Arquitetura e escultura da Grécia antiga

As cidades do mundo antigo geralmente apareceram perto do alto penhasco, a cidadela foi erguida para ser onde se esconder se o inimigo penetra na cidade. Tal cidadela era chamada de Achropole. Da mesma forma, em uma rocha, que aumentou quase 150 metros acima de Atenas e há muito tempo servido como uma estrutura defensiva natural, a cidade superior na forma de uma fortaleza (Acrópole) foi gradualmente formada com várias instalações defensivas, públicas e de culto.
O Athenium Acrópole começou a ser carregado por outro II Millennium BC. Durante as guerras gregas-persas (480-479 aC), foi completamente destruída, mais tarde sob a orientação do escultor e arquiteto Fidiya iniciou sua recuperação e reconstrução.
A Acrópole refere-se a esses lugares: "Sobre o qual todos são roubados que são ótimos, únicos. Mas não pergunte por quê. Ninguém pode responder ... " Pode ser medido, você pode até recalcular todas as suas pedras. Não é um trabalho tão grande para sair do final até o fim - apenas alguns minutos sairá. As paredes da acrópole são íngremes e quebram. Quatro grandes criações ainda estão nesta colina com encostas rochosas. Uma estrada larga ziguezague vem do pé da colina até a única entrada. Esta propilétia é um portão monumental com colunas em estilo Dórico e uma escadaria larga. Eles foram construídos pelo personagem dos homens do arquiteto em 437-432 aC. Mas antes de entrar nesses majestosos portões de mármore, todos involuntariamente se transformaram na direita. Lá, em um alto pedestal de bastião, uma vez guardou a entrada da Acrópole, o Templo da Vitória de Deusa Niki Aptereos, decorada com colunas iônicas. Este é o trabalho do arquiteto Kallicrat (a segunda metade do século V BC). O templo é leve, ar, extraordinariamente bonito - destaque para fora para o seu branco no céu azul. Isso é um frágil, semelhante a um brinquedo de mármore gracioso. O edifício como se estivesse sorrindo e a torna carinhosamente sorrir os transeuntes.
Os deuses inquietos, ardentes e ativos da Grécia eram como os próprios gregos. É verdade que eles eram mais altos do que o crescimento, sabiam como voar pelo ar, para assumir qualquer aparência, se transformar em animais e plantas. Mas em todo o resto, eles se comportavam como pessoas comuns: casadas, enganaram-se, brigaram, colocaram, punir crianças ...

Templo Demetra, construtores são desconhecidos, vi. Bc. Olympia.

Templo Nicky Aptereros, Arquiteto Kallikrat, 449-421 BC Atenas

Propilenes, o personagem de arquiteto, 437-432 aC Atenas

A deusa da vitória Nick foi retratada uma mulher bonita com asas grandes: a vitória é espancada e voando de um adversário para outro. Os atenienses retrataram-a cegamente, para que ela não saísse da cidade, que recentemente ganhou a grande vitória sobre os persas. O desprovido das asas da deusa não podia voar mais e deve ser sempre permanecido em Atenas.
O templo de Nicky fica na borda da rocha. Ele está ligeiramente voltado para o propulsor e desempenha o papel de um farol para as procissões da rocha rolante.
Imediatamente, Athena Warlitsa, a lança de que recebeu o trampolim de longe e serviu como um farol para os navegadores, estava orgulhosamente subindo. A inscrição no pedestal de pedra estava lendo: "Atenienses dedicados da vitória sobre os persas." Isso significava que a estátua foi elenitada de armas de bronze, tirada dos persas como resultado de vitórias sobrecarregadas.
A Acrópole também era o conjunto do templo Ereheheheheton, que (de acordo com seus criadores) teve que amarrar vários santuários, localizado em diferentes níveis, - a rocha aqui é muito desigual. O norte do Pórtico de Erehechteion conduziu no santuário de Atenas, onde a estátua de madeira da deusa foi mantida, supostamente caída do céu. A porta do santuário abriu em um pequeno pátio, onde a única oliveira oliva subiu em toda a Acrópole, que se levantou quando Atena tocou neste lugar para a rocha com a espada. Através do Eastern Portico, foi possível entrar no santuário de Poseidon, onde ele, batendo em seu tridente na rocha, deixou três sulcos com água murmurada. Havia também um santuário de Erechtea, reverenciado em um par com Poseidon.
A parte central do templo é uma sala retangular (24.1х13,1 metros). No templo, também houve sepulturas e o santuário do primeiro lendário King Attica Kekreoop. No lado sul de Erehechteion - um famoso Portico. Caryatid: A borda da parede tem seis das meninas de mármore apoiam a sobreposição. Alguns cientistas sugerem que o pórtico serviu como a tribuna de honra aos cidadãos ou que os sacerdotes estavam reunidos aqui para cerimônias religiosas. Mas o destino exato do portica ainda não está claro, porque o "pórtico" significa a oposição e, neste caso, o Pórtico não tinha portas e daqui você não pode entrar no templo. Figuras Portica Caryatid é essencialmente apoiando um pilar ou coluna, eles também excedem a facilidade e a flexibilidade das figuras de donzela. Os turcos que capturaram Atenas em seu tempo e não permitiam em suas convicções muçulmanas de imagens humanas, destruíram essas estátuas, no entanto, não. Eles estavam limitados apenas ao fato de que o rosto das garotas.

EreHechteion, os construtores são desconhecidos, 421-407 aC Atenas

Partenon, Arquitetos, Kallikrat, 447-432 BC Atenas

Em 1803, Lorde Eldin, um embaixador inglês para Constantinopla e um colecionador, usando a resolução do sultão turco, rompeu um dos cariáticos no templo e dirigiu para a Inglaterra, onde ele a propôs para o Museu Britânico. O firmador do sultão turco do sultão é muito largo, ele levou junto com ele muitos esculpir fidiya e os vendeu por 35.000 libras. O firman afirma que "ninguém deve impedir várias pedras com inscrições ou números da Acrópole". Eldhin se encheu de tal caixa de "pedras" de 201. Como ele mesmo afirmou, ele tomou apenas essas esculturas que já caíram ou que ameaçavam a queda, supostamente para salvá-las da destruição final. Mas Bajron o chamou de ladrão. Mais tarde (durante a restauração da portagapa britânica em 1845-1847), o Museu Britânico enviou um elenco de gesso de uma estátua tomada pelo Lord Eldzhin em Atenas. Posteriormente, o elenco foi substituído por uma cópia mais forte de uma pedra artificial feita na Inglaterra.
No final do último século, o governo grego exigiu da Inglaterra para devolver os tesouros pertencentes a ela, mas descobriu-se que o clima de Londres era mais favorável para eles.
No início do nosso milênio, quando na divisão do Império Romano, Grécia foi para Bizâncio, Erehecheyon se transformou em um templo cristão. Mais tarde, os cruzados, que tomavam avançando Atenas, fizeram a igreja pelo Palácio Duccian, e na conquista turca de Atenas em 1458 em Erehecheyon encenou um harém da fortaleza. Durante a guerra de libertação, 1821-1827, os gregos e turcos precipitaram alternadamente a Acrópole, bombardeando suas estruturas, incluindo Ereheheton.
Em 1830 (após a proclamação da independência da Grécia), apenas as fundações podem ser encontradas no local de Erecheyon, bem como decorações arquitetônicas que estavam na Terra. Meios para a restauração deste conjunto do templo (bem como na restauração de muitas outras estruturas da Acrópole) deu Heinrich Schliman. Seus mais próximos verderpfels associados cuidadosamente medidos e comparar os fragmentos antigos, até o final dos anos 70 do século passado, ele já planejava restaurar erehehehetion. Mas esta reconstrução foi submetida a críticas estritas, e o templo era desmontado. O edifício foi reintegrado sob a orientação do famoso cientista grego P.Kavadias em 1906 e foi finalmente restaurado em 1922.

"Venus Milos" amessandr (?), 120 aC Louvre, Paris.

"Laocoon" Assandr, Polydor, Athenor, OK.40 BC Grécia, Olympia.

"Hercules Farnésky" OK. 200 BC. er, nat. Museu, Nápoles.

"Ferido Amazon" Polylet, 440 aC. Nat. Museu Roma

Partenon - O Templo da Deusa Atenas é o maior edifício da Acrópole e a melhor criação da arquitetura grega. Não está em pé no centro da praça, mas vários do lado, para que você possa cobrir imediatamente as fachadas dianteiras e laterais, para entender a beleza do templo em geral. Os antigos gregos acreditavam que o templo com a principal estátua do culto no centro representa a casa da divindade. Partenon - o templo de Athena-Virgin (Parfenos), e, portanto, no centro, era Christelefantine (feito de placas de marfim e ouro em uma base de madeira) Estátua da Deusa.
Partenon erigido em 447-432 aC. Arquitetos Iktin e Callicrat do mármore penteliano. Foi localizado em um terraço de quatro estágios, seu tamanho base é igual a 69,5x30,9 metros. De quatro lados, Parfenon envolve as colonadas esbeltas, os lumens do céu azul são visíveis entre seus troncos de gramática brancos. Toda a luz permeada, parece ser ar e luz. Não há desenhos brilhantes em colunas brancas, pois é encontrado em templos egípcios. Apenas sulcos longitudinais (flautas) cobrem-os de cima para baixo, do qual o templo parece maior e ainda ligeiramente. Com sua ligeireza e facilidade de colunas, eles são obrigados a ser um pouco restritos. Na parte do meio do tronco, nada perceptível para os olhos, eles engrossam e parecem ser elásticos, mais fortes com a gravidade dos blocos de pedra. Iktin e Callicrat, tendo pensado sobre cada pequeno detalhe, criei um prédio que surpreendendo a proporcionalidade incrível, a simplicidade máxima e a pureza de todas as linhas. Colocando a plataforma superior da Acrópole, a uma altitude de cerca de 150 metros acima do nível do mar, Parfenon era visível não só de qualquer lugar da cidade, mas também com numerosos navios que navegaram para Atenas. O templo era um perímetro dórico cercado por uma colunata de 46 colunas.

"Afrodite e Pan" 100 BC, Delphi, Grécia

"Diana-Hunter" LEOCHAR, OK.340 BC, Louvre, Paris, França

"Recreação de Hermes" Lisipp, IV. BC. e., Museu Nacional, Nápoles

"Hércules lutando com LVOM" Lisipe, aprox. 330 BC. Hermitage, São Petersburgo

"Atlant Farnésky" OK.2 BC, Nats. Museu, Nápoles.

