Antes de prosseguir com a análise prática, é necessário fazer uma nota substancial: na imagem, não é necessário buscar o que não é nele, ou seja, em nenhum caso, deve ser definido para personalizar um trabalho vivo em um esquema específico . Argumentando sobre as formas e meios da composição, listamos possíveis movimentos e versões da ação do artista, mas não insistiu que todos certamente sejam usados \u200b\u200bna imagem. A análise que oferecemos simplesmente mais se manifesta ativamente algumas características do trabalho e, se possível, explica a intenção composta do artista.

Como dividir um único organismo da parte? Você pode usar o tradicional conjunto de ações: para manter os eixos diagonais para determinar o centro geométrico da imagem, alocar luminosos e locais escuros, tons frios e quentes, determinam o centro semântico da composição, se necessário, especificar eixos compostos, etc. , então é mais fácil estabelecer uma estrutura formal de imagem.

2.1. Análise da composição da vida ainda

Para uma cobertura mais ampla Diferentes técnicas na construção de vida ainda, considere a clássica ainda vida do século XVII, então ainda vive Cesanna e Mashkova.

2.1.1. V. HEDD. Café da manhã com torta preta. 1631.

Depois de passar a primeira diagonal, notamos que a composição da vida ainda é feita na borda da falta, mas o artista brilhantemente lidou com a tarefa de equilibrar, introduzindo uma iluminação gradual do fundo à esquerda. Considerando manchas separadamente brilhantes e escuras generalizadas, estamos convencidos da bem integridade da composição, e vemos como o tecido branco e a superfície iluminada da base do vaso deitado mantêm os principais acentos e criam condições para a localização rítmica de manchas escuras. Um grande ponto brilhante parece ser espalhado gradualmente em pequenos flashes de luz. Da mesma forma, a localização dos pontos escuros é construída.

O enrolamento de calor da vida ainda nas condições do padrão quase monocromático é muito sutil e delicadamente expresso em detalhes e separados por grandes massas à esquerda e à direita. Para preservar a integridade das cores do HED, introduz tons frios de objetos à esquerda, "quente", lado da imagem e, consequentemente, tons quentes à direita, "frio", lado.

A magnificência dessa vida ainda, que é a decoração da Galeria Dresden, não é apenas na materialidade absoluta de objetos, mas também em uma composição cuidadosamente pensada da imagem.

2.1.2. P. cezanne. Pêssegos e peras. O final da década de 1880.

Nesta vida ainda, dois centro consecutivos são rastreados: primeiro, é uma toalha branca, que contém frutas e pratos, em segundo lugar - pêssegos em um prato no centro da foto. Assim, uma visão rítmica de três vias se aproximando do foco da imagem é criada: do total de fundo para a toalha, depois para pêssegos em uma placa, depois para as peras próximas.

Em comparação com a vida ainda da Heda, o trabalho de Cesanna tem uma faixa de cor mais ampla, então o enrolamento de calor da vida é derramado em toda a superfície da imagem e é difícil separar as matrizes locais de cores quentes e frias. Um lugar especial em natureza morta ocupa uma tira escura larga no fundo. É um tipo de composição antidomada e, ao mesmo tempo, enfatiza a brancura do tecido nas luzes e pureza das tintas nas sombras. A imagem inteira da pintura é rude e vestindo vestígios explícitos intencionais da escova - a manoplabilidade é enfatizada, a detecção do processo de criação da pintura. A estética das composições de Cezanne, que veio mais longe ao cubismo, é concluída no nude estrutural de um quadro forte da forma de modelagem de cor.

2.1.3. I. Mashkov. Moscou lento. 1924.

Ainda composição de vida é simetria. A plenitude de todo o espaço da foto não entra no significado do quadro, a composição firmemente fica dentro, mostrando-se em um círculo, depois em um quadrado (localização dos pães). A abundância do cão como se ele corta os limites da pintura, enquanto ao mesmo tempo, o pão deixa um vaso branco com um líder de cor, agrupado em torno dela. A cor saturada grossa, o material denso do pão, sublinhou exatamente a textura resultante de cozimento, combinam objetos em um ponto holístico quente harmoniosamente agrupado, deixando o fundo do gama é um pouco mais frio. O vaso de borrão branco não sai do avião, não é ótimo o suficiente para se tornar um centro semântico, mas é ativo o suficiente para manter a composição firmemente.

A imagem tem duas manchas oblongas escuras localizadas perpendiculares umas às outras: este é um pedaço de tecido pendurado na parede e a superfície do tampo da mesa. Conectando a cor, eles restringem a "dispersão" dos itens. O mesmo impedimento, efeito uniting cria duas tiras horizontais das prateleiras e bancadas na parede lateral.

Se você comparar a vida ainda de Cezanne e Mashkov, então parece que, usando as conquistas colorísticas do Grande Cezanne, Ilya Mashkov também apela à magnífica cor da sebe "monocromático". Claro, é apenas uma impressão; Um artista tão grande, como Mashkov, é bastante independente, suas conquistas cresceram naturalmente de sua natureza artística.

2.2. A composição da paisagem

A paisagem tem uma regra tradicional: o céu e a paisagem ao longo da massa composicional devem ser desiguais. Se o artista visa mostrar o espaço, um espaço ilimitado, ele dá ao céu a maior parte da pintura e se concentra nele. Se o artista é a principal tarefa é transferir os detalhes da paisagem, o limite da paisagem e o céu na imagem geralmente está localizado significativamente maior do que o centro óptico da composição. Se a fronteira estiver localizada no meio, a imagem se desintegra em duas partes, igualmente aplicando-se à primazia, - irá violar o princípio da subordinação do chefe secundário. Esta observação geral é bem ilustrada pelo trabalho de P. Breygel.

2.2.1. Peter Bruegel Senior. Drop Ikara. Cerca de 1560.

A composição da paisagem é complexa e ao mesmo tempo muito natural, à primeira vista, um pouco é pequena nos detalhes, mas com análise atenta, é muito firmemente escondida. A paradoxicidade de Peter Breygel se manifestou no deslocamento do centro semântico da imagem (ICAR) na periferia, e o caráter secundário (Pahahar) no centro de composição. Parece um ritmo aleatório de tons escuros: bosques à esquerda, a cabeça do Pahahar, as árvores na borda da água, o corpo do navio. No entanto, é precisamente este ritmo que não permite que o olho do espectador deixe a imagem ao longo da faixa diagonal escura na borda escura da parte alta da costa. Outro ritmo é construído com tons quentes de áreas brilhantes da tela, bem como uma clara divisão do espaço de cenário para três planos: costa, mar, céu.

Com uma infinidade de peças, a composição é mantida por uma recepção clássica - um sotaque de cor criado por uma camisa pahacary vermelha. Sem entrar em uma descrição detalhada dos detalhes da imagem, é impossível ficar da admiração pela ingenuiosa simplicidade da expressão do sentido profundo do trabalho: Ikara não percebeu o mundo.

2.2.2. Guarda Francesco. Isola di San George em Veneza. 1770.

Por cor, esta é uma das pinturas mais magníficas da história da pintura, mas a perfeição pitoresca não seria alcançada sem uma composição bem construída que atenda a todos os cânones clássicos. Equilíbrio absoluto durante a assimetria, a lente de aumento épico com um ritmo dinâmico, encontrada com precisão pela proporção das massas de cor, o enrolamento térmico da feitiçaria do ar e do mar é o trabalho do grande mestre.

A análise mostra que o ritmo na composição é construído verticalmente e horizontal e diagonalmente. O ritmo vertical é formado pelas torres, colunas, os membros das paredes do palácio em rolo com mastros do barco. O ritmo horizontal é determinado pela localização dos barcos ao longo de duas linhas horizontais imaginárias, encaixam no palácio, linhas de telhados em lugares os conectam com paredes. Muito interessante, o ritmo diagonal dos topos das torres, cúpula, estátuas sobre o pórtico, a perspectiva da parede certa, barcos no lado direito da foto. Para equilíbrio da composição, um ritmo diagonal alternativo foi introduzido a partir do barco esquerdo para a cúpula central do palácio, bem como a partir da quase gôndola até o topo do mastro à direita.

A cor quente das paredes do palácio e do ouro da luz solar nas fachadas que enfrentam o espectador, harmoniosamente e poderosamente distinguem o prédio no contexto do sabor e do céu comum. Não há limite entre o mar e o céu - dá à temperança a toda a paisagem. O reflexo do palácio nas águas calmas da baía é generalizado e completamente desprovido de detalhes, o que permite não ser perdidos figuras de remadores e marinheiros.

2.2.3. Nissky. Região de Moscow. Fevereiro. 1957.

Nissky criou suas obras como composições puras, ele não os escreveu diretamente da natureza, não fez uma massa de etudas preliminares. Paisagens que ele se lembrava, absorvido pela consciência dos recursos e detalhes mais característicos, fizeram uma seleção mental antes do início do trabalho em Molbert.

Um exemplo de tal composição refinado pode servir como "região de Moscou". A localidade das massas de cor, uma clara separação de longas sombras de frio e branca de neve rosada, silhuetas estritamente verificadas de disparos no plano médio e floresta distante, correndo na virada da loja, como a estrada de concreto gasta - tudo isso cria um sentimento de modernidade, a idade industrial é vista, embora a liridade da paisagem de inverno com sua neve limpa, silêncio matinal, o alto céu não permite atribuir uma imagem ao trabalho no tópico de produção:

Especialmente deve ser notado relacionamentos de cores no Plano Far. Por via de regra, eles foram dados escritos com um tom mais frio do que a frente, a floresta Nissky foi reservada em cores quentes. Parece que seria difícil empurrar o sujeito para a profundidade da imagem nessa cor, mas se você chamar a atenção para a cor laranja-rosada do céu, o artista teve que quebrar a regra geral de construir um espaço tão Que a floresta não estava parecendo acentuadamente contra o céu, mas foi mesclado com ele. O mestre colocado em seu meio uma figura de esqui, vestida com um suéter vermelho. Esta mancha brilhante com uma área muito pequena está segurando ativamente a composição e lhe dá uma profundidade espacial. A divisão de massas horizontais convergindo para a seção esquerda das pinturas, a comparação com verticais de abetos dá ao drama composicional de trabalho.

