"... no coração da teoria e prática cênica Brehta. Mentiras "verfremdungseffekt), o que é fácil de confundir com essas alienações com essas modificações" (EntfreMDung) Marx..

Para evitar confusão, é mais conveniente ilustrar o efeito do efeito sobre o exemplo cenário teatralonde é realizado imediatamente em vários níveis:

1) Fabul Plays contém duas histórias, uma das quais é uma parábola (alegoria) do mesmo texto com um significado mais profundo ou "existência"; Muitas vezes, Brecht pega parcelas famosas, encontrou "forma" e "conteúdo" em um conflito irreconciliável.

3) O plástico informa sobre o caráter do palco e sua aparência social, sua atitude em relação ao mundo do trabalho (gestus, "gesto social").

4) Dickey não é texto psicologizado, mas recria seu ritmo e textura teatral.

5) No jogo do ator, o artista não é reencarnado no caráter da peça, ele mostra ele como se à distância distante.

6) Recusa de dividir sobre atos em favor da "instalação" de episódios e cenas e da figura central (herói), em torno do qual a dramaturgia clássica (estrutura decentada) foi construída.

7) Apela ao salão, os zoys, a mudança de decorações na frente do espectador, a introdução de newsreel, títulos e outros "comentários to Action" também são misturando a ilusão do palco. Patrice Pavi, o dicionário do teatro, M., "Progresso", 1991, p. 211.

Separadamente estas técnicas são encontradas em um antigo grego, chinês, shakespevelsky, teatro de Chekhov, para não mencionar o Brecht moderno das produções do especulador (com quem ele colaborou), Meyerhold, Wakhtangov, Eisenstein (Ele sabia sobre) e agitprole. A inovação de Brecht era que ele deu-lhes uma sistemática, transformada em um princípio estético dominante. De um modo geral, este princípio é válido para qualquer linguagem auto-reflexiva artística, uma linguagem que atingiu a "autoconsciência". Para teatro nós estamos falando Em "Encontrar recepção", "show show".

Para as implicações políticas da "observação", bem como o termo, Brecht não veio imediatamente. Aceitou-se (através de Carl Korsha) com teoria marxista e (através de Sergey Tretyakov) com a "intenção" dos formalistas russos. Mas já no início da décima das décadas de 1920, ele ocupa uma posição irreconciliável em relação ao teatro burguês que tem um impacto suspenso e hipnótico sobre o público, o que a transforma em um objeto passivo (em Munique, onde Brecht começou, então o socialismo nacional estava ganhando momentum com seus passagens clicando e mágicas em direção a Shambhala). Tal teatro que ele chamou de "cozinhar", "indústria de comércio de drogas burguesas".

Pesquisa por um chumbo antídoto Brecht para entender as principais diferenças entre os dois tipos de teatro, dramático (aristotélico) e épico.

O teatro do drama procura conquistar as emoções do espectador para que o "ser" ser "se rendeu ao que está acontecendo no palco, perdendo a sensação da fronteira entre ato e realidade teatral. O resultado é purificação de afetas (como sob hipnose), reconciliação (com rocha, destino, "namoro humano", eterno e inalterado).

O teatro épico, pelo contrário, deve se voltar para as habilidades analíticas do espectador, despertar em dúvida, curiosidade, empurrando as relações públicas historicamente causadas por trás disso ou aquele conflito. O resultado é uma catarse crítica, uma consciência de não consciência ("O auditório deve estar ciente da irremissividade, reinando no palco"), o desejo de mudar o curso dos eventos (não mais no palco, mas na realidade). A arte de Brecht absorve a função crítica, a função da Metalanak, que é geralmente dada por filosofia, teoria artística e crítica, torna-se auto-crítica à arte - os meios da própria arte. "

Skidan A., Vigicht como Brecht e Warhol em um rosto, ou gênero-Advisyus, em Sat.: Unanic Classic: Dmitry Aleksandrovich Prigov (1940-2007) / Ed. E. Dobrenko et al., M., "nova revisão literária", p. 2010, p. 137-138.

Criatividade B. Brecht. Teatro Epic Brecht. "Momash coragem".

Bertold Brecht. (1898-1956) Nascido em Augsburg, no diretor da família da fábrica, estudado no ginásio, estava envolvido em medicina em Munique e foi chamado para o exército como sanitário. Canções e poemas de jovem Sanitar atraíram a atenção para o espírito de ódio à guerra, para os militares prussianos, ao imperialismo alemão. Nos dias revolucionários de novembro de 1918, Brecht foi eleito membro do Conselho de Soldado Augsburg, que testemunhou à autoridade de um poeta completamente jovem.

Já nos primeiros poemas da Breht, vemos uma combinação de cativantes, projetadas para memorização instantânea de slogans e padrões complexos que causam associação à literatura clássica alemã. Essas associações não são imitação, mas um repensar inesperado de velhas situações e técnicas. Brecht parece movê-los para uma vida moderna, faz você olhar para eles de uma nova maneira ", penso". Então, nas primeiras letras, Brecht cresce sua famosa recepção dramaturgical (* 224) de "observação". No poema "lenda do soldado morto", técnicas satíricas se assemelham a técnicas românticas: um soldado indo para a batalha no inimigo, tem sido um fantasma, as pessoas que o influenciam, são os retráteres de Fili, que literatura alemã há muito atraídas pelo disfarce. dos animais. E ao mesmo tempo, o poema de Brecht é um tópico - nele e entonação, e pinturas, e o ódio da Primeira Guerra Mundial. O militarismo alemão, a lupa Brecht da guerra e no poema de 1924 "Ballada sobre a mãe e os soldados" o poeta entende que a República de Weimar ainda não erradicou o pantantismo militante.

Durante os anos da República Weimar, o mundo poético de Brecht se expande. A realidade aparece em choques de classe aguda. Mas Brecht não se contentou apenas com a reclamação de pinturas de opressão. Seu poema é sempre uma chamada revolucionária: estas são a "canção da frente única", "Forky Glória de Nova York, cidades gigantes," Canção sobre o inimigo da classe ". Esses poemas são claramente mostrados, como no final dos anos 20, Brecht chega à visão de mundo comunista, já que sua rua de jovens espontânea cresce no revolucionismo proletário.