Os mestres mais famosos participaram do design escultural do Parfenon. O diretor artístico da construção e design de Parfenon era Fidi, um dos maiores escultores de todos os tempos. Pertence composição geral. e o desenvolvimento de toda a decoração escultural, parte do qual ele se cumpriu. O lado organizacional da construção foi envolvido em Pericles - o maior estadista de Atenas.
Todo design escultural de Parfenon foi projetado para glorificar a deusa Athena e sua cidade - Atenas. O tema da Fronton Oriental é o nascimento da amada filha Zeus. Na Fronton Ocidental, o Mestre descreveu a cena da disputa de Atena com Poseidon por dominação sobre o sótão. De acordo com o mito, Atena derrotou a disputa, que deu aos habitantes deste país uma oliveira.
Os deuses da Grécia reuniram-se nas frontões de Parfenon: Rubezzz Zeus, o poderoso governante dos mares Poseidon, guerreiro sábia de Atena, Nika voada. A decoração escultural do Parfenon Friz completou, na qual uma procissão solene foi apresentada durante a celebração da Grande Panafina. Este friso é considerado um dos topos da arte clássica. Com toda a unidade composicional, ele atingiu sua diversidade. Das mais de 500 figuras de meninos, anciãos, meninas, caminhadas e a cavalo, ninguém repetiu o outro, os movimentos de pessoas e animais foram transferidos com dinamismo incrível.
As figuras do alívio grego escultural não são planas, elas têm o volume e a forma do corpo humano. De estátuas, eles diferem apenas pelo fato de que não processados \u200b\u200bde todos os lados, mas como se fosse fundido com um fundo formado pela superfície plana da pedra. Partenon de mármore revivido de cor fácil. O fundo vermelho enfatizou as características brancas, destacou claramente as protuberâncias verticais estreitas azuis, separando uma placa de Frieza do outro, brilhantemente brilhou. Atrás das colunas, uma procissão festiva foi representada na fita mármore, que está movendo todas as quatro fachadas do prédio. Quase não há deuses aqui, e as pessoas, para sempre capturadas em pedra, movimentadas ao longo de dois longos lados do prédio e conectados à fachada oriental, onde a solene cerimônia de premiar os sacerdotes de vestes, tecidos com garotas atenienses para a deusa. Cada figura é típica de sua beleza única, e todos juntos refletem com precisão a vida genuína e costumes da cidade antiga.

De fato, uma vez a cada cinco anos em um dos dias quentes do centro-verão em Atenas, um festival nacional ocorreu em homenagem ao nascimento da deusa Atena. Foi chamado a Grande Panafina. Foi assistido por não apenas cidadãos do estado ateniense, mas também muitos convidados. O festival consistia de uma procissão solene (bomba), trazendo hecaters (100 cabeças de gado) e uma refeição total, esportes, equestres e concursos musicais. O vencedor recebeu uma ânfora especial, chamada de panificina, cheia de óleo, e uma coroa de folhas do azeite sagrado crescendo na Acrópole.

O ponto mais solene do feriado era uma procissão nacional na Acrópole. Movido cavaleiros nos cavalos, eles andaram homens públicos, guerreiros em armaduras e jovens atletas. Em roupas brancas longas, sacerdotes e pessoas nobres foram, ardendo uma deusa em voz alta, os músicos estavam cheios de sons alegres. De acordo com a estrada da Zigzag Panafine, os milhares de pessoas, destacados por milhares de pessoas, subiram para a alta colina de animais sacrificiais da Acrópole. Os jovens e meninas foram levados pelo modelo do sagrado navio panificina com os Pepo (colcha) ligado ao mastro. Uma brisa leve acenou com um tecido de robe amarelo-violeta brilhante, que foi levado pela deusa das meninas nobres da cidade. Por um ano inteiro, eles são um tecido e bordados. Outras garotas altamente erguidas sobre os vasos sagrados se dirigem para sacrifícios. Gradualmente, a procissão estava se aproximando de Parthenon. A entrada do templo não foi feita do lado da hélice, mas do outro, como se para cada um dos primeiros, ele olhou em volta, inspecionou e apreciou a beleza de todas as partes de um excelente edifício. Ao contrário dos templos cristãos, os antigos gregos não foram destinados a adoração dentro deles, as pessoas durante a ação do culto permaneceram fora do templo. Nas profundezas do templo, cercadas por dois lados por beliches Colunatas, a famosa estátua da Virgem Atena, criada pelo famosa FID, orgulhosamente Rose. Suas roupas, capacete e escudo eram feitos de ouro puro e espumante, e o rosto e as mãos brilhavam um marfim branco.

Muitos volumes de livros foram escritos sobre Parfenone, entre eles, há monografias sobre cada uma de suas esculturas e sobre cada passo de um declínio gradual desde aquela época, quando depois do decreto feodosia eu me tornei o templo cristão. No século XV, os turcos fizeram uma mesquita dele, e no século XVII - um armazém em pó. Nas ruínas finais, foi ligado pela Guerra Turco-veneziana de 1687, quando a concha de artilharia chegou lá e por um momento fez o que isso não pôde ser feito em 2000, o tempo todo de vida.

O período clássico da antiga escultura grega cai em V - IV BB. (Antigo clássico ou estilo rigoroso "- 500/490 - 460/450 aC; Alto - 450 - 430/420 aC.;" Estilo rico "- 420 - 400/390 aC. E. Classics Final - 400/390 - oK. 320. BC. er). Na virada de duas épocas - arcaico e clássico - fica a decoração escultural do templo de Atenas Afiai na ilha de Aegina . As esculturas da frontão ocidental pertencem à base do templo (510 - 500. BC. er), as esculturas do segundo Oriental, substituíram o primeiro, - para o início de Cessary (490 - 480 anos. BC). O monumento central da antiga escultura grega de clássicos primeiros - as frontões e mosca do templo de Zeus em Olympia (cerca de 468 - 456. BC. er). Outro trabalho significativo de clássicos iniciais - o chamado "trone de Louis Mery", decorado com relevos. A partir deste momento, um número de originais de bronze também atingiu - "Legenda Delphic", poseidon estátua de capa artemisias, bronze de riach . Os maiores escultores de clássicos iniciais - Pitágora Regisky, Kalaside e Miron . Vamos julgar a criatividade dos famosos escultores gregos, principalmente de acordo com testemunhos literários e cópias atrasadas de suas obras. Alto clássico é representado pelos nomes da Fidia e da polícia . Seu florescimento de curto prazo está associado aos trabalhos na Acrópole Ateniense, isto é, com o cenário escultural de Parfenon (Alcançou as frontões, METOPS e ZOPHOR, 447 - 432. BC. e.). O vértice da antiga escultura grega era, sem visível, Christelenefactory estátuas de Athena Parfenos. e Zeus Olympic Fidiya (ambos não são preservados). "Estilo rico" é peculiar às obras de Callimach, Alkamena, Agoracrit e outros escultores para. V c. BC. E. Seus monumentos característicos - os relevos do bullfire do pequeno templo de Nicky Apterems na Acrópole ateniense (cerca de 410 aC) e uma série de lápides, entre os quais a mais famosa Stela Hegezo . As obras mais importantes da antiga escultura grega de clássicos tardios - o cenário do templo de Asclepia no epidavre (cerca de 400 - 375 aC. e.), o templo de Atenas Aleu na tag (cerca de 370 - 350 anos. BC), Templo de Artemis em Éfeso (cerca de 355 - 330 aC) e Mausoléu em Galicarnasse (aprox. 350 aC), sobre o cenário escultural da qual Skass, Brixide, Timofey trabalhou e LeoChar. . Este último também é atribuído às estátuas de Apollo Belvedere e Diana Versailles. . Há uma série de originais de bronze IV século. BC. e. Os maiores escultores dos últimos clássicos - Praxitel, Skass e Lisipp, de muitas maneiras, antecipando a subseqüente era do helenismo.

Escultura grega sobreviveu parcialmente nos destroços e fragmentos. A maioria das estátuas é conhecida por nós em cópias romanas, que foram realizadas em muitos, mas não transferiram a beleza dos originais. Cópias romanas cozidas e arqueadas e traduzindo produtos de bronze em mármore, eles foram demitidos por seus backups desajeitados. Grandes figuras de Atenas, Afroditas, Hermes, Sátira, que agora estamos vendo nos corredores do Hermitage, é apenas multidões pálidas de obras-primas gregas. Passamos por eles quase indiferentemente e de repente ficamos na frente de alguma cabeça com um nariz idiota, com um olho pintado: este é um roteiro grego! E o poder impressionante da vida vem de repente desse fragmento; O próprio mármore é diferente do que nas estátuas romanas, não é um branco solitário, e amarelado, um querido, um som querido (os gregos ainda esfregavam com cera, o que me deu um tom caloroso com mramrarrara). Tão suaves transições de fusão de iluminação, tão nobre modelagem suave do rosto que as delícias dos poetas gregos se lembram involuntariamente: na verdade, essas esculturas respiram, elas realmente estão vivas * * Dmitriev, Akimov. Arte antiga. Ensaios. - M., 1988. P. 52.

Na escultura da primeira metade do século, quando as guerras com persas, um estilo corajoso e rigoroso prevaleceu. Então o grupo de estátua de Tiranoubyts foi criado: um marido maduro e um jovem, de pé lado a lado, fazer um movimento gostado para frente, o mais jovem traz a espada, o sênior pisca seu manto. Este é um monumento a pessoas históricas - Gart e Aristiton, que matou algumas décadas antes do Athenian Tirana Hippark, é o primeiro monumento político na arte grega. Ao mesmo tempo, ele expressa o espírito heróico de resistência e liberdade, que eclodiram na era das guerras greco-persas. "Não são escravos com mortais, não sujeitos a ninguém", diz o persa persa na tragédia de Eschyl "persas.

Batalhas, lutas, feitos de heróis ... A arte dos clássicos iniciais é preenchida com essas parcelas de guerra. Na frente do templo de Atenas em Aegine - a luta dos gregos com os Trojan. No Fronton Ocidental do Templo de Zeus em Olympia - a luta de Lapiphs com Centauros, nos METOPS - todos os doze feitos de Hércules. Outro complexo favorito de motivos é concursos de ginástica; Nesses tempos distantes, treinamento físico, o domínio das televitações foi crucial e para o resultado das batalhas, então os jogos atléticos estavam longe de ser apenas entretenimento. Do século VIII a n. e. Na Olympia, as competições de ginástica foram realizadas a cada quatro anos (mais tarde, foram consideradas consideradas pelo início das tarefas gregas), e no século V eles foram comemorados com especial solenidade, e agora poetas que leram poemas também participaram. O Templo do Olímpico Zeus é um periférulo dórico clássico - estava localizado no centro do distrito sagrado, onde a competição estava acontecendo, começaram com sacrifícios de Zeus. Na frontão oriental do templo, a composição escultural retratou um momento solene antes do início da rhystalis de cavalos: no centro - a figura de Zeus, nas laterais - as estátuas dos heróis mitológicos de Pelop e Enonaya, o principal Participantes no próximo concurso, nos cantos - suas carruagens, aproveitadas pelos quatro cavalos. De acordo com o mito, o vencedor era Pelop, em homenagem aos quais os Jogos Olímpicos foram estabelecidos, renovados mais tarde, como a lenda, Hercules.