2.3. Retrato da composição.

Artistas interpretados de diferentes maneiras como trabalho. Alguns prestam atenção apenas a uma pessoa sem introduzir qualquer detalhe do meio ambiente, eles escrevem em um fundo neutro, outros são introduzidos no retrato do entourage, tratando-o como uma imagem. A composição com uma segunda interpretação é geralmente mais complicada, usa muitos agentes formais e técnicas anteriormente declaradas, mas também em uma imagem simples em um fundo neutro, tarefas compostas são cruciais.

Angishola Sofonisba. Auto-retrato

2.3.1. Tintoregto. Retrato masculino. 1548.

Tudo a atenção que o artista paga à transferência de uma expressividade viva do rosto. Na verdade, exceto pela cabeça no retrato, nada e não retratado, roupas e fundo tão pouco diferem em cor um do outro que o rosto iluminado é o único ponto brilhante no trabalho. Nesta situação, a escala e o equilíbrio da composição adquirem importância especial. O artista movia cuidadosamente as dimensões do quadro com a abis da imagem, com a calibração clássica determinou o lugar do rosto e dentro da integridade da cor, capturados com cores quentes de meios-tons e sombras. A composição é simples e perfeita.

2.3.2. Raphael. Retrato de um jovem (Pietro Btembo). Cerca de 1505.

Retratos no fundo da paisagem italiana foram criados nas tradições de alto renascimento. É contra o fundo, e não no ambiente da natureza. Alguma condicionalidade da iluminação, preservando a escala da figura em relação ao quadro desenvolvido em retratos não gramados, permitiu que o mestre mostrasse retratado de perto, em todos os detalhes característicos. Tal é o "retrato de um jovem" Rafael.

A figura de cereja de um jovem é composto construído sobre o ritmo de vários casais de cor: primeiro, é um chapéu vermelho e parte visível da camisa vermelha; Em segundo lugar, à direita e à esquerda do par de manchas escuras, formado por cabelos e capa; Em terceiro lugar, são as mãos e dois fragmentos da manga esquerda; Em quarto lugar, é uma faixa de uma coleira de renda branca e uma faixa de papel dobrado na mão direita. Rosto e pescoço, formando um ponto quente comum, são uma composição formal e semântica de foco. A paisagem atrás do jovem é projetada em cores mais frias e forma uma bela gama no contexto da cor geral. A paisagem não contém detalhes domésticos, não é identificado e calmo, que enfatiza o caráter épico do trabalho.

Há um detalhe no retrato, que se tornou um mistério para os artistas há séculos: se a gaveta meticulosa seguir a linha do ombro e pescoço até a cabeça (à direita), então o pescoço acaba, falando por uma língua profissional, absolutamente amarrado à massa da cabeça. Um excelente conhecedor de anatomia como Rafael não poderia ser tão elementar. Salvador foi dado à tela, que ele chamou de "auto-retrato com o pescoço de Rafaelev". De fato, na forma do pescoço do retrato Rafaelevsky, uma atratividade plástica inexplicável é concluída.

2.3.3. K. Korovin. Retrato de f.i. Shalyapin. 1911.

Muito neste trabalho é incomum para o espectador que confessa a pintura clássica. O formato em si é incomum, a repetição composta da figura do cantor, a abis da mesa e persianas, não é incomum, finalmente o modelo pitoresco de formulários sem padrão estrito.

O ritmo das massas de cor do ângulo inferior direito (tom quente da parede e do chão) para o canto superior esquerdo (o exterior verde) faz três passos, mudando no lado frio. Para equilibrar a composição e preservar a integridade da cor na zona fria, flashes de tons quentes são introduzidos, e na zona quente, respectivamente, frio.

Outro artista de ritmo de cor usa em detalhes: os acentos quentes piscam em toda a superfície da imagem (sapatos - cinto - um copo - mãos).

A escala da figura em relação ao quadro permite que você considere que o Entourage não é um fundo, mas um herói completo da foto. A sensação de ar no qual os limites dos objetos são dissolvidos, leves e reflexos criam a ilusão de improvisação livre sem uma composição pensativa, mas o retrato tem todos os sinais de uma composição formalmente competente. Mestre é um mestre.

2.4. Composição do padrão de plotagem 2.4.1. Raphael. Sistine Madonna. 1513.

Esta foto é talvez a mais famosa do mundo, compete apenas com ele "Joconda" Leonardo da Vinci. A imagem de Nossa Senhora, a brilhante e limpa, a beleza dos povos espirituais, a disponibilidade e a simplicidade da ideia do trabalho se fundem em harmoniosamente com uma composição clara da pintura.

O artista usado como uma simetria axial como meio composto, mostrando assim a perfeição inicial e a calma equilibrada da alma cristã que acredita na vitória final do bem. A simetria como um meio de composição é enfatizada literalmente em tudo: na localização das figuras e da cortina, em girando pessoas, no equilíbrio das próprias figuras em relação aos eixos verticais, no rolo de tons quentes .

Pegue a figura central. O garoto nas mãos de Madonna composto pesa a parte esquerda, mas Raphael calculou exatamente pela silhueta da capa equilibrar a figura. A figura da garota à direita é um pouco menor que a esquerda da figura da SICT, mas a saturação da cor da figura direita é mais ativa. Do ponto de vista da simetria, as massas podem ser vistas na localização das pessoas de Madonna e do Baby-Cristo, e depois para a localização dos anjos do menor corte das pinturas. Esses dois pares de indivíduos estão em antífase.

Se você conectar as linhas de imagem dos indivíduos de todas as figuras principais na imagem, o losango correto é formado. O apoio de Madonna - no eixo das pinturas de simetria. Esse esquema compósito torna o produto de Raphael completamente equilibrado, e a localização dos números e itens no oval em torno do centro óptico preserva a integridade da composição, mesmo em alguma desunião de suas partes.

2.4.2. A.E. ARCHIPOV. No rio Oke. 1890.

A composição, aberta, dinâmica, mesmo com a estatística das figuras, foi construída sobre a diagonal reversa: até à esquerda. Parte do Barcasa vai para o espectador, sob a imagem de corte inferior - cria uma sensação de nossa presença diretamente entre a sessão na barra. Para a transmissão da iluminação solar e um dia claro de verão, o artista usa como meio de uma composição de contraste entre a cor clara compartilhada e os acentos sombrios nas figuras. A perspectiva linear exigiu uma diminuição no nariz de barcos, mas a perspectiva do ar (para a ilusão do afastamento da costa) A definição de figuras no nariz não reduziu em comparação com as figuras vizinhas, isto é, a perspectiva do ar dentro do Barras está praticamente ausente. O equilíbrio da composição é assegurado pela interjeição do total de composto escuro oval à esquerda do meio e a local escura ativa à direita (partes de sombra de duas figuras e pratos). Além disso, se você prestar atenção ao mastro, ele está localizado ao longo do eixo da imagem, e à direita e à direita - acentos simétricos de cores de luz.

2.4.3. N. yeryshev. Mudar. 1975.

A composição é construída no ritmo das verticais. Estruturas industriais (a propósito, muito condicional), a única árvore, figuras de pessoas - tudo é enfatizado, apenas na parte inferior da imagem existem várias linhas horizontais formadas por placas de concreto, tubos, horizonte. O foco da composição é um grupo de adolescentes, quase simetricamente localizados em ambos os lados do assistente de trabalho. Estruturas de refino de petróleo junto com t-shirts brancas de dois adolescentes formam um retângulo vertical. Como se limitasse esse retângulo, o autor postou dois jovens nas roupas da cor terracular. Um tipo de simetria foi criada pela configuração no eixo vertical da figura do mestre e da roll-up de uma árvore suavemente em pé com uma estrutura em forma de tubulação à direita.

Extensão direta, uma situação deliberada da situação, a estaticidade obviamente concebida dos números poderia ser atribuída aos momentos controversos na transmissão realista da vida, mas este trabalho é as características da direção monumental-investigação, onde tudo isso é orgânico, lógico e necessário. Do ponto de vista da composição, os meios claros e formalmente impecáveis \u200b\u200bdo agrupamento para grados rítmicos e associações.

Parte quatro.

Composição e artística

Então, é hora de falar sobre as qualidades do trabalho, que, de fato, são transportadoras de valores estéticos, plenitude espiritual, a vitalidade de imagens artísticas. Esta é uma matéria sutil, muito indescritível, implicada na energia espiritual do artista, em sua individualidade, a atitude para com o mundo. O papel da composição resume à alfabetização, a possibilidade de expressar concebido na linguagem da beleza e harmonia, à possibilidade de construir uma forma boa e forte.

1. Generalização e Tipo de Notificação

Nas tradições da prática artística clássica, é costumeiro evitar as raças de acidentes que destruam a integridade da imagem, sua certeza icônica. ETUDE como meio de ganhar material factual, já que a inteligência na realidade objetiva do moinho carrega relatórios excessivos, imyaruchiness, às vezes multiformidade. Levando para o trabalho concluído os recursos mais característicos, tornando generalizações e acentos deslocados, o autor procura a semelhança mais próxima com sua ideia artística. Como resultado de generalização e seleção, uma imagem típica nasce, não é única, não aleatória, mas absorvendo a profunda, comum, verdadeira.

Assim, o tipo de herói ou paisagem nasceu, como, por exemplo, o protoponacon no retrato de I. Repin ou Absolutamente russo paisagem nas pinturas I. Levitan.

Conhecimento teórico que os alunos são obtidos nas lições MHC estão em demanda ao analisar um trabalho artístico, que é, na verdade, um assunto de estudo e consideração nas lições de cultura artística mundial. Qual é o algoritmo para analisar obras de vários tipos de arte? Talvez as informações apresentadas abaixo possam ser úteis para o professor à procura de uma resposta a esta pergunta.

Algoritmo para analisar a pintura

A condição principal para o trabalho neste algoritmo é o fato de que o nome da imagem não deve ser conhecido por aqueles que trabalham.

1. Como você chamaria essa foto?
2. Você gosta da foto ou não? (A resposta deve ser ambígua).
3. Conte-nos sobre essa foto para que a pessoa que não a conheça poderia ter uma ideia disso.
4. Quais sentimentos você tem essa foto?
5. O que você acha que o autor "queria dizer" esta foto? Qual é o pensamento principal dela: "Por quê", ele a escreveu?
6. O que o autor fez para entender sua ideia? Que meios ele conseguiu isso?
7. Você quer adicionar ou alterar algo em sua resposta para a primeira pergunta?
8. Retornar à resposta para a segunda pergunta. Sua estimativa permaneceu anterior ou alterada? Por que você é tão avaliando esta foto?