As letras de Brecht são muito largas em sua gama, o poeta pode capturar a imagem real da vida alemã em toda a sua concretização histórica e psicológica, mas pode criar um pensamento de poema, onde o efeito poético é alcançado por não uma descrição, mas o Precisão e profundidade de pensamento filosófico ligado a requintado, por meio de um alegado alegor. A poesia para Brecht é principalmente a precisão da pensamento filosófica e civil. Brecht considerou a poesia mesmo os tratados filosóficos ou um parágrafo civil do quebra-cabeça de jornais proletários (por exemplo, o estilo do poema "mensagem do camarada Dimitrov, que se juntou a Leipzig com o tribunal fascista" - uma tentativa de trazer a linguagem de poesia e jornais) . Mas essas experiências eventualmente convenceram Brecht que a arte deve falar longe da linguagem cotidiana. Nesse sentido, Brecht Lirik ajudou a Brehtu-drama.

Nos anos 20, Brecht aborda o teatro. Em Munique, ele se torna um diretor, e depois o dramaturg do teatro da cidade. Em 1924, Brecht se move para Berlim, onde funciona no teatro. Atua simultaneamente como dramaturgo e como teoréticos - reformador de teatro. Já durante esses anos, a estética de Brecht, sua visualização inovadora para as tarefas do drama e do teatro, foi desenvolvida em suas características decisivas. Brecht descreveu suas visões teóricas sobre a década de 1920 em artigos individuais e discursos, mais tarde unidos na coleção "contra a rotina teatral" e "a caminho do teatro moderno". Mais tarde, nos anos 30, a Brecht sistematizou sua teoria teatral, esclarecendo e desenvolvendo (* 225), em tratados "no drama neoistoteleano", "novos princípios de arte de atuação", "Pequeno Organon for Theatre", "compra de cobre" e Alguns outros.

Brecht chama sua estética e dramaturgo "épico", "Nearbothelevsky" teatro; Com esse nome, ele enfatiza seu desacordo com o mais importante, segundo Aristóteles, o princípio de uma antiga tragédia, percebida mais tarde, em maior ou menor grau por toda a tradição do mundo. O dramaturgo se opõe aos ensinamentos aristotélicos sobre o Qatarsis. A catarse é uma extraordinária e maior tensão emocional. Este lado do Qatarsis Brecht reconheceu e retido para seu teatro; Poder emocional, patos, manifestação aberta de paixões, vemos em suas peças. Mas a limpeza de sentimentos no qatarsis, segundo a Breht, levou à reconciliação com a tragédia, o horror vital tornou-se teatral e, portanto, atraente, o espectador nem seria avesso para sobreviver a algo semelhante. Brecht tentou constantemente dissipar as lendas sobre a beleza do sofrimento e paciência. Na "vida de Galileo", ele escreve que com fome não tem o direito de suportar a fome, o que "fome" não é apenas lá, e não mostrar paciência, céu agradável. "Brecht queria que a tragédia excite os reflexos sobre os caminhos de prevenindo a tragédia. Portanto, ele considerou a desvantagem de Shakespeare que sobre as idéias de suas tragédias é impensável, por exemplo, "a discussão sobre o comportamento do rei Lira" e a impressão é criada, como se o Monte Lyra seja inevitável: "Era sempre que é natural. "

A ideia de qatarsis, gerada por um drama antigo, estava intimamente relacionada ao conceito da predestinação fatal do destino humano. Os dramaturgos de seu talento revelaram toda a motivação do comportamento humano, em minutos de qatarsis como se o raio cobrisse todas as causas das ações humanas, e o poder dessas razões acabou sendo absoluto. É por isso que Brecht chamou o teatro aristotélico fatalista.

Brecht viu uma contradição entre o princípio da reencarnação no teatro, o princípio de dissolver o autor nos heróis e a necessidade da identificação visual imediata e agitacional da posição filosófica e política do escritor. Mesmo na maior sucesso e tendência no melhor sentido da palavra dos dramas tradicionais, a posição do autor, segundo Brecht, estava associada às figuras de ressonantes. Assim, o caso também estava em dramas de Schiller, que Brecht apreciou sua cidadania e pathos éticos. O dramaturgo acreditava com razão que os personagens dos personagens não devem ser "maneiras de ideias", que diminui o efeito artístico da peça: "... No palco do teatro realista, o lugar é apenas pessoas vivas, pessoas em carne e sangue, com todas as suas contradições, paixões e ações. A cena não é Herbário e não um museu onde o recheado ... "

Brecht encontra sua solução para essa questão contraditória: desempenho teatralA ação do palco não coincide com ele com as peças. Fabul, história atuando pessoas É interrompido por comentários diretos de direitos autorais, dispositivos líricos e, às vezes, até mesmo uma demonstração de experimentos físicos, ler jornais e peculiar, sempre relevante conferência. Brecht quebra a ilusão do desenvolvimento contínuo de eventos no teatro, destrói a magia da reprodução escrupulosa da realidade. Teatro - criatividade genuína, muito excedendo a verdade simples. Criatividade para Brecht e o jogo de atores, para os quais apenas "comportamento natural nas circunstâncias propostas" é completamente insuficiente. Desenvolvendo sua estética, Brecht usa tradições dedicadas ao esquecimento no teatro doméstico e psicológico do falecido XIX - início do século XX, ele introduz o coro e os zoys do moderno cabaré político para ele, desvios líricoscaracterística de poemas e tratados filosóficos. Brecht permite a mudança do início do comentário quando renovar suas peças: ele às vezes tem duas variantes das zonas e coros para o mesmo Fabul (por exemplo, vários procses na produção da "Three-China Opera" em 1928 e 1946).

A arte da reencarnação Brecht considerou o obrigatório, mas completamente insuficiente para o ator. Muito mais importante, ele acreditava na capacidade de mostrar, demonstrar sua personalidade no palco - e em civis e em plano Criativo. No jogo, a reencarnação deve ser alternada, para ser combinada com a demonstração de dados artísticos (declamação, plásticos, cantando), que são interessantes para a sua singularidade, e, mais importante, com a demonstração da posição civil pessoal do ator, seu credo humano.

