejével - kereskedők, hallgatók, szerzők stb.

A hinduizmus legnagyobb vallási épülete a Kailisanatha (VIII. Század) sivaista temploma, amelyet eredeti módon hoztak létre: "P" betű alakú vizesárkot faragtak a hegy lejtőjébe, egy belső monolitikus hegytől, és a templom épületét fentről lefelé "faragták" (61 m hosszú, 30 m magasság). A felület tele van istenek, fantasztikus lények és állatok szobraival. "A barlangban olyan tömegű kép található, hogy az indiai mitológia könyveként tisztelhetjük", de ebben a bőségben érezhető némi torlódás, a formák szorongása.

A XI-XII. használatban vannak az "új indián" nyelvek - hindi, urdu, bengáli, marathi. Az ókori szanszkrit továbbra is nagyrészt a tudomány nyelve, mint az európai középkor latinja. Ekkor új típusú torony templomok jelentek meg - a sikhara, amely egy dinnye gyümölcsének formájú volt. A fantasztikus kilátás ellenére a templom szigorú kánonok szerint épült. Ilyen Khad-zhuraho fenséges temploma, amely egy monolit emelvényre emelkedik. A papi brahmanista esztétika hatása alatt a szobrászat fokozatosan eltér az élet közvetlen megfigyelésétől, egyre kanonikusabbá és elvontabbá válik, szimbolikusan kifejezi a hinduizmus gondolatait.

Mivel a XIII. a szétszórt indiai fejedelemségeket olyan muszlimok támadják meg, akik magukkal hozták az iszlámot és esztétikáját, akik szinte a 19. század elejéig aktívan befolyásolták India művészetét. Új formák jelentek meg az építészetben - mecset, minaret, mauzóleum. Később kialakult India középkori építészete, szintetizálva a helyi és az importáltakat, a két stílus egybe olvadt, "indo-muszlim".

Hogy ez mennyire volt lehetséges, megítélhető a híres Taj Mahal-sír (1632-1650) között, amelyet méltán hívnak az indiai építészet gyöngyszemének, „márványos versnek”, „a Mughal-korszak építészetének hattyúdalának. A mauzóleum kupolája, ahogy az indiánok mondják, úgy néz ki, mint "egy levegős trónról pihenő felhő".

A mauzóleumot Shah Jahan császár parancsára hozták létre szeretett felesége, Mumtaz Mahal emlékére, a legjobb keleti építészek.

A középkorban a miniatűr könyvművészet virágzik, iráni mintákkal gazdagítva. A mogolyeki iskola egyik műemlékét - "Baburname" (16. század), Babur szultán élettörténetét a moszkvai Állami Keleti Művészeti Múzeum őrzi.

India művészi mestersége az egyik legrégebbi a világon. Az ókortól napjainkig ez az ország híres a pamutból és gyapjúból való szövésről (az ókori Babilonban nagyra értékelték), az elefántcsont és fa faragásával, a fémfeldolgozással (hajszolás, faragás, filigrán, inlay), ékszerekkel és lakkárukkal.

Angol gyarmatosítás a 18. század végén. Megállt a nemzeti monumentális építészet és szobrászat fejlesztése, azonban a helyi művészeti mesterségek megmaradtak. A nemzeti hagyományokat fejlesztő festőállvány-festészet és szobrászat csak a nemzeti felszabadító mozgalom 20. század eleji fellendülésével tudott újjáéledni.

India művészeti kultúrája hatalmas hatással volt Délkelet- és Közép-Ázsia országaira.

Kína művészeti kultúrája mintegy öt évezreden át fejlődik. Ez idő alatt nagyon sok műalkotás készült. A kínai kultúra nagysága abban nyilvánult meg, hogy a történelmi felfordulások ellenére továbbra is fennáll, erős nemzeti hagyományokra támaszkodva. Éppen ellenkezőleg, Kína hódítói elvesztették anyanyelvüket és írásukat, teljesen kulturális hatása alá kerültek. Az ősi műemlékek bősége és a középkori kultúra virágkora a hatalmas veszteségek ellenére valóban nagyszerű. Most pedig a Kínába érkezőket megdöbbenti az ősi kultúra, amely könnyen illeszkedik a modernitásba és gondosan megőrződik.

Kr. E. II. Évezredben. e. az első államalakulatokkal együtt a városok megfelelő elrendezéssel jelentek meg, a középkorban és később, napjainkig is megőrződtek. Megjelent a hieroglif írás, amely végül a kalligráfia grafikája lett, amely finom művészi szintézisbe lépett a kínai festészettel. Ekkor alakult ki a hagyományos mitológiai szimbolika és a természet és az emberi élet képeinek művészi párhuzamossága, amelyek meghatározták a kínai művészet költői vonásait és tanulmányozást igénylő művészi nyelvét.

A 2. évezred ókori kínai bronz teljes művészeti világ. Az "állati stílusú" bronz rituális edényeket, amelyeket agyagformákban olvasztottak meg, és amelyek súlya elérte a 600 kg-ot is, olyan körültekintéssel és a díszítés virtuozitásával dolgozták fel, hogy gyártásuk készsége még mindig csodálatos, mint egyfajta rejtély.

Az 1. évezredben a kínaiak létrehoztak egy luniszoláris naptárat és a világ első csillagkatalógusát. Megjelennek a legkorábbi filozófiai tanok - konfucianizmus és taoizmus. Konfuciusz etikai tanításai az ősi hagyományok, ősök, családok kultusza révén konzervativizmust és tradicionalizmust ültettek a kultúrába, míg a taoizmus a "Tao" - egy olyan út követését hirdette - amely a természet lényegét tükrözi: az erők változékonysága és állandó mozgása fokozatosan ellentétükbe fordul. A taoizmus befolyásolta a kínai művészet természetkultuszát, minden emberi cselekedetet korrelált a természeti jelenségekkel, a természetet választotta az emberi viselkedés példájává. „A legmagasabb erény olyan, mint a víz. A víz minden lény számára előnyös, és nem harcol ”- egyike azon sok mondásnak, amelyet a taoizmus legendás alapítójának, Lao Tzu-nak tulajdonítanak.