Algoritmo para analisar a pintura

1. O significado do título da imagem.
2. Afiliação de gênero.
3. Características do enredo de pinturas. Causas de escrita de imagem. Procure por uma resposta à pergunta: o autor de sua ideia para o espectador?
4. Características da composição da imagem.
5. Ativos fixos de imagem artística: cor, desenho, textura, luz, maneira de escrever.
6. Que impressão foi essa obra de arte em seus sentimentos e humor?
7. Onde está esta obra de arte?

Algoritmo para analisar obras de arquitetura

1. O que se sabe sobre a história da criação de estruturas arquitetônicas e seu autor?
2. Especifique o pertencimento deste produto à era cultural e histórica, estilo artístico, direção.
3. Que forma de realização encontrada neste trabalho a fórmula vitruvia: força, benefício, beleza?
4. Especifique sobre meios artísticos e técnicas para criar uma imagem arquitetônica (simetria, ritmo, proporção, modelagem de preto e cor, escala), em sistemas tectônicos (feixe de teto, arqueado em silicone, arous-cúpula).
5. Especifique pertencer ao tipo de arquitetura: estruturas a granel (público: residencial, industrial); paisagem (parque de jardim ou pequenas formas); Urbanismo.
6. Especifique o link entre a aparência externa e interna da estrutura arquitetônica, a conexão entre o edifício e o relevo, o caráter da paisagem.
7. Como usar outras artes no desenho de sua aparência arquitetônica?
8. Que impressão o trabalho em você?
9. Quais associações é uma imagem artística e por quê?
10. Onde fica a estrutura arquitetônica?

Algoritmo para analisar obras de escultura

1. A história da criação de um trabalho.
2. Sobre o autor. Que lugar este trabalho ocupa em seu trabalho?
3. Afiliado à era da arte.
4. O significado do nome do trabalho.
5. Pertencente aos tipos de escultura (monumental, memorial, aço).
6. Uso de máquinas de material e processamento.
7. Tamanhos de escultura (se é importante saber).
8. Formulário e pedestal de tamanho.
9. Onde esta escultura?
10. Que impressão foi esse trabalho em você?
11. Quais associações é uma imagem artística e por quê?

Material fornecido por T.A. Zaitseva, Metodista Mooudary "Imts"

Literatura

1. Cultura artística mundial: 10-11 classes: materiais adicionais para lições / autenticação. - Sobre. O. E. poddleweva. - Volgogrado: Professor, 2009. - 198 s.

Ministério da Educação da Federação Russa Kuzbass State Universidade técnica do Departamento de História Patriótica

Análise de obras de arte (gráficos, pintura, escultura, arquitetura)

Diretrizes metódicas para classes de seminários para estudantes de dia e formas ausentes de treinamento na disciplina "Cultura Mundial e Arte" para os alunos da especialidade

230500 "serviço sociocultural e turismo"

Compilado por v.l. Verdadeiro, aprovado na reunião do Protocolo do Departamento nº 8 datado 05.04.01

Uma cópia eletrônica está na biblioteca do edifício principal Kuzgtu

Kemerovo 2001.

Explicações metódicas

O curso "Cultura Mundial e Arte" atenção especial é dada à pintura, gráficos, escultura e arquitetura. É através deles que as características dos estilos em várias épocas são mais brilhantes. Compreender a estética da era, seu conteúdo artístico é revelado através da compreensão de monumentos de arte, compreendendo suas características, sua beleza e imagens.

A técnica oferece um breve algoritmo, uma sequência de análise aproximada de obras gráficas, telas pitorescas, arquitetura e esculturas.

Com todos os esquemas inevitáveis \u200b\u200be limitar o laconismo, ajudará os alunos a avaliar de forma independente as vantagens dos monumentos culturais. Ele introduz em um círculo de terminologia histórica de arte.

Avaliar obras de arte - Não é apenas listar todos os elementos de sua expressividade, é necessário conectar o sentimento, para entrar em contato emocional com uma maneira artística.

A sequência de análise é aproximada. Pode ser alterado. Os esquemas propostos exigem uma abordagem criativa. Eles são apenas material auxiliar para a preparação de uma história emocional animada sobre uma determinada trabalho de arte.

Análise da obra de arte gráfica

Elementos de expressões		Notas
situação
1. Definição.	O tipo de gráfico considerado é determinado.	Muitas vezes no título de gra-
tipos de gráficos	obras: desenho ou variedade de gráfico impresso	trabalho físico
	fiki (Woodography, gravuras de cobre, gravura, litografia e	denota o tipo de gráfico
	etc.) Isso permite avaliar os recursos do	ki: "Figura
	mantendo: a natureza da linha (é diferente em vários tipos	"Oth", "litografia"
	gravuras), iluminação (pode ser mais ou menos
	bandeja, dependendo da técnica), etc.
2. Análise do	A análise da composição é uma avaliação do		"Compositio"
	construindo uma ideia de desenho, em forma de plástico: por que	(lat.) significa compilação
	isto é, em tal escala, vira, de tal ponto	obrigatório.
	visão retratou uma figura de artista, grupo de pessoas,
	meta, etc.
3. Análise da tecnologia
		é um
	imagem: mancha (desenho de tom), código de barras (código de barras	técnico
	sunong). Linha (padrão linear). Ou usado	gráfico
		dénia. Aqui
		descrever
		caligrafia vidal.

3. Análise da tecnologia	A análise do padrão de equipamento deve determinar qual
	são as ferramentas gráficas são usadas para criar.	é um
	imagem: ponto (figura tonal), código de barras	técnico
	foto). Linha (padrão linear). Ou usado	gráfico
	todas as três recepções gráficas. Ao mesmo tempo, também é estimado
	picture Mane: Perto de Acadêmico, Detalhado,	descrever
	naturalista, ou livre, generalizada, aguda.	vidal.
	Toda a tarefa é selecionar correspondentes precisas
	a maneira de execução de definições e epítetos.
	Na análise de caracteres da linha concentra-se a avaliação	Para avaliar as características
	trabalho gráfico artístico. A imagem de.	linhas RA precisam escolher
	dado à linha (derrame, mancha), sua expressividade,		definições.
	sua graça, ritmo. Sentir a natureza da linha, ela	Por exemplo: elegante, lo
	dianess com o caminho, transferi-lo com palavras, faça a cabeça	manany, nervoso, áspero
	trabalhar na análise do trabalho gráfico. Seguir	taya, etc.
	soprando também para prestar atenção ao ritmo das linhas. (Veja ritmo em
	composições, p. cinco).

Análise da pitoresca obra de arte

Expor					Notas
1. Definição.	Inicialmente, é necessário resolver a questão de				Determinação do gênero
	quem dos gêneros existentes na pintura se aplica				dirá uma parte importante
	pictórico analisado	composição		arte	: O que exatamente
	(histórico, mitológico, casa, batalha				ron de assunto e espírito
	retrato, paisagem, vida ainda). Ao analisar o retrato				assuntos mundiais
	use técnicas de análise de busto (p. 8 deste método
	A análise do enredo requer a capacidade de entender o conteúdo e				Muitas vezes tramam pinturas
	o significado dos eventos retratados pelo artista. Essencialmente				revela o seu próprio
	esmustry Pintura: Pintura Livre.
	Estima-se em tais termos como estresse,
	namics, harmonia, contraste,		e requer especial
	técnicas de análise. Pintura sem freia constrói sua
	imagem exclusivamente
	seus ritmos, como nos principais elementos da expressividade
	linguagem pitoresca. Um exemplo de uma pintura livre
	c é abstracionismo, suprematismo.

	A divulgação da imagem artística é a avaliação de
	expulsão, autenticidade, poder na reflexão
	tema do artista noah. Então, muitos artistas são
	foram ao tema da natureza despertando, mas raro
	tera levantou-se a tal altura como Savrasov em
	raízes do tema da mola ("Graci voaram").
4. Análise do	A composição na pintura é analisada da mesma forma que	Disse, claro, não
	no gráfico (veja p. 2). A composição afeta ativamente	escape		tudo essencial
	a aceitação das obras.		princípios de
	Então, a composição pode ser enfatizada pela teatral	a estrutura da composição, mas
	noah, construído no princípio do palco. Pode ser	parece ser permitido
	faça uma sensação de chance. Analisando Com-	trilho em sua avaliação.
	posição, pode-se concluir que é harmonioso
	estrutura, equilíbrio de todas as partes ou aguda
	dinâmica.
	Se a composição é formada por hetero horizontal			sabe sobre psicofos
na composição.	talny ou linhas ligeiramente inclinadas, criadas	lógico		impacto
	a impressão de paz ou movimento medido. Combinado	verticais		horizontal.
	Ângulos verticais lentos ou linhas arredondadas	Predominância horizontal
	dá ao dinamismo do diagrama composto. Diagona.	acalma ou até mesmo
	construção de malning ajuda a sentir melhor a velocidade	despertar		melancólico
	native, movimento. O pintor geralmente usa	piso do céu, suprime. Vertical
	construção circular que permite	cali Ativo, Instill
	cumpre em uma determinada ordem um grande número	timismo, alegria
	de pessoas. É necessário pegar o ritmo da composição, vê-lo	estamos em alegria, levantamento.
	esquema fundamental.

