عنوان اصلی: Poppies at argenteuil

سال ایجاد: 1873

موزه اورسی ، پاریس.

اسکار کلود مونه (14 نوامبر 1840 - 5 دسامبر 1926) - نقاش فرانسوی ، یکی از بنیانگذاران امپرسیونیسم.

نقاشی Field of Poppies (1873) ، که در اولین نمایشگاه امپرسیونیست ها ارائه شد ، کامیل ، همسر مونه و پسرشان ژان را در زمینی نزدیک خانه آنها در Argenteuil به تصویر می کشد. مانند بسیاری دیگر از آثار مونه ، کامیلا با چتری در دستانش کشیده شده و رئوس مطالب برازنده آن جذابیت خاصی به تصویر می بخشد. مونه می خواست حس حرکتی را منتقل کند ، جفت دوم شکل (که توسط کمیل و ژان نیز الگو شده است) را در بالای تپه اضافه کرد. آنها با مسیری که به سختی قابل مشاهده است و از میان چمن ها عبور می کند به شکل های پیش زمینه متصل می شوند. مونه "زمینه خشخاش" را در فضای باز ، روی یک بوم کوچک قابل حمل نوشت. اگرچه نقاشی حسی طبیعی و خود به خودی را منتقل می کند ، اما با دقت ساخته شده است. این نه تنها در این واقعیت بیان می شود که هنرمند دو مرتبه بر روی آن تکرار شده است ، بلکه همچنین در انتخاب زاویه ، که به گونه ای تنظیم شده است که خشخاش های روشن پر از قسمت چپ ترکیب به صورت مورب قرار می گیرند ، در امتداد آن کمیل و ژان راه می روند ، گویا ترک فراتر از تصویر رنگ غنی و حرکتی که این قسمت از نقاشی را پر می کند ، در تناقض تأیید شده با لحن آرام لبه بالایی سمت راست بوم است ، جایی که سقف سفالی خانه به طرز ماهرانه ای زمینه را با پیش زمینه ترکیب ترکیب می کند.

شرح نقاشی کلود مونه "Poppies" (در Argenteuil)

اثر مونه "خشخاش" ، نام دوم او "زمینه خشخاش در آرژانتویل" توسط این هنرمند در سال 1873 نوشته شده است. منظره زمینه خشخاش که در تصویر به تصویر کشیده شده است ، با یک برجستگی کوچک از درختان ، گویی آسمان را از زمین جدا می کند ، در ابتدا احساس یک طرح پیچیده را می دهد. اما با نگاهی عمیق به تصویر ، متوجه می شوید که اولین برداشت فریبنده است.

تصویر را می توان از طریق دو خط عمود به چهار بخش تقسیم کرد. خط افقی ، گویی به طور تقریبی و واضح تعریف شده است ، خط عمودی مجازی را که کمی قابل مشاهده است ، می برد. خانه ای که روی بوم به تصویر کشیده شده نوعی مرکز تقاطع دو خط است که ترکیب را به یک کل متصل می کند.

این تصویر به دلیل بار معنایی و نفسانی قابل توجه است که توسط سیلوئت های زنان دارای کودک در بالای تپه و دامنه آن به نمایش در آمده است. زن و پسری که در پیش زمینه نقاشی می بینیم آنها چیزی نیستند جز همسر و پسر این هنرمند. یک ترکیب غیرمعمول دیدی واهی از تصویر موجود در تصویر می دهد. تصویر تکراری از شبح ها حرکتی از زنان دارای کودک در مسیری نامشخص را ایجاد می کند. درختی که بر فراز تپه برجسته شده است ، میزان پر بودن و اهمیت این قسمت از کار را افزایش می دهد.

قسمت درست ، تقریباً بی رنگ در مقابل زمینه مزرعه خشخاش در تضاد است و زمینه ای برای یک شبح زن است که در تقاطع مناطق مجاور نقاشی به تصویر کشیده شده است.

این هنرمند فقط با چند حرکت آسمان را علامت گذاری کرد. قسمت هایی از بوم که توسط این لمس لمس نشده اند نشان دهنده عدم تمایل نویسنده برای تمرکز بر روی قسمت بالای بوم است.

روی هم رفته ، این تصویر به عنوان تعهد به ارزشهای زمینی ، که از اهمیت فوق العاده ای برخوردارند ، درک می شود. این هنرمند برای حل وظیفه ای که پیش روی خود قرار داشت ، به تمام احتمالات موجود در انتقال چشم انداز خود از خط داستانی تصویر متوسل شد.

امپرسیونیسم در دهه 1860 در فرانسه ظاهر شد و انقلابی در ایده های سنتی در مورد نقاشی ایجاد کرد. با نگاهی به زندگی آفتابی و تنفس و پر از نقاشی های سبک هنرمندان این جهت ، دشوار است باور کنیم که آثار آنها مدت هاست که شناخته نشده اند و انحرافی از قوانین نقاشی کلاسیک به حساب می آیند. "در سراسر جهان" شما را به سفر به فرانسه دعوت می کند و می بیند که چگونه مناطق مختلف کشور در کار هنرمندان امپرسیونیست تسخیر می شود.

کلود مونه "زمینه خشخاش در Argenteuil" (1873)

نقاشی "زمینه خشخاش ..." توسط مونه در آرژانتویل نقاشی شده است که در 10 کیلومتری پاریس واقع شده است و در قرن نوزدهم محل تعطیلات مورد علاقه ساکنان پایتخت بود. مونه به مدت هفت سال با خانواده اش در این حومه زندگی کرد و بسیاری از نقاشی های روشن ، پر از رنگ و رنگ را خلق کرد.

در Argenteuil ، این هنرمند در فضای باز بسیار کار می کرد: این فرصت همیشه او را مجذوب می کرد که قسمت خاصی از زمان ، کنش و مکان را روی بوم به تصویر بکشد. نقاشی "Field of Poppies at Argenteuil" منعکس کننده شور دیگری از این هنرمند است - عشق به گل. یک بار مونه حتی باغ خود را شاهکار اصلی خود خواند.

این نقاشی به وضوح به چندین قسمت تقسیم شده است ، مهمترین آن نقاشی است که گلهای قرمز را نشان می دهد ، در تضاد با سمت راست خالی بوم. همچنین دو زوج را می بینیم که با همسر این هنرمند کامیلا و پسر بزرگش ژان نقاشی شده اند. ترتیب آنها به ساختار فضای تصویر و انتقال حرکت گرفته شده کمک می کند.