A kínai festészet megjelenését megelőzte a szobrászati \u200b\u200bdomborművek fejlett művészete, amelyek közül sok megtalálható a Han Birodalom kínai nemességének ősi temetkezésében, sok tudós éppen a Han-domborművekből követi nyomon a kínai festészet eredetét frízösszetételükkel és a sík sziluettek ritmikus viszonyainak gazdagságával. A középkorban (Kr. U. III. És IV. Század) Kína kitartó hagyományokkal lépett be a kulturális élet különböző területein.

A nomád törzsek inváziója utáni újjáéledést, az állam feudális alapon történő megerősödését és egyesítését az Indiából származó új ideológia - a buddhizmus - is elősegítette. A korai kínai középkor Kína és a szomszédos országok és kultúrák közötti aktív kapcsolatok, valamint a művészi törekvések ideje. A buddhizmus hatására monumentális építészet, sziklakolostorok, templomok és pagodák szobra és festménye keletkezett. Az ókori és az új ötvözésével a kínaiak ünnepélyes és rendkívül dekoratív művészeti stílust hoznak létre, amely tükrözi a középkori kultúra vidám filozófiai szellemét. Mint a festő, a kínai építész is költő és gondolkodó volt, fenséges és fokozott természetérzéke volt. Kína építészetének szokatlanul költői benyomásának titka ügyes elrendezésében rejlik, nem elszigetelten, hanem a természet tág terében, így az erdők és a távoli hegycsúcsok egy hatalmas grandiózus komplexum részének látszanak.

Az ősi kínai nagy fal (amelyet Kr. E. III. Században építettek), a világ építészetének egyik legpompásabb műemléke a kínai építészek építészeti terveinek szélességéről tanúskodik; évszázados befejezés után a fal meghaladta a 3000 km-t. Az észak-kínai hegyek zord tája összhangban van e stratégiai struktúra kemény egyszerűségével, amely Kínát védte északról.

A barlangtemplomok mellett, amelyeket az évszázadok során a középkori szobrászat és falfestés egyfajta múzeumaként építettek, elterjednek a szentek és zarándokok tiszteletére szolgáló buddhista emlékművek - pagodák.

Eleinte felidézve az indiai toronyszerű szerkezeteket, a 7. VIII. A kínai pagodákat egyértelmű többszintű tagolások és nyugodt fenség jellemzi, míg Délkelet-Ázsia toronyszerkezeteit a kő műanyag formák duzzanata jellemzi, keleten pedig - a muszlim minaretek kőtűinek végtelen törekvése felfelé. A Tang birodalom leghíresebb pagodája a 60 m magas Dayantha (Nagy Vadliba Pagoda), amely 7 egyenletesen elvékonyodó, egyenlő szintből áll felfelé. A magasztos szellemi impulzus és intelligencia egyesült e szerkezet nemes egyszerűségében és egyértelműségében.

A 15. század óta, a mongolok kiűzése után, Peking a kínai Pekingben (Északi Főváros), amely több mint háromezer éve létezik, Kína fővárosává válik. Tervét, a paloták, kertek és templomok grandiózus együtteseit ősi minták és építési előírások szerint hozták létre. A város a feng shui geomantic szabályainak megfelelően helyezkedik el - ez egy régi rendszer, amely a földön lévő épületeket orientálja, a szélrózsa, az áramló vizek és a környező hegyláncok függvényében. Az autópályák és az utcák szigorúan szimmetrikus elrendezését hatékonyan egészítik ki a töltésdombokon található árnyas kertek és parkok, a mesterséges tavak felszíne, amelyek szabadon és festői nyúlnak. A város központjában áll a császári palota - a "Tiltott Város" - az építészeti és kert-park szerkezetek mesés labirintusa. A palota főépülete - Taihe-dian - A legmagasabb harmóniájú pavilon, mint minden palota fa pavilonja, ötvözi a tervezés egyszerűségét és következetességét a festői dekoráció eleganciájával. A 15. század óta. a várost a Menny Templomának fenséges együttese is díszíti, amely az ég és a föld tiszteletének legősibb rituáléihoz kapcsolódik, mint az aratás adományozóitól. A főépület - az éves szüret imaháza - hármas vastag kék cserépes, üvegezett kúpos tetővel, piros oszlopokkal és magas fehér kör alakú terasszal, márvány rámpákkal, az egész együttes fölé magasodik, mint egy értékes lapis lazuliból készült fénylő hegycsúcs.

Századi kínai építészetre jellemző területi terjedelem. és ami évezredek tapasztalatainak eredménye, a Peking melletti Ming-dinasztia óriási nekropoliszában érezhető. Az ösvény egy ötnyílású márványíven keresztül halad - az út kezdete, majd - egy 800 méteres sikátoron, a Szellemek útján, amelyet állatok és harcosok alakjai őrznek - a nekropolis őrei. Temetések (kapuk, templomok, sírok és földalatti paloták mindegyikben), mint a zöld oázisok hegyvonulatok; a magány, a béke és a nyugalom helyei.

A festést mint művészeti formát Kínában az ókortól kezdve nagyon tisztelték. Megőrződtek a festészetnek szentelt versek és értekezések, festmények leírása és összefoglaló történetek a festészet mestereiről, mind világi, mind kultikus témákról, amelyek korábban elválaszthatatlanul összekapcsolódtak. A vallási festmény a buddhista templomok, világi selyem tekercsek és a paloták falát díszíti. A kínai festészet elválaszthatatlanul kapcsolódik a költészethez. A festők többsége költő volt (a kínai középkor idején egy művelt embernek költőnek, zenésznek, festőnek és gyakran filozófusnak kellett lennie). A festmény és a felirat kombinációja szokatlan az európai felfogás szempontjából, a festmény pedig teljesen keret nélküli, speciális dobozokban tekercs formájában tárolva, és ritkán vethető be vizsgálatra. Nyilvánvalóan az új korszak fordulóján kidolgozták a képi tekercsek ilyen formáját, amelyeknek két típusa van. A függőleges tekercsek általában nem haladják meg a 3 métert, míg a vízszintes tekercsek (panoráma, szemléltető történet: vagy tájak, vagy a városi élet jelenetei) elérik a 10 métert.