	A cor é uma "alma" de pintura, requer especialmente
Colorite - organizado	análise ponderada e detalhada.
	Ao analisar o sistema de cores é determinado qual	Sistema local.
zoom de cor	o sistema de cores sublinha o sistema de cores	rita é historicamente mais cedo
	dentes: sabor local ou tonal. No local	nya. Amplamente utilizado dentro
	colorista Gamme cor separada das condições de	pintura decorativa.
	não há jogo de sombras. Sabor tonal.
	acontece a relação de cor complexa, suas tonalidades; por-
	dependência da iluminação, distância, sombras,
Colorístico	Ao analisar o gama colorido é estimado	Atenção deve ser paga
	habilidade do artista na seleção de cores, a habilidade	no ritmo de manchas de cor.
	leve-lhes sombras. O artista não acabou de dar o assunto		artista
	você cor, ele constrói uma composição de cor, onde	destaque um ou outro
	dominância certas cores e suas tonalidades. Então,	guru, rosto, etc.
	destinado sobre Grey-Grey-Green, Phiolet - Sirenovo
	- rosa e assim por diante. Colorista gamme.
	As cores podem excitar e acalmar, incomodar
Humor	e pacificar. Alocar quente (vermelho, laranja
	novo, dourado e suas tonalidades) e frio (roxo
cor dada	, azul, verde e suas tonalidades) Gama de cores. Aqueles-	a cor está ativa na foto que ele
	as cores são ativas, animadas, divertidas, mas podem	vem para frente
	incomodar. Frio - acalmar, pacificar,	educação. Resfriado
	Às vezes você está triste. Atrás do padrão de decisão de cores	retiros de cor, entra em
	outro humor que o artista é	profundidade. Hábil
	dá cor. Tente pegar e transferi-lo para	quente e frio

	a estrutura durante a análise do padrão de construção de cor. Cor		artista de tons constrói
	atinge sua expressividade quando ele é orgânico		perspectiva nocalina.
	abaixado e sua intensidade corresponde a intensiva
	sentimentos humanos.
6.Technics mancha	O caráter do esfregaço pode fazer um adicional		Manchas podem ser
	desenvolvimento vai adicionar pinturas art		glamoroso, opaco - passe
	fekes. O artista pode mascarar, dividir		tosna e líquido - lesido-
	"Masonry" mancha, e talvez pelo contrário, exponha			Passo de trabalho
	tinta com coágulos de cores separados,		manchas faz a textura de
	cumes. A análise da máquina de esfregaço permite identificar		web natural
	limpe a expressão de uma imagem pitoresca.		viva, em relevo.
7.Creak.	Para analisar certos elementos expressivos		Abertura comum
design geral	a pintura não deve ser perdida mais importante, para o que				mais recentes
artista	os pathos analíticos são enviados:	divulgação do plano			figurativo
	artista. Entendendo o clima	solicitou isso	pinturas de construção.
	tome um pincel.
	O desenvolvimento da pintura europeia prosseguiu
	võlo, como parte de um determinado estilo ou direção.
	Estilos Mudança testemunhada sobre a mudança de arte
	princípios, critérios, gostos. O mais brilhante na UE
	a pintura do ropai manifestou tais estilos como
	classicismo, barroco, romantismo, realismo, etc. Lei-
	a análise será dada uma avaliação da imagem do ponto de vista
	estilos

Análise da escultura

	Composto		Observação
	1. Definição.	A tarefa de determinar o tipo de escultura (redonda		- escultura sobre
	tipos de escultura	estátua-escultura, Busto, Grupo Escultural: Trilho	plano. Estátua, Busto,
		ef - baixo-relevo, queimador) não é qualquer	grupo de esculturas -
		complexo. No entanto, um ou outro tipo de escultura	vidniy.		escultura
		buet uma abordagem diferente. A análise da estátua será diferente
		da análise do busto, grupo escultural, etc.
		Ao analisar a estátua, primeiro de tudo é estimado			saturado
		expressividade de plásticos, seu significado e emoção
		saturação. Um elemento importante expresso	deve ser pago para
		o pedestal é um pedestal, harmonioso	atenção quaisquer detalhes:
		sua combinação com uma estátua. Roupas podem	o que mantém o que repousa
		enfatizar a monumentalidade da imagem ou diram	estátua, etc.
		mente de seus plásticos. Deve se concentrar
		também na face da estátua (ver busto).

	As técnicas de análise de busto são baseadas em
	lisa do retrato em geral, isto é. Visando identificar
	psicologia de caracteres internos expressa em
	rosto de plástico, facialmente. Deve pagar
	atenção generalizada ou agudamente individual
	distribuição da imagem, a natureza da modelagem dos recursos
	ca: claro, detalhado, fraco ou suave, seu
Escultura	Avaliação da expressividade do grupo escultural	Exemplos de escultor de sucesso
	associado à análise de integridade da imagem plástica,	grupo de tourna é bastante
	compilado de várias figuras. Se é impossível	lo, mas para eles, sem dúvida
	mas separe uma figura de outra sem interromper	pode ser atribuído "trabalhador e
	unidade de plástico - significa um exemplo	kolkhoznitsy "Mukhina", torta
	fez com sucesso o grupo escultural. Para	que "Michelangelo.
	isso é muitas vezes cada um dos personagens do escultor
	grupos "tocando sua festa", expressando à sua maneira
	sentimentos e sobrevivendo à situação.
	O alívio é muitas vezes semear, ele sugere uma história	Muitas vezes sob a forma do alívio de
	em um tópico específico. Ele é multifigurano. Análise disso	haest para ser feito e retrato.
	implica as características de caracteres individuais,	Recepções para analisar tais parentes
	pronunciado nas posturas, gestos. Alívio realizado dentro	eta é para o busto.
	estilo monumental, claro, mais saturado
	idéias e símbolos do que o enredo.

Nós olhamos para o mundo com nossos próprios olhos, mas vê-lo, artistas nos ensinaram. S. Moem.

Simbolismo e moderno na arte russa do início do século XX. Petrov-Vodkin Kuzma Sergeevich (1878-1939) "BANHO DO RED KONY"

Eventos de outubro de 1917. Os primeiros anos pós-revolucionários é a hora de nos tornarmos uma história e até mesmo uma lenda. Percebendo-se diferentemente do que nossos pais e avós, nos esforçamos para sentir e compreender a época, seus pathos e drama, mergulhando em sua arte, ignorando declarações categóricas de políticos.

Em um dos livros publicados em 1926 (shcherbakov n.m. arte da URSS. - Nova Rússia na arte. M., editora casa "Ahrr", 1926), um pensamento foi expresso: "... Em tais cristais - pintura , romance, estátua - monumento - não apenas uma sombra mortal, espelhada da vida, mas também parte da energia que mantém sua carga para aqueles que se aproxima há séculos

Kuzma Sergeyevich Petrov - Vodkin (1878 - 1939) Um representante da vanguarda russa, nasceu na cidade de Sharnsk da província de Saratov, na família de um sapateiro. Ele estudou há muito tempo em Samara, São Petersburgo, desde 1897 na Escola de Pintura, Escultura e Arquitetura de Moscou em A.e. Arquipova e V.a. Serov. Uma viagem para a Itália e a África do Norte, estudos da Escola de Ashbe em Munique e Estúdios Parisienses, conhecidos com a Arte Europeia expandiram significativamente os horizontes de arte de Petrov - Vodkina. O período inicial da criatividade do artista é marcado por uma orientação simbólica ("Sleep", 1910), em que a influência de Vrubel e Borisov - Musatov é adivinhada. Petrov - Vodkin ficou conhecido na Rússia em 1912, quando sua foto "banhar-se do cavalo vermelho" foi exibida na exposição "do mundo da arte", que atingiu o público para ser ousado originalidade. Este trabalho do artista marca uma linha importante em seu trabalho: o simbolismo de sua linguagem artística encontra uma expressão em forma de plástico nas tradições da pintura do ícone, para colorir - no sistema de três lados: vermelho, azul, amarelo. O artista busca descobrir no homem uma manifestação das leis eternas do dispositivo mundial, faça uma imagem concreta pela personificação da comunicação das forças cósmicas. Daí a monumentalidade de estilo e "perspectiva esférica", isto é. A percepção de qualquer fragmento de um ponto de vista cósmico e compreensão do espaço como "um dos principais contadores de histórias da imagem".

Natação cavalo vermelho.

Em uma longa enorme, quase um cavalo vermelho plano, que ocupa uma boa metade da superfície de toda a tela (e é grande: 160 x. 180 cm.), Sita Nagya, escrito por laranja - menino de pintura amarela. Uma mão ele mantém atrás do freio, o outro depende de um enorme cavalo vermelho correndo para frente, deliberadamente se voltando para nós, como se estivesse posando. O cavalo não se encaixa no quadro da imagem, descansa em sua borda. Olho febrilmente brilhos, as narinas estão tremendo, mas seu homem está se segurando. Não é um jovem gigante, mas um jovem frágil, adolescente facilmente senta-se facilmente em um cavalo, confiando na mão em croupa elástica, facilmente e controla livremente o cavalo, claramente destacando-se sobre um azul - um fundo verde do reservatório, no qual mais dois meninos estão envolvidos em um fundo verde.

Qual é o significado de uma imagem tão estranha? O fato de que a essência não está no enredo doméstico (a arte não é engajada no domicílio) cavalos de banho (pode ser visto a partir do nome - porque não há cavalos vermelhos), é claro: o significado da imagem é criptografado , deve ser capaz de lê-lo. Em uma das interpretações modernas, muito comum, o cavalo é percebido como um símbolo da Rússia, personificando sua beleza e força, está associada ao diagrama de bloco "estepe Kobylitsa, transportando para o salto em que o passado da Rússia se reuniu, e seu moderno, e que eterno, que permanecerá para sempre. Outra interpretação, ainda mais generalizada, expressa pelo historiador de arte D. Sarabyanov: "Este é um sonho de beleza, não todos os dias, e inesperado, a sensação de despertar, colecionar energia antes dos testes futuros, é uma premonição de grandes eventos, mudanças."

O conceito da imagem foi confirmado pelo próprio Petrov - Vodkin, que disse dois anos após sua criação, quando a guerra mundial começou, que "seu pensamento foi inesperado por ele - é por isso que escrevi" Banho do Red Konya "(Rusakov Yu.A. Petrov - Vodkin. Art., 1975.) Embora nos últimos anos ele já tenha levantado sobre isso, rejeitando disse, enfatizando a relutância em amarrar sua foto para qualquer evento histórico particular: "Quando a guerra eclodiu, nosso multiplicado Os historiadores da arte afirmaram: "O que significava" nadar um cavalo vermelho ", e quando a revolução aconteceu, nossos poetas escreveu:" Isso é o que o cavalo vermelho significa "- este é o feriado da revolução" (cidadão por: Mochalov LV Petrov - Vodkin - L., Aurora., 1971.) A incerteza da ideia do trabalho, a ambiguidade dos prisioneiros de premunições, na é a expressão verdadeira do estado da alma não apenas Petrov - Vodkina, mas em geral a intelligentsia das primeiras duas décadas do século XX. Experiências, aspirações, sonhos das pessoas como foram materializadas na imagem simbólica de um cavalo vermelho. Eles não são separados todos os dias e altos, enormes, eternamente, como um sonho extremo de um excelente futuro. Para expressar essa condição, levou uma linguagem artística especial.