مونه هنگام کار بر روی این نقاشی ، رنگ ها را با هم مخلوط نکرد ، بلکه ضربه هایی از رنگ های مختلف را به کار برد ، که چشم انسان آنها را به عنوان سایه های مختلف رنگ درک می کند. در همان زمان ، هنرمند با دقت بیشتری موارد مهمتری را تجویز کرد. بنابراین ، در اینجا لهجه ها روی رنگ ها و قسمت بالایی شکل های انسانی در پیش زمینه ایجاد می شوند ، در حالی که زمینه سمت راست تصویر و آسمان با وضوح کمتری مشخص شده اند.

پیر آگوست رنوار. "پل به شاتو" (1875)

Chatou یکی دیگر از گوشه های زیبای فرانسه است که توسط هنرمندان این مسیر جدید دوست دارد. آن را اغلب جزیره امپرسیونیست ها می نامند ، زیرا در این مکان سن به دو بازو تقسیم می شود. همانطور که در همسایگی Argenteuil ، در شهر Chatou در قرن نوزدهم ، جو آرامش و انیمیشن پر سر و صدا حاکم بود.

مردم برای شنا ، سوار شدن با قایق یا پیک نیک به اینجا می آمدند و این نقشه های ساده در نقاشی های امپرسیونیست ها منعکس می شد. مکان پاپا فورنز در زیر پل چاتو ، جایی که نه تنها می توانستید شب را در آنجا بگذرانید ، بلکه می توانید اتاق هایی را نیز اجاره کنید ، مکان مورد علاقه رنوار بود. در این موسسه بود که این هنرمند نقاشی خود را "صبحانه روئرها" خلق کرد که روی آن آشنایان و دوستانش را به تصویر کشید. در سال 1990 ، رستوران "House Fournez" مرمت شد ، اکنون یک موزه کوچک وجود دارد.

نقاشی "پلی به چاتو" با بیشتر آثار رنوار تفاوت دارد. برخلاف مونه ، این هنرمند علاقه بیشتری به تصویر کشیدن مردم داشت و همچنین یک پالت رنگ غنی تر را ترجیح می داد. و با این حال ، "پل به شاتو" منظره ای است که در آن مردم چهره های تاریک نامشخصی دارند. این پل با دقت بیشتری نسبت به سایر عناصر ترسیم شده است ، علاوه بر این ، چنین قایقرانی معروف در اینجا به تصویر کشیده شده است. این مناظر با خطوط فازی و یک محیط دودی-هوا مشخص می شود. فقدان چهره های کاملاً ردیابی شده انسانی حس فاصله را برمی انگیزد و پالت نور و رنگ به دیدن شادی در زندگی روزمره کمک می کند.

فردریک بازیل. "چشم انداز در کرانه های لس" (1870)

با تشکر از چشم انداز باسیل ، ما از مرکز فرانسه به جنوب ، به منطقه محل زندگی هنرمند سفر می کنیم. نام باسیل بسیار کمتر از نام دوستانش مونه و رنوار شناخته شده است ، زیرا وی در سن 28 سالگی درگذشت. "منظره در کرانه های لس" یکی از آخرین کارهای این هنرمند است: اندکی پس از اتمام کار بر روی بوم ، باسیل به عنوان داوطلب به جنگ فرانسه و پروس رفت و در آنجا به زودی درگذشت.

این هنرمند منظره را در زمان رکورد به پایان رساند و همه این کار کمی بیشتر از دو ماه طول کشید. در طول کار ، نزدیکان ریحان دور بودند و حواس او را از تصویر منحرف نمی کردند. علاوه بر این ، او منطقه را به خوبی می شناخت. بنابراین ، او در نامه ای به برادرش ، دقیقاً مشخص كرد كه كدام قسمت را به تصویر كشیده است: "كرانه رودخانه لز در نزدیكی آسیاب در ناویلاو و جاده كلاپیر".

این نقاشی با مناظر مونه و رنوار تفاوت زیادی دارد ، زیرا باسیل ترجیح داد خورشید را در اوج خود نقاشی کند و همچنین نور شدید ، متفاوت از نور بدون وز و دود روی بوم دوستانش را به تصویر بکشد. ریحان از رنگ های متضاد روشن نیز استفاده می کند و در کار بر روی جزئیات تصویر ، دقت و دقت بیشتری دارد. با تشکر از این ، ما می توانیم روی بوم "چشم انداز در کرانه های Les" درختان و پوشش گیاهی ، مشخصه قسمت جنوبی فرانسه را تشخیص دهیم.

کامیل پیسارو. پل Boaldieu در Rouen در یک روز بارانی (1896)

کمیل پیسارو به عنوان استاد منظر شهری وارد تاریخ امپرسیونیسم شد. او چندین نقاشی کشید که در آنها روئن واقع در شمال فرانسه را به تصرف خود درآورد. پیسارو پس از دیدن چرخه کلود مونه مختص کلیسای جامع روئن به این شهر سفر کرد.

پیسارو مانند مونه از نور و هوا برای خلق نقاشی استفاده می کند. وی احتمالاً تصویری از شهر را به عنوان موجودی زنده که در حرکت مداوم است ، به خود جلب می کند. او از رنگ بندی تیره تر و ضربات متراکم تری استفاده می کند ، اما نقاشی هایش واقع بینانه تر به نظر می رسند. زاویه غیرمعمول اغلب با این واقعیت که پیسارو از پنجره هتل نقاشی می کشد ، توضیح داده می شود.

این هنرمند تلاش کرد تا روی بوم ویژگی های صنعتی را که به تدریج در ظاهر شهر ظهور می یابد ، منعکس کند. این همان چیزی است که برای پیسارو رون جالب است ، که علی رغم معماری نفیس ، در پایان قرن نوزدهم به یک شهر بندری و یک مرکز صنعتی تبدیل شد.

پل سزان "نمایی از خلیج مارسی از Estaque" (1885)

چشم انداز پل سزان دوباره ما را به جنوب فرانسه برمی گرداند ، اما در عین حال کاملاً متفاوت از نقاشی های بررسی شده است. بوم سزان ، حتی برای بیننده ای که آماده نیست ، بیش از آثار سایر امپرسیونیست ها جسورتر به نظر می رسد. تصادفی نیست که این هنرمند را اغلب پدر هنر مدرن می خوانند.

سزان در جنوب این کشور متولد شد و اغلب مناظر جنوبی را در نقاشی های خود به تصویر می کشید. محیط اطراف دهکده ماهیگیری Estaque به یکی از موضوعات مورد علاقه مناظر وی تبدیل شده است. در دهه 1880 ، سزان در تلاش برای نجات خود از مشکلات خانوادگی ، به استاک آمد و حدود ده نقاشی کشید که در آنها خلیج مارسی را به تصویر می کشد.