Temas de lutas de mão a mão, concursos a cavalo, competições em corrida, em lançar discos, eles ensinaram escultores a retratar o corpo humano na dinâmica. Sacrifícios arcaicos de figuras foram superados. Agora eles agem, se movendo; Poses complexas aparecem, perspectivas ousadas, gestos amplos. O mais brilhante inovador era o sótão do escultor Miron. A principal tarefa de Miron era expressar é possível e fortemente movimento. O metal não permite um trabalho tão preciso e bem como mármore, e talvez porque ele se voltou para a pesquisa do ritmo do movimento. (Sob o nome do ritmo implica a harmonia cumulativa do movimento de todas as partes.) E, de fato, o ritmo foi perfeitamente capturado pelo Miron. Nas estátuas dos atletas, ele passou não apenas movimento, mas a transição de um estágio de movimento para outro, como se parasse por um momento. Este é o famoso "discobol". O atleta se inclinou e inchado antes do lançamento, segundo - e o disco voará, o atleta se endireitou. Mas para este segundo, seu corpo congelou em uma posição muito complexa, mas um equilibrado visualmente.

Equilíbrio, o magnífico "ethos" é preservado na clássica escultura de estilo estrita. O movimento das figuras não é errático nem excessivamente excitado ou muito rápido. Mesmo nos motivos dinâmicos da luta, corra, a queda não perde a sensação da "tranquilidade olímpica", uma completude plástica holística, a auto-atitude. Aqui está a estátua de bronze do "Comer" encontrado em Delphi, é um dos poucos scripts gregos bem preservados. Refere-se ao período inicial de estilo rigoroso - cerca de 470 anos aC. E .. este jovem é muito simples (ele ficou na carruagem e nas regras de cavalos quadriga), as pernas de seu peito, as dobras de longa chitone lembram de flauta profunda de colunas dóricas, a cabeça é firmemente coberta por prata vestido, Os olhos incrustados parecem vivos. É contido, calmo e ao mesmo tempo energias executadas e vontade. Em uma dessa figura de bronze com seu forte, plástico fundido, você pode sentir a medida completa da dignidade humana como os antigos gregos entenderam.

Em sua arte, nesta fase, as imagens foram predominadas, mas, felizmente, um lindo alívio com a imagem de Afrodite emergindo do mar, o chamado "trone de Louis" - Triptych escultural, a parte superior da qual é repulsa. Em sua parte central da deusa da beleza e do amor, o "Fororeborn" aumenta das ondas apoiadas por duas ninfas, o que protege-o chasowly com uma cobertura de luz. É visível para o cinto. Seu corpo e corpo ninfa brilham através de chitons transparentes, as dobras das roupas são empurradas com uma cascata, uma corrente, como um jato de água, como música. Nas partes laterais de Triptych, duas figuras femininas: um nu, brincando na flauta; Outro, fechado na colcha, ilumina uma vela sacrificial. O primeiro é um hetera, a segunda é a esposa, o custodiante da lareira, como se duas fabricadas, ambas sob os auspícios de Afroditas.

Pesquisas por Surviving Greek Scripts continuam agora; De tempos em tempos, as descobertas felizes são encontradas no chão, depois no fundo do mar: Então, em 1928, no mar, perto da ilha de Evbey, encontraram uma excelente estátua de bronze preservada de Poseidon.

Mas a imagem geral da arte grega da era do Flourish tem que reconstruir e desenhar mentalmente, somos conhecidos apenas por acaso preservado, esculturas dispersas. E eles existiam no conjunto.

Entre os famosos mestres, o nome Fidida ofusca toda a escultura das gerações subseqüentes. Representante brilhante do século Pericla, ele disse a última palavra Equipamento de plástico, e até agora ninguém tem ousado a comparar com isso, embora nós sabemos apenas por sugestões. Um nativo de Atenas, ele nasceu alguns anos antes da batalha da maratona e, portanto, tornou-se contemporâneo para celebrar vitórias sobre o leste. Primeiro protuberante eU.ele é como pintor e, em seguida, mudou para a escultura. De acordo com os desenhos da Fidia e seus desenhos, sob sua observação pessoal, os edifícios Periclovsk ergueram. Realizando uma ordem para o pedido, ele criou as maravilhosas estátuas dos deuses, personificando em ideais de mármore, ouro e abstratos ósseos das divindades. A imagem do divino foi desenvolvida por ele não apenas de acordo com suas qualidades, mas também em relação ao objetivo de honra. Ele penetrou profundamente a ideia do que era identificado pessoalmente por este ídolo, e ele a marcou com todo o poder e poderoso gênio.

Atena, que ele fez a pedido, e que custou essa cidade muito caro, fortaleceu a fama de um jovem escultor. Ele foi encomendado para a Acrópole a estátua colossal da patrona ateniã. Chegou a 60 pés de altura e excedeu todos os edifícios circundantes; Nós publicamos, do mar, ela brilhou a estrela de ouro e reinou toda a cidade. Não foi um acrolito (composto), como pago, mas todos lançados de bronze. Outra estátua da Acrópole, Athena-Virgin, feita para Parfenon, consistia de ouro e marfim. Atena foi retratada em um traje de combate, em um capacete de ouro com uma fonte de maconha e gifamies nas laterais. Em uma mão, ela manteve uma lança, em outra figura da vitória. A serpente serviu a seus pés - o guardião da Acrópole. Esta estátua é considerada a melhor garantia de Fidia depois de seu Zeus. Ela serviu como original para incontáveis \u200b\u200bcópias.

Mas seu Zeus Olympic é considerado a perfeição de equitação de todas as obras de Fidia. Foi o maior trabalho de sua vida: os próprios gregos lhe deram a palma do campeonato. Ele produziu uma impressão irresistível nos contemporâneos.

Zeus foi retratado no trono. Em uma mão ele manteve o cetro, para o outro - a imagem da vitória. O corpo era do marfim, o cabelo é dourado, manto - ouro, esmaltado. O trono inclui ébano, osso e pedras preciosas. As paredes entre as pernas foram pintadas com um primo do fidiya, painel; O pé do trono foi milagrosamente escultura. A impressão geral foi, como um cientista alemão foi expresso corretamente, um verdadeiramente demoníaco: uma série de gerações do Istuban parecia ser um verdadeiro Deus; Um olhar para ele foi o suficiente para saciar todas as tristezas e sofrimento. Quem morreu, sem vê-lo, ele se honrou infeliz * * Gallech P.P. História mundial das artes. - M., 2000. P. 97 ...

A estátua morreu desconhecida como e quando: provavelmente queimou com o templo olímpico. Mas, deve ser, os feitiços eram ótimos se Caligula insistisse por qualquer coisa para levá-lo em Roma, que, no entanto, acabou por ser impossível.

A adoração dos gregos em frente à beleza e corpo sábio do corpo vivo era tão grande que eles achavam esteticamente que não era diferente como nos acabamentos e completude estátua, permitindo avaliar a magia de postura, harmonia de televitações. Dissolva uma pessoa em uma multidão de muffin desfrutante, mostre-a em um aspecto aleatório, excluir profundamente na sombra - contradizeria o símbolo estético da fé dos mestres de Ellen, e nunca o fizeram, embora as bases das perspectivas fossem claras. E escultores e pintores mostraram uma pessoa com prisões de plástico marginais, close-up (uma figura ou grupo de várias figuras), buscando organizar uma ação em primeiro plano, como se estivessem em layouts estreitos paralelos ao plano de fundo. A linguagem corporal era a linguagem da alma. Às vezes eles dizem que a arte grega era alienígena à psicologia ou não cresceu para ela. Isso não é bem; Talvez a arte de arcaica ainda estivesse fora disso, mas não a arte dos clássicos. De fato, não sabia que a análise escrupulosa dos personagens, o culto do indivíduo, que surge nos últimos tempos. Não é por acaso que o retrato da Grécia antiga foi desenvolvido relativamente fraco. Mas os gregos possuíam a arte do programa, se puder ser dito ser uma psicologia típica, expressaram uma rica gama de movimentos espirituais baseados em tipos humanos generalizados. Depois de se distrair com os tons de personagens pessoais, os artistas de Ellen não negligenciaram os tons de experiências e foram capazes de incorporar os sentidos sofisticados. Afinal, eles eram contemporâneos e outros cidadãos da Sophakla, Euripid, Platão.

Mas, no entanto, a expressividade não era tanto nas expressões das pessoas como nos movimentos do corpo. Olhando para o misteriosamente sereno moire de Parfenon, em um apelido de volta rápida, desencadeando sândalo, quase esquecemos que eles estão fora de suas cabeças, - então o plástico eloqüente de suas figuras.

Cada motivo puramente plástico - se é um equilíbrio gracioso de todos os membros do corpo, o apoio em ambas as pernas ou uma, a transferência do centro de gravidade para o apoio externo, a cabeça, pronunciada para o ombro ou jogada de volta, era pensado de mestres gregos como um análogo da vida espiritual. O corpo e a psique foram realizados no inseparalismo. Descrevendo nas "palestras da estética", o ideal clássico, Hegel disse que na "forma clássica de arte, o corpo humano em suas formas não é mais reconhecido apenas pela existência sensual, mas é reconhecida apenas pela existência e na aparência natural do Espírito."

De fato, o corpo de estátuas gregas é extremamente leve. O escultor francês Roden disse sobre um deles: "Este torso jovem sem uma cabeça está feliz sorrindo com luz e primavera, que poderia fazer olhos e lábios" * * dmitrieva, Akimov. Arte antiga. Ensaios. - M., 1988. P. 76.

Movimento e posturas na maioria dos casos são simples, naturais e não necessariamente associados a algo sublime. Nika destrave sândalo, o menino tire a cabeça do calcanhar, o jovem corredor no começo está se preparando para correr, disco de mesquitas de Discobol Mirone. O mais jovem contemporâneo de Mirone, uma famosa policiais, ao contrário do Mirone, nunca retratou movimentos rápidos e estados instantâneos; Suas estátuas de bronze de jovens atletas estão em poses tranquilas do movimento pulmonar, medido, que é onda - como correr em torno da figura. O ombro esquerdo é ligeiramente avançado, o direito reservado, o quadril esquerdo voltou, a direita levantada, a perna direita está firmemente no chão, a esquerda é um pouco para trás e levemente dobrada no joelho. Este movimento ou não tem "enredo" pretexto, ou o pretexto é insignificante - é gente. Este é um hino plástico de clareza, razão, sabiamente equilíbrio. Tal Dorifina (Speynoster) de um polyclet, conhecido por nós em cópias romanas de mármore. Ele, como era, anda, e ao mesmo tempo retém o estado de paz; As posições das mãos, pernas e torso são perfeitamente equilibradas. O polyclet era o autor do tratado "Canon" (não nos alcançou, é conhecido sobre as menções dos escritores antigos), onde ele e teoricamente estabeleceram as leis das proporções do corpo humano.