A inovação de Petrov-Vodkina é baseada na missão da arte das épocas modernas e precedentes, principalmente a criatividade de impressionistas e matisse, e as tradições da antiga arte russa (lembre-se pelo menos o famoso ícone da escola Novgorod do século XV. . "Miracle George sobre Zmie"), que pertencente aos ricos meios da imagem eterna, a moralidade espiritual e limpa. Silhueta claramente delineada de objetos, superfícies pintadas localmente, rejeição das leis da perspectiva e da imagem dos volumes, o uso especial da cor - o famoso "três graus" Petrov-Vodkina está presente nesta fase para o artista a tela, identificando a originalidade de sua linguagem artística. Nos contos de fadas populares, há também uma imagem do piloto em um cavalo vermelho. A palavra "vermelho" em russo é generalizada: o vermelho é lindo, o que significa não apenas bonito, mas também gentil; Krasnaya - Maiden.

O apelo ativo do artista para as tradições da pintura do ícone não é acidental. Seus primeiros professores eram os pintores de ícone de seus puptansk nativos, localizados na costa alta Volga.

Tudo na foto é construído em contrastes. A cor vermelha soa alarmante, prêmios. E como um sonho, como uma distância da floresta - azul, e como um raio de sol é amarelo. As cores não enfrentam, não se opõem, mas harmonizar.

"O principal sinal da nova era planejou um movimento, dominando o espaço", argumentou o artista. Como transferi-lo? Como dominar o espaço na pintura? Petrov - Vodkin procurou transmitir a infinidade do mundo usando o chamado. "Perspectiva esférica". Ao contrário dos artistas lineares, onde o ponto de vista é fixado, a perspectiva esférica envolve a multiplicidade, a mobilidade dos pontos de vista, a capacidade de considerar o sujeito retratado de lados diferentes, permitindo que você transfira a dinâmica de ação, a variedade de ângulos de visão. A perspectiva esférica determinou o caráter da composição das pinturas da Petrova - Vodkina e determinou o ritmo da imagem. Os planos horizontais receberam arredondamento, como a superfície esférica da terra, a platistério.

Os eixos verticais são desviados em fãs, obliquamente e isso também traz para a sensação do espaço exterior.

Color Gamuts Petrova - Vodkina condicional: aviões de cor são locais, fechados. Mas, possuindo um senso de cor fino e congênito, o artista baseado em sua teoria da perspectiva da cor criou obras, um sistema emocionalmente figurativo, que exatamente e totalmente abriu o design ideológico, pinturas de Paphos.

A era revolucionária na Rússia Petrov-Vodkin leva com a sabedoria filosófica peculiar a ele. Ele escreve: "No caos de construção, todo desconfortável em contas pessoais ... Bata uma string: será uma ótima vida! Vida maravilhosa será! " (Citado por: Kamensky A. A. Instalação romântica. M., artista soviético. 1989)

Os temas favoritos da criatividade Petrova-Vodkin tornam-se, especialmente nos 20 anos pesados, os temas da maternidade e da infância, etc.:

"1918 em Petrograd" - "Petrograd Madonna"

Retrato de Anna Ahmatova.

Auto-retrato

Ainda vida com cinza azul

Ainda vida com um espelho

Ainda vida com letras

Ainda rosa ainda. Ramo da maçã

Manhã ainda-fígado

e grandes telas monumentais em que o resultado de entender o passado e a modernidade

"Morte do Comissário"

Após a morte do artista, seu trabalho foi cruzado da arte soviética e apenas na década de 1960, reabriu e conscientemente.

Literatura

1. emokhanova l.g. Arte do mundo. Tutorial. M., 1998.

2. Nós lemos e falamos sobre artistas russos. Tutorial em russo para estudantes - estrangeiros. Ed. Etc. Chilikina. M., 1989.

3. Parhomenko I.T. A história do mundo e da cultura doméstica. M., 2002.

4. Sokolova M.V. Cultura e arte do mundo. M., 2004.

5. Ostrovsky G. Histórias sobre pintura russa. M., 1989.

6. Rapatskaya l.a. Cultura artística russa. M., 1998.

A formação de realismo na música russa. Mikhail Ivanovich Gluinka (1804 - 1857)

Ópera "Vida para o rei"

"A música cria as pessoas e nós, compositores, apenas organizamos." MI. Glinka.

M.ilinka entrou na história da música como fundador dos clássicos da música nacional russa. Ele resumiu tudo de melhor que foi alcançado por compositores russos de períodos anteriores (Varlamov, Alyabyev, Varsta, Gurillev, Dubian, Kozlovsky, etc.), levantou a música russa para um novo passo e deu sua importância líder na cultura musical mundial.

Arte da M.E. Glinka, bem como o trabalho de A.S. Pushkin e outras figuras de sua época, nasceu por levantamento público na Rússia, que surgiu em conexão com a Guerra Patriótica de 1812 e o movimento de decembristas - 1825

M. D. Glinka tornou-se o primeiro clássico da música russa porque ele conseguiu expressar profundamente e abrangente idéias avançadas no trabalho apresentado por esta subida pública. Os principais são as idéias de patriotismo e nacionalidade. O conteúdo principal da criatividade de Glinka é uma imagem das pessoas, a personificação de seus pensamentos e sentimentos.

Para Glinka na música russa, as pessoas foram representadas apenas em sua vida diária: na vida cotidiana - seu descanso, divertido. Glinka pela primeira vez na música russa retratou pessoas como força ativa, incorporou a ideia de que eram as pessoas uma verdadeira transportadora do patriotismo.

Glinka primeiro criou imagens musicais completas de heróis das pessoas que vão ao feito por causa de seu país natal. Em tais imagens, como Ivan Susanin, Ruslan, et al., Glinka resume as melhores qualidades espirituais de todo o povo: amor pela pátria, valor, nobreza mental, limpeza e sacrifício.

Conduzidamente incorporar as características típicas mais significativas dos heróis e todo o povo, Glinka atinge um novo grau de realismo.

Em seu trabalho, Glinka depende de uma base de música popular: "cria a música do povo; E nós, artistas, apenas com seus arranjos. " Proximidade, relacionamento interior com criatividade popular é sentida em Glinka em todos os lugares: em episódios domésticos (como em outros compositores para Glinka), e em letras heróicas e em letras.

Glinka é pushkin na música. Pushkin A.S. Assim como Glinka, introduziu imagens populares, língua nacional na literatura russa.

Glinka possuía todas as conquistas da habilidade do compositor. Ele estudou a experiência de compositores estrangeiros - Baha, Handel, Mozart, Beethoven, Chopin, enquanto permaneceu profundo compositor russo.

Ópera "Vida para o rei" - a primeira na história da música a amostra do drama musical popular heróico. É baseado em um fato histórico - a façanha patriótica da vila camponesa de Domnino, perto de Kostroma, - Ivan Osipovich Susanin, perfeito no início de 1613, Moscou já foi libertado de interventiosos poloneses, mas as tropas dos invasores ainda estavam vagando a terra russa. Um desses destacamentos queria capturar Tsar Mikhail Fedorovich, que morava perto da aldeia de Domnino. Mas Susanin, a quem os inimigos queriam fazer seu condutor, fingindo coordenar, começou o esquadrão de pólo em uma floresta surda e os destruiu, morrendo ao mesmo tempo.

Gluinka em sua ópera incorporou a ideia da magnitude da façanha, realizada em nome da pátria e as pessoas. No coração do drama da ópera reside o conflito das duas forças - o povo russo e a gentry polonesa. Cada ação de ópera é uma das etapas da divulgação desse conflito, que é detectada não apenas no enredo da ópera, mas também em sua música. As características musicais de camponeses e pólos russos são opostos: para os russos são característicos das músicas - para as pólos dançando. Características opostas e socialmente - psicológicas: os invasores poloneses acompanha que descuidado, depois a música militante "polionizar" e "mazurki". Os russos são delineados por músicas calmas e corajosas do armazém camponês ou soldados do povo. A música polonesa "no final da ópera perde seu espírito de guerra, soa deprimido. Música russa, força cada vez mais folgada, é derramada em um poderoso hino "legal".

Os heróis da ópera dos ambientes camponeses russos - Susanin, Antonida (filha), Vanya (filho adotivo), guerreiro Sobinina. Eles são individuais e, ao mesmo tempo, personificam uma das partes a natureza de seu povo: Susanin - Grandeza sábia; Sobin - coragem; Antonida - Cordialidade. A integridade dos personagens tornam os heróis da ópera pela forma de realização dos ideais da pessoa humana.

2 - Ação de ópera - "Lei polonês" - "polonesa" e "mazurka" - danças tipicamente polonesas, caracterizadas pelo brilho de um caráter nacional. "Polonaise" soa orgulhosamente, paradam e militante. (Audição).

"Mazurka" é Brixurna, com uma melodia de andorinha. A música desenha um retrato de uma gentria polonesa, cobrindo uma ganância de glitter externo, arrogância, vaidade. (Audição).

E "polonais", e "mazurka" não aparecem como camponês, mas como dançando cavaleiro.

Glinka pela primeira vez deram muita importância dramática para dançar. O ato polaco dessa ópera Glinka marcou o início da música de balé russo.

"Aria Susanina" - (4ª ação), clímax dramático de toda a Ópera. Aqui, as principais características da aparência do herói na hora decisiva de sua vida são reveladas. Rechitativa introdutória - "a verdade das pessoas ..." Baseado em entonações lazer e confiante de um armazém de música. Aí mesmo "você subirá, meu amanhecer ..." Expressa meditação profunda, excitação e tristeza cordial e coragem. Susanin sacrifícios por causa dos detritos. E o amor por ela lhe dá força, ajuda com dignidade para transferir todo o sofrimento. A melodia da ARIA é simples e rigorosa, amplamente derretida. É cheio de calor da característica de entonação da música lírica russa. A Aria foi construída em 3-private forma: o primeiro caractere concentrado, contido; O segundo é mais agitado e expressivo; O terceiro é a repetição da primeira parte. (Audição).

Neste Aria, Glinka pela primeira vez com base nas informações da música das pessoas criou música, imbuída de tragédia genuína ", levantou músicas folclóricas para a tragédia." Nesta abordagem inovadora do compositor para a música folclórica.