"نمایی از خلیج مارسی از استاك" از اوج ترین آثار این دوره است و به ما اجازه می دهد ویژگی های نقاشی سزان را كه پابلو پیكاسو را تحت تأثیر قرار داده است ، ببینیم. این در درجه اول در مورد سکته های افقی متراکم ویژه هنرمند و همچنین استفاده از رنگ های عمیق و اشباع شده مانند زرد نارنجی است. سزان با استفاده از سایه های مختلف آبی و همچنین لکه های سبز و بنفش موفق به دستیابی به تصویری سه بعدی از آب می شود. مانند سایر امپرسیونیست ها ، سزان دوست داشت دریا ، آسمان و کوه ها را نقاشی کند ، اما به نظر می رسد که آنها متراکم تر و به وضوح تعریف شده اند.

نقاشی Field of Poppies (1873) ، که در اولین نمایشگاه امپرسیونیست ها ارائه شد ، کامیل ، همسر مونه و پسرشان ژان را در زمینی نزدیک خانه شان در Argenteuil به تصویر می کشد. مانند بسیاری دیگر از آثار مونه ، کامیلا با چتری در دستانش کشیده شده و رئوس مطالب برازنده آن جذابیت خاصی به تصویر می بخشد.

مونه "زمینه خشخاش" را در فضای باز ، روی یک بوم کوچک قابل حمل نوشت. اگرچه نقاشی حسی طبیعی و خود به خودی را منتقل می کند ، اما با دقت ساخته شده است. این نه تنها در این واقعیت بیان می شود که هنرمند دو مرتبه بر روی آن تکرار شده است ، بلکه همچنین در انتخاب زاویه ، که به گونه ای تنظیم شده است که خشخاش های روشن پر از قسمت چپ ترکیب به صورت مورب قرار می گیرند ، در امتداد آن کمیل و ژان راه می روند ، گویا ترک فراتر از تصویر رنگ و حرکت شدیدی که این قسمت از نقاشی را پر می کند در تضاد متعادل با رنگ های آرام لبه بالایی سمت راست بوم است ، جایی که سقف سفالی خانه به طرز ماهرانه ای زمینه را با پیش زمینه ترکیب ترکیب می کند.

شور گلها

مونه در تمام زندگی خود علاقه زیادی به نقاشی گل - زمین ، باغ یا قلمه داشت ، آنها به طور مداوم در مناظر او حضور دارند.

مونه یک بار اعتراف کرد که دو عشق بزرگ زندگی او نقاشی و باغبانی است. هنگامی که او گل ها را نقاشی می کرد ، هر دوی این علاقه ها با هم ترکیب می شد. در زمینه ی خشخاش ها ، مانند بسیاری از بوم های دیگر خود ، مونه از گل های وحشی و پر جنب و جوش لذت می برد. چندین زندگی تیره و تار زیبای مونه با گلهای شاخه بریده شناخته شده است ، اما بیش از همه او دوست داشت گلهایی را که در باغهای او رشد می کند ، ابتدا در Argenteuil و بعداً در Giverny ، نقاشی کند. در سال 1871 ، مونه به همراه خانواده اش به آرژانتویل نقل مکان کرد تا اولین خانه و اولین باغ خود را در آنجا پیدا کند. با این حال ، اشتیاق اصلی در زندگی این هنرمند باغ او در Giverny بود. مونه گل هایی را برای باغ خود انتخاب کرد به گونه ای که به ترتیب خاصی چیده شوند ، رنگ متضادی داشته و در تمام طول سال شکوفا شوند. در باغ خود ، او بسیاری از گلهای غیر معمول را کاشت. علاقه مونه به گل توسط بسیاری دیگر از نقاشان امپرسیونیست ، از جمله گوستاو كایلبوت ، مورد علاقه بود. "مطابق توافق نامه ، دوشنبه بیا و به دوستش مونه نوشت. "تمام زنبقهای من شکوفا می شوند."

وسواس با نور و رنگ

وسواس مونه در مورد نور و رنگ منجر به سالها تحقیق و آزمایش شد ، هدف از این کار گرفتن سایه های زودگذر و دست نیافتنی طبیعت بر روی بوم بود.

نقاشی های مونت روند جدیدی در نقاشی-امپرسیونیسم ایجاد کرد و مونه به عنوان بزرگترین و معمولی ترین نماینده این جریان شناخته می شود. در طول زندگی طولانی خود ، مونه با قاطعیت از قوانین اساسی امپرسیونیسم پیروی می کند - برای ضبط صحنه های زندگی مدرن بر روی بوم (برای مونه ، اینها مناظر هستند) و کار در فضای باز.

کار در صحنه PLENAIR عملکرد یک هنرمند که در هوای آزاد (هوای آزاد) کار می کند چیز جدیدی نبود. در اوایل قرن نوزدهم ، هنرمند انگلیسی John Constable اغلب طرح ها و مطالعات خود را در زمینه روغن در طبیعت نقاشی می کرد. در دهه 1840 ، به پیروی از او ، گروهی از نقاشان فرانسوی در روستای باربیزون در نزدیکی جنگل فونتنبلو جمع شدند تا مناظر طبیعی را ترسیم کنند که باید "طبیعت واقعی" را به تصویر بکشد. کامیل کوروت ، که به دلیل دید ناقص خود در مورد طبیعت ، بسیار مورد توجه بسیاری از امپرسیونیست ها است ، در فضای باز با رنگ روغن نقاشی می کند و از هنرمندان می خواهد که "اولین برداشت خود را دنبال کنند".

مهمترین نقش در پیشرفت مونه به عنوان یک هنرمند ، دوستی جوانی وی با نقاش منظره اوژن بوودین بود که در مناظر کوچک ساحلی هوایی که در فضای باز خلق می کرد ، تخصص داشت. بودن اصرار داشت كه مونه در یكی از این جلسات در هاور به او بپیوندد. بعدا مونه نوشت: "ناگهان حجاب از چشمانم افتاد."

در آنجا ، در لو هاور ، مونه با هنرمند هلندی یوهان بارتولد یونکیند ملاقات کرد ، که سعی داشت ظریف ترین سایه های هوا و روحیه را در دریاهای خود منتقل کند. بعدها مونه در مورد او گفت: "او مردی بود که سرانجام دید من رشد کرد."