Cabeças de estátuas gregas, como regra, impessoal, isto é, poucos individualizados, são dadas a algumas variações comuns, mas esse tipo comum tem uma alta capacidade espiritual. No tipo grego de rosto, a ideia de "humano" em sua versão ideal é triunfo. O rosto é dividido em três iguais em comprimento: testa, nariz e parte inferior. Direita, suave oval. A linha reta do nariz continua a linha da testa e forma uma linha perpendicular, conduzida desde o início do nariz até o orifício (canto frontal direto). Uma incisão oblonga é profundamente sentado olhos. Uma pequena boca, cheia de lábios convexos, o lábio superior do fundo mais fino e tem um belo recorte suave como a cebola Amur. O queixo é grande e redondo. O cabelo ondulado é suavemente e firmemente encaixando a cabeça, sem interferir para ver a forma redonda da caixa craniana.

Esta beleza clássica pode parecer monótona, mas, que é uma expressiva "aparência natural do Espírito", é receptiva variável e pode incorporar os vários tipos de ideal antigo. Um pouco mais de energia no depósito lábio, no queixo saliente para frente - temos uma virgem estrita Athena. Mais suavidade nos contornos das bochechas, os lábios são ligeiramente semi-abertos, os celas são sombreados - antes de nós é uma face sensual de Afrodite. Faces ovais mais perto da praça, pescoço mais espesso, lábios maior - esta é uma imagem de um jovem atleta. E a base da mesma aparência clássica estritamente proporcional permanece.

No entanto, não há lugar para algo, do nosso ponto de vista, muito importante: encantador é exclusivamente individual, a beleza do errado, a celebração do princípio espiritual sobre a imperfeição corporal. Esses antigos gregos não podiam dar, pois isso, o monismo inicial do espírito e do corpo era quebrar, e a consciência estética de se juntar ao estágio de sua separação - o dualismo - o que aconteceu muito mais tarde. Mas a arte grega evoluiu gradualmente em direção à individualização e emocionalidade aberta, concretude de experiências e características, que já se torna aparente na era dos clássicos tardios, no século IV aC. e.

No final do século V aC. e. O poder político de Atenas, minado por uma longa guerra pelo Peloponeso, Sharewl. Na cabeça dos adversários, Atenas era esparta; Ela foi apoiada por outros países do Pelopones e forneceu assistência financeira à Pérsia. Atenas perdeu a guerra e foi forçado a concluir um mundo não lucitário; Eles mantiveram a independência, mas a União do Mar Ateniense entrou em colapso, as reservas em dinheiro foram secas, as contradições internas da política aumentavam. A democracia Atenas conseguiu resistir, mas os ideais democráticos do inchaço, a livre disposição começaram a parar medidas cruéis, um exemplo disso é o julgamento de Sócrates (em 399 aC. E.), que emitiu uma sentença de morte ao filósofo. O espírito de cidadania coesiva enfraquece, interesses pessoais e experiências são isolados de público, a instabilidade do ser está ansiosamente. Crescer humores críticos. O homem, no pacto de Sócrates, começa a se esforçar para "me conhecer" - ele mesmo, como pessoa, e não apenas como parte de um todo público. A criatividade do grande dramaturgo do Euripid é direcionada ao conhecimento da natureza e personagens humanos, cuja personalidade começou é muito mais acentuada do que seu sócio contemporâneo sênior. Por definição de Aristóteles, Sophakl "representa as pessoas como deveriam ser, e Euripid, como eles são na realidade."

Em artes plásticas, as imagens generalizadas ainda são dominadas. Mas a durabilidade espiritual e a energia vigorosa que respiram a arte dos clássicos precoce e madura é gradualmente inferior a um patos dramáticos de spas ou líricos, com um toque de melancolia, a contemplação de Prakkitel. SKAS, PRAXITEL E LISIPP - Esses nomes estão associados em nossa apresentação, não tanto com certos indivíduos artísticos (suas biografias não são claras, e suas obras genuínas são quase preservadas), mas com as principais correntes dos clássicos tardios. Assim como a Miron, o Polyclet e o Fidium personificar as características dos clássicos maduros.

E novamente, os motivos de plástico são motivos de plástico no mundo. A postura característica da figura em pé está mudando. Na era de estátuas arcaicas ficaram completamente direto, frontal. O clássico maduro revive e anima seus movimentos equilibrados e suaves, mantendo o equilíbrio e a estabilidade. E as estátuas da Praxitel - descansando Satir, Apollo Saurokton - com descanso preguiçoso nos pilares, sem eles teriam que cair.

A coxa de um lado é amplamente curva, e o ombro baixou baixo para conhecer a coxa - Roden compara esta posição do corpo com harmônica, quando os fole são comprimidos por um lado e se espalham por um lado. Para o equilíbrio, é necessário um suporte externo. Esta é a pose de um descanso sonhador. A praxitel segue as tradições do Polyclet, usa os motivos de movimentos encontrados por eles, mas os desenvolve de tal forma que eles já estão transmitindo outro conteúdo interno. "A Amazônia ferida" Polyclutay também depende da meia-colonna, mas ela poderia resistir e sem ela, seu corpo forte e enérgico, mesmo sofrendo da ferida, está firmemente na Terra. Apollo Prakkitel não é surpreso por uma flecha, ele próprio apontar em um lagarto correndo ao longo do tronco de uma árvore - a ação aparentemente exigindo faculdade volitiva, no entanto, seu corpo é instável, como uma hesitação hesitiva. E isso não é um privado aleatório, não um capricho do escultor, mas uma espécie de nova cânona, na qual a expressão tem uma mudança no mundo.

No entanto, não só a natureza dos movimentos e poses alterados na escultura do século IV BC. e. Prapkitel O outro se torna um círculo de amantes, ele deixa as parcelas heróicas no "mundo leve de Afrodite e ergue". Ele gerou a famosa estátua do livro Afrodite.

Praxitel e artistas de seu círculo não gostavam de retratar os tortos musculares dos atletas, eles atraíram a sensação de beleza do corpo feminino com fluxos suaves de volumes. Eles preferiam o tipo de data, a característica do "primeiro brilho do vermelho". A Praxitel era famosa pela suavidade especial da modelagem e à habilidade do processamento de material, a habilidade no mármore frio para transmitir o calor do corpo vivo2.

O único original sobrevivente de Prapkitel é considerado a estátua de mármore de "Hermes com Dionísio" encontrada na Olympia. Naked Hermes, inclinando-se no tronco de uma árvore, onde sua capa é descuidadamente jogada, ele segura um pouco de Dionísio em uma mão curvada, e no outro - um monte de uvas, para o qual a criança se estende (a mão que segura uvas é perdida ). Todo o charme do pitoresco processamento de mármore é nesta estátua, especialmente na cabeça de Hermes: as transições de luz e sombra, o mais fino "inchaço" (neblina), a quem, muitos séculos depois, procurados na pintura Leonardo da Vinci.

Todas as outras obras do Mestre são conhecidas apenas nas menções de autores antigos e cópias posteriores. Mas o espírito da arte de Prakkitel é sobre o século IV aC. e. e o melhor de tudo o que pode ser sentido em cópias romanas, mas em pequenos plásticos gregos, em estatuetas de argila tanagrina. Eles foram distinguidos no final do século em grandes quantidades, era uma espécie de produção em massa com o centro principal em Tanagra. (Uma coleção muito boa é armazenada no eremitério de Leningrado.) Algumas estatuetas reproduzem grandes estátuas bem conhecidas, outras simplesmente dão uma variedade de variações livres de uma figura feminina drapeada. Grace viva dessas figuras, sonhador, pensativo, brincalhão, - eco da arte de Prakkitel.

Quase tão pouco esquerda das obras genuínas do cortador dos Skopas, o contemporâneo e antagonista sênior de Prakkitel. Havia detritos. Mas os fragmentos dizem muito. Atrás deles é a imagem de um artista de apaixonado e patético.

Ele não era apenas um escultor, mas também um arquiteto. Como arquiteto, as escalas criaram o templo de Atenas no designer e ele também o levou decoração escultural. O próprio templo foi destruído por muito tempo, até gótico; Alguns fragmentos de esculturas foram encontrados durante as escavações, entre eles a maravilhosa cabeça do guerreiro ferido. Ela não era como na arte do século V aC. e., Não houve tal expressão dramática em transformar a cabeça, tal sofrimento no rosto, em um olhar, uma tensão tão espiritual. Em nome, ele foi perturbado pelo Canon Harmônico, adotado na escultura grega: os olhos são plantados muito profundos e a quebra dos arcos de abrasão é dissonied com os contornos das pálpebras.

Qual foi o estilo dos Spaspas em composições multifigures, mostram alívios parcialmente sobrevividos na frita do Mausoléu Galicarnas - as estruturas do exclusivo, classificadas nos tempos antigos para sete maravilhas da luz: o periatório estava vazio em uma base alta e coroada com um telhado piramidal. Fris descreveu a batalha dos gregos com amazonas - guerreiros masculinos com guerreiros femininos. Skasschad funcionou nele não um, juntamente com três escultores, mas, guiados pelas instruções do Plania, descrevendo o mausoléu, e com análise estilística, os pesquisadores identificaram quais partes do friso são feitas no workshop do shopaz. Mais do que outros, eles transmitem os solavancos da batalha, "Eusting em batalha", quando homens e mulheres são dadas a ele com igual paixão. Os movimentos das figuras dos pivissistas e quase perdem o equilíbrio, são direcionados não apenas em paralelo ao plano, mas também para dentro, em profundidade: o zoológico introduz um novo senso de espaço.

Grande glória dos contemporâneos usava menada. Skassa retratou uma tempestade da dança dionísia, esforçando o corpo inteiro da Menada, um torso convulsivo, a cabeça dobrável. A Estátua de Menada não é projetada para revisão frontal, precisa ser vista de lados diferentes, cada ponto de vista abre algo novo: o corpo é comparado à sua flexão do arco esticado, então parece curvado em uma espiral, como uma linguagem de chama . É involuntariamente pensando: Orgies Dionisianas foram seriamente sério, não apenas divertido, mas realmente "jogos loucos". O mistério da Dionis foi autorizado a providenciar apenas uma vez a cada dois anos e apenas em Parnassa, mas naquela época, Vakhanks frenéticas descartou todas as convenções e proibições. Sob os golpes dos bubos, eles correram sob os sons de Tympanov e circulavam em êxtase, trazendo-se ao frenesi, dissipando o cabelo, quebrando as roupas. Menada Skopas realizou uma faca em sua mão, e no ombro dela ela foi rasgada em suas cabras 3.

As festividades diárias eram costumeiras muito antigas, como o culto de Dionísio, no entanto, na arte, os elementos dionisenses não romperam com tal força, com tal abertura, como na estátua da spropa, e isso é obviamente um sintoma de Tempo. Agora as nuvens foram engrossadas acima do ell, e a clareza sensata do Espírito foi perturbada por aspirações para esquecer, redefinir as restrições. A arte, como uma membrana sensata, respondeu às mudanças na atmosfera pública e converteu seus sinais em seus sons, seus ritmos. A tomotividade melancólica da criação do Praxtel e as rajadas dramáticas dos spas - apenas uma reação diferente ao espírito geral do tempo.