Brecht acreditava que uma pessoa mantém a capacidade de livre escolha e uma decisão responsável nas circunstâncias mais difíceis. Nessa crença, o dramaturgo manifestou-se em uma pessoa, a profunda convicção é que a sociedade burguesa, com toda a sua influência decompondo, não pode bloquear a humanidade no espírito de seus princípios. Brecht escreve que a tarefa do "Teatro Epic" é forçar os espectadores a "recusar ... da ilusão de que todos no lugar da figura do herói agiriam também". O dramaturgo é profundamente compreendido pelo dialeto do desenvolvimento da sociedade e, portanto, estimulou a sociologia vulgar associada ao positivismo. Brecht sempre escolhe maneiras complexas e "imperfeitas" de expor a sociedade capitalista. "Primitivo político", de acordo com o dramaturgo, é inaceitável no palco. Brecht queria que a vida e as ações dos heróis nas peças da vida (* 227) da sociedade proprietária sempre tornasse a impressão de despercebida. Ele coloca uma tarefa muito difícil antes da representação do teatro: ele compara o espectador com o hydrostroiler, que "é capaz de ver o rio ao mesmo tempo e em sua direção válida, e nesse imaginário, segundo o qual ela poderia fluir, se A inclinação do platô e do nível da água seria diferente..

Brecht acreditava nisso imagem verdadeira A realidade não se limita à reprodução das circunstâncias da segurança social que existem categorias universais que o determinismo social não pode ser totalmente explicado (o amor da heroína do círculo cretáceo caucasiano de gracejo para uma criança abandonada indefesa, um impulso irresistível de Shen de ). Sua imagem é possível sob a forma de mito, símbolo, no gênero de plays-parables ou plays-parábola. Mas em termos de realismo social e psicológico, o drama de Brecht pode ser colocado em uma fileira com as maiores conquistas do Teatro Mundial. O dramaturgo seguiu cuidadosamente a lei básica do realismo do século X1X. - a concretude histórica das motivações sociais e psicológicas. Compreensão do coletor qualitativo do mundo sempre foi uma tarefa primária para ele. Resumindo seu caminho do dramaturgo, Escreveu Brecht: "Devemos nos esforçar por uma descrição cada vez mais precisa da realidade, e isso, do ponto de vista estético, um entendimento cada vez mais sutil e mais eficiente da descrição."

A inovação de Brecht também se manifestou no fato de que ele conseguiu apressar-se para as técnicas tradicionais tradicionais e indiretas não históricas, para a divulgação de conteúdo estético (personagens, conflitos, Fabul) com um início reflexivo abstrato. O que a integridade artística incrível dá, parece que a conexão conflitante de Fabul e o comentário? O famoso princípio de Brehtov de "observação" - ele permeia não apenas o comentário em si, mas também toda a estabilidade. "Emprego" da Breht e da ferramenta da lógica, e poesia em si, completam surpresas e brilho. Brecht faz a "observação" do princípio mais importante do conhecimento filosófico do mundo, a condição mais importante para a criatividade realista. Olhando em um papel, em circunstâncias não rompe por "visibilidade objetiva" e, portanto, menos serve realismo do que "obstáculo". Brecht não concordou com o fato de que a condução e reencarnação é o caminho para a verdade. K. S. Stanislavsky, que argumentou isso, foi, em sua opinião, "impaciente". Para o log não faz distinção entre a verdade e "visibilidade objetiva".

O Teatro Epic - representa uma história, coloca o espectador da posição do observador, estimula a atividade do espectador, força o espectador a tomar decisões, mostra o espectador outra parada, excita um interesse no espectador ao curso de ação, Refere-se à mente do espectador, e não ao coração e sentimentos !!!

Na emigração, a criatividade dramática de Brecht floresceu na luta contra o fascismo. Foi extremamente rico em conteúdo e diversificada em forma. Entre os lugares mais famosos de emigração - "Mãe coragem e seus filhos" (1939). O conflito mais nítido e trágico, mais crítico deve haver, de acordo com Brecht, o pensamento do homem. Nas condições da década de 1930, "mãe coragem" soou, é claro, como protesto contra a propaganda demagógica da guerra com os fascistas e foi dirigida à parte da população alemã que sucumbiu a esta demagogo. A guerra é retratada no jogo como um elemento, organicamente hostil à existência humana.

A essência do "Teatro Epic" torna-se especialmente claro devido à "coragem da mãe". O comentário teórico é combinado na peça com impiedosos em sua maneira realista de seqüência. Brecht acredita que é realismo que é o modo de exposição mais confiável. Portanto, na "coragem da mãe" tão consistente e temperada mesmo em pequenos detalhes "genuíno" face da vida. Mas deve-se ter em mente a biscuidade desta peça - o conteúdo estético dos personagens, ou seja, reprodução da vida, onde o bem e o mal são mistos, independentemente de nossos desejos, e a voz do próprio Brecht, não satisfeito com essa foto tentando aprovar bem. A posição de Brecht é manifestada diretamente nos procses. Além disso, como segue das instruções direcionais da Breht para o jogo, o dramaturgo fornece aos teatros grandes oportunidades para demonstrar o pensamento do autor com a ajuda de vários "obstáculos" (fotografias, projetos de filmes, apelo diretamente ao público).

Os personagens dos personagens da "coragem da mãe" são descritos em todas as suas complexas contradições. O mais interessante é a imagem de Anna firmando, apelidado de mãe coragem. A multifacetada deste personagem provoca uma variedade de sentidos de espectadores. A heroína atrai uma compreensão sóbria da vida. Mas ela é a produção do espírito mercantil, cruel e cínico da guerra de trinta anos. A coragem é indiferente às razões para esta guerra. Dependendo da vagina do destino, é regando sobre sua van, depois luterana, depois um banner católico. Coragem vai para a guerra na esperança de grandes Baryrs.

O conflito que se importa com Brecht entre a sabedoria prática e rajadas éticas infecta todo o jogo da paixão da disputa e da energia do sermão. Na imagem de Catherine, o dramaturgo pintou o antípodo da coragem da mãe. Nem a ameaça nem a coroa nem a morte causou a Catherina abandonar a solução ditada por seu desejo de pelo menos ajudar as pessoas. Uma coragem tangível se opõe a uma muda Catherine, uma façanha silenciosa da garota, pois vira todos os extensos argumentos de sua mãe.