چشم واقعاً آنچه را می بیند مونه آموخت كه نقاشی در فضای باز دارای طراوت و نشاط بی نظیری است كه با كار در یك كارگاه ، جایی كه هنرمند پیش از این كاری را كه می خواهد خلق كند ، نمی توان به آن دست یافت. مشاوره ای که مونه به هنرمندان داده است ، روش او در مورد نقاشی را به وضوح آشکار می کند: فقط فکر کنید که یک مربع کوچک آبی در این مکان وجود دارد ، یک شکل صورتی کشیده وجود دارد و ادامه دهید تا زمانی که برداشت ساده لوحی از تصویری که جلوی چشمتان است داشته باشید. " بنابراین ، برداشت یک انگیزه بصری است که توسط آنچه در این لحظه خاص مشاهده می شود ایجاد می شود.

یک ایده انقلابی برای همه امپرسیونیست ها و به ویژه برای مونه ، هدف اصلی هنر گرفتن تصور ناپایدار و زودگذر بود. در آن زمان ، چنین فکری انقلابی به نظر می رسید و چیزی کمتر از واقع گرایی پنهان کوربت در TECHNOLOGY جدید را تکان داد. برای رسیدن به اهداف تعیین شده ، هنرمند به تکنیک های جدید نوشتن نیاز داشت. به ویژه مونه ، تکنیک نوشتاری خود را با استفاده از ضربه های خشن گسترده ، نقاط پراکنده پررنگ ، خط تیره ، زیگزاگ و ضربات ضخیم روی بوم با یک برس کوتاه توسعه داد. مونه به طور همزمان روی کل فضای نقاشی کار می کرد و معتقد بود ، همانطور که بعداً گفت ، "اولین لایه از رنگ باید تا حد ممکن بوم را بپوشاند ، هر چقدر هم که به کار رفته باشد."

مونه به روشی کاملاً جدید و انقلابی ، بدون شک از کشفیات اوژن شورول در مورد نحوه ادراک بصری ، از رنگ استفاده کرد. شورول ثابت کرد که رنگهای اصلی مجاور چرخ رنگ یکدیگر را نرم می کنند و بیشترین کنتراست زمانی حاصل می شود که رنگهای مکمل در مجاورت یکدیگر باشند. کشف مهم دیگر این بود که رنگ خاصیت جدایی ناپذیر اشیا نیست. رنگ به سادگی روشی است که نور با برخورد با سطح یک جسم به هم می آمیزد. مانند هم امپرسیونیست های همیشگی خود ، مونه معمولاً از یک پالت محدود استفاده می کرد و رنگ های خالص و غیرمخلوط را ترجیح می داد و روی بوم هایی که قبلا با آسترهای سفید یا کرم پوشانده شده بودند را ترجیح می داد ، که باعث می شود رنگ های روشن تر و روشن تر شوند.

کشف مهم دیگری که در دید هنرمندان تأثیرگذار بود ، عکاسی بود. در عکس های آن زمان ، اشیا moving در حال حرکت به عنوان لکه های تاری شناخته می شوند و فقط اجسام ساکن دارای خطوط مشخص هستند. این تأثیر در چهره های مورچه مانند مردم که در نقاشی مونت در بلوار Capucines (1873) مشاهده می کنیم ، به وضوح منعکس شد.

هدف تصویر را تغییر دهید

بسیار جالب است که ردیابی کنیم که چگونه نگرش مونه به اشیا dep به تصویر کشیده شده در طول یک عمر طولانی تغییر می کند. با وجود این واقعیت که او دائماً مجذوب بازی نور می شد ، اما مونه در نقاشی های اولیه خود اغلب چهره های انسانی را به تصویر می کشید که به روال معمول و در پس زمینه منظره نقاشی شده اند.

با این حال ، نزدیک به دهه 1880 ، مونه به طور خالصانه به شکل طبیعی جذب طبیعت می شود. اگر فیگورها یا اشیا in بی جان در نقاشی های این دوره ظاهر شوند ، معمولاً نقش پشتیبان را بازی می کنند و در پس زمینه محو می شوند.

سری تصاویر

علی رغم این واقعیت که هنرمندان در هر زمان طرحهای مختلفی از یک صحنه را خلق می کردند ، قبل از مونه شخصی نبود که چندین بار در یک نور و شرایط آب و هوایی مختلف یک شی را یکسان نقاشی کند. نقاشی های مونه نشان دهنده مجموعه كلی است كه انبارهای یونجه ، صنوبر ، کلیسای جامع روئن ، منظره ای از لندن از رودخانه تیمز و سرانجام نیلوفرهای آبی را به تصویر می كشد.

مناظر مونت در لندن ، که در سالهای 1899-1901 نقاشی شده اند ، با نور پراکنده و رنگ پراکنده ، از آثار هنری نمایشی و مجازی هستند که می توانند برای یافتن تکامل سبک هنرمند به روشی تقریباً انتزاعی به کار روند. آنها پیشرفت تدریجی این هنرمند را نسبت به شیئی نشان می دهد که وی برای بقیه عمر خود نقاشی می کند ، باغ های خود را ایجاد می کند و آنها را به آثار هنری نادر تبدیل می کند.

از حدود سال 1905 تا پایان روزهای خود ، مونه تمرکز خود را کاملا بر روی نیلوفرهای آبی قرار داد. این نقاشی ها ، که در آن فنجان نیلوفرهای آبی به معنای واقعی کلمه روی سطح آبی که خط افقی ندارد ، متمایز می شوند ، به طرح هایی تبدیل شده اند که تنوع بی پایان و تکراری رنگ و نور را به تصویر می کشد. در حقیقت ، این سری از نقاشی ها ، مانند هر اثر هنری درخشان ، توضیح نمی دهند. اینها آثار شاعری است که ذاتی لطیف از طبیعت دارد و قادر است زیبایی آن را در نقاشی خود منتقل کند.

کلود مونه خشخاش 1773 موزه D'Orsay ، پاریس

"خشخاش" ، یکی از مشهورترین آثار کلود مونه ، در آن دیدم. با این حال ، پس من آن را به درستی در نظر نگرفتم. به عنوان یک طرفدار ، چشمانم فقط از همه آن شاهکارهایی که در این موزه هستند فرار کرده است!

بعداً البته من قبلاً "خشخاش" را به درستی بررسی کردم. و متوجه شدم که حتی به چند جزئیات جالب توجه در موزه توجه نکرده ام. اگر با دقت بیشتری به تصویر نگاه کنید ، احتمالاً حداقل سه س questionsال خواهید داشت:

1. چرا خشخاش اینقدر بزرگ است؟
2. چرا مونه دو جفت شکل تقریباً یکسان ترسیم کرد؟
3. چرا هنرمند آسمان را در تصویر ترسیم نکرده است؟

من به ترتیب به این سوالات پاسخ خواهم داد.