A kínai tájműfaj a világ művészetének egyik legnagyobb eredménye. A kínai művész a tájat egy hatalmas és tágas világ részeként, grandiózus térként érzékeli, ahol az emberi személyiség feloldódik a nagy, érthetetlen és elnyelő tér szemlélődésében. A kínai festő két szempontból ábrázolja a természetet. Az egyik - hegyek és vizek tájai - "shanshui", egyfajta klasszikus kínai táj hosszú tekercseken, ahol nem a részletek fontosak, hanem a világ nagyságának és harmóniájának általános filozófiai és költői érzéke. A másik inkább a "virágok és madarak" műfaja, amikor kis tekercseken és albumlapokon, rajongókon és képernyőkön virágot, madarat egy ágon, majmot kölyökkel vagy szitakötőt ábrázoltak a lótuszvirág felett. A kép végtelenül közel áll a nézőhöz, és ugyanakkor egyetlen és integrált természetképbe van írva.

Számos költői értekezés foglalkozik a táj művészetével. A "A festő tudományának titkos kinyilatkoztatása" című részben ezt mondják: "Néha a képen csak egy láb (hosszú) táj képe fest százezer mérföldet." Itt a tér perspektivikus felépítésének jellemzőiről beszélünk függőleges tekercseken. A kép szerzője mintegy "madártávlatból" szemléli a földet, ami rendkívüli magasságra készteti a horizontot - több tájterv is magasan emelkedik a másik felett, a legtávolabbi tárgyak bizonyulnak a legmagasabbnak. A tájterveket víz vagy ködös köd választja el egymástól; közöttük légrés végtelennek tűnő távolságra választja el az előteret és a hátteret. A világ nagyságának benyomásának fokozása érdekében a festő folyamatosan szembeállítja a kis formákat a nagyokkal (a fák hatalmasnak tűnnek a lábukon lévő apró emberalakok mellett).

Az elfogadhatóság benyomását a legkisebb részletekig átgondolt kifejező vonal adja, amely képet alkot egy tárgyról, annak alakjáról és térfogatáról. Az ókortól kezdve a kínai mesterek kombinálták a lineáris technikákat a legfinomabb képi árnyalatokkal, ötvözve a grafikát és a festést. A kínai festészet a képzeletet ébresztő célzás művészete, a részletek művészete a világ filozófiai képévé tárul elénk, ez egy mélyen költői művészet, amely a természet és az ember szellemiségét idézi elő.

A kínai nép gazdag fantáziájával, amelyet több ezer éves szép művészi ízlés táplál, nagyszerű és csodálatos hagyományokat teremtett az iparművészetben. Elég, ha megemlítem a kínai művészeti porcelánt, amely régóta pénznemként működik, Kína monopóliuma és titka.

Mivel a nyugati világ sokáig szinte nem ismerte a kínai klasszikus költészetet, mivel nem tudta behatolni a hieroglif írás titkait. Az elmúlt két évezred kínai költőinek tiszta inspirációs forrása a legrégebbi klasszikus "Shijing" - "dalok könyve", amely lírai népdalokat és rituális himnuszokat tartalmaz a 12.-7. időszámításunk előtt e.

A 17. század óta. A kínai művészeti termékek behatolnak Európába, a porcelán és a selyem aranyat ér. A kínai művészet hatása észrevehető a rokokó stílusban és a 19. századi vidéki parképítészetben, amely csak felszínes stilizálás volt. Mélyebb összefüggések a kínai művészet és a szimbolista költészet európai romantikus hagyománya között a 19. és 20. század fordulóján. A szimbolista költők megjegyezték, hogy a régi kínai festmény "elmozdul a valóságtól az ébresztő álmok felé", a kínai művészek képesek "tárgyakat elvarázsolni", érzések, tapasztalatok, emlékek segítségével ábrázolni őket.

A japán művészet a művészet önálló történelmi típusa. Eredete az évszázadok során elveszett. Sokáig semmit sem tudtak az ókori Japán művészetéről. Csak a XX. Század elején. felfedezték a Kr. e. II-I. évezred emlékműveit. e. Az ősi kultúra hosszú időszaka a Kr. E. 4. évezredtől. e. szinte az új korszak kezdete előtt a legrégebbi kerámiák készítésének módszeréből Jomonnak ("kötélnyom") hívják. A rituális edények az ősi ember számára értékes tudásgyűjteményt jelentettek a világról, annak elemeiről, az ember és az Univerzum közötti varázslatos kapcsolatról. A kutatók szerint a mezőgazdaság kezdete, hogy a termékenységi istenek agyagfigurái - dogu - tartoznak.

Úgy gondolják, hogy Japán a feudális középkor korszakában (a 6-8. Század és a 19. század közepe között) járult hozzá a világkultúrához a legjelentősebb mértékben, miután Korea és különösen Kína erős kulturális befolyást tapasztalt. A kínai művészet minden fő jellemzőjét kidolgozták, ugyanakkor a nemzeti művészi stílus kialakítása a hatások legyőzéséből és a Kínából kölcsönzött egyes művészeti típusok magas fokú tökéletességbe hozatalából állt. A japán kultúra sajátossága a demokrácia. Különös jelentőséget tulajdonítottak a társadalom különböző rétegeinek lakóinak belső díszítésének.