O realismo de Brecht se manifesta no jogo não apenas no resultado dos personagens principais e no historismo de conflitos, mas também na fiabilidade da vida das pessoas episódicas, na multi-palco de Shakespeare, assemelhando-se a um "Falstfovsky". Cada personagem, puxando para o conflito dramático da peça, vive sua vida, adivocamos seu destino, sobre o passado e da vida futura E como se ele ouviu todas as vozes no coro de guerra da guerra.

Além da divulgação do conflito, pela colisão dos personagens, a Breht complementa a imagem da vida no jogo pelo progresso, no qual a compreensão direta do conflito é dada. A estação mais significativa é "uma música sobre grande humildade". Esta é uma visão complexa da "observação" quando o autor age como se estivesse de seu rosto de sua heroína, afiando suas provisões erradas e assim argumentou com ela, inspirando a dúvida do leitor na sabedoria da "grande humildade". A irmã cínica mãe coragem brecht encontra sua própria ironia. E a ironia de Brecht lidera o espectador, completamente já timidamente a filosofia de tirar a vida como é, para uma olhada completamente diferente para o mundo, para entender a vulnerabilidade e a fragrância do compromisso. Canção de humildade é uma espécie de contraparte estrangeira, que permite que você entenda a verdadeira, se opondo à sabedoria de Creht. Todo o jogo, crítico do compromisso prático e completo "sabedoria" da heroína, é uma disputa contínua com uma "música sobre grande humildade". A coragem da mãe não se vira no jogo, tendo sobrevivido a um choque, ela saberá "sobre sua natureza não é mais do que um coelho experimental sobre a lei da biologia". A experiência trágica (pessoal e histórica), enriquecendo o espectador, não ensinou a mãe da coragem e não a machucou. Catarse, experimentada por ela, acabou por ser completamente infrutífera. Então Brecht argumenta que a percepção da tragédia da realidade é apenas no nível de reações emocionais em si não é conhecimento do mundo, há pouco diferente da plena ignorância.

4. Brecht. Jogar. A especificidade do Teatro Epic.

11. Efeito da alienação no Teatro Epico de Breht.

"Claro, a reestruturação completa do teatro não deve depender de algum capricho artístico, basta corresponder a uma completa reestruturação espiritual do nosso tempo", escreveu o próprio Berrtold Brecht em seu trabalho "Reflexões sobre as dificuldades do Teatro Epico".

Brecht recusa a ação da câmara e a imagem de relacionamentos privados; Recusa de dividir sobre atos, substituindo-o por uma colisão de crônica com uma mudança de episódios na cena. Brecht retorna uma história moderna para a cena.

No Teatro Aristotélico, o espectador é maximamente envolvido na ação do palco. De acordo com Brechtu, o espectador deve permanecer capaz de conclusões lógicas. Brecht acreditava que o horror experimentado pelo espectador no teatro leva à humildade \u003d\u003e O espectador perde a oportunidade de avaliar o que está acontecendo objetivamente . Brecht aposta na terapia da mente, não emoção.

A visão de Brecht e o visualizador teatral é extremamente interessante. "Eu sabia que você quer se sentar silenciosamente no auditório e pronunciar seu veredicto sobre o mundo, e também para verificar o seu conhecimento das pessoas, fazendo uma aposta em um ou outro deles no palco (...) Você valoriza a participação em alguns Emoções sem sentido, se você é deliciado ou o desânimo que torna a vida interessante. Em suma, tenho que prestar atenção ao fato de que seu apetite fortaleceu no meu teatro. Se eu trazer o ponto antes de você ter uma caçada para fumar um charuto, e exceder a si mesmo, alcançar o fato de que, em certos momentos, vai desaparecer, ficaremos satisfeitos um com o outro. E isso é sempre a coisa mais importante ", escreveu Brecht em uma de suas obras.

Brecht não requer o espectador de fé no que está acontecendo, do ator de completa reencarnação. "O contato entre o ator e o espectador devem ter surgido em uma base diferente do que a sugestão. O espectador deveria ter sido liberado da hipnose e do ator para remover o ônus da reencarnação completa no personagem representado por ele. O jogo do ator tinha que de alguma forma introduzir um pouco de afastamento do personagem representado por ele. O ator tinha que ter a oportunidade de criticá-lo. Junto com esse comportamento da pessoa existente, foi necessário mostrar a possibilidade de outro comportamento, tornando possível escolher e, portanto, crítica ", escreveu o próprio Brecht. No entanto, não é necessário se opor completamente a dois sistemas - o próprio Brecht encontraram muito necessário e necessário no sistema Stanislavsky, e, como disse Brecht, "ambos os sistemas (...) têm, de fato, diferentes pontos de origem e afetam várias questões. Eles não podem ser como polígonos, apenas "impõem" a outro a descobrir do que diferem um do outro ".

Técnica de citação. A ação do palco é construída de tal maneira que é como uma cotação na tag da narrativa. "Citação" de Brecht é semelhante à técnica do cinema - no filme, essa recepção é chamada "influxo" (um close-up é mostrado pela face do recall - e imediatamente após a cena pela cena em que ele já é uma pessoa ativa. "Influxo" muitas vezes usado, por exemplo, o famoso diretor Ingmar Bergman.

Para entender o Teatro Epic, o chamado "efeito de troca" é importante, que apareceu desde os 30 anos do século XX. Alienação - uma série de técnicas que contribuem para a criação de uma distância entre o espectador e a cena e dão ao espectador a oportunidade de permanecer observador. Emprestou o termo "alienação" por Hegel (conhecimento do conhecido que você precisa para vê-lo como desconhecido). O objetivo de tal recepção é sugerir o espectador de uma atitude analítica e crítica para os eventos retratados.

"A libertação da cena e o auditório de toda a" mágica ", a destruição de quaisquer" campos hipnóticos ". Portanto, abandonamos tentativas de criar uma atmosfera no palco de um determinado local de ação (sala à noite, estrada de outono), bem como tentativas de chamar certo humor discurso ritmizado; Nós não "aquecemos" o público com o temperamento irrestrito de atores, não "fascinar" seu jogo pseudo-excedente; Eles não se esforçaram pelo público para entrar no transe, eles não procuravam inspirar sua ilusão, como se estivesse presente com um natural, não aprendido antecipadamente. " , escreveu Brecht.

Métodos para criar um efeito de alienação:

1) use a base de outra pessoaMas repensando de acordo com suas tarefas. Por exemplo, a famosa "Three-China Opera" de Brecht - Paródia da Opera Heine.