1. چرا خشخاش اینقدر بزرگ است؟

خشخاش بسیار بزرگ نشان داده شده است. بیشتر آنها از سر کودک به تصویر کشیده شده است. و اگر خشخاش ها را از پس زمینه بردارید و آنها را به شکل های پیش زمینه نزدیک کنید ، حتی از سر کودک و زن به تصویر کشیده شده بزرگتر خواهند بود. چرا این غیرواقعی است؟

به نظر من ، مونه به عمد اندازه خشخاش ها را افزایش داد: بنابراین او یک بار دیگر ترجیح داد یک برداشت بصری زنده را ارائه دهد ، و نه واقع گرایی اشیا dep به تصویر کشیده شده.

به هر حال ، در اینجا می توان با تکنیک او در به تصویر کشیدن نیلوفرهای آبی در کارهای بعدی خود موازی کرد.

به دنبال شفافیت در قطعات نقاشی با نیلوفرهای سالهای مختلف (1899-1926) باشید. اثر برتر اولین اثر است (1899) ، پایین ترین اثر آخرین (1926) است. بدیهی است که با گذشت زمان ، نیلوفرهای آبی هرچه بیشتر انتزاعی و جزئیات شدند.

ظاهراً "خشخاش" فقط منادی غلبه انتزاع گرایی در نقاشی های بعدی مونه است.

نقاشی های کلود مونه. 1. بالا سمت چپ: نیلوفرهای آبی. 1899 مجموعه خصوصی. 2. بالا سمت راست: نیلوفرهای آبی. 1908 مجموعه خصوصی. 3. وسط: برکه ای با نیلوفرهای آبی. 1919 موزه هنر متروپولیتن ، نیویورک. 4. در زیر: نیلوفرها. 1926 موزه هنر نلسون-اتکینز ، شهر کانزاس.

2. چرا دو جفت شکل یکسان در تصویر وجود دارد؟

به نظر می رسد که نشان دادن حرکت در نقاشی برای مونه نیز مهم بوده است. او به طریقی غیرمعمول به این مهم دست یافت ، و مسیری را که به سختی در تپه ای در میان گلها دیده می شد ، به تصویر می کشید ، گویی بین دو جفت شکل لگدمال شده است.

در پایین تپه با خشخاش همسر کامیلا و پسر ژان را نشان می دهد. کامیلا به طور سنتی با چتر سبز به تصویر کشیده می شود ، دقیقاً مانند نقاشی "زن با چتر".

در طبقه بالای تپه جفت دیگری از زن و کودک قرار دارد که به احتمال زیاد کامیلا و پسرش نیز برای آنها ژست گرفته اند. بنابراین ، این دو جفت بسیار شبیه به هم هستند.

کلود مونه خشخاش قطعه قطعه 1873 گرم موزه D'Orsay ، پاریس.

این جفت چهره در تپه ، شاید صرفاً برای جلوه بصری حرکتی که مونه آرزو داشت ، به تصویر کشیده شده است.

3. چرا مونه آسمان را ترسیم نکرد؟

نکته قابل توجه دیگر در: توجه کنید که آسمان چگونه به قسمتهای برهنه بوم پایین کشیده شده است.

کلود مونه خشخاش قطعه قطعه 1873 گرم

می توانم فرض کنم که این موضوع در تکنیک امپرسیونیسم است: مونه برای اینکه بازی نور و رنگها را در یک لحظه خاص از روز به تصویر بکشد ، در چند ساعت و حتی چند دقیقه نقاشی می کشید. بنابراین ، همیشه وقت کافی برای تمام عناصر منظره وجود نداشت. تمام جزئیات کار کردن در استودیو است ، نه کار در فضای باز.

به هر حال ، نقاشی "خشخاش" نیز در اولین نمایشگاه امپرسیونیست ها در سال 1874 به نمایش گذاشته شد ، که من در مقاله با جزئیات بیشتری در مورد آن نوشتم

کلود مونه ، نقاش بزرگ امپرسیونیست فرانسوی ( اسکار-کلود مونه) ، (1840-1926) عاشق نقاشی گل بود. او در طول زندگی خود ، در دوره های مختلف خلاقیت ، گل نقاشی می کرد. بیشتر اوقات گلهای باغی و وحشی ، کمتر گل را در گلدان بریده اید.

گلها علاقه او بودند. مونه گفت که بیش از همه در زندگی او دو چیز را دوست دارد: نقاشی و باغبانی. بنابراین ، او بیشترین لذت را وقتی تجربه کرد که گلها را در نقاشی های خود به تصویر می کشد.

او حتی اعضای خانواده اش نیز همیشه در محاصره گل ها نقاشی می کشید و در نتیجه بر عشق صادقانه خود به آنها تأکید می کرد.

کلود مونه درباره خودش گفت: "شاید به لطف گلها باشد که من یک هنرمند شدم."

یکی از کارهای اولیه کلود مونه "زنان در باغ" ، 1866-1867 ، موزه اورسی ، پاریس.

فیگورهای زنان به شکلی کاملاً تلطیف بر روی این بوم به تصویر کشیده شده است. این هنرمند تمام تأکید را روی بازی نور و سایه ، بر شاخ و برگ درختان و گل ها می کند. مونه هنوز به دنبال سبک خود است ؛ هنوز پنج سال به تاریخ رسمی تولد امپرسیونیسم باقی مانده است.
هر سه زن از كامیلا دونسیه 19 ساله ، همسر آینده کلود مونه الگو گرفتند.

بوم بسیار بزرگ است ، ابعاد آن 2.05 در 2.55 متر است.
این هنرمند قصد داشت این نقاشی را در سالن پاریس در سال 1967 به نمایش بگذارد ، اما هیئت منصفه او را رد کرد.

در پایان زندگی کلود مونه ، زمانی که وی پیش از این یک استاد شناخته شده و مشهور بود ، دولت فرانسه در سال 1921 نقاشی "زنان در باغ" را به قیمت 200 هزار فرانک از این هنرمند خریداری کرد.