A hosszú középkor minden időszakában kiemelkedő műalkotások születtek. A VII-VIII. - ezek buddhista kolostorok építészeti és szobrászati \u200b\u200begyüttesei.

Az ókori törvény szerint a templomokat 20 évig építették, majd ugyanazon terv szerint elpusztították és újakat építettek. A legősibb sintó templomokat („sintoizmus” - „az istenek útja”, a legrégebbi nemzeti politeista vallás) értékes fafajokból építették. A buddhizmus, amely a VI. államvallássá válik, előre meghatározta az építészet grandiózus terjedelmét. Híres a Horyuji templom, az arany templom Nara ősi fővárosa közelében és a világ legnagyobb faépülete - „Todaiji templom. A "nagy keleti templom", a fő állami szentély, benne egy hatalmas bronz Buddha-szobor. A buddhista templomkomplexumok az első városi települések prototípusává váltak.

A IX-XII. Megjelenik és virágzik a japán világi festészet - a yamato-e. Selyemre és papírra, élénk színekkel, arany és ezüst hozzáadásával a művészek tájakat, udvari jeleneteket festettek, néha kortársaik híres regényeit illusztrálták. Az asztalon vízszintes tekercs - zkimono - képeket vizsgáltak, függőlegesek - kakimono - díszítették az elülső szobák falát. A Yamato-e ("japán festmény") festmények ünnepi ékszer benyomását hagyják maguk után.

Az ősi középkor korában eredeti tájépítészeti alkotások születtek - a híres japán kertek. A leghíresebbek a „mohakert” és a buddhista „sziklakert” Kiotóban (16. század). A buddhizmus és az ősi vallás sajátos kombinációja hozzájárult a hagyományos japán esztétika - természetes, természetes formák - kialakulásához. A cél a legjobb körülmények megteremtése a természettel való társulások szemlélésére és megtapasztalására. A fákat úgy növelték, hogy ellentétben álljanak a lombok alakjával és színével anélkül, hogy eltakarnák az éjszaka kijött holdat. A pálmafának az ablak közelében kellett lennie, hogy az eső alatt hallgassa a "cseppek zenéjét", és a kert mélyén lévő vízesésnél a köveket letették, hogy a víz hangja messziről hallható legyen. Ezekben a kertekben, amelyek palotákat és pavilonokat vettek körül, kunyhókat építettek a költészetről és a művészetről szóló beszélgetésekre, valamint a híres tea-szertartások - tyanoyu - megtartására. Az egyik leghíresebb ilyen pavilon a kiotói Arany pavilon (15. század).

A XVII-XVIII. csodálatos alkotások születtek a paloták ernyőin és falain található díszítő festmények terén. A tekercsekre festve kialakult vonalak kifogástalan pontossága a képernyők festésében az egyes sziluettek kifejezõdésének garanciája, a színfoltok szigorú ritmikus rendezése lett; az itt tekercsek gyönyörű dekorativitása elnyerte a monumentalitás vonásait.

A középkor utolsó szakaszát a fametszetek - fametszetek - virágzása jellemezte, amelyek színházi plakátként, könyvillusztrációként, üdvözlőkártyaként és csak a mindennapok díszeként szolgáltak. A kreativitás kollektív jellege, valamint az egyes vonások kivitelezésének virtuozitása, az általános kompozíció és a hangzatos színtartomány a metszetet a festészethez (yamato-e) és a dekoratív művészethez hasonlóvá teszi. Kitagawa Utamarót ("Hat híres szépség") és Katsushika Hokusait ("Utazás a különböző tartományok vízesésein") elismerték a metszet mestereiként.

A japán esztétika azt mondja: "Minden felesleges csúnya." Ezért a japán belső térben, az európaival ellentétben, van egy minimális tárgy: ha egy váza minden bizonnyal egy, akkor az ikebana stílusú csokor egy, a képernyő egy, a kalligrafikus felirattal ellátott tekercs vagy a falon egyetlen hieroglifa is egy.

Japánra jellemző volt a NETske dekoratív művészete - csontból és fából készült figurák (kulcstartók), amelyek vagy a bölcsesség istenét, vagy levélen egy kabócát, vagy a szórakozás istennőjének maszkját ábrázolják. Általánosságban elmondható, hogy a XVII-XIX. Századi polgár. magas szintű kultúrája volt a művészeti egyezmények felfogásának, vallási és folklórszimbolikához kötődve, és a mindennapi életben festészet, művészet és kézművesség vette körül. A Kabuki színházban élvezte a színészek konvencionális színészi játékát, ő maga három sort - hokku és öt sort - tankát komponált, tudta értékelni Monzaemon és Basho költői remekművét.

A japán művészet körülbelül a 17. század óta befolyásolja Európát, amikor a japán stílusú bútorok megjelentek Angliában.

A XIX. a japán művészetről szóló lelkes cikkeket Goncourts francia testvérek írták, és hamarosan a "japánság" párizsi divat lett. A japán nyomtatványok nagy gyűjteményeit E. Zola író, E. Manet és E. Degas festők gyűjtötték össze. Az egzotikus világ visszhangjait C. Debussy impresszionista zenéje hallja. Oroszországban az első japán művészeti kiállítást a Szentpétervári Művészeti Akadémia termeiben rendezték meg 1896-ban.

India, Kína és Japán művészeti kultúrája a világ művészetében önálló jelenség, amely csak mély tanulmányozással és finom behatolással tárul fel a kelet művészeti világába.

A humanizmus, amely új korszakot jelentett az emberi társadalom fejlődésében, az úgynevezett reneszánsz nevet. akkoriban az egyházi előítéletek súlyos terhe alatt állt, minden szabad gondolatot brutálisan elfojtottak. Abban az időben Firenzében született egy filozófiai tan, amely arra késztetett minket, hogy új módon nézzük Isten teremtésének koronáját.