Ópera coroada "agradável" engenhosa. Neste coro, a ideia de patriotismo e a grandeza da pátria é incorporada, e aqui obtém a expressão de forma mais completa, terminada e brilhante. A música é cheia de solenidade e força épica, que é característica do hino. A melodia é semelhante às cabeças dos Henichrs, jovens canções folclóricas.

Na música da final, a ideia foi expressa que a façanha de Susanin foi realizada por causa do povo e, portanto, imortal. Você cumpre a música dos três coros finais, duas orquestra (um - o forno, no palco) e sinos. (Audição).

Nesta ópera, Glinka manteve as características da visão de mundo romântica e incorporou as melhores características da música russa realista: Paixão poderosa, espírito rebelde, vôo livre de fantasia, força e brilho da cor musical, altos ideais da arte russa.

Literatura

1. Literatura musical russa. Ed. E. Frito. L., 1970.

2. Cannes - Novikova E. Little Tale sobre M.I. Glinka. M., 1987.

3. Livanova T.m. MI. Glinka. M., 1962.

4. remizov i.v. Glinka M.I. M., 1960.

Idéias Iluminárias em Literatura Estrangeira Jonathan Swift (1667 - 1745) "Journey Gullyer"

Nossa idade é digna de apenas sátira. J. Swift.

Nascido na época da iluminação As grandes obras de arte vivem o quarto século. Duma, paixão, os casos de pessoas desse tempo distante se aproximam das pessoas de outras épocas, capturam sua imaginação, incutam a fé na vida. Entre essas criações - o Opera Mozart "Wedding Figaro" com isso nunca é querido e não desistindo de qualquer circunstância um herói. Entre essas criações e Roman Daniel Defo "Robinson Kruzo Kruzo" e a pitoresca lona de William Hogart e Jean Batista Simeon Sharden e outros. Masters of the Era.

Se o viajante chegar à capital da Irlanda Dublin, ele está definitivamente levando a uma pequena casa, onde o reitor da Catedral de São Peter Jonathan Swift. Esta casa é um santuário para o povo irlandês. Swift - Inglês, mas nascido em Dublin, onde o pai do futuro escritor mudou-se em busca de ganhos.

A auto-vida de Swift começou no parque imobiliário inglês, onde, após o fim da Universidade de Dublin, ele recebeu a secretária do influente Velmazb Sir William Templ. O ex-templo do ministro, tendo renunciado, resolvido em sua propriedade e começou a se envolver em criatividade literária. Swift, que possuía um excelente talento escritor, foi apenas um encontro para templ, que era leal ao trabalho da jovem secretária.

Este serviço foi desenhado pela jovem secretária, mas ele a segurou em Moor-Park, a extensa biblioteca do templo e seu aluno jovem Esther Johnson, um apego suave a que Swift transportou através de uma vida.

STELA (chamado dela swift) seguiu seu amigo e professor para a vila irlandesa de Larar, onde ele foi atrás da morte do templo, para se tornar um sacerdote lá. Depois de muitos anos, Swift escreverá a estela em seu aniversário:

Amiga do coração! Você irá

Hoje é o trigésimo quinto ano.

Torceu seu ano,

No entanto, a idade não é problema.

Eu não vou esquecer, Stele, não,

Como você floresceu aos dezesseis anos de idade?

No entanto, top sobre beleza

Tire sua mente hoje.

Seja o que for para dividir os deuses

Presentes, como metade

Qualquer que seja a idade para sentimentos humanos

Revelou duas jovens ninfa

Então dividindo seu verão

Então essa beleza revelou?

Então fantasia do destino

Teria que terminar meu moluba,

Como compartilhar meu calor eterno,

De modo que é característico de dois.

Swift teve que sobreviver a Stele, e ele profundamente lamentando a morte de "o amigo mais fiel, decente e inestimável, que eu era ... abençoado".

Swift não pôde se limitar apenas pela humilde atividade do pastor. Durante a vida útil do templo, ele publicou seus primeiros poemas e panfletos, mas a apresentação da atividade literária do Swift pode ser considerada seu livro "conto de fadas do barril" - (Expressão folclórica inglesa que faz sentido: fala absurda, moer absurdo ), escrito para o cultivo geral da raça humana ".

Voltaire, depois de ler o conto de fadas do barril, disse: "A SVERCT garante que a reverência fosse cumprida ao Pai, embora ele tenha dirigido seus três filhos de centenas de ladinos, mas as pessoas incrédatas descobriram que os ladinos eram tão longos que machucassem."

O "conto de fadas do barril" trouxe muita fama em círculos literários e políticos de Londres. Sua peneira é apreciada ambos os partidos políticos: Vigi e Tori.

Swift primeiro apoiou a festa de Vogov, mas logo deixou-os devido a desacordo com sua política externa. Duke Malboro, chefe de Vigov, procurou continuar a guerra sangrenta com a França para o "legado espanhol". Esta guerra arruinou o país, mas Malboro rica em material militar. Swift começou a apoiar Tori e sua pena lutou contra a guerra.

Em 1713, o Tratado de Paz de Utrecht foi concluído, não sem impacto direto do escritor. Este contrato é mesmo chamado de "Swiffs World".

Agora, Swift tornou-se tão influente em círculos políticos, que acabou sendo inconveniente para deixá-lo um padre rústico.

Amigos assegurarão que ele será erguido pelo menos em San Bishop. Mas as igrejas de alto escalão não podiam perdoar o engenhoso satirik seu famoso "conto de fadas de barris". Depois de muitos anos, as oscilações da rainha fornecem o lugar do Dean (Abade) da Catedral de Dublin, que equivalia à referência honorária.

Por oito anos, o Swift quase não foi subenciado na Irlanda, em Dublin. E em 1726, no cinquenta e oitavo ano de vida, ele estava novamente no centro da luta política. Desta vez, ele desenhou seu talento para defender o povo irlandês.

A razão para os discursos do Swift na arena política serviram como um escândalo quebrado em torno do dinheiro irlandês. English Empreendedor Madeira, Minted Copper Dinheiro para a Irlanda, parte do cobre recebido do governo britânico, adicionado ao bolso. Irlandês recebeu um salário com xelins em que o cobre foi 10 vezes menos do que em moedas inglesas da mesma dignidade. Swift publicou uma série de panfletos chamada "cartas da Sukrocheka", na qual ele, alegadamente em nome do comerciante de Dublin, descreveu a pobreza aterrorizante da irlandesa e acusada deste governo inglês, que pelas mãos de madeira minou a economia. da Irlanda.

Panfletos Swift causaram uma revolta no primeiro-ministro da Dublin, a Inglaterra Lord Walpol ordenou a prender a rápida. Mas o reitor fechado e semeador da Catedral de Dublin tornou-se o favorito do povo irlandês. Um desapego especial foi criado para sua guarda, dia e noite ele estava de plantão perto da casa do Swift.

Como resultado, o primeiro-ministro Walpol recebeu uma resposta da Irlanda: "Para prender o rápido, você precisa de dez mil soldados". O caso que tive que depositar. Governador

Irlanda Lord Carteriet declarou: "Eu vou corretamente com a Irlanda com um hospital do médico da Swift"

Swift morreu em 1745 e foi enterrado na Catedral de Dublin. Em sua lápide, eles foram gravados pela inscrição compilada ":" O corpo de Jonathan Swift está descansando aqui, o reitor desta igreja catedral, e o ressentimento severo não está mais espalhando seu coração. Vá, viajante e imitar, se puder, um defensor teimoso da liberdade corajosa. " Swift foi distinguido por um sigilo extraordinário. Com particularmente misteriosidade, ele cercou a criação do trabalho principal de sua vida - o romance, que trabalhou com mais de seis anos de idade - "viagem para alguns países remotos de Lemuel Gullivier, primeiro cirurgião e depois capitão de vários navios". Mesmo a editora, que recebeu o manuscrito do romance da "pessoa desconhecida" em 1726, não sabia quem seu autor. Swift colocou o manuscrito no limiar de sua casa e ligou. Quando a editora abriu a porta, ele viu um manuscrito e um táxi removido. Swift imediatamente deixou Londres de volta a Dublin.

Todos nós lemos este livro fascinante na infância. Embora tenha sido escrito para adultos. Portanto, vamos tentar ler novamente e tentar penetrar no design do autor.

A composição do romance consiste em 4 partes. Cada uma das partes é uma história sobre um país fantástico. A história é realizada em nome do personagem principal - Gullivier, o navegador, a vontade do incidente caindo nesses países. Em outras palavras, como "Robinson Cruzo" é uma nova jornada. Vamos lembrar onde o romance começa.

Gulliver cai em Liliputia - o país, povoada por pequenos homens, é 12 vezes menor que uma pessoa normal.

Aprendemos que na liliputinha da monarquia e no chefe de estado há um imperador, a mesma pequena pessoa, como toda Liliputa, mas ele se chama "Otrada e o horror do universo". No Império "... cerca de setenta lua atrás, duas partes em guerra foram formadas, famosas chamadas Trembanes e Slearesten. Os primeiros são apoiadores de saltos altos, o segundo - baixo. ... Sua Majestade é um defensor de saltos baixos e decidiu que todos os funcionários de instituições governamentais e tribunais consumiram baixos saltos. " Vemos como "suas diferenças" são significativas.

Autoridades de alto escalão que se candidatam a um importante escritório competem na capacidade de pular na corda. Swift implica sob os exercícios a capacidade de intestamente os tinkers, ouvir em frente ao monarca.

A liliputia está em um estado de guerra com o estado vizinho Blefucci devido a como acabamentos. Muitos anos atrás, o herdeiro do trono cortou o dedo no café da manhã, quebrando o ovo de uma extremidade estúpida. "Então o imperador, seu pai, emitiu um decreto prescrevendo todos os seus assuntos, sob o medo de punição estrita, quebrar ovos de um fim afiado. Este decreto foi uma extensão da população, que ... foi a causa de seis revoltas ... Os monarcas Blefica assaram firmemente essas revoltas e estavam cobertas por seus participantes em suas posses. Há até onze mil fanáticos, que foram para a pena de morte, por se recusar a quebrar ovos de uma extremidade afiada "

Vemos como é absurdo a razão para essas guerras sangrentas. E Gulliver entende isso, mas ele pode influenciar os eventos da vida liliônio? Gulliver primeiro prisioneiro liliputs. Não tem resistência e está preocupado apenas a não prejudicar essas pequenas criaturas. Então ele recebeu liberdade muito limitada, assinando nove pontos de obrigações e imediatamente forneceu as regras da Liliputia um serviço inestimável capturando a frota inimiga. Devido a isso, foi concluído um tratado de paz em condições favoráveis \u200b\u200bpara a liliputia.