سنت آندرس

"تراس در سنت آندرس" ، تقریبا. 1867 ، موزه هنر متروپولیتن ، نیویورک. این نقاشی خانواده این هنرمند را به تصویر می کشد که در شهر کوچک بندری سنت آندرس در نزدیکی لو هاور در ساحل نرماندی زندگی می کنند. پدر مونه و خاله اش مادام لكادر روی صندلی ها نشسته اند. یکی از اقوام دور مونه ، ژان-مارگاریتا ، با مرد جوانی کنار نرده ایستاده است. می توانیم بگوییم که این یک صحنه خانوادگی با پس زمینه دریا است. اما ببینید که چگونه گلهای پیش زمینه ترسیم می شوند! مونه چقدر بافت رنگ ها و بازی نور و سایه را منتقل می کند.
"باغ شکوفا در سنت آندرس" ، c. 1866 ، موزه اورسی ، پاریس.
"آدولف مونه خواندن در باغهای لوکوتو در سنت آندره" ، c. 1866 گرم
"بانوی در باغ" ، 1867 ، موزه ارمیتاژ دولتی ، سن پترزبورگ. این نقاشی یکی از اقوام دور دست کلود مونه ، ژان مارگرویت لکادر ، را در باغی در سنت آندرس به تصویر می کشد.

آرژانتویل ، 1872 - 1977

کلود مونه همیشه می خواست باغ خود را داشته باشد ، جایی که بتواند در فضای باز با آرامش کار کند.

در پایان سال 1871 ، کلود مونه و خانواده اش در آرژانتویل اقامت گزیدند. سپس یک دهکده کوچک تفریحی در نزدیکی پاریس ، 12 کیلومتری مرکز شهر ، واقع در ساحل زیبای سن بود. آرژانتویل اکنون بخشی از پاریس بزرگ است. در آرژانتویل ، مونه خانه خود و اولین باغ خود را داشت. به نظرم می رسد که در آرژانتویل بود که بهترین نقاشی های کلود مونه خلق شد. این درخشان ترین دوره زندگی حرفه ای او بود. نقاشی مونه به طور کلی سبک است ، اما در Argenteuil است که بوم های او به سادگی از شادی می درخشند. ظاهراً این سالها خوشترین سالهای زندگی او بوده است. تقریباً تمام بوم های نقاشی شده در آرژانتویل ، کامیل ، همسر اول محبوب کلود مونه را به تصویر می کشد.

در آن سال ها ، Argenteuil محل تعطیلات مورد علاقه پاریسی ها بود ، رگاتاهای قایقرانی به طور منظم در آنجا برگزار می شد. یک راه آهن به آرژانتویل منتهی می شد و دسترسی از پاریس به آنجا سریع و آسان بود. نه تنها مونه ، بلکه سایر نقاشان امپرسیونیست ، مانه ، رنوار ، سیسلی ، كایلبوت نیز مناظر خود را در آرژانتویل نقاشی كردند.

دوست این هنرمند رنوار او را در محل کار خود در Argenteuil اسیر کرد و به لطف این می توانیم ببینیم باغ کلود مونه چگونه بود و چگونه او در فضای باز نقاشی می کشید. پیر آگوست رنوار "نقاشی مونه در باغ خود در Argenteuil" ، 1873
و ادوارد مانه یک پرتره خانوادگی از این هنرمند را در پس زمینه یک باغ شکوفا نقاشی کرد. ادوارد مانه "خانواده مونه در باغ خود در Argenteuil" ، 1874 ، موزه هنر متروپولیتن ، نیویورک. این نقاشی کلود مونه را به تصویر می کشد که مشغول گلدهی ، همسرش کامیلا و پسرش ژان است. باغ ، گل و مرغ. 10 سال دیگر همه اینها در کلود مونه در Giverny برگزار می شود.
پیر آگوست رنوار "مادام مونه و پسرش" ، 1974. گالری ملی ، واشنگتن. کامیل مونه و پسرش ژان. به نظر می رسد ادوارد مانه و رنوار در همان روز و در همان مکان برای خانواده مونه نامه نوشتند. این نقاشی در مجموعه کلود مونه در جیورنی نگهداری شد. میشل مونه ، پسر کوچک این هنرمند ، آن را در سال 1952 طی یک دوره ویرانی کامل در Giverny فروخت. پس از چندین بار فروش مجدد تحت آخرین وصیت مالک در سال 1970 ، این نقاشی وارد گالری ملی واشنگتن شد.

"خانه هنرمندان در آرژانتویل" ، 1873. موسسه هنر ، شیکاگو.
"باغ مونه در آرژانتویل" ، 1873
"خانه های Argenteuil" ، 1873 ، گالری ملی قدیمی ، برلین. در تابستان ، Argenteuil به معنای واقعی کلمه در گل غرق شد.
"گلها در ساحل رودخانه در Argenteuil" ، 1877 ، موزه هنر Pola ، هاكونه ، ژاپن. سن در Argenteuil بسیار دیدنی است ، در این مکان خم زیبایی ایجاد می کند. کلود مونه مجذوب رودخانه و طبیعت آرژانتویل بود ، او با اشتیاق در اینجا در هوای آزاد کار می کرد.
"كامیلا مونه روی یك نیمكت در باغ". سال 1873 موزه هنر متروپولیتن ، نیویورک. مثل همیشه یک باغ ، و مثل همیشه - گل. لطفا توجه داشته باشید: یک دسته گل در نیمکت کنار کامیلا قرار دارد.
"ژان مونه با دوچرخه اسب". سال 1872 موزه هنر متروپولیتن ، نیویورک. کلود مونه حتی در حال نقاشی پرتره از پسرش ، گلها را فراموش نکرد. او ترجیح داد تمام وقایع مهم زندگی خود را بر روی بوم های خود در پس زمینه گل ها ثبت کند.
"در چمنزار" ، 1876 این بوم ، همسر این هنرمند ، کامیل مونه را به تصویر می کشد که مشغول خواندن کتابی در یک علفزار ، احاطه شده توسط گلهای علفزار است.
"درختان سیب در شکوفه" ، 1873. حیرت آور!
"خانواده هنرمند در باغ" ، 1875
"در باغ" ، 1875 ظاهراً این تصویر گوشه ای از باغ را به تصویر می کشد همان باغ قبلی ، تنها چند ماه بعد - در پاییز. کلود مونه دوست داشت چرخه های نقاشی را بکشد - اشیا same مشابه در شرایط نوری مختلف: در زمان های مختلف سال ، در زمان های مختلف روز. او تلاش کرد تا شرایط زودگذر محیط نور و هوا را انتقال داده و نیمه رنگ های ظریف رنگ را به دست آورد. می بینیم که چگونه گوشه ای از باغ دگرگون می شود ، چگونه رنگ ها کمرنگ می شوند ، نور کمرنگ می شود. گلهای گلدان متوقف شد و شاخ و برگ درختان زرد شد.
"زنی با چتر" ("پیاده روی: کامیل مونه با پسرش ژان") ، 1875 ، گالری ملی هنر ، واشنگتن.
"كامیلا مونه با پسرش" ، 1875 ، موزه هنرهای زیبا ، بوستون ، آمریكا.
"گوشه باغ در مونتگرون" ، تقریبا. 1876 \u200b\u200b، ایالت ارمیتاژ ، سن پترزبورگ. مونتگرون شهری کوچک در حومه پاریس است که در 18.5 کیلومتری جنوب شرقی مرکز شهر واقع شده است. اکنون یکی از حومه جنوب شرقی پاریس است.