A reneszánsz humanizmusa egy gondolkodó embert képviselő tanítások összessége, amely képes nemcsak az áramlással együtt járni, de képes ellenállni és önállóan is cselekedni. A fő hangsúly az egyes egyének iránti érdeklődés, a lelki és fizikai képességeibe vetett hit. A reneszánsz humanizmusa hirdette a személyiségformálás egyéb alapelveit. Ebben a tanításban az embert mint alkotót mutatják be, egyéni és nem passzív gondolataiban és tetteiben.

Az új filozófiai irányzat az ősi kultúrát, művészetet és irodalmat vette alapul, az ember szellemi lényegére összpontosítva. A középkorban a tudomány és a kultúra az egyház kiváltsága volt, amely nagyon vonakodott megosztani felhalmozott tudását és eredményeit. A reneszánsz humanizmus felemelte ezt a leplet. Először Olaszországban, majd fokozatosan egész Európában megalakultak az egyetemek, amelyekben a teozófiai tudományokkal együtt világi tárgyakat kezdtek tanulni: matematikát, anatómiát, zenét és humanitárius tárgyakat.

A leghíresebb humanisták: Dante Alighieri, Giovanni Boccaccio, Francesco Petrarca, Leonardo da Vinci, Raphael Santi és Michelangelo Buanarotti. Anglia olyan óriásokat adott a világnak, mint William Shakespeare, Francis Bacon. Franciaország adományozott Spanyolországnak - Miguel de Cervantes, Németországnak pedig Albrecht Durer és Ulrich von Hutten. Mindezek a nagy tudósok, felvilágosítók, művészek örökre megfordították az emberek világnézetét és tudatát, és ésszerű, lélekben és gondolkodásban szép embert mutattak. Nekik köszönhető az összes következő generációnak a bemutatott lehetőség, hogy másképp nézzék a világot.

A reneszánsz kori humanizmus mindennek az élére tette azokat az erényeket, amelyek az ember birtokában vannak, és megmutatta fejlődésük lehetőségét egy személyben (függetlenül vagy mentorok részvételével).

Az antropocentrizmus abban különbözik a humanizmustól, hogy egy személy ennek a tendenciának megfelelően a világegyetem középpontja, és minden, ami körülötte helyezkedik el, szolgálja őt. Sok keresztény, ezzel a tanítással felfegyverkezve, az embert legfelsőbb teremtésnek hirdette, ugyanakkor a legnagyobb felelősségi terhet rá is helyezte. A reneszánsz antropocentrizmusa és humanizmusa jelentősen különbözik egymástól, ezért képesnek kell lennie egyértelműen megkülönböztetni ezeket a fogalmakat. Az antropocentrista az a személy, aki fogyasztó. Úgy véli, mindenki tartozik neki valamivel, igazolja a kizsákmányolást, és nem gondol az élő természet pusztítására. Fő elve a következő: az embernek joga van úgy élni, ahogy akar, és a világ többi része köteles őt szolgálni.

A reneszánsz antropocentrizmusát és humanizmusát később számos filozófus és tudós használta, például Descartes, Leibniz, Locke, Hobbes és mások. Ezt a két meghatározást többször vették alapul a különböző iskolákban és trendekben. A legjelentősebb természetesen az összes következő generáció számára a humanizmus volt, amely a reneszánsz idején elvetette a jóság, a megvilágosodás és az ész magvait, amelyet ma, több évszázaddal később, a Homo sapiens számára tartunk a legfontosabbnak. Mi, leszármazottak, ma élvezzük a reneszánsz irodalmának és művészetének nagyszerű eredményeit, és a modern tudomány számos olyan tanításon és felfedezésen alapszik, amelyek a XIV. Században keletkeztek és léteznek ma is. A reneszánsz humanizmus megpróbálta megtanítani tisztelni önmagát és a körülötte lévőket, és a mi feladatunk az, hogy meg tudjuk őrizni és növelni tudják a legjobb alapelveit.

absztrakt

a tanfolyamon: "A világ művészeti kultúrája"

a témáról: "A humanizmus mint a reneszánsz kultúrájának alapja"

Ceboksary

2010

1. Bevezetés …………………………………………………………… .. …… .. 3
2. A korszak általános jellemzői …………………………………… .. …… .4
3. A reneszánsz humanisztikus gondolata ………………………. ... 7
4. Következtetés …………………………………………………… ………… 14
5. A felhasznált irodalom felsorolása ………………………………… .18

Bevezetés

A reneszánsz művészete a humanizmus - a társadalmi gondolkodás mozgalma - alapján jött létre, amely a XIV. Olaszországban, majd a XV-XVI. század második felében. elterjedt más európai országokban.

A XVI. Században alapították. az "újjászületés" kifejezés egy új művészet megjelenését jelentette, felélesztve a klasszikus ókort, az ősi kultúrát.

A korszak általános jellemzői

A középkor, vagy inkább a középkori kultúrából az újkor kultúrájába való átmenet időszaka (XIV – XVII. Század) , reneszánsznak hívják.

A reneszánsz korszak volt az egész emberiség legnagyobb progresszív forradalma, amelyet addig tapasztaltak, egy olyan korszak, amelynek "titánokra volt szüksége, és amelyek a gondolatokat, szenvedélyt és jellemet hordozó erővel, sokoldalúságban és tanulásban születtek titánokat".

Az emberi kultúra története sok felfutást, fényes virágzást, művészileg bőséges, intellektuálisan gazdag és gyümölcsöző korszakokat ismer. És mégis, az európai - elsősorban olasz - reneszánsz XIV – XVI. reneszánsz lett nagybetűvel - az egész reneszánsz reneszánsz.