Como o imperador foi para o Gulliversa para este e outros serviços prestados a eles?

De acordo com Holvers, Gulliver foi acusado de traição do estado e condenada à morte, mas depois o imperador "de acordo com sua bondade peculiar a ele, decidiu poupar sua vida e seria capaz de seu mandamento para chicotear os dois olhos", e depois se preocupar ele fome.

Então o imperador e seus lacaios reunidos para o Gullivar por sua ênfase, gentileza e ajuda.

Gulliver não alivia mais à misericórdia do imperador e corre em Fuus, de lá, construindo um barco, vá para casa.

Então terminou a primeira jornada de Gullivier.

O que é fantástico no país de Liliputia? Pequenos tamanhos de residentes deste país e tudo o rodeia? Em comparação com o crescimento humano normal do Gulliver mais liliputs exatamente 12 vezes, portanto, parece ser uma criatura fantástica. No resto da lilitution - o país é bastante real.

Obviamente, a Liliputia se assemelha à moderna Inglaterra rápida, com suas duas festas em guerra, com intrigas nos bastidores, com uma divisão religiosa, não vale a pena ovos, mas assim, de pé na vida de milhares de pessoas.

Descobrimos que também conhecemos os vizinhos do inimigo - a Inglaterra e a França, apenas o Swift mudaram uma posição geográfica: ele tem liliputia continental, e Blefica é a ilha.

Qual é o significado de um tamanho decrescente fantástico? Por que o Swift precisava de Liliputia se quisesse descrever a Inglaterra?

Swift retrata todas as ordens e eventos da vida liliétrica para que este país, onde a Inglaterra é visível, parece muito engraçada. Transformando sua pátria para Liliputia e forçando-nos a acreditar em sua realidade, o Swift coloca moral inglês, política, religião ao ridículo pouco satírico.

Em outras palavras, a Lililiputia é uma moderna Inglaterra burguesa com um sistema social que o Swift nega o artista e abriu pelo artista e aberto pelo artista.

Mostrando que a sociedade inglesa moderna não é ideal, Swift envia seu herói para outros "países distantes do mundo". Pelo que? Em busca desse ideal.

A espada encontrou a estrutura social perfeita em que as pessoas seriam livres, são iguais e teriam experimentado uma sensação de fraternidade entre si?

Para responder a esta pergunta, lemos um fragmento da segunda parte do romance: "Vendo-me, um bebê ... criado ... um grito, ... ele me levou para um brinquedo. A anfitriã, guiada pelo sentimento de ternura materna, me levou e colocou na frente da criança. Ele imediatamente pegou minha cintura e colocou minha cabeça na minha boca. Eu gritei tão desesperadamente que a criança me deixou de medo. Felizmente, a anfitriã conseguiu substituí-la avental. Caso contrário, eu certamente cairia à morte "

Este fragmento da segunda parte do romance "Journey to Bobdingneg" Gulliver foi o papel de Liliput em relação aos habitantes deste país, que era a causa de situações curiosas.

Por exemplo, uma história com dois ratos, da qual Gulliver era defendido masculino, voando seu cortic.

Lembre-se do episódio com um sapo, quase não afundei um navio galoteroso com uma vela. E uma história muito dramática com um macaco, que quase à morte sofreu um pobre gullover, levando-o para um jovem.

Todos esses episódios são muito engraçados para gigantes e para os leitores. Mas o próprio Gulliver foi exposto ao perigo real.

Como o Gulliver se manifesta nessas situações engraçadas, humilhantes e perigosas?

Ele não perde a presença do Espírito, nobreza, auto-estima e curiosidade do viajante. Por exemplo, matando um rato, que um minuto atrás poderia confundi-lo, Gulliver Dobulito mede sua cauda e informa o leitor de que o comprimento da cauda era igual a dois metros sem uma polegada.

A posição humilhante de um pequeno brinquedo não tornou Gullyer nem covarde nem mal. No resto da anã real, ele invariavelmente corresponde à generosidade e intercessão. Embora o anão colocou no osso uma vez, e outro tempo quase se afogou em uma tigela com creme.

O que o Gulliver faz nos países gigantes? Ele estuda o BobdingNew para poder conversar com o bem e inteligente rei do Bobdingneg.

O que o rei e a Gulliver estão falando?

O rei pede Gullover sobre o dispositivo de estado inglês, que Gulliver fala muito detalhado. Seu relatório ao rei levou cinco audiências.

Por que o rei com esse interesse escutando as histórias do Gullyer? O próprio rei respondeu a essa pergunta. Ele disse: "Embora os caminhões estatais sempre mantenham os costumes de seu país com força, mas ficaria feliz em encontrar algo digno imitação em outros estados"

E o que a "imitação digna" sugeriu o rei do Gulliver? Ele disse em detalhes que ações devastadoras são renderizadas às armas recheadas com pólvora. Ao mesmo tempo, o Gulliver gentilmente se ofereceu para fazer pólvora. O rei veio aterrorizado por tal sentença. Foi profundamente desatualizado por cenas terríveis de sangue causado pela ação desses carros destrutivos. "Para inventá-los, disse o rei, ele só podia algum tipo de gênio maligno, o inimigo da raça humana. Nada dá a ele esse prazer, ele disse o rei como descobertas científicas, mas preferiria concordar em perder metade do reino do que ser dedicado ao segredo de uma invenção semelhante "Então, vemos que o rei dos gigantes no estado inglês Dispositivo, ou na política e o método de fazer guerras não encontrou nada de imitação digna. O rei do Bobdingnega argumenta que "... para uma boa gestão do governo, apenas o senso comum, a justiça e a bondade são necessários. Ele acredita que alguém que, em vez de uma única haste de pasto ou uma grama, será capaz de crescer dois no mesmo campo, dará a humanidade e sua pátria um grande serviço do que todos os políticos juntos ".

Este é um monarca iluminado, e seu estado é uma monarquia iluminada. É possível considerar este estado ideal, como o tipo de iluminadores sonhava? Claro que não! Os residentes deste país impulsionam Korestolobiy, sede de lucro. O fazendeiro trouxe Gullivier à exaustão, ganhando dinheiro nele. Vendo que o Gulliver está doente e pode morrer, o fazendeiro o vendeu na rainha para mil zlotys.

Nas ruas da capital Gulliver viu mendigos. Foi assim que ele fala sobre isso: "Foi uma visão terrível. Entre os mendigos havia uma mulher com tais feridas no peito que eu poderia entrar neles e esconder lá como na caverna. O outro mendigo no pescoço pendurou a grandeza de cinco fardos de lã. O terceiro estava na altura das pernas de madeira de vinte pés (pé - 30,4 cm) cada. Mas o desaparecimento de todos os eram vershi, subiu por suas roupas "

Como vemos, a sociedade da sociedade gigante não é entregue de úlceras sociais, apesar do fato de que à frente deste país há um rei-cientista, um rei de filósofo, cuidando de seus sujeitos, mas a sociedade da sociedade é dinheiro, uma paixão pelo lucro. Portanto, uma parte da sociedade é incorreta, e a outra é dobrada.

Swift mostrou que a monarquia esclarecida não é capaz de fornecer sua cidadania de liberdade, igualdade e fraternidade, se o poder de dinheiro sobre as pessoas é preservado nesse estado e, portanto, a pobreza, a desigualdade.

Mas o autor não perde a esperança. Talvez em outro lugar há outros países arranjados de forma mais justa. As pesquisas não estão acabadas. E o Gulliver, milagrosamente libertou e retornou à sua terra natal, não perderam paixão por viajar.

"Nós estrelamos de âncora em 5 de agosto de 1706 ..." Então a terceira jornada de Gullivier começou - "viajando para Laputa"

Gulliver cai em uma ilha voadora. Quem ele viu lá?

"Eu nunca tive que ver os mortais que teriam causado uma surpresa com sua figura, roupas e expressão do rosto. Todas as cabeças foram chanfadas para a direita e esquerda: um olho secado dentro, e o outro olhou para cima. Sua Outerwear foi decorada com as imagens do sol, a lua, as estrelas à frente com as imagens de violino, flauta, harpa, tubos, guitarras, chaves "

Quais são os estranhos habitantes da ilha?

Os laputianos estão envolvidos nas ciências e arte mais distraídos, ou seja, matemática, astronomia e música. Eles estão tão imersos em seus pensamentos que não percebem nada. Portanto, eles são sempre acompanhados por servos, que, como necessário, tocam os senhores, depois nos olhos, depois nas orelhas enormes bolhas, ar inflado, incentivando-os a ouvir, falar, falar.

Na capital há uma academia de projetos, onde estão envolvidos em uma pesquisa científica bastante estranha. Um cientistas minou os raios ensolarados de pepinos. Outro surgiu com uma nova maneira de construir edifícios - do telhado. O terceiro traz a raça de ovelhas nuas. "Grandes" descobertas "semelhantes, toda essa atividade científica não pretende melhorar a vida das pessoas. A economia do país é solta. As pessoas estão morrendo de fome, vão em trapos, suas habitações são destruídas, e não há razão para a elite científica.

Qual é a relação do rei Laputhe e seus sujeitos que vivem na terra?

Nas mãos deste monarca, uma terrível máquina de punição é uma ilha voadora, com a ajuda de que ele mantém em submissão a todo o país.

Se em alguma cidade se recusar a pagar impostos, o rei pára de sua ilha sobre eles, amortecendo as pessoas do sol e da chuva, cai sobre eles pedras. Se eles persistirem em sua irregularidade, a ilha sobre as ordens do rei é abaixada à direita nas cabeças de recalcitrantes e achatá-las juntas com as casas.

Isto é o que o poder destrutivo pode ter a realização da ciência quando está nas mãos dos governantes desumanos. A ciência neste país é antigumã, é dirigida contra as pessoas.

Três países se passaram diante dos olhos do Gullivier viajante, em que havia um tipo de governo - monarquia.

Os leitores juntamente com o Gulliver chegaram à conclusão de que qualquer monarquia é má. Por quê?