"زنی با چتر در باغ در Argenteuil" ، 1875.	"پیاده روی ، آرژانتویل" ، 1875.	"پیاده روی در آرژانتویل" ، 1875 ، موزه Marmottan-Monet ، پاریس.
"باغ" ، 1872.	"کامیل مونه در باغ" ، 1873.	"کامیل مونه در پنجره. آرژانتویل" ، 1873.
"بانک سن در نزدیکی پل در Argenteuil" ، 1874.	"کامیل و ژان مونه در باغ در Argenteuil" ، 1873.	"کامیل مونه در باغ در Argenteuil" ، 1876 ، موزه هنر متروپولیتن ، نیویورک.
"گلادیولی". خوب. 1876 موسسه هنر ، دیترویت ، ایالات متحده آمریکا.	"دختران در باغ" ، 1875 ، گالری ملی در پراگ.	"کاميلا با چتر سبز" ، 1876.
"دروازه باغ در Vetea" ، 1876.	"باغ" ، 1876.	"باغ ، مالوز" ، 1877.

یک سریال بسیار جالب "یاس بنفش". مقایسه کنید:

مزارع خشخاش

یکی از مشهورترین نقاشی های کلود مونه "زمینه خشخاش" (1873 ، موزه اورسی ، پاریس) در آرژانتویل ، نه چندان دور از خانه این هنرمند ، نقاشی شد. این نقاشی همسر مونه و کامیلا و پسرش ژان را به تصویر می کشد. احتمالاً همسر و پسرش نیز به عنوان الگوهایی برای پیکرهای بانویی که پس زمینه ای از یک کودک دارد ، بوده اند.
ببینید که چگونه هنرمند به طور واضح خشخاش قرمز و زنجبیل زرد نقاشی کرده است. کامیلا و ژان به معنای واقعی کلمه در خشخاش غرق می شوند و هماهنگی کامل با طبیعت یک روز آفتابی تابستان ایجاد می کنند.
مونه زاویه بسیار خوبی برای عکس خود انتخاب کرد - کوکنارهای قرمز در قسمت پایین سمت چپ تصویر ، به صورت مورب ، قرار دارند که در امتداد آن کمیل و ژان در حال قدم زدن هستند. این احساس ایجاد می شود که خشخاش فراتر از بوم است.

مزارع خشخاش مونه را مجذوب خود كرد. او در کار خود بارها و بارها به آنها بازگشت. تقابل خشخاش قرمز و علف های سبز او را مجذوب خود کرد.

"تابستان. زمینه خشخاش" ، 1875 ، مجموعه خصوصی.

"مزرعه خشخاش در نزدیکی وتی" 1879.

"یک مزرعه خشخاش در یک گودال نزدیک Giverny" ، 1885. موزه هنرهای زیبا ، بوستون.

زمینه خشخاش ، حدود سال 1890. ارمیتاژ ایالتی ، سن پترزبورگ.

"مزرعه جو دو سر با خشخاش" ، 1890. موزه هنرهای مدرن ، استراسبورگ.

"زمینه خشخاش در Giverny". 1890-1891 موسسه هنر ، شیکاگو.

"زمینه خشخاش های قرمز در نزدیکی Giverny" ، 1895. موزه هنرهای زیبا ویرجینیا ، ریچموند ، ایالات متحده آمریکا.

مزارع لاله

کلود مونه چندین بار به هلند سفر کرد. و البته او نمی توانست نسبت به لاله ها بی تفاوت باشد. او مجموعه ای از نقاشی ها را ایجاد کرد که جاذبه های اصلی هلند را نشان می دهد - مزارع گل لاله و آسیاب های بادی.

"مزارع گل لاله در ساسنهایم ، نزدیک لیدن" ، 1886 ، م Instituteسسه هنری کلارک ، ویلیام تاون ، ماساچوست ، ایالات متحده آمریکا.

"مزارع لاله ها و آسیاب های بادی در راینسبورگ" ، 1886 ، مجموعه خصوصی.

"مزارع گل لاله در هلند" ، 1886. موزه اورسی ، پاریس.

"مزرعه لاله ها در هلند". 1886 ، موزه Marmottan-Monet ، پاریس.

Vétheuil ، 1879-1881

"باغ هنرمند در وتهویل" ، 1880. گالری ملی ، واشنگتن.

در سال 1879 ، خانواده مونه به وتوئیل ، دهكده كوچكی در كنار رود سن ، در 65 كیلومتری شمال غربی پاریس نقل مکان كردند. در اینجا ، کلود مونه یک پسر دوم به نام میشل داشت ، اما متأسفانه ، همسر اول کامیل خیلی زود درگذشت.
خانواده مونه تا سال 1881 در وتهویل زندگی می کردند.

کلود مونه با خانواده آلیس هوشده آشنا می شود ، وی چندین سال است که با او آشنایی دارد. آنها با هم زندگی می کنند ، بعداً آلیس همسر دوم او شد. اما در نقاشی های کلود مونه ، آلیس گوشد ، برخلاف کامیل ، بسیار نادر است. مدل های بوم این هنرمند دخترانش ، دختر ناتنی کلود مونه بودند.

"گلها در کرانه های رود سن نزدیک وتی" ، 1880.	"آلیس گوشده در باغ" ، 1881. همسر دوم آینده کلود مونه.	"راه پله در وتئا" ، 1881.
"جزیره گلها در نزدیکی وتیا" ، 1880 ، موزه هنر متروپولیتن ، نیویورک.	"گلها در وتئا" ، 1881.	"گلها در وتئا" ، 1881.

گل در گلدان

بیش از همه ، کلود مونه باغ و گلهای وحشی را دوست داشت ، اما گاهی اوقات او طبیعت بی رنگ ، دسته گل های شاخه بریده را نقاشی می کرد.

"گلهای بهاری" ، 1864. محل نقاشی در حال حاضر مشخص نیست.
البته ، در این بوم هنوز شناسایی هنرمند بزرگ آینده گرا امپرسیونیست دشوار است.

"گل داودی" ، 1878. موزه اورسی ، پاریس.

"دسته گل مالو" ، 1880.

"آفتابگردان" ، 1881. موزه هنر متروپولیتن ، نیویورک.