O círculo do caule, e talvez ele mesmo, pertence à lápide de mármore do jovem. À direita do jovem fica seu velho pai com uma expressão de meditação profunda, sentiu que ele se pergunta: Por que seu filho foi no florescimento de seu filho, e ele, o velho, permaneceu para viver? O filho olha na frente dele e não importa como não o pai percebe; Ele está longe daqui, nas fronteiras dos Elysees - a morada de feliz.

O cachorro a seus pés é um dos símbolos da vida após a morte.

É apropriado dizer sobre lápides gregas. Seus preservados relativamente muitos, a partir do dia 5, e principalmente do século IV a n. e.; Os criadores deles são geralmente desconhecidos. Às vezes, o alívio da lápide representa apenas uma figura - o falecido, mas mais frequentemente ao lado dele é retratado por seu próximo, um ou dois que são perdoados por ele. Nestas cenas, adeus e despedida nunca é expressa forte tristeza e tristeza, mas apenas quieto; Triste pensativa. A morte é a paz; Os gregos a personificaram não em um esqueleto terrível, mas na figura do menino - Tanatos, o gêmeo da hipnose - dormir. A criança adormecida é representada na lápide de Skopasovskaya do jovem, no canto a seus pés. O resto dos parentes olham para o falecido, querendo capturar seus traços na memória, às vezes levá-lo pela mão; Ele mesmo (ou ela) não olha para eles, e em sua figura é sentida relaxada, extensão. Na famosa lápide de Gegeso (final 5 V. BC. E.) A empregada em pé dá sua sra. Quem se senta em uma cadeira, gavetas com jóias, Gegezo pega seu colar dele com o habitual movimento de carro, mas sua visão está faltando e caindo.

Lápide genuína do século IV aC. e. As obras do mestre do sótão podem ser vistas no Museu do Estado de Belas Artes. COMO. Pushkin. Esta é a lápide do guerreiro - ele segura uma lança na mão, ao lado dele seu cavalo. Mas a postura não é em todo o militante, os membros do corpo são relaxados, a cabeça é abaixada. Do outro lado do cavalo significa adeus; Ele é triste, mas é impossível ser confundido na das duas figuras retrata o falecido, e algum tipo de vida, embora aparentemente semelhantes ao mesmo tipo; Os mestres gregos foram capazes de dar a sentir a transição do falecido no vale das sombras.

As cenas líricas do último adeus foram representadas em urnas enterradas, lá são mais concisas, às vezes apenas duas figuras - um homem e uma mulher, que serviram as mãos um do outro.

Mas aqui é sempre visível, qual delas pertence ao Reino dos Mortos.

Alguma castidade especial de sentimentos estão em lápides gregas com sua nobre restrição na expressão de tristeza, algo completamente oposto ao êxtase da vacina. As lápides do jovem, atribuídas aos spas, não violam essa tradição; Destaca-se dos outros, além de suas altas qualidades de plástico, apenas a infecção filosófica da imagem de um idoso maravilhado.

Com todos os opostos das naturezas artísticas dos Schopas e Prakkitel, ambos são caracterizados por ambas as pinturas em plástico, - os efeitos da iluminação, graças a que mármore parece vivo, que enfatiza-se toda vez que os epigramos gregos enfatizam. Ambos os mestres preferiam bronze de mármore (enquanto na escultura de clássicos precoces Bronze prevaleceu) e no processamento de sua superfície, eles alcançaram a perfeição. O poder da impressão produzido foi promovido pelas qualidades especiais de notas de mármore, que foram usadas pela Vagateli: maior durabilidade e base de luz. Paros mármore passou a luz por 3,5 centímetros. Estátuas deste material nobre parecia e humanos e vivos divinos. Comparativos com os trabalhos de clássicos iniciais e maduros, os objetos posteriores das esculturas são perdidos, não há magnitude simples do gelfinho "ansioso", não há monumentalidade de estátuas de fidium, mas ganhou em vitalidade.

A história manteve muitos outros nomes do século IV para N. e. Outra delas, cultivando suas vidas, trouxe-o ao veículo, que começa o gênero e a caracteriza, antecipando as tendências do helenismo. Isso foi distinguido por Demetri de Alletki. Ele anexou pouca importância à beleza e deliberadamente procurou retratar as pessoas como elas são, sem esconder grandes estômagos e leis. Sua especialidade eram retratos. Demétrio fez um retrato de um antissfo filósofo, polemicamente dirigido contra retratos idealizantes do século 5 aC. E., - Antisphen ele tem velho, preocupação e desdentado. Virando a urgência, não poderia fazer seu escultor encantador, tal tarefa foi impraticável dentro dos limites da estética antiga. A urgência foi entendida e retratada simplesmente como uma desvantagem física.

Outros, pelo contrário, tentaram apoiar e cultivar as tradições de clássicos maduros, enriquecendo-os com grande graça e complexidade de motivos de plástico. Desta forma, Leohar foi Leohar, que criou a estátua do Belvederecom atuado, que se tornou o padrão de beleza para muitas gerações de neoclassicistas até o final do século XX. Johann Winkelman, o autor da primeira "história de arte da antiguidade" científica, escreveu: "A imaginação não será capaz de criar qualquer coisa que exceda o Apolo do Vaticano com sua proporcionalidade humana de uma bela divindade". Por muito tempo, esta estátua foi estimada como o pico da arte antiga, Belvedere Kumir era sinônimo de perfeição estética. Como muitas vezes acontece, louvores excessivamente altos ao longo do tempo causou a reação oposta. Quando o estudo da arte antiga avançou muito à frente e havia muitos de seus monumentos, a avaliação exagerada da estátua de Leohara foi substituída pelo subsídio: começou a encontrar pomposo e educado. Enquanto isso, Apollo Belvedere - o trabalho é verdadeiramente em circulação em sua dignidade de plástico; Na figura e interruptores, os MUCs do Senhor são combinados com força e graça, energia e facilidade, andando no chão, ao mesmo tempo ouvem o solo. Além disso, seu movimento, de acordo com a expressão do historiador da arte soviética B. R. Vipper ", não se concentra em uma direção, e, como se os raios divergirem em direções diferentes." Para alcançar tal efeito, foi necessário ter uma habilidade sofisticada da bebida; O problema é apenas que o cálculo do efeito é óbvio demais. Apollo Leohara parece estar gostando de admirar sua beleza, enquanto a beleza das melhores estátuas clássicas não se declara em tudo: elas são lindas, mas não bata. Até mesmo o livro de Afrodite Praxitor quer preferir esconder do que demonstrar o encanto sensual de sua nudez, e as estátuas clássicas anteriores são cumpridas pela auto-conformidade calma, excluindo qualquer demonstração. Deve-se reconhecer que na estátua de Apollo Belvedere, um ideal antigo começa a se tornar algo externo, menos orgânico, embora em seu tipo que essa escultura seja maravilhosa e marca o alto estágio da habilidade virtuoso.

O grande passo para "naturalidade" fez o último grande escultor classics gregos - lisipp. Pesquisadores pertencem à escola de Argos e asseguram que ele tinha uma direção completamente diferente do que na escola ateniense. Em essência, ele era um seguidor direto, mas, tendo percebido sua tradição, pisou. Em sua juventude, um artista Evpomp em sua pergunta: "O que escolher um professor?" - Respondido, apontando para a multidão, perto do Monte: "Aqui está o único professor: natureza".

Essas palavras dispararam profundamente na alma do jovem brilhante, e ele não confia na autoridade da Canon Polycelt, assumiu o estudo exato da natureza. Antes dele, eles gritaram as pessoas, consistentes com os princípios do cânon, isto é, com total confiança de que a verdadeira beleza consiste na proporção de todas as formas e na proporção de pessoas de médio porte. Lisipp preferido alto, moinho magro. Seus membros se tornaram mais fáceis, o moinho é maior.

Ao contrário dos Skopas e Prakkitel, ele trabalhou exclusivamente em Bronze: Mármore frágil requer um equilíbrio estável, e os lisipes criaram estátuas e grupos de estatutização nos estados de dinâmicos, em atividades complexas. Foi inesgotável na invenção de motivos plásticos e muito frutas; Eles disseram que depois do final de cada escultura, ele colocou uma moeda de ouro no cofrinho, e de desta forma ele tinha uma mil e meio moedas, isto é, ele supostamente fez uma e meia mil estátuas, Grandes tamanhos, incluindo uma estátua de 20 metros de Zeus. Nenhum de seu trabalho foi preservado, mas um grande número de cópias e repetições, ascensão ou originais de Lisipa, ou para sua escola, dar uma visão aproximada do estilo do mestre. Em termos da história, ele claramente preferia os números dos homens, como ela adorava retratar feitos com força de maridos; Hércules era seu herói favorito. Em uma compreensão da forma plástica, a conquista inovadora de Lisippa foi uma vez da figura no espaço ao redor de todos os lados; Em outras palavras, ele pensou que a estátua não era contra o plano de fundo de qualquer avião e não assumiu um, o ponto de vista principal, com o qual ela deveria olhar, e esperava que o contorne a estátua ao redor. Vimos que o "Menad" do Skopas foi construído com o mesmo princípio. Mas o fato de os escultores anteriores ser uma exceção, o Lisippa se tornou uma regra. Assim, ele anexou às figuras posturas efetivas, reversões complexas e processou-os com igual cuidado não apenas da parte da frente, mas também das costas.

Além disso, Lisipp criou um novo senso de tempo em escultura. Ex-estátuas clássicas, mesmo que suas posturas fossem dinâmicas, não pareciam afetadas pelo fluxo de tempo, elas estavam fora dele, elas estavam, descansaram. Heróis de Lisippa vivem no mesmo tempo real que pessoas vivas, suas ações são incluídas e transitórias, o momento presente está pronto para mudar o outro. Claro, Lisippa e aqui eram predecessores: podemos dizer que ele continuou as tradições de Mirone. Mas mesmo o descolobol do último é tão equilibrado e o rosário em sua silhueta, que parece ser "ficar" e estática em comparação com Hercules de Lisippova, lutando com LVOM, ou Hermes, que por um minuto (apenas por um minuto!) para descansar na pedra da estrada, continuar voando em suas sandálias pintadas.

Se os originais dessas esculturas pertenciam aos Lisipa ou seus discípulos e assistentes pertencem a mais definitivamente, mas a estátua de apoxiomen era, sem dúvida, a cópia de mármore, do qual está localizado no Museu do Vaticano. Jovem atleta nu, esticando os braços para a frente, considera o raspador com uma poeira de nanile. Ele estava cansado depois da luta, ligeiramente relaxado, mesmo como se fosse abalado, espalhando-se para a resistência da perna. Fios de cabelo, negociados muito naturalmente, presos a uma testa de suor. O escultor fez todo o possível para dar máxima naturalidade dentro do cânone tradicional. No entanto, a mais canon é revisada. Se você comparar os apodiomen com o Doryphor do polyphor, pode-se ver que as proporções do corpo mudam: a cabeça é menor, as pernas são mais longas. Doryina é mais pesado e o governamentista em comparação com o apoxiom flexível e esbelto.