2) usando o gênero de Parabolla., isto é, a parábola instrutiva. "Bom homem de Sichuani" e "Círculo Caucasiano"

3) o uso de parcelas com uma fundação lendária ou fantástica; 4) Observações de direitos autorais; coros e zona, muitas vezes em conteúdo como se caindo da ação e, como resultado, aliená-lo; uma variedade de reestruturação na cena em frente ao público; detalhes mínimos; Usando a projeção de textos em escudos e muito mais.

O sistema Brecht é definitivamente inovador para o século XX, mas não surgiu do zero.

Influência fornecida:

1)Teatro Elizavetano. E os dramas da era de Shakespeare (Adereços mínimos, épicos, em uma galeria crônica popular, a atualização de princípios de enredo de longa data em episódios e cenas independentes).

2)Teatro do leste asiáticoOs efeitos da alienação, a distância distantiva e o espectador - foram usados \u200b\u200bmáscaras, manifestação da maneira do jogo,

3)Tarefa Home da Iluminação da Estética - Iluminação do espectador, no espírito de Didro, Voltaire e Lessing; Citação, delegação da junção; Circunstâncias experimentais que eram semelhantes à tradição de voltaire.

O teatro épico não é endereçado a emoções, mas à mente das pessoas, permite que você analise silenciosamente a peça; A análise também envolve a busca da saída da situação em que os heróis estão localizados. Um amigo que parece desconhecido, estimula uma posição crítica e incentiva o espectador à ação - esta é a manifestação do efeito da troca. Como resultado, uma posição de vida ativa é criada, porque apenas o refletir e na busca de uma pessoa pode, em Brecht, para se juntar ao trabalho sobre a mudança no mundo.

Teatro épico.	Aristotélico, teatro tradicional
Afeta a mente do espectador, ilumina	Emoções afetam
O espectador continua sendo um observador calmo, calmo a conclusões lógicas. Brecht adorava que no Teatro Elizabethan fumava. "O espectador do teatro dramático diz:" Eu choro de chorar, eu rio ... em épico: "Eu ri de chorar, eu choro rindo" - a paradoxicidade disso (citação aproximada de Brecht.	Envolvido na ação, (Catharsis. Inaceitável para Brecht). Horror e sofrimento levam à reconciliação com a tragédia, o espectador fica pronto para sobreviver a algo semelhante na vida, Brecht tem uma terapia de erupção cutânea, não emoções. "Correspondência, mascarando soluços", disse Sartre sobre literatura. Perto.
A principal ferramenta é uma história, uma história, o grau de convenção aumenta, e há menos convenções	O remédio principal é imitar a vida através da imagem, mimesis - a criação da ilusão da realidade, o mais próximo possível, eu considerei brecht
Brecht não exigiu do espectador da fé, ele exigiu fé: não acreditar, mas pense. O ator deve estar perto do caminho, não reencarnado para julgar os sensatamente, não precisa de uma maneira de demonstração do jogo.	O ator deve ser ou se tornar um personagem, isto é. Reencarnado, então o que fundei o sistema Stanislavsky: "Eu não acredito".

Sobre Teatro Aristotélico e Tradicional Leia mais, para revisão:

O conceito central no teatro aristotélico é mimesis, isto é, imitação. "... O conceito estético de mimesis pertence a Aristóteles. Inclui e exibindo adequadamente a realidade (coisas "como elas eram ou há"), e as atividades da imaginação criativa ("como elas falam e pensam"), e a idealização da realidade ("o que deveriam ser"). Dependendo da tarefa criativa, o artista pode conscientemente ou idealizar seus heróis (poeta trágico), ou apresente-os de forma engraçada e sem graça (autor da comédia), ou retrá-los em forma normal. O objetivo da mimesis em Art, por Aristóteles - a aquisição de conhecimento e início do sentimento de prazer da reprodução, contemplação e cognição do assunto. "

A ação do palco deve ser capaz de imitar a realidade o máximo possível. O teatro aristotélico é uma ação que toda vez acontece como se pela primeira vez, e o público se torna sua testemunha involuntária, emocionalmente imersa nos eventos.

O principal é sistema Stanislavsky, de acordo com o qual o ator deve ou se tornar um personagem. A Fundação: separação da atuação de três tecnologias: artesanato, experiência e apresentação. Artesanato - Selos prontos, segundo os quais o espectador pode entender definitivamente quais emoções significam um ator. Apresentação - No processo de ensaios longos, o ator está experimentando experiências genuínas que criam automaticamente a forma de manifestação dessas experiências, mas no próprio ator, esses sentimentos não estão experimentando, mas só reproduz a forma, padrão externo pronto . Na arte das experiências, o ator no jogo está experimentando experiências genuínas, e isso dá à luz a vida da cena. Assim, estamos confrontados com mimesis - o ator deve imitar maximamente imitar seu personagem.

Mais sobre o efeito da alienação (11 pergunta)

A teoria e a prática do Epic Theatre Brecht introduz o efeito da alienação, isto é, várias técnicas que contribuem para a criação de uma distância entre o espectador e a cena e o espectador dá ao espectador para permanecer um observador. O termo "alienação" Brecht Bor não em Hegel: para ser desativado, familiar deve ser mostrado e visto como familiar. Brecht é uma tríade dialética: entender - não para entender-se entender (desenvolvimento espiral).

A situação ou a natureza do conteúdo aparente, o dramaturgo inspirou o espectador uma posição crítica e analítica ao descrito.

Ladrões - a essência dos burgueses. Existem ladrões burgueses?

Maneiras de criar um efeito de isenção que caracteriza a poética e a estética do teatro

Maneiras dramáticas:

- plotype. (muitas vezes resorts ao uso da fundação de outra pessoa, para as parcelas emprestadas: paródia de "mendigos de ópera, paródia de ...)