"گل داودی" 1882 موزه هنر متروپولیتن ، نیویورک.

"خشخاشهای بنفش" ، 1883. موزه Boijmans-van Beuningen ، روتردام ، هلند.

"شقایق" ، تقریباً 1885 ، مجموعه خصوصی.

"دو گلدان با گل داوودی". 1888 ، مجموعه خصوصی.

Giverny 1883 - 1926

در سال 1883 ، خانواده کلود مونه به Giverny نقل مکان کردند. این یک دهکده کوچک در منطقه ای زیبا در حاشیه رودخانه اپتس ، در محل تلاقی رود سن ، در حدود 80 کیلومتری پاریس است. کلود مونه تا آخر عمر در Giverny زندگی خواهد کرد.

در این زمان ، او قبلاً به یک هنرمند مشهور و فردی مرفه تبدیل شده بود. در سال 1890 ، او توانست خانه ای را در Giverny ، جایی که خانواده اش در آن زندگی می کردند ، خریداری کند. در خانه ، او یک کارگاه بزرگ را تجهیز کرد.

کلود مونه باغ خود را به طور قابل توجهی گسترش داد ، حوضچه ای را در آن ترتیب داد ، آبی که از مخزن مخصوص آبگیری در رودخانه Epte ساخته شده بود.

در آن سال ها ، کلود مونه به فرهنگ ژاپن ، چاپ های ژاپنی ، به ویژه چاپ های هنرمند بزرگ ژاپنی هوکوسای علاقه مند شد.
مونه یک باغبان ژاپنی برای مراقبت از باغ استخدام کرد که به او کمک کرد تا باغ به سبک ژاپنی را توسعه دهد. خود مونه به طور مستقیم در برنامه ریزی باغ مشارکت داشت. این هنرمند در مجله Revue horticole (Gardening Journal) مشترک شد ، گیاهان و گلها را از کشورهای مختلف جهان برای باغ خود سفارش داد.

این باغ بود که در سالهای آخر زندگی این هنرمند به عشق اصلی تبدیل شد. در آن کار می کرد و آن را به اشکال مختلف ، از نقاط مختلف ، در زمان های مختلف روز نقاشی می کرد. این باغ منبع اصلی الهام بخشیدن به این هنرمند شد.
در باغ ، مونه گل های مختلفی را رشد داد ، نیلوفرهای آبی در حوضچه رشد کردند ، "پل ژاپنی" معروف از آن طرف حوض پرتاب شد. او می توانست ساعتها باغ خود را تحسین کند ، کوچکترین تغییر در نور ، آب و هوا را مشاهده کند.
در پاییز 1899 ، کلود مونه شروع به نوشتن سریال معروف خود "نیلوفرهای آبی" کرد ، که تا پایان روزهایش روی آن کار کرد.

کلود مونه در باغ خود مقابل یک برکه با نیلوفرهای آبی ، 1905.

کلود مونه در باغ خود ، c. 1917 عکس: اتین کلمنتل.
تصاویر کمی "رنگی" و تار به نظر می رسند ، از آنجا که آنها تصاویر کلیشه ای بودند ، باید از طریق عینک های مخصوص رنگی مشاهده شوند ، سپس تصویر سه بعدی شد.

کلود مونه (راست) در باغ خود در Giverny. سال 1922 عکس با مجوز از نیویورک تایمز.

"کوچه در باغ" ، 1902. گالری Belvedere ، وین. "طاق شکوفا در Giverny" ، 1913. موزه هنر ققنوس ، آریزونا ، ایالات متحده آمریکا. "طاق صورتی در Giverny (طاق گل)". 1913 ، مجموعه خصوصی. "زنبق زرد" ، بین سالهای 1914-1917 موزه ملی هنر غربی ، توکیو. "مسیری بین عنبیه". 1714-1714 ، موزه هنر متروپولیتن ، نیویورک. "نیلوفرهای سفید". سال 1899 موزه پوشکین im. مانند. پوشکین ، مسکو.
استخر معروف نیلوفر آبی و پل ژاپنی. "برکه با نیلوفرهای آبی (پل ژاپنی)" ، 1899. موزه هنر متروپولیتن ، نیویورک. "برکه ای با سوسن. هماهنگی به رنگ سبز". 1899 ، گالری ملی ، لندن. "برکه ای با سوسن. هماهنگی به رنگ سبز". 1899 ، موزه اورسی ، پاریس. "نیلوفرهای آبی. هماهنگی به رنگ صورتی". 1900 موزه اورسی ، پاریس. "برکه ای با نیلوفرهای آبی". 1900 موسسه هنر ، شیکاگو.

در اولین بوم های مجموعه نیلوفرهای آبی ، کلود مونه برکه ای با یک پل ژاپنی را در پس زمینه گیاهان سرسبز باغ به تصویر کشید.

وی در آخرین کارهای خود ، به تصویر کشیدن برکه ای با نیلوفرهای آبی ، به عمد تمام قوانین چشم انداز پذیرفته شده را تحریف کرد ، خط افق را کنار گذاشت و فقط آب را با نیلوفرهای آبی نقاشی کرد. نیلوفرهای آبی که روی آب شناور هستند اغلب توسط مرزهای بوم قطع می شوند ، به نظر می رسد که حوض واقعی چیزی فراتر از آنچه در تصویر نشان داده شده است.
این مجموعه از "نیلوفرهای آبی" دارای بیش از 60 نقاشی است.

"نیلوفرهای آبی". سال 1906 انستیتوی هنر ، شیکاگو.
"نیلوفرهای آبی" ، 1916. موزه ملی هنر غربی ، توکیو. این بوم عظیم 2 متری یکی از رسا ترین موارد در مجموعه "نیلوفرهای آب" است. جزایر صورتی و زرد نیلوفرهای آبی در سطح آبی تیره ، سبز تیره و حتی بنفش آب برکه قرار دارند. کل تصویر در حال حرکت است ، ما ریشه های در هم تنیده نیلوفرهای آبی را مشاهده می کنیم. گلهای نیلوفرهای آبی به معنای واقعی کلمه از سطح آب بیرون زده اند. کلود مونه طبیعت بسیار ظریف داشت و می توانست همه ظرافت ها و سرریزهای آن را روی بوم های خود منتقل کند.
"نیلوفرهای آبی". 1920-26 موزه اورنجری ، پاریس.

در سال 1980 ، خانه و باغ کلود مونه در Giverny به روی عموم گشوده شد. اکنون یکی از محبوب ترین موزه ها در بین گردشگران در حومه پاریس است.

مقالات مشابه