Lisipp era um artista da corte Alexander Macedonsky e cumpriu um número de seus retratos. Heroização lisonjeira ou artificial neles; A cabeça da cabeça de Alexander na cópia helenística é realizada nas tradições do agachamento, algo, lembrando a cabeça do guerreiro ferido. Esta é uma pessoa que vive intensamente e é difícil, o que não é fácil de obter sua vitória. Os lábios estão meio abertos, como em respiração severa, na testa, apesar da juventude, colocou rugas. No entanto, o tipo clássico de pessoa é preservado com tradições legais com proporções e características.

A arte de Lisippa leva a zona fronteiriça na virada das épocas de clássicos e helenismo. Ainda é verdade aos conceitos clássicos, mas já os prejudica do interior, criando o solo para ir para outra coisa, mais relaxado e mais prosaico. Nesse sentido, a cabeça de um lutador fundado, pertencente a Lisipu, e talvez seu irmão lisistrado, que também era escultor, e, como eles disseram, o primeiro começou a usar para retratos com máscaras, removido da face do Modelo (que foi generalizado no antigo Egito, mas a arte grega é completamente alienígena). É possível que a cabeça de um combate fosse feita usando a máscara; É longe da cânona, longe de idéias ideais sobre a perfeição física, que a ellidade é incorporada em um atleta. Este vencedor na batalha fistful não é semelhante ao demigod, apenas uma multidão ociosa do artista. Seu rosto é rude, o nariz é achatado, os ouvidos estão inchados. Este tipo de imagens "naturalistas" foram posteriormente distribuídas no ellinismo; Um punho ainda mais desagradável do lutador do Scultort Scultor Apollonius já está no primeiro século aC. e.

O fato de que a sombra jogou antecipadamente para o farol da minoceania infernal estava chegando no final do século IV aC. E.: A decomposição e morte da política democrática. Isso começou a ser fundado pela elevação da Macedônia, na região norte da Grécia, e a apreensão real de todos os estados gregos pelo rei Macedónio Philipp II. B Batalha do Heronee (em 338 aC), onde as tropas da coalizão grega de Antimacedon foram derrotadas, o filho de 18 anos de Philippe participou - Alexander, o futuro grande conquistador. A partir de uma campanha vitoriosa aos persas, Alexander promoveu seu exército ainda mais leste, captando cidades e com base em novos; Como resultado de uma caminhada de dez anos, uma enorme monarquia foi criada, estendendo-se do Danúbio para Inde.

Alexander Macedonsky ainda em sua juventude provei o fruto da mais alta cultura grega. Seu educador era o grande filósofo Aristóteles, artistas da corte - Lisipp e Appelles. Isso não o impediu, captando o poder persa e tomando o trono dos faraós egípcios, declarou-se a Deus e exige que Deus e na Grécia sejam fornecidos. Incomum para a Alfândega Oriental, os gregos, rindo, disse: "Bem, se Alexander quer ser Deus, deixe que seja" - e o reconhecido oficialmente com o Filho de Zeus. A orientalização, que Alexander começou a impor, no entanto, era mais grave do que o adequado do conquistador intoxicado por vitórias. Ela era um sintoma da virada histórica de uma antiga sociedade de uma democracia de propriedade escrava à forma que antiga existia no leste - a uma monarquia de propriedade escrava. Após a morte de Alexandre (e ele morreu com um jovem), sua colossal, mas o poder contínuo se separou, as esferas de influência foram divididas entre si seus comandantes, os chamados sucessores da Diagei. Os estados que alcançaram não eram mais gregos, mas o Greco-Oriente. A era do helenismo chegou - uma associação sob os auspícios da monarquia de culturas helênicas e orientais.

A arte da antiga Grécia tornou-se o apoio e a base sobre a qual toda a civilização europeia cresceu. A escultura da Grécia antiga é um tópico especial. Sem escultura antiga, não haveria obras-primas brilhantes de renascimento, e quanto mais desenvolvimento dessa arte é difícil de imaginar. Na história do desenvolvimento da escultura antiga grega, três grandes estágios podem ser distinguidos: arcaico, clássico e etalinístico. Cada um tem algo importante e especial. Considere cada um deles.

Archaika.

Este período inclui esculturas criadas no período do século VII para a nossa era até o início do século 5 aC. A época nos deu as figuras de guerreiros nus - jovens (Kosses), bem como muitos figuras femininas Em roupas (casca). Para esculturas arcaicas, alguns esquemáticos são caracterizados, desproporcionados. Por outro lado, cada trabalho do escultor é atraente para sua simplicidade e a emocionalidade contida. Para as figuras desta época, um semi-coulter, que dá a funciona alguma misteriosidade e profundidade.

"Deusa com granada", que é armazenada em Berlim museu do Estado., uma das esculturas arcaicas mais preservadas. Com grossiça externa e proporções "incorretas", a atenção do espectador é atraída pelas esculturas feitas pelo autor brilhantemente. O gesto expressivo da escultura torna dinâmico e especialmente expressivo.

"Koos da Piraea", decorando a coleção do Museu Atenas, é mais tarde, o que significa um trabalho mais avançado escultor antigo. Na frente da platéia, um poderoso jovem guerreiro. Cabeça de inclinação leve e gestos de mão falam sobre uma conversa pacífica que o herói leva. Proporções violadas não são mais tão impressionantes. E as características do rosto não são tão generalizadas, como as primeiras esculturas do período arcaico.

Clássico

As esculturas desta época são mais associadas à arte plástica antiga.

Na era dos clássicos, tais esculturas famosas, como Athena Parfenos, Zeus Olympic, Discobol, Dormico e muitos outros foram criados. A história mantinha para descendentes Os nomes dos escultores excepcionais da era: uma polícia, Fidium, Miron, Skass, Praxitel e muitos outros.

As obras-primas da Grécia clássica são caracterizadas por harmonia, proporções ideais (que indica o excelente conhecimento da anatomia humana), bem como conteúdo interno e dinâmicas.

É o período clássico que é caracterizado pelo advento das primeiras figuras do sexo feminino nu (ferido, livro Amazon, Afrodite), que dão uma idéia sobre o ideal da beleza feminina do auge da antiguidade.

helenismo

A antiguidade grega tardia é caracterizada por uma forte influência oriental em toda a arte em geral e na escultura em particular. Há ângulos complexos, cortinas requintadas, numerosos detalhes.

A emoção oriental e temperamento penetra na calma e majestade dos clássicos.

Afrodite Kirenskaya, adornando o Museu Romano, termo, é cheio de sensualidade, até mesmo alguns coqueteria.

A mais famosa composição escultural da Era Ellinism é Laocoon e seus filhos de Assandra Rhodes (obra-prima é armazenada em um dos). A composição é cheia de drama, o próprio lote envolve emoções fortes. Resistir desesperadamente das cobras enviadas por Atena, o próprio herói e seus filhos parecem entender que o destino de seus terríveis. A escultura é feita com precisão extraordinária. Figuras são plásticas e reais. As pessoas de heróis produzem uma forte impressão no espectador.

A cultura e a arte de Ellinov sempre atraíram a atenção das pessoas para quem já eram história. Na Idade Média, na era do Renascimento, no século do novo tempo, artistas viu na arte dos antigos gregos uma excelente amostra, uma fonte inesgotável de sentimentos, pensamentos, inspiração. Em todos os momentos, uma pessoa com sua toastfulness inerente a ele procurou penetrar no mistério da perfeição da antiga arte grega, uma razão e sentindo tentando compreender a essência dos monumentos de Ellen.

"É necessário avançar para o século de Homer, para lidar com seu contemporâneo, viver com heróis e pastores, para entendê-los bem. Então Aquiles, que, em Lira, aquece os heróis e fritam o Baranov, que se encaixa sobre o Hector morto, e seu pai, para eu, tão generosamente, tanto a noite como a noite em seu buneteu, não nos parecerá enfrentar fantástico, imaginação exagerada, mas o filho real, cometido pelo representante dos grandes séculos heróicos, quando o A vontade e o poder da humanidade se desenvolveram com toda a liberdade ... então o mundo, em três mil anos, o que não existia, estará morto para nós e alienígenas em todos os aspectos. "

Depois de conquistar os dranianos enfraquecidos na Guerra de Tróia, as tribos Ahasey segue o período homeriano na história da antiga arte grega (Xi-VIII BC. BC), caracterizada pelo patriarcalidade da vida, a fragmentação de pequenas fazendas e a primitiva da cultura começando a se formar. A partir deste momento, quase não há monumentos de arquitetura, já que o material serviu principalmente madeira e irracional, mas apenas os tijolos crus secos. Apenas apenas preservados permanece de fundações, desenhos em vasos, funerais de terracota, casas e templos em forma de forma, e algumas linhas de poemas de Homero, podem dar uma ideia da arquitetura de suas origens.

"Amigo, nós, é claro, viemos a Odyssev, uma boa casa,

Pode ser facilmente reconhecido entre todas as outras casas:

Long Strass espaçoso, largo e puramente poder

Courtyard entupido, portão duplo

Com uma trava forte, ninguém é infeliz para romper neles. "

Criado naquela época e monumentos de escultura raro, formas simples e tamanho pequeno. Especialmente difundido a decoração dos navios, aos quais os gregos mais antigos tratados não apenas, conforme necessário, estar sujeitos a objetos. Em uma variedade de formas cerâmicas, às vezes bizarras, simples, mas expressivas.

Nas formas e desenhos do VAZ surgindo antes do século IX aC. E., houve uma fácil expressar os sentimentos das pessoas que criaram o povo. Os navios são geralmente cobertos de ornamentos na forma de figuras simples: círculos, triângulos, quadrados, losangos. Com o tempo, os padrões nos navios tornaram-se mais complicados, suas formas se tornaram diversas. No final do ix - início do século VIII aC. e. Havia vasos com um enchimento sólido da superfície com ornamentos. Tulovo Amphoras do Museu de Munique arte aplicada É dividido em fragmento - frisos pintados por formas geométricas como renda deitada na embarcação. Um artista antigo decidiu mostrar na superfície desse avô. Além dos padrões - animais e pássaros, para os quais ele destacou frisezas especiais, localizado um no topo da garganta, o outro no início de Tulov e o terceiro- perto do fundo. O princípio da repetição, peculiar às instruções precoces do desenvolvimento da arte de diferentes povos, atua nos gregos em pinturas cerâmicas, o vasopista aqui usado, em particular, repita na imagem de animais e pássaros. No entanto, mesmo em composições simples na garganta, Tulla e as diferenças inferiores são perceptíveis. Na coroa de flores - Lani é calma; Eles vão pastar pacificamente, conectando a grama. No local de Tulova, onde o levantamento das alças começa e a forma de embarcação muda drasticamente, os animais são mostrados de maneira diferente - como se eles tivessem a cabeça de volta, eles foram corrigidos. A violação do ritmo suave da linha de contorno da embarcação encontrou um szvuk na imagem das pistas.