Maga a kifejezés - a reneszánsz - éppen akkor keletkezett a firenzei költők, művészek és az ókor ismerősei között (olaszul - Rinassimento, de a francia reneszánsz szó minden európai nyelvre bekerült), amikor Európában kulturális és társadalmi életében elkezdődött jelentős változások következnek be. Ezért a reneszánsz által megvalósított kulturális forradalom természetesen Európa szellemi életében különösen jelentős. De közvetlenül vagy közvetve, azonnal vagy több évszázaddal később a világ összes népének kultúráját és életmódját érintette, mert a reneszánsz szellem - egyéni szabadság, merész tudás, az ősi, elsősorban hellenisztikus-római egyetemesség iránti csodálat, szellemi telhetetlenség - tette lehetővé az európaiak elfoglaltságát. politikai, kulturális és gazdasági hegemónia az egész világon.

Ebben az időben a társadalomban uralkodnak az antihűdös érzelmek, a humanista világnézet és az antik kultúra örökségéhez való vonzódás. Ezért az "újjáéledés" elnevezés. A reneszánsz felmerült és a legvilágosabban Olaszországban nyilvánult meg.

Maguk a reneszánsz alakjai szembeállították az új korszakot a középkorral, mint a sötétség és a tudatlanság időszakával. De ennek az idõnek az eredetisége inkább nem a civilizáció mozgalma a vadság ellen, a kultúra a barbárság ellen, a tudás a tudatlanság ellen, hanem egy másik civilizáció, egy másik kultúra, egy másik tudás megnyilvánulása. A reneszánsz forradalom elsősorban az értékrendben, minden létező értékelésében és ahhoz viszonyítva. Felmerül a meggyőződés, hogy az ember a legmagasabb érték. Ez a személyszemlélet határozta meg a reneszánsz kultúra legfontosabb jellemzőjét - az individualizmus fejlődését a világnézet szférájában és az egyéniség minden szempontból történő megnyilvánulását a közéletben. Az akkori szellemi légkör egyik jellemző vonása a világi érzelmek észrevehető újjáéledése volt. Cosimo Medici, Firenze koronázatlan uralkodója azt mondta, hogy elesik, aki élete létrájához keresi a támogatást a mennyben, és személy szerint mindig megerősítette a földön. A világi jelleg is benne rejlik a reneszánsz kultúra olyan élénk jelenségében, mint a humanizmus. A szó legtágabb értelmében a humanizmus olyan gondolkodásmód, amely az ember javának gondolatát hirdeti a társadalmi és kulturális fejlődés fő céljának, és védi az ember mint ember értékét. Ebben az értelmezésben ezt a kifejezést használják korunkban. De a nézetek szerves rendszere és a társadalmi gondolkodás széles körében a reneszánsz idején felmerült a humanizmus. Az ősi kulturális örökség hatalmas szerepet játszott a reneszánsz gondolkodás kialakulásában. A klasszikus kultúra iránti fokozott érdeklődés eredménye az ősi szövegek tanulmányozása és a pogány prototípusok használata a keresztény képek megtestesítésére, a kámók, szobrok és egyéb régiségek gyűjtése, valamint a portrék mellszobrok római hagyományának helyreállítása. Az ókor újjáéledése tulajdonképpen az egész korszaknak adta a nevet (elvégre a reneszánszot ébredésnek fordítják). A filozófia különleges helyet foglal el az akkori szellemi kultúrában, és rendelkezik minden olyan tulajdonsággal, amelyet fentebb említettünk. A reneszánsz filozófiájának legfontosabb jellemzője az akkori gondolkodók nézeteinek és írásainak anti-skolasztikus orientációja. Másik jellemző vonása egy új panteista világkép létrehozása, amely azonosítja Istent és a természetet. Végül, ha a középkor filozófiája teocentrikus, akkor a reneszánsz filozófiai gondolatának jellemző vonása az antropocentrizmus. Az ember nemcsak a filozófiai megfontolás legfontosabb tárgya, hanem a kozmikus lét egész láncolatának központi láncszeme is. Az emberhez és földi létéhez való vonzalom egy új korszak kezdetét jelenti, amely Olaszországból, a XV – XVI. általános európai jelenséggé válik.