- muitas vezes resorts ao gênero de parábola - Play-parábolas instrutivas, onde há um plano de ação real e um plano alegórico (parcelas geralmente têm lendário ou essencial. Noções básicas)

- muitas vezes usam ações paralelas (Elizabetinianos foram usados, incluindo Shakespeare), imagens paralelas (Shen De-Shoy Sim)

Para brecht paradoxalistas mostram wilde, Brecht excede em paródia graças à arte de uma linguagem alienada (Veja "MOMA COREAGE")

- observações, cenas anteriores, + anormalidades, epilogs

Métodos do palco:

E os zoys dramáticos também - Brecht, suas músicas, números musicais, muitas vezes em conteúdo suspenso da ação e aliená-lo. Realizado sempre em um avanço com iluminação de zona de ouro, deve ser precedido por um emblema descendente da grelha: o ator muda sua função - não deve apenas cantar, mas também para retratar uma pessoa cantada, se os músicos + um cálculo especial de minutos também são visíveis. Acontece que Brecht transmite direitos autorais na prisão. Chamados coros e zooms de drama interruptores para o plano épico

- perestroika na cena com a cortina, preparação de músicos, mudança de adereços, artistas de vestir, projetando uma natureza insinuando - tudo isso deve forçar o espectador a restaurar a distância entre si Analytics e o palco-teatral

- prefere uma cena vazia, usa um mínimo de adereçosMas muitas vezes resorts no palco para escudos, para o design do texto na tela de trás. Cabeçalhos aquecidos \u003d Tentativa de teatro literário, o que significa a fusão de incorporada com o formulado (28 anos).

- resorts a máscarasFaz o uso de máscaras esculturais e máscaras de maquiagem (também usadas no teatro oriental) ex. Contraste de boa irmã e mau irmão em "bom homem ..."

Na prática, a mais consistentemente breht incorpora sua teoria nos anos 30-40 nos gêneros de "crônica histórica" \u200b\u200b(a brincadeira "mãe" coragem e seus filhos "sobre o destino do Markatka, que está perdendo três crianças por 12 anos, porque do desejo de guerra para corrigir seus assuntos. tópico principal - Dialética do bem e do mal começou na natureza do homem - expressa em uma pessoa - de acordo com Shakespeare, este é um antagonista com ele mesmo).

1940 - Play parabólico "Bom homem ...": O tópico se desenvolve sobre o exemplo de duas pessoas (ideias) - Shoi Sim - um mau irmão - e Shen de - uma irmã gentil. Irmão e irmã é uma heroína de olhos bonitos. Então, através do enredo do paradoxo, Brecht fala sobre o mundo em que boas necessidades no mal.

43-45. "Caucasiano Circle Circle": Nedlaudic Herói Wise Juiz Azdak: suborno, bêbado, Clodnik, covarde, judicialmente justo e se recusando ao manto judicial ("estou muito quente") - agitou virtudes com vícios ... quase justiça de arbitragem.

B. Brecht (1898 - 1956) - Um conhecido escritor alemão, dramaturgo e diretor, era um anti-fascista ativo. Suas obras em seu significado são profundamente filosóficas.

Bertolt Brecht (1898-1956) nasceu em Augsburg, no diretor da família da fábrica, estudou no ginásio, estava envolvido em medicina em Munique e foi chamado para o exército como sanitário. Nos anos 20, Brecht aborda o teatro. Em Munique, ele se torna um diretor, e depois o dramaturg do teatro da cidade. Em 1924, Brecht se move para Berlim, onde funciona no teatro. Atua simultaneamente como dramaturgo e como teoréticos - reformador de teatro.

"Brecht chama sua estética e dramaturgo" épico "," Neoistoteleevsky "Teatro; este nome é enfatizado por seu desacordo com o mais importante, segundo Aristóteles, o princípio de uma antiga tragédia, percebida mais tarde, em maior ou menor grau pelo Tradição de teatro do mundo inteiro. O dramaturgo se opõe a exercícios de Katarsis aristotélicos. A catarse é uma tensão emocional extraordinária e superior. Este lado da Catarsis Brecht reconheceu e retido para seu teatro; poder emocional, pathos, manifestação aberta de paixões que vemos em suas peças. Mas o Limpeza de sentimentos em Qatarsis, de acordo com Brecht, levou à reconciliação com a tragédia, o horror da vida tornou-se teatral e, portanto, atraente, o espectador nem se importaria em sobreviver a algo semelhante.

Brecht desenvolveu uma teoria especial do chamado "Teatro Epico". A fim de imaginar mais claramente a essência da nova abordagem à interpretação de obras dramáticas, algumas palavras, vamos me dizer por que ele chamou de "épico". Épico geralmente chamam grandes obras literáriascontando sobre eventos históricos significativos. Note-se que a identidade da própria narrativa é formalmente eliminada ao limite. Em seu teatro, Brecht se concentra em eventos históricos significativos. Quanto à "eliminação" do autor, esta circunstância de Brecht em alguns casos ignora. Para ele, o "copyright" adquire fundamental importância.

Brecht chamou sua posição no drama, Brecht chamado sócio-crítico. Sua atitude em relação à tradição aristotélica foi caracterizada pelo desejo de manter todos os valiosos e úteis para o novo teatro, não cruze a tradição, não os negligencie, mas para expandir e complementar os primeiros meios usados \u200b\u200bpara resolver os problemas da modernidade. Com base na análise de vários trabalhos, você pode oferecer a seguinte tabela comparativa.

Tempo como um fator

decisões "Aristotelian" Drama

da épica

Drama "aristotélico"

1. Um empate, clímax e

junção. .

2. Unidade de ação dramática.

3. A cena incorpora o evento.

4. Ação completa.

5. Na cena dos eventos do passado ..

6. Certa cronologia

ordenadamente. Formação

Drama épico B. Brecht

1. Vários climats e junções.

2. Tempo dramático.

3. Na história do palco sobre eventos.

4. Abra as finais.

5. Na cena, um transpassão temporário.

6. Operação livre.

Brecht argumentou que no teatro tradicional, a vida visível, mas pouco clara. Em seu teatro para esclarecer a vida, ele usa custos adicionais do tempo de palco: parece que o autor é avaliado pelo evento. Brecht corajosamente muda a ação de uma formação de uma vez para outra. Ao mesmo tempo, deve-se notar que Aristóteles teve seus profundos motivos para aprovar princípios teatrais relevantes. Primeiro de tudo, deve-se ter em mente que no teatro, como em outros tipos de arte, a síntese da verdade e da ficção é realizada. Aristóteles era importante que o espectador acredite no que está acontecendo no palco. Foi para isso que as parcelas correspondentes do passado foram selecionadas, de mitos; Artistas realizados como heróis, espectadores famosos.. Principalmente, é por isso que os eventos do passado são revelados no drama.