Nós podemos discutir isso. Até mesmo o rei esclarecido dos gigantes não pode criar condições econômicas e sociais ideais para a vida das pessoas. A monarquia na pior versão, quando um poder ilimitado tem um despovo malvado, indiferente aos interesses do povo, é o maior mal para a humanidade.

Na quarta parte, o Gulliver cai no país do Guiganm. Os habitantes deste país são um cavalo, mas, de acordo com Gullivier, pessoas excelentes excedentes e morais qualidades. Guiganns não conhecem esses vícios como falso, decepção, inveja e ganância. Existem até palavras em sua linguagem para designar esses conceitos. Eles não brigam juntos e não estão lutando. Eles não têm arma. Eles são gentis e nobres, mais do que todos apreciam amizade. Sua sociedade é construída em um princípio razoável, e a atividade é destinada a o benefício de todos os seus membros. O sistema estadual deste país é uma república. A forma de poder é aconselhamento.

"A cada quatro anos em um equinócio da primavera ... O Conselho de Representantes de toda a nação ocorre. ... Este conselho discute a situação de vários distritos: se eles são suficientemente decorados com feno, aveia, vacas e ex. Se algo está faltando em um dos distritos, o Conselho entrega todo o necessário de outros distritos ali. Resoluções sobre isso são sempre aceitos por unanimidade "

Gulliversa Este país parecia perfeito. Mas é ideal do nosso ponto de vista?

Guigangnam não tem escrita e, consequentemente, literatura. Eles não desenvolvem nenhuma ciência, nenhuma técnica, isto é. Eles não buscam progresso do público. Sua pronta racionalidade ainda não é uma comparação com uma mente humana inquisitiva, tentando infinitamente conhecer o novo.

"A principal regra da vida é para eles em completa submissão de seu comportamento pela liderança da mente", mas praticamente exclui quaisquer sentimentos. Mesmo para a morte de seus entes queridos, eles são "razoáveis", isto é, indiferente. É apropriado lembrar o episódio com uma égua que estava atrasada para os convidados por causa da morte súbita do marido. Ela pediu desculpas por estar atrasado, e toda a noite era tão calmo e divertido, como outros convidados.

Gullywer Bom Guigannm ainda é expulso de seu país, decidindo que não é razoável manter uma criatura tão duvidosa em sua sociedade. E se ele trazê-los algum dano!

Gulliver retorna à sua terra natal, onde agora passa a maior parte do tempo no estábulo. Viagens são concluídas. Você pode e retiram os resultados. Depois do seu herói em vários países, é o rápido encontrar uma estrutura social perfeita?

Não. Swift não encontra um ideal positivo na moderna sociedade bourgeois inglesa (Liliputia), nem na monarquia esclarecida de gigantes, nem na ilha voadora de cientistas. E a República Virtuosa do Guiganm parece ser a utopia, não é por acaso que esta ainda é uma sociedade de cavalos, não as pessoas. Qual é o principal poder do romance do Swift?

A força de seu romance em ridicularização satírica de formas injustas de existência pública é na parte da quarta nova criaturas incomuns, desempenhando um grande papel na narração. Quem é ex? Qual é o significado de sua aparência no romance?

EXE - animais selvagens sujos e feios, em abundante habitando o país de Guingnmm. Com sua aparência, eles se assemelham muito a uma pessoa. Com uma revisão próxima, o Gulliver também viu essa semelhança e ficou horrorizada. Mas é a aparência externa de ex gosta das pessoas?

Um cavalo cinza depois de tais conversas com o Gulliver chegou à conclusão de que existem muitas semelhanças com os costumes do ex na alfândega e nas encreses dos povos europeus. "... As razões para a discórdia entre este gado são as mesmas que as causas da discórdia entre os seus tribos. De fato, se você der cinco Echu Stern, que teria o suficiente para cinquenta, então eles, em vez de começar silenciosamente a comer, ficou a luta. Todo mundo tenta capturar tudo por si mesmos "muitas vezes em uma luta que aplicam feridas pesadas com garras e dentes. O ex está lutando não apenas por causa do feed, mas também por causa de jóias - seixos brilhantes multicoloridos, que eles se escondem. Existem outras semelhanças com as pessoas. Por exemplo, eles suam a raiz, agindo neles como nos europeus bebidas alcoólicas e drogas. Na maioria dos estudos, há governantes que diferem particularmente o temperamento do mal e, portanto, mantêm todo o rebanho em obediência. Eles cercam-se dos favoritos opostos, a quem todos os outros odeiam. Cavalo cinza serra em

esta é uma grande semelhança com os monarcas europeus e seus ministros de onde esses animais vilam apareceram no país de GuiganMov? De acordo com a lenda, o par de EX VILE chegou a este país por causa do mar. Eles se multiplicaram, selvagens e seus descendentes perderam completamente a mente. Em outras palavras, ex é as pessoas delegadas que perderam sua cultura e civilização, mas preservaram todos os sabores da sociedade humana.

Swift aqui hesita com um defo e seu caminho de burgueses perfeitos e razoáveis, já que a história do ex é anti-corrosionda. Na quarta parte de Satira, Swift chegou ao seu apogeu. Engraçado se torna assustador. Swift pintou a imagem da degeneração da sociedade humana vivendo de acordo com as leis do ex.

A quarta parte é a conclusão final, o resultado dessa jornada filosófica. Até agora, a humanidade move a sede de lucro, poder e prazeres corporais, a sociedade não será construída sob as leis da mente. Além disso, irá ao longo do caminho da degradação e da destruição. Swift consistentemente e logicamente irrita a ideologia educacional e burguesa, indo de particular a um comum, de um determinado país para uma generalização perpétua.

Satiri brilhante estava muito à frente de sua era. Qual é a modernidade do som do romance? Não foi a relevância do aviso do rápido?

Se a ganância, o engano, o poder de dinheiro e coisas, embriaguez, vício em drogas, chantagem, servindo, ambição exorbitante e ambições, não implementadas no passado e que não podem ser implementadas nos presentes, provocações e desinfetação de desinfetação, tornando-se terrível , guerras sangrentas, eles reinarão sobre a humanidade, então as pessoas arriscarem o contato ex. E nenhuma civilização e alto nível de progresso científico e tecnológico irão salvá-los com isso. Assustador se a cultura estiver irremediavelmente por trás da civilização! As pessoas mudam de roupa e os vícios compraram uma espécie civilizada permanecem.

Perguntas que valem a pena analisar o trabalho pitoresco
Para abstrair a percepção de plotagem, lembre-se de que a imagem não é uma janela para o mundo, e o avião no qual a ilusão de espaço pode ser criada por meios pitorescos. Portanto, primeiro analise os parâmetros básicos do trabalho:

1) Qual é o tamanho da imagem (monumental, máquina, miniatura?

2) Qual é o formato de imagem: um retângulo esticado horizontalmente ou vertical (possivelmente com uma extremidade arredondada), um quadrado, um círculo (Tido), oval?

3) Em que técnica (temperatura, óleo, aquarela, etc.) e em que base (madeira, lona, \u200b\u200betc.) é a imagem?

4) De que distância é melhor percebido?

I. Análise de Imagem.

4. Existe um enredo na foto? O que é representado? Em qual ambiente são os personagens retratados, itens?

5. Com base na análise da imagem, você pode concluir sobre o gênero. Qual gênero: retrato, paisagem, ainda vida, nu, família, mitológico, religioso, histórico, animalista, - pertence à foto?

6. Como você pensa, qual tarefa o artista é desencistada - bem? expressivo? Qual é o grau de convenção ou naturalismo da imagem? A condicionalidade é a idealização ou distorção expressiva? Por via de regra, a composição da composição da pintura está associada ao gênero.

7) Quais componentes compõem a composição? Qual é a proporção de um objeto da imagem e fundo / espaço no padrão da foto?

8) Quão perto do plano de imagem são os objetos da imagem são colocados?

9) O que um ângulo de visão escolheu um artista - de cima, a partir de baixo, a curto com os objetos retratados?

10) Como é a posição do espectador determinado - está envolvida na interação com a imagem mostrada na imagem, ou recebe o papel de um contemplador suspenso?
11) É possível chamar a composição equilibrada, estática ou dinâmica? Se houver um movimento, como é direcionado?

12) Como é construído o espaço de imagem (plano, vagamente, a camada espacial é silenciosa, um espaço profundo é criado)? Devido ao que é alcançado pela ilusão de profundidade espacial (a diferença no tamanho dos números retratados, o show do volume de objetos ou arquitetura, usando gradações de cores)? A composição é desenvolvida por meio de desenho.

13) Tanto quanto expressa no início linear da pintura?

14) contornos sublinhados ou scratzen, excluindo itens individuais? Que meios é esse efeito alcançado?

15) Em que medida o volume de objetos expressos? Quais técnicas são criadas pela ilusão de volume?

16) Qual o papel da luz na foto? O que é (suave, neutro; contraste, empurrando o volume; místico). A fonte / direção da luz lida?

17) As silhuetas das figuras retratadas são lidas? Como expressivos são valiosos em si mesmos?

18) Como a imagem detalhada (ou é generalizada)?

19) A variedade de texturas de superfícies retratadas (couro, tecido, metal, etc.) são transmitidas? Coloração.

20) Qual o papel desempenha a cor do sabor (subordinado à figura e volume ou vice-versa subjugue seu desenho e constrói a composição).

21) é a cor apenas um volume de pintura ou algo grande? É opticamente confiável ou expressivo?

22) As cores locais prevalecem na imagem ou sabor tonal?

23) Os limites dos pontos de cor são distinguíveis? Eles combinam com as bordas dos volumes e objetos?

24) O artista opera em grandes massas de cor ou pequenos manchas-manchas?

25) Como são as cores quentes e frias escritas, o artista usa a combinação de cores adicionais? Porquê ele fez isso? Como os lugares mais iluminados e escondosos são transmitidos?

26) Há reflexos, reflexos? Como estão as sombras (surdas ou transparentes, são coloridas)?

27) É possível destacar as razões rítmicas no uso de qualquer cor ou combinação de tons, é possível traçar o desenvolvimento de qualquer cor? Existe uma cor dominante / combinação de cores?

28) Qual é a textura de uma superfície pitoresca - suave ou pastorosa? Os traços individuais são distinguíveis? Em caso afirmativo, o que eles são pequenos ou longos, líquidos, grossos ou quase secos tinta aplicados?

06.08.2013

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