Reneszánsz humanista gondolkodás

A reneszánsz idején keletkezett új világképet általában humanizmusnak hívják (latinul - emberi, humánus), amelyet az 1. században alkalmaztak. IDŐSZÁMÍTÁSUNK ELŐTT. a híres római szónok, Cicero (Kr. e. 106–43). Számára a humanitas az ember nevelése és oktatása, amely hozzájárul az emelkedettségéhez. Az ember spirituális természetének javításában a fő szerepet egy tudományterület-komplexum kapta, amely a nyelvtanból, a retorikából, a költészetből, a történelemből, az etikából állt. Ezek a tudományágak lettek a reneszánsz kultúra elméleti alapjai, és kapták a „studia humanitatis” (bölcsészet) nevet. A költőt és filozófust, Francesca Petrarcát (1304-1374) egyhangúlag a humanizmus megalapozójának tartják. Munkájában számos olyan út kezdete, amelyen az olasz reneszánsz kultúra fejlődése ment. A saját tudatlanságról és sok másról szóló értekezésében határozottan elutasítja a középkorban rejlő skolasztikus skolasztikát, amelynek kapcsán demonstratívan hirdeti állítólagos tudatlanságát, mert az ilyen ösztöndíjat korának egy emberének napjaira teljesen haszontalannak tartja. Ez az értekezés alapvetően új megközelítést tár fel az ókori örökség értékelésében. Petrark szerint nem a figyelemre méltó elődök gondolatainak vak utánzása engedi elérni az irodalom, a művészet, a tudomány új virágzását, hanem az a vágy, hogy felemelkedjen az ősi kultúra magaslatára, és ugyanakkor átgondolja és valamilyen módon felülmúlja azt. Ez a vonal, amelyet Petrarch vázolt fel, a humanizmus ősi örökséghez való hozzáállásának vezetője lett. Az első humanista úgy vélte, hogy az ember tudományának az igazi filozófia tartalmává kell válnia, és minden munkájában felhívás szól arra, hogy a filozófiát irányítsák át erre a méltó tudástárgyra. Indokolásával Petrarch megalapozta a személyes identitás kialakulását a reneszánszban. Különböző korszakokban az ember különböző módon valósítja meg önmagát. A középkori embert értékesebbnek tartották, mint egy személyt, annál jobban megfelelt a viselkedése a vállalat által elfogadott normáknak. A társadalmi csoportba, a társaságba való legaktívabb befogadásával érvényesült, istenileg kialakított sorrendben - ilyen az egyéntől elvárt társadalmi vitézség. A reneszánsz ember fokozatosan felhagy az egyetemes középkori fogalmakkal, a konkrét, egyéniség felé fordul. A humanisták új megközelítést dolgoznak ki az ember megértésében, amelyben a tevékenység fogalma hatalmas szerepet játszik. Az emberi személyiség értékét számukra nem a származás vagy a társadalmi hovatartozás határozza meg, hanem a személyes érdemek és tevékenységének eredményessége. E megközelítés markáns megvalósítási módja lehet például a híres humanista Leon Battista Alberta (1404–1472) sokoldalú tevékenysége. Építész, festőművész volt, a művészetről szóló értekezések szerzője, megfogalmazta a képi kompozíció alapelveit - a színegyensúly és szimmetria, a gesztusok és a szereplők pózai. Albert szerint az ember csak saját tevékenységével képes érvényesülni a sors viszontagságai felett. „Az nyer, aki nem akar vereséget szenvedni. Akik szoktak engedelmeskedni, kibírják a sors igáját. " Helytelen lenne idealizálni a humanizmust, nem észrevenni annak individualista tendenciáit. Lorenzo Valla (1407-1457) munkája igazi himnusznak tekinthető az individualizmus számára. "Vallásról" című fő filozófiai esszéjében Valla az öröm vágyát az ember elidegeníthetetlen tulajdonságaként hirdeti. Az erkölcs mértéke számára személyes jó. „Nem tudom eléggé megérteni, miért akar valaki meghalni a hazáért. Meghalsz, mert nem akarod, hogy a hazád elpusztuljon, mintha nem pusztulna el a haláloddal ”. Ez a világnézeti helyzet antiszociálisnak tűnik. A 15. század második felének humanista gondolkodása. új ötletekkel gazdagodott, amelyek közül a legfontosabb az egyén méltóságának gondolata volt, jelezve az ember különleges tulajdonságait más lényekkel összehasonlítva, és a világon betöltött különleges helyzetét. Giovanni Pico della Mirandola (1463-1494) az ember méltóságáról szóló élénk beszédében a világ közepére helyezi: „Nem adunk neked, Ádám, sem helyünket, sem bizonyos képünket, sem különös kötelességünket, hogy mind a hely, mind az személye és kötelességei szabad akaratából, akarata és döntése szerint voltak ”. Azt állítják, hogy Isten (ellentétben az egyházi dogmákkal) nem az embert hozta létre saját képmására és hasonlatosságára, hanem lehetőséget adott arra, hogy önmagát létrehozza. A humanisztikus antropocentrizmus csúcspontja Pico elképzelése, miszerint az ember méltósága a szabadságában rejlik: bárkivé válhat, amivé csak akar. Az ember erejét és nagyságát dicsőítve, csodálatos alkotásait csodálva, a reneszánsz gondolkodói óhatatlanul közeledtek az ember és az Isten között. „Az ember megszelídíti a szelet és meghódítja a tengereket, ismeri az idő számát ... Ezen kívül egy lámpa segítségével nappallá változtatja az éjszakát. Végül az ember istenségét varázslat tárja elénk. Csodákat tesz emberi kézzel - mind azokat, amelyeket a természet létrehozhat, mind azokat, amelyeket csak Isten hozhat létre. " Hasonló érvelésben Giannozzo Manetti (1396-1472), Marsilio Ficino (1433-1499), Tommaso Campanella (1568-1639), Pico (1463-1494) stb. megnyilvánult a humanisztikus antropocentrizmus legfontosabb jellemzője - az ember istenítésére való hajlam. A humanisták azonban nem voltak sem eretnekek, sem ateisták. Ellenkezőleg, elsöprő többségük hívő maradt. De ha a keresztény világnézet azt állította, hogy előbb Istennek kell lennie, majd az embernek, akkor a humanisták kiemelték az embert, majd Istenről beszéltek. Isten jelenléte a reneszánsz legradikálisabb gondolkodóinak filozófiájában egyúttal kritikus hozzáállást jelentett az egyházhoz, mint társadalmi intézményhez. A humanista világnézet tehát magában foglalja az antiklerikális (latin anti - ellene, clericalis - egyházi) nézeteket is, vagyis az egyház és a klérus társadalmi dominanciájával szemben támasztott állításai ellen irányuló nézeteket. Lorenzo Valla, Leonardo Bruni (1374-1444), Poggio Bracciolini (1380-1459), Rotterdami Erasmus (1469-1536) és mások írásai a pápák szekuláris hatalmával szembeni beszédeket tartalmaznak, feltárva az egyházi miniszterek sorsát és a szerzetesség erkölcsi romlottságát. Ez azonban sok humanistát nem akadályozott abban, hogy az egyház miniszterévé váljon, és közülük kettőt - Tommaso Parentucelli és Enea Silvio Piccolomini - még a 15. században is felállítottak. a pápai trónra. Azt kell mondanom, hogy egészen a XVI. Század közepéig. Rendkívül ritka a humanisták üldözése a katolikus egyház részéről. Az új világi kultúra bajnokai nem féltek az inkvizíció tüzétől, és jó keresztényként ismerték őket. És csak a reformáció kényszerítette az egyházat offenzívára.

A humanizmus az ember és az ő javának legmagasabb értékét hirdette. A humanisták úgy vélték, hogy mindenkinek joga van szabadon fejlődni emberként, megvalósítva képességeit.