11. "Epic Theatre" - Representa uma história, coloca o espectador da posição do observador, estimula a atividade do espectador, força o espectador a tomar decisões, mostra o espectador outra parada, inicia um interesse no curso de ação, refere-se à mente do espectador e não ao coração e aos sentimentos.

Na emigração, a criatividade dramática de Brecht floresceu na luta contra o fascismo. Foi extremamente rico em conteúdo e diversificada em forma. Entre os lugares mais famosos de emigração - "Mãe coragem e seus filhos" (1939). O conflito mais nítido e trágico, mais crítico deve haver, de acordo com Brecht, o pensamento do homem. Nas condições da década de 1930, "mãe coragem" soou, é claro, como protesto contra a propaganda demagógica da guerra com os fascistas e foi dirigida à parte da população alemã que sucumbiu a esta demagogo. A guerra é retratada no jogo como um elemento, organicamente hostil à existência humana.

A essência do "Teatro Epic" torna-se particularmente claro devido à "coragem da mãe. Piez Biblanova - conteúdo estético dos personagens, ou seja, a reprodução da vida, onde o bem e o mal são misturados independentemente de nossos desejos, e a voz do próprio Brecht, não Satisfeito esta imagem tentando aprovar bem. A posição de Brecht é manifestada diretamente nos procses (ZONC - no Teatro B.brChta - Ballad, executado na forma de um comentário intermediário ou de direitos autorais (paródia) de um personagem grotesco com vagabilidades plebean , perto do ritmo de jazz.)

isto drama histórico E ao mesmo tempo alegoria do povo alemão. A fonte literária da peça foi a história do escritor alemão. Brecht usou certos motivos da história, mas criou seu próprio trabalho completamente diferente. Brecht escreveu sobre a falha e a tragédia da mãe, sobre ilusão e destino trágico Pessoas. A ação da peça ocorre na era da guerra de trinta anos. A novidade da abordagem a este tópico parecia principalmente em ênfase no destino das pessoas comuns. Os personagens dos personagens da "coragem da mãe" são descritos em todas as suas complexas contradições. O mais interessante é a imagem de Anna firmando, apelidado de mãe coragem. A heroína atrai uma compreensão sóbria da vida. Mas ela é a produção do espírito mercantil, cruel e cínico da guerra de trinta anos. A coragem é indiferente às razões para esta guerra.

O conflito que se importa com Brecht entre a sabedoria prática e rajadas éticas infecta todo o jogo da paixão da disputa e da energia do sermão. O jogo de Brecht Heroine como era, não estaria envolvido na guerra, ela é uma mãe de três filhos, um homem de profissão pacífica e apenas negociações com diferentes ninharias. Mas ela segue com sua idade depois das tropas, seus dois filhos e filha nasceram durante caminhadas militares de diferentes pais, as receitas da mãe se banha dependem do movimento dos assuntos militares. Ela se alimenta à despesa da guerra. Tudo o que ela deu guerra, ela não quer entender o quanto esses dons são não confiáveis. Cozinhado, enérgico, vivo, afiado na língua, não em vão coragem vãs "Franz: coragem, coragem. A heroína de Brecht acredita que ela se proporcionou plenamente que estava firmemente na Terra. No entanto, a guerra está batendo no golpe. Brecht e neste trabalho constrói o enredo, o teste impudente da heroína e confrontado em cada um deles universal e social. Então a mãe coragem perde todas as crianças. Pode parecer que eles estão morrendo por causa de suas vantagens: Eilif - devido à coragem, Schwe Carrine - devido à honestidade, Catherine - por causa da dedicação. Na imagem de Catherine, o dramaturgo pintou o antípodo da coragem da mãe. Nem a ameaça nem a coroa nem a morte causou a Catherina abandonar a solução ditada por seu desejo de pelo menos ajudar as pessoas. Uma coragem tangível se opõe a uma muda Catherine, uma façanha silenciosa da garota, pois vira todos os extensos argumentos de sua mãe. Mas a verdadeira causa da morte de seus filhos está morrendo devido ao fato de que eles não conseguiram se rebelar contra a guerra no tempo. Em sua morte, os caras e a propriedade da guerra, e sua própria mãe, na consciência dos quais tudo acabou por ser suavemente de suas pernas, tanto que viu a fonte de não morte na guerra e da vida. A peça é completada pela música, realizada pelo amargo sucesso das pessoas comuns que vêm aos agressores.

O realismo da Breht se manifesta no jogo não apenas no resultado dos personagens principais e no historismo de conflito, mas também na vitalidade dos episódicos. Cada personagem, atraído para o conflito dramático da peça, vive sua vida, adivemos ao seu destino, sobre a vida passada e futura.

Além da divulgação do conflito, pela colisão dos personagens, a Breht complementa a imagem da vida no jogo pelo progresso, no qual a compreensão direta do conflito é dada. A estação mais significativa é "uma música sobre grande humildade". Esta é uma visão complexa da "observação" quando o autor age como se estivesse de seu rosto de sua heroína, afiando suas provisões erradas e assim argumentou com ela, inspirando a dúvida do leitor na sabedoria da "grande humildade". Todo o jogo, crítico do compromisso prático e completo "sabedoria" da heroína, é uma disputa contínua com uma "música sobre grande humildade". Mãe coragem, tendo sobrevivido a choque, não torce no jogo. Experiência trágica (pessoal e histórica) não ensinou a mãe coragem e não a machucou. Então Brecht argumenta que a percepção da tragédia da realidade é apenas no nível de reações emocionais em si não é conhecimento do mundo, há pouco diferente da plena ignorância.

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Efeito da observação no conceito dramático de Brecht.