No século VIII, DIPILON Ânfora refere-se, que serviu como um monumento de lápide no cemitério de Atenas. Suas formas monumentais são expressivas; Tulovo amplamente enorme, orgulhosamente sobe garganta alta. Parece não menos majestoso do que uma coluna fina do templo ou uma estátua de um poderoso atleta. Toda a superfície é dividida em frescuras, cada uma das quais é o seu próprio padrão, com frequentemente repetido meandro de vários tipos. Uma imagem de animais em frisos está sujeita ao mesmo princípio que em Munique Amfor. No lugar mais largo é uma cena de despedida com os mortos. À direita e à esquerda do falecido - os rebocos com mãos atordoadas. A dor dos desenhos nos vasos que serviram como lápides é extremamente contida. Sureovable parecem ser os sentimentos aqui apresentados, perto do fato de que ele experimentou a Odyssey, que ouviu a história emocionante do choro e ainda não reconhecia seu Penelope:

"Mas como chifres Ile Ferro, os olhos ainda estavam de pé

Em séculos. E a vontade das lágrimas, com cautela, não lhe deu! "

No laconismo das pinturas dos séculos X-VIII, as qualidades desenvolvidas mais tarde em formas plasticamente suculentas de arte grega foram formadas. Esta era era uma escola para artistas gregos: a estrita clareza dos desenhos de estilo geométrico é obrigada a ser contida a harmonia de imagens e clássicos arcaicos.

No estilo geométrico, os sentimentos estéticos das pessoas que começaram o caminho até o topo da civilização, que mais tarde criou os monumentos, eclipsados \u200b\u200bpela glória pirâmides egípcias e os palácios da Babilônia. A decisão e collecas internas das Hellenes naquela época eram Szvuk no limite laconismo de pinturas com ritmo inexorável, clareza e nitidez das linhas. O caráter condicional das imagens, as formas simplistas - o resultado não é uma sofisticação, mas o desejo de expressar o conceito geral de um objeto completamente definido do mundo real com um sinal gráfico. As limitações desse princípio da imagem estão na ausência de características individuais específicas da imagem. Seu valor é que uma pessoa em um estágio inicial de desenvolvimento começa a entrar no mundo que ainda é incompreensível e caótico, elemento do sistema, ordem. Imagens esquemáticas de geométricas serão saturadas no futuro aumento da concretude, mas os artistas gregos não perderão o princípio da generalização alcançado nesta arte. A este respeito, a pintura do período Homerovsky é os primeiros passos no desenvolvimento do antigo pensamento artístico.

Na arte do sótão, representada por vasos de diplonículos, combinam felizmente formas geradas por séculos em várias áreas da Grécia - nas ilhas, em Centros Dóricos, em Besotia. No sótão, especialmente belos vasos com pinturas por multi-tech, vivos, são criados. Em Argos, a composição é extremamente concisa, em Besotia expressivo, nas ilhas do Mar Egeu são elegantes. Mas para todos escolas de arteA originalidade das quais já está planejada no período homérico, e especialmente para o sótão, qualidades comuns são caracterizadas - o crescente interesse na imagem humana, o desejo de conformidade harmoniosa das formas e a definição da composição.

Na escultura do estilo geométrico não é menor que a originalidade do que na vasiapia. O pequeno plástico decorou a cerâmica quando os animais feitos de estatuetas de argila ou bronze foram anexados nas capas dos vasos e o papel das alças. Havia e não relacionado a navios da estatueta de natureza culto que foram dedicados às divindades foram colocadas nos templos ou destinavam-se às sepulturas. Na maioria das vezes, estes foram preenchidos das figuras de argila queimadas com apenas características e membros faciais planejados. Às vezes, às vezes os escultores foram levados para tarefas complexas e os resolviam com métodos bastante originais de seu estilo. Na maior parte, as estatuetas geométricas são destinadas a contemplar no perfil e parecem ser planas, imagens semelhantes em vasos. A silhueta tem grande importância neles, apenas depois, o mestre para o volume começará a despertar. Elementos de uma compreensão plástica do mundo pelo artista somente delineadas.

Na escultura do estilo geométrico, essas obras de um personagem de história ainda são raras, como armazenadas no Metropolitan-Museum of New York, uma imagem de bronze de um centauro e homem, projetado para perceber ao lado. No entanto, aqui é claramente possível observar o que aparecerá mais tarde no arcaico grego, - o nu da figura masculina, uma musculatura sublinhada dos quadris, ombros.

Na segunda metade do século VI aC. e. Um estilo geométrico aparece recursos indicando a recusa de suas regras estritas. Há um desejo de mostrar a figura de uma pessoa, animal, vários itens não são esboços, mas mais animados. Isso pode ver o início da partida da convencionalidade de pinturas e esculturas. Gradualmente, os mestres gregos vão para as imagens mais cheias, vital. Já na ordem do estilo geométrico, os primeiros sinais do processo, que na convenção das formas de antiguidade precoce no estilo geométrico, levará à concretude limitante da reprodução do mundo nos monumentos da antiguidade tardia. Com o surgimento de representações mais maduras de uma pessoa sobre o mundo, a necessidade não é esquemática, mas uma imagem detalhada que leva à crise do estilo geométrico e do surgimento de novas formas nos monumentos do período arcaico do VII-VI séculos BC. e.

A massenidade dos volumes plásticos na escultura arcaica é geralmente suavizada pela decoração das partes e da coloração. Medusa Cabelos ondulam ornamentalmente resolvidos, as reviravoltas de suas cobras, pigtails, anéis descendo no peito de monstros. Cobras, medusas ridicularizantes, formam um padrão intricado e complexo. Panteras predatórias, mas não terríveis cujas peles estavam cobertas de círculos coloridos brilhantes, as rodadas se relacionam com o telhado e são percebidas como seus backups. Aqui, como em outras composições de frontões arcaicas, visação visivelmente forte da escultura de arquitetura, personagens de canto geralmente menos que o tamanhodo que a central. As preferências da simetria com ênfase na figura média, localizada sob o Skener of the Fronton. Algumas composições frontais e templos que estavam nos tempos arcaicos na acrópole de Atenas são preservados. Um dos mais antigos é a imagem de Hercules, que derrota a hidra lerneístia. Hércules, lutando com o Monstro do Mar Triton, em outro templo acropoliano - hecatompedone - mostrado pelo inimigo agradável e prensado no chão. O mesmo templo inclui a escultura do tritopato - um bom demônio com três trustes humanos. Em lugares pacíficos do demônio, a pintura, o cabelo na cabeça e barba é bem preservado, azul, olhos - verde, orelhas, lábios e bochechas - vermelho. Camadas densas de tinta escondiam a rugosidade de calcário (poros).

O tema principal na arte dos gregos torna-se, acima de tudo, uma pessoa representada na forma de Deus, herói, atleta. Já no início do Archaica inclui um surto de curto prazo de gigante quando uma imagem de pessoa no final do século VI aC. e. Em Phazzos, Naxos, Delos. Nos monumentos da escultura de Archaika, a plasticidade está crescendo, substituindo esquemas inerentes em imagens de geométricos. Este recurso atua em uma estatueta de bronze de Apolo de FIV, onde a arredondamento dos ombros, quadris, ornamentalidade de cabelo contido é perceptível.

No meio do século VII aC e. Os escultores se voltam para o Mr, o material mais adequado para a imagem do corpo humano, ligeiramente transparente na superfície, depois brancos, depois creme de uma bela pátina, causando uma sensação de realidade física. Os mestres começam a se afastar da convenção que aumentaram ao usar a cor calcária.

Uma das primeiras esculturas de mármore encontradas no principal centro religioso de delos gregos, a estátua de Artemis, cheia de enorme força de impacto. A imagem é simples e, ao mesmo tempo, monumentalmente solene. A simetria realiza em tudo: o cabelo é dividido em quatro linhas de cachos para a esquerda e direita, bem pressionada ao corpo da mão. A conconscisão final das formas, o mestre alcança a impressão do poder calmo do divino.

O desejo de mostrar na escultura de uma pessoa excelente e perfeita que ganhou se em competições, que caiu em batalha por sua cidade natal, ou a força e beleza de tal divindade, levou à aparência no final do mármore do século VII Esculturas de jovens nus - Kuros. Muscular e forte, confiante em si mesmos são representados pelos primeiros argos Cleobis e Biton. Escultores começam a retratar a figura em movimento, e os jovens se apresentam com o pé esquerdo.

Os mestres arcaicos têm o desejo de passar o movimento de sentimentos, um sorriso na face de uma pessoa ou deidade. Sorriso arcaico ingênuo toca as características do Gee, um grande esculpido a partir do calcário cuja cabeça foi encontrada na Olympia. O mestre mostrou a flexão de seus lábios, possivelmente porque quando olhando para uma estátua alta, seus contornos parecem ser rigorosos.

O mago do archaika tardio se transforma em problemas de plástico complexos, tentando mostrar uma pessoa em ação - galopando em um cavalo ou trazendo um animal para o altar.

Na estátua de mármore de moshofor, grego com um bezerro, deitado deitado em seus ombros. A face do ateniense é iluminada pelo brilho da alegria. Parece que nem um bezerro traz sacrificando, mas dedica a divindade os sentimentos mais caros.

Artistas dos séculos VII-VI BC e. Usou vários materiais. Eles criaram suas composições em metais de barro, placas de madeira (sacrifícios de sacrifícios de Sykion), pequenos que dedicaram aos gemidos de sinais de argila pinaki (Atenas), paredes de argila pintada sarcófago (clasome), em lápides de calcário e mármore (Stele Lica, stele do sunion). Mas esses monumentos, onde a pintura foi aplicada a uma superfície plana, não havia muito preservada, e os desenhos foram melhor alcançados nas superfícies esféricas do VAZ passando por disparar para a força da tinta.

No final do século VIII aC. e. Na sociedade grega, novos gostos e interesses foram formados. Imagens geométricas simplificadas, condicionadas deixaram de satisfazer; Nos desenhos em vasos, artistas do século VII aC. e. Começamos a entrar abundantemente motivos de plantas e cenas de enredo. A proximidade do leste principal foi expressa na decoração e a doloronidade das composições que causou o estilo do século Vasopysi VII aC. e. Orientalizing, ou tapete. Embarcações artisticamente perfeitas foram fabricadas em Creta, Ilhas Delos, Melosé, Rodes e nas cidades de Malaya Ásia. O principal centro da produção VAZ em VII e no início do século VI era a cidade de Corinto, e no século VI - Atenas.

No século VII, as formas VAZ tornam-se mais diversas, mas visivelmente para a arredondamento dos contornos. O mesmo aumento do volume de volumes ocorreu em escultura e na arquitetura. Os backups finos de madeira foram substituídos por chubs com colunas de pedra de entazis. A técnica de aplicar desenhos sobre os vasos do século VII foi complicada, a paleta do artista tornou-se mais rica. Além do verniz preto, a tinta branca foi usada, roxo de tons diferentes e para designar peças - arranhando.

Apolo com musas e artemis retratados no recipiente de Meloosk são mostrados não tão esquematicamente como em composições geométricas. Na pintura deste tempo admiradamente admiração pelos mestres da colorida brilhante do mundo. Os desenhos são tão decorativos e estão saturados com ornamentos como os hinos de Homer desse impulso expandir epítetos. Eles têm menos masculinidade do que em cenas geométricas, mas o começo lírico é mais forte. A natureza das composições nos vasos desta vez é a consoante com a poesia de Sappo.