A humanizmus bizonyos vonásai jelen vannak az ősi kultúrában, de a reneszánsz humanizmus terjedelmesebb és holisztikusabb volt.

A humanizmus nemcsak azt jelenti, hogy az embert ismerik el a legmagasabb értékként, hanem azt is, hogy az embert minden érték kritériumának nyilvánítják. A humanizmusnak ezt a vonását Protagoras az ókorban fejezte ki: "Az ember minden dolog mércéje". Egy ilyen nézet feltételezte az ember önismeretét.

A humanizmus eszméi a legélénkebben és legteljesebben a művészetben testesültek meg, amelynek fő témája egy gyönyörű, harmonikusan fejlett ember volt, aki korlátlan szellemi és kreatív képességekkel rendelkezik.

A humanizmus ideológiai mozgalomként fejlődik, kereskedői köröket ragad meg, hasonló gondolkodású embereket talál a zsarnokok udvarán, behatol a magasabb vallási szférákba - a pápai kancelláriába, a politikusok hatalmas fegyverévé válik, megerősödik a tömegek között, mély nyomot hagy a népköltészetben, az építészetben, gazdag anyagot kínál a keresésekhez művészek és szobrászok. Új világi értelmiség alakul ki. Képviselői köröket szerveznek, előadásokat tartanak az egyetemeken, a szuverének legközelebbi tanácsadójaként működnek.

A humanisták az ítélkezés szabadságát, a hatóságok függetlenségét és merész kritikai szellemet hoznak a spirituális kultúrába. Tele vannak az ember korlátlan lehetőségeibe vetett hittel, és számos beszédben és értekezésben megerősítik őket. A humanisták számára nincs többé hierarchikusabb társadalom, amelyben az ember csak az osztály érdekeinek képviselõje. Elleneznek minden cenzúrát, különösen az egyházi cenzúra ellen. A humanisták kifejezik a történelmi helyzet követelményét - vállalkozó, aktív, proaktív embert alkotnak. Az ember már a saját sorsát kovácsolja, és az Úr gondviselésének semmi köze hozzá. Az ember a saját megértése szerint él, „szabadon engedik” (N. Berdjajev).

A humanizmus, mint a reneszánsz kultúra elve és mint széles társadalmi mozgalom, antropocentrikus világképen alapul, új központ jön létre az egész ideológiai szférában - egy hatalmas és szép személyiség.

Az új világnézet alapkövét Dante Alighieri (1265-1324) tette le - „a középkor utolsó költője és egyben az Új Idő első költője” (F. Engels). A költészet, a filozófia, a teológia, a tudomány nagy szintézise, \u200b\u200bamelyet Dante készített "Isteni vígjátékában", mind a középkori kultúra fejlődésének, mind a reneszánsz új kultúrájának megközelítésének eredménye. Az ember földi sorsába vetett hit, abban a képességében, hogy földi cselekedetét saját erejével hajthatja végre, lehetővé tette Dante számára, hogy az "Isteni vígjátékot" az ember méltóságának első himnuszává tegye. Az isteni bölcsesség minden megnyilvánulása közül az ember számára "a legnagyobb csoda".

Ezt az álláspontot Francesco Petrarca (1304-1374), filozófus és ragyogó lírai költő alakította ki, akit az olaszországi humanista mozgalom ősének tartanak. Az ember, a szépsége, az értelme iránti csodálat Gianozzo Manetti (1396-1439) "Az ember méltóságáról és fölényéről" című munkájával telik meg. Lorenzo Vala (1407-1457) "Az örömről" című értekezése megerősíti az ember földi örömeinek és érzéki örömeinek természetességét. Pico della Mirandola (1463-1494) A reneszánsz humanistái meg vannak győződve arról, hogy az embernek, akárcsak Istennek, van cselekvési szabadsága, ő maga irányítja a sorsot és a társadalmat, helyesen, racionálisan választva.

De a humanizmus felemelkedése és virágzása mélyen ellentmondásos. A tudomány soha nem látott méreteket ölt, a költészet, az építészet és a képzőművészet virágzik. Sok uralkodó a művészet védnöke lesz. De a társadalmi kapcsolatok problémáit tőr és méreg, összeesküvések és háborúk oldják meg. A Borgia család bekerült a történelembe, élén maga VII. Sándor pápa - gyilkos, rabló és lecher - élménnyel, aki azonban ragyogó tehetséggel ruházta fel az államférfit. Machiavelli, a híres történész, költő és diplomata erre igazolást talál: ideális szuverénnek - jegyzi meg - képesnek kell lennie a rókának és az oroszlánnak a technikáinak kombinálására, nemcsak embernek, hanem állatnak is. A kortársak szerint a zsarnok, Zsigmond Malatesta "kegyetlenségben felülmúlta az összes barbárt", saját kezével megszúrta áldozatait. De széles körű filozófiai ismeretekkel is rendelkezett, udvaroncai között sok humanista volt, és a műalkotások tárgyalásakor a legkényesebb ízlést mutatta. És a tőr, amelyet Malatesta használt, az ékszerművészet példája volt. A kutatók többször megjegyezték, hogy a reneszánsz idején a jó és a gonosz a legbizarabb módon fonódott össze. Az emberek a középkorból jöttek ki, a humanizmus magas ideálja megvilágította szellemi életüket, de még mindig újak a szabad gondolkodás előtt. A társadalmi struktúrában nem sikerült elérni a harmóniát, és a féktelen szenvedélyek birtokolták az egyéneket, cselekvésre késztetve őket, megállva a semmiben és nem gondolva a következményekre.

Következtetés

Feltűnő a reneszánsz mesterek egyetemes tehetsége - gyakran az építészet, a szobrászat, a festészet területén dolgoztak, ötvözték az irodalom, a költészet és a filozófia iránti szenvedélyüket az egzakt tudományok tanulmányozásával.

Hasonló cikkek