Bertold Brecht também mostrou seu talento literário de anos escolares, e então ele se expressou criticamente sobre a guerra. Posteriormente, quando ele foi encorajado a guerra como Sanitar, suas opiniões apenas fortalecidas. Em seu trabalho, o ódio manifestou-se não apenas aos militares, mas também para a classificação que o cria. Em 1918, ele escreve sua famosa "lenda do soldado morto", com frases:

"Qualquer aula tem o seu próprio

Músicos sóbrios e uivo

Sacerdotes - magra e devoto

E médicos - adequados em linha. "

Por isso pelas autoridades nazistas, ele foi inserido na lista de execução. Apesar do fato de que suas peças que promovam as idéias socialistas não muito populares do autor, muitas vezes pareciam ovos podres, em 1922, ele recebe um prêmio muito prestigiado. Em 1924, o famoso diretor Max Rebanardtpregula Brecht pelo dramaturgo em seu teatro em Berlim. Aqui Brecht se aproxima do Criador do Teatro Revolucionário de Trabalho E. Pisitor, Ator E. Bush, compositor G. Eisler e outros artistas. Sob essas condições, Brecht se esforça conscientemente à arte, perto de pessoas, arte que desperta a consciência das pessoas, ativa sua vontade. Rejeitar o dramaturgo decadente, levando o espectador dos problemas mais importantes da modernidade, Brecht representa um novo teatro, projetado para se tornar um educador do povo, maestro de idéias avançadas.

No trabalho "a caminho do moderno teatro", "dialética no teatro", "no drama mais próximo" e outros publicados no final dos anos 20 da década de 1930, Brecht critica a arte moderna moderna e estabelece as principais disposições da sua Teoria "Teatro Epic ». Estas disposições dizem respeito a agir, construindo um trabalho dramático, música teatral, cenário, uso de filmes. Brecht chama suas chamadas de drama "Nossotevskaya", "épico". Este nome é devido ao fato de que o drama habitual é baseado nas leis formuladas por Aristóteles em seu trabalho "poética" e exigindo ator emocional compulsório esfriando na imagem.

Para implementar as disposições do "Teatro Epic", o BrCHT usa em sua prática criativa o "efeito de troca", ou seja, a nomeação artística, cuja nomeação é mostrar aos fenômenos da vida de um lado incomum, para fazer um diferente Olhe para eles, para avaliar criticamente tudo o que acontece na cena. O principal é que eu não atiro ao Brecht no Teatro Clássico, é isso que qatarsis se torna a conclusão do drama, o efeito é limpeza. Assim, a Qatarsis reconcilia o espectador com a vida, ele comparou sua ação com uma droga leve. De acordo com Brecht, é ruim, o moderno teatro deve mostrar a intolerância da situação existente das coisas, deve ensinar ao espectador a superar a ordem mundial.

Foi por isso que precisava de um "efeito de observação". O espectador teve que se superar em um herói, para realizar um paralelo entre ele, se conhecendo nele, mas não mergulhar com a cabeça, mas para vê-lo, e conveniente, do lado. O herói da situação em que se revela pode parecer insuperável, o público deve ver a saída e entender como lidar com isso.

Além disso, sua teoria permitiu, pode-se dizer, recomendou que o drama usasse o material literário ou teatral de outra pessoa, que o espectador é bem adquirido - será melhor recriar o "efeito da observação". Como exemplo, você pode considerar a peça, que ele escreveu com base no Schiller "Orleans Virgin" - "Santo John Skotogen". Nele, ele paródia mudou o enredo de Schiller, transformando suas réplicas em uma espécie de diálogo, disputa ideológica entre dois dramaturgos.

Na forma de realização de suas peças, a Brecht também recorre aos "efeitos da observação". Ele introduz, por exemplo, nos coros de jogo e músicas solo, chamado "zoi". Essas músicas nem sempre são executadas como se "no curso da ação", naturalmente se encaixem no que está acontecendo em cena. Pelo contrário, eles geralmente enfatizavam a queda da ação, interrompem e "encontrar" ele, sendo realizado no pendente e dirigido diretamente ao auditório. Brecht, mesmo especificamente, enfatiza este momento quebrando a ação e a transferência do desempenho para outro plano: Durante a execução das zonas de perfidores, um emblema especial desce ou em cena, uma iluminação especial "celular" é ligada. Parece, por um lado, são projetados para destruir o impacto hipnótico do teatro, impedir a ocorrência de ilusões do palco, e, por outro lado, eles comentam os eventos de cena, os avaliam, contribuem para o desenvolvimento de julgamentos críticos de o público.

Toda a técnica encenada no Teatro Brecht é repleta dos "efeitos da observação". Perestroika em cena é frequentemente produzido com uma cortina suspensa; O design é "insinuando" na natureza - é extremamente colher, contém "somente necessário", isto é, o mínimo de decorações que transmitem sinais característicos de lugares e tempo, e o mínimo dos detalhes utilizados e participantes da ação; máscaras se aplicam; A ação às vezes é acompanhada por inscrições projetadas na cortina ou backbone e transmitindo em uma forma afetiva ou paradoxal extremamente apontada, o significado social de Fabul, e assim por diante.

Brecht não considerou o "efeito de observação" como uma característica característica de seu método criativo apenas. Pelo contrário, vem do fato de que esta técnica é mais ou menos em geral inerente à natureza de qualquer arte, já que não é a maior realidade, mas apenas sua imagem, que, não importa quão perto da vida, ainda Seja idêntico, portanto, conclui isso ou essa medida da Convenção, isto é, o afastamento, "obstáculos" da imagem da imagem. Brecht encontrou e demonstrou uma variedade de "efeitos de observação" no teatro antigo e asiático, na pintura de Bruegel-senior e Cesanna, no trabalho de Shakespeare, Goethe, Fikhthanger, Joyce e outros. Mas ao contrário de outros artistas que têm Uma "observação" pode apaziguar espontaneamente., Brecht - um artista do realismo socialista - conscientemente liderou essa técnica em estreita relação com os desafios públicos que ele perseguiu com seu trabalho.

"A opinião habitual é tal", escreve em uma das notas - que a obra de arte é mais realista do que a maneira mais fácil de descobrir a realidade. Eu contribuo com isso para a definição que a obra de arte é mais realista do que mais conveniente para o conhecimento, a realidade é dominada. " O mais conveniente para o conhecimento da realidade Brecht considerou o condicional, "lutado", que inclui o alto grau de generalização da forma de arte realista.

A teoria do Teatro Epic e a teoria da "observação" são a chave para toda a obra literária de Brecht em todos os gêneros. Eles ajudam a entender e explicar as características mais essenciais e fundamentalmente importantes e sua poesia, e prosa, sem mencionar o drama. No entanto, Brecht nunca considerou sua teoria de finalmente formulada e até o final de sua vida trabalhou em sua melhoria.

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