Na graça de padrões, palmeta, círculos, quadrados, meandros, idiotas em forma de espiral são o aroma da natureza estilizados, além da sensação do decorador - um vasopista. A ornamentalidade, que compõe uma característica distintiva dos desenhos desse período, permeia imagens encaracoladas e absorve-as, dissolve-se nos cantores dos ritmos de seus motivos. Contornos ornamentais de pessoas e animais, padrões diligentemente preenchidos entre as lacunas entre figuras e objetos.

Carpete de Pestry é uma pintura em vasos da ilha. A superfície do suculento e gordinha na forma dos jarros de Adoe - Ohinohi é dividido em frisões - listras com animais que se projetam de forma a elas. Nos vasos do Odox, pastando ou calmamente andando uns sobre os outros são muitas vezes retratados, pássaros, às vezes reais, mas muitas vezes fantásticas - esfinetes, sirenes com lindos lindos de contorno elásticos.

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Diante das esculturas da Grécia antiga, muitas mentes pendentes expressaram admiração genuína. Um dos pesquisadores mais famosos da arte da antiga Grécia, Johann Winkelman (1717-1768) fala de escultura grega: "Especialistas e imitadores de trabalhos gregos são encontrados em seus workshops, não apenas a natureza mais bonita, mas também mais do que a natureza , ou seja, uma certa beleza ideal, que ... criada a partir de imagens esboçadas pela razão. " Todo mundo que escreve sobre a arte grega é celebrado nisso uma incrível combinação de uma direção ingênua e profundidade, realidade e ficção.

Nele, especialmente na escultura, o ideal do homem é incorporado. Qual é a característica do ideal? O que ele fascinou tanto que o envelhecido Goethe foi soluçado no Louvre em frente à escultura de Afrodite? Os gregos sempre acreditavam que apenas uma linda alma poderia viver em um belo corpo. Portanto, a harmonia do corpo, perfeição externa - uma condição indispensável e a base de uma pessoa ideal. O ideal grego é determinado pelo prazo (grego. Kalos é lindo + agates). Como a redução inclui perfeição e adição corporal, e armazém espiritualmente moral, a justiça, a castidade, a coragem e a inteligência são realizadas com beleza e poder. Isso é exatamente o que os deuses gregos estão entediados com escultores antigos, excepcionalmente bonitos.

Os melhores monumentos da antiga escultura grega foram criados em v c. Bc. Mas os trabalhos anteriores nos atingem. Catatu VII - VI séculos. BC. Simétrica: uma metade do corpo é um reflexo de espelho de outro. Contadas poses, mãos alongadas pressionadas contra um corpo muscular. Não é a menor inclinação ou virada da cabeça, mas os lábios são divulgados em um sorriso. Sorria como se de dentro ilumine a escultura da expressão da alegria da vida. Mais tarde, durante o classicismo da estátua adquire uma maior variedade de formas. Havia tentativas de compreender algebricamente a harmonia. O primeiro estudo científico do fato de que há harmonia, ensinou Pitágoras. A escola, que fundou, considerou questões matemáticas filosóficas, aplicando cálculos matemáticos a todas as partes da realidade.

Vídeo: Esculturas da Grécia Antiga

A teoria dos números e esculturas da Grécia antiga

Não houve exceções para nem a harmonia musical, nem a harmonia do corpo humano ou estrutura arquitetônica. A escola pitagórica considerou o número a base e o começo do mundo. O que é teoria da teoria dos números à arte grega? Acontece que o mais direto, uma vez que a harmonia das esferas do universo e a harmonia de todo o mundo é expressa pelas mesmas relações de números, cuja principal são 2/1, 3/2 e 4/3 relações (Na música, respectivamente, octava, quint e quarta). Além disso, a harmonia assume a possibilidade de calcular qualquer correlação de partes de cada sujeito, incluindo esculturas, de acordo com a seguinte proporção: A / B \u003d B / C, onde uma é uma parte menor do objeto, B - qualquer grande parte, C é um inteiro. Nesta base, o grande policio do escultor grego (v século CC) criou uma escultura do menino-lança (v Século. BC), que é chamado de "Dorina" ("Copionaire") ou "Canon" - pelo nome do nome do Escritors Scultor, onde ele, discutindo sobre a teoria da arte, considera as leis da imagem de uma pessoa perfeita.

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Grécia no mapa onde as esculturas da Grécia antiga foram criadas

Estátua da polícia "Copyensec"

Acredita-se que os argumentos do artista possam ser atribuídos à sua escultura. Estátuas do polyclet cheio de vida tensa. O polyclet adorava retratar atletas em repouso. Tome o mesmo "lança". Este homem de adição poderoso é cheio de auto-estima. Ele ainda está na frente do espectador. Mas isso não é a paz estática das antigas estátuas egípcias. Como pessoa, habilmente e facilmente possuir seu corpo, o Spearman levemente inclinou uma perna e moveu o fardo do corpo para outro. Parece que haverá um momento e ele vai dar um passo à frente, virar a cabeça, orgulhosa de sua beleza e força. Antes de nós ser um forte, bonito, livre de medo, orgulhoso, discreto - a forma de realização dos ideais gregos.

Vídeo: Escultores gregos.

Estátua de Mirone Discobol

Ao contrário de seu contemporâneo do polyllet, Miron adorava retratar suas estátuas em movimento. Aqui, por exemplo, uma estátua "discobol" (v in. BC. E.; Termo do museu. Roma). Seu autor, o grande escultor Miron, retratou um jovem excelente no momento em que ele balançou um disco pesado. É capturado pelo corpo do movimento é curvo e intenso, como pronto para virar a primavera.

Sob o couro elástico, os músculos treinados começaram a ocupar as mãos. Dedos de pé, formando um apoio confiável, profundamente apressado na areia.

Escultura Fidia "Athena Parfenos"

As estátuas de Mirone e o polyclet foram elenitadas de bronze, mas apenas cópias de mármore dos antigos originais gregos feitos pelos romanos nos alcançaram. O maior criador do seu tempo dos gregos foi considerado um fidium, que decide a escultura de mármore de Parfenon. Em suas esculturas, é especialmente refletido que os deuses na Grécia não são nada mais do que as imagens de uma pessoa ideal. A fita de corda de mármore do mundo é preservada. 160 m de comprimento. Isso retrata uma procissão em direção ao Templo da Deusa Atenas - Parfenon. A escultura de Parfenon sofreu muito. E "Athena Parfenos" morreu nos tempos antigos. Ela ficou dentro do templo e foi extremamente linda. A cabeça da deusa com uma testa baixa e o queixo arredondado, pescoço e mãos eram feitos de marfim, e cabelos, roupas, escudo e capacete foram feridos de folhas de ouro. A deusa na imagem de uma excelente mulher é a personificação de Atenas. Muitas histórias estão associadas a essa escultura.

Outras esculturas de Fidia

A obra-prima criada foi tão grande e famosa que seu autor imediatamente apareceu muitos invejosos. Eles tentaram pressionar o escultor em todos os sentidos e procuraram por várias razões para as quais seria possível aclamá-lo em algo. Dizem que o Fúlio foi acusado do fato de que ele supostamente passou uma parte do ouro, dado como mãe para a decoração da deusa. Em prova de inocência, Fidi removeu todos os itens de ouro e pesando-os. Peso com precisão coincidiu com o peso do ouro dado na escultura. Então a Fidia foi descoberta em desvalorosamente. A razão para isso foi o escudo de Atenas.

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Atenas no mapa onde as esculturas da Grécia antiga foram criadas

Mostra o enredo da batalha dos gregos com as amazonas. Entre os gregos fidi descreveu a si mesmo e seus pericles favoritos. Imagem de Fidia no escudo e causou o conflito. Apesar de todos os impulsos do Fidiya, o público da Grécia foi capaz de montar proteínas. A vida do grande escultor termina com uma execução cruel. Conquistas de Fididia em Parfenona não estavam esgotadas por seu trabalho. O escultor criou um conjunto de outras obras, o melhor da figura de bronze kólossal de Atena Promahos, erigida na Acrópole, aproximadamente 460 aC, e não menos grandes lutadores de marfim e ouro Zeus para o templo em Olympia.

Infelizmente, não há mais trabalho autêntico, e não podemos ver nossos olhos grandes obras de arte da Grécia antiga. Apenas suas descrições e cópias permaneceram. De muitas maneiras, a razão foi a destruição fanática de estátuas por crentes dos cristãos. Para que você possa descrever a estátua de Zeus para o templo em Olympia: um enorme de Deus quatro vezes alugado no trono de ouro, e parecia se levantar, espalhando os ombros largos - estreitamente estarão no extenso salão e baixo será o teto . A cabeça de Zeus foi decorada com uma coroa de flores de Maslina - um sinal da tranquilidade do deus terrível. Os ombros, os ombros, o peito eram do marfim, e o manto - desligou através do ombro esquerdo. Coroa, Zeus Beard foram ouro espumante. Fidius dotou Zeus com nobreza humana. Seu rosto de fraude emoldurado por barba encaracolado e cabelo encaracolado não era apenas estrito, mas também bom, a pose solene, Majikhava e calma.

A combinação de beleza física e bondade da alma enfatizava sua idealidade divina. A estátua produziu tal impressão que, de acordo com o antigo autor, as pessoas deprimidas pela dor estavam procurando consolo na contemplação da criação de Fidia. Solva anunciou a estátua de Zeus uma das "sete maravilhas do mundo". As obras de todos os três escultores foram semelhantes em que todos eles retrataram a harmonia de um corpo bonito e uma boa alma cercada. Foi a direção principal da época. Claro, normas e instalações na arte grega mudaram ao longo da história. A arte de Archaika foi mais direta, não havia um significado profundo completo de não evolução, que hesita a humanidade no período de clássicos gregos. Na era do helenismo, quando uma pessoa perdeu a sensação da sustentabilidade do mundo, a arte perdeu seus ideais antigos. Começou a refletir os sentimentos de insegurança no futuro, reinando nas correntes públicas do tempo.

Materiais da escultura da antiga Grécia

Um unido todos os períodos do desenvolvimento da sociedade e arte gregas: como M. Alpatov escreve, um vício especial ao plástico, às artes espaciais. Esse vício é explicado: as enormes reservas de uma variedade de material colorir, nobre e perfeito - mármore - representavam amplas oportunidades para sua implementação. Embora a maioria das esculturas gregas fosse realizada em bronze, como mármore era frágil, no entanto, era a textura do mármore com sua cor e decoração com a maior expressividade para reproduzir a beleza do corpo humano. Portanto, na maioria das vezes "corpo humano, sua estrutura e conformidade, sua harmonia e flexibilidade atraíram a atenção dos gregos, elas retrataram voluntariamente ao corpo humano e nuas e em roupas transparentes claras".

Vídeo: Cultural da Grécia Antiga

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