A arte está constantemente desenvolvendo, assim como o mundo inteiro ao nosso redor. Artistas modernos do século XXI e suas pinturas não são semelhantes a aqueles que existiam na Idade Média, a época do Renascimento. Novos nomes, materiais, gêneros, métodos de expressões de talentos aparecem. Nesta classificação, nos familiarizaremos com dez artistas-inovadores do nosso tempo.

10. Pedro Campos.No décimo lugar, o espanhol, cujo pincel pode facilmente sair da câmera, tão realista em tela que ele escreve. Na maior parte, ele cria ainda vida, mas em admiração surpreendente conduz não tanto o tema de suas pinturas como o workshop é encarnação. Texturas, brilho, profundidade, perspectiva, volume, - todo este Pedro Campos subordinados ao seu pincel para que a partir da tela no espectador assistisse a realidade, e não ficção. Sem embelezamento, sem romantismo, apenas a realidade, este é o significado do gênero do fotorrealismo. O artista, a propósito, adquiriu sua atenção aos detalhes e scrupulsess.

9. Richard Estes.Outro fã do gênero do photoalismo - Richard Estes - começou com a pintura ordinária, mas depois entrou no desenho de paisagens urbanas. Os artistas de hoje e suas criações não precisam se adaptar a ninguém, e é lindo, todos podem se expressar como ele quer o que ele quer. Como no caso de Pedro Campos, o trabalho desse mestre pode ser facilmente confundido com fotos, tão parecido com a cidade deles para o real. As fotos de estes raramente encontram pessoas, mas quase sempre haverá reflexões, brilho, linhas paralelas e perfeita, a composição perfeita. Assim, ele não apenas syvents a paisagem da cidade, mas encontra a perfeição e tenta mostrá-lo.

8. Kevin Sloan.Artistas modernos do século XXI e suas pinturas são incrivelmente muitos, mas nem todos vale a atenção. American Kevin Sloan vale a pena, porque seu trabalho parece mover o espectador para outra dimensão, paz, cheia de alegoria, significados ocultos, mistérios metafóricos. O artista gosta de escrever animais, porque, em sua opinião, acaba mais liberdade de tal maneira do que com as pessoas para relatar a história. Tem criado uma "realidade com truque" por quase 40 anos. Muitas vezes há horas nas listas: eles olham para o elefante, o polvo, esta imagem pode ser interpretada como tempo de saída ou como uma vida limitada. Cada foto de Sliana Amazenta a imaginação, eu quero desvendar que o autor queria trazê-la.

7. Parshelery Laurent.Este pintor pertence a esses artistas contemporâneos do século XXI, cujas pinturas receberam reconhecimento cedo, enquanto aprende. O talento de Laurent se manifestou nos álbuns publicados sob o nome geral "mundo estranho". Ele escreve óleo, sua maneira é fácil, para o realismo. Uma característica característica das obras do artista é a abundância de luz, que é derramada com as telas. Como regra, retrata paisagens, alguns lugares reconhecíveis. Todas as obras são extremamente leves e ar, cheias de sol, frescura, respiração.

6. Jeremy Mann.O nativo San Francisco amou sua cidade, na maioria das vezes eu estava em fotos disso. Artistas modernos do século XXI podem estar desenhando inspiração para suas pinturas em qualquer lugar: na chuva, calçada molhada, sinais de néon, lâmpadas urbanas. Jeremy Mann preenche o humor de paisagens comuns, a história, experimentando dispositivos e seleção de cores. Manna material principal - óleo.

5. Hans Rudolf Higer.No quinto lugar é único, exclusivo Hans Higer, o criador do filme de outra pessoa. Os artistas atuais e suas obras são diversificados, mas cada um da sua maneira é genial. Este suíço sombrio não escreve natureza e animais, ele é mais como a pintura "biomecânica" em que ele conseguiu. Alguns comparam o artista com um bósum na fantástica sombria de suas telas. Embora das fotos do Hyger e sopre algo diferente, perigoso, na técnica, a habilidade não o recusará: ele está atento aos detalhes, pega competentemente, os tons, pensam em tudo para o menor detalhe.

4. Will Barnet.Este artista tem seu próprio estilo único de direitos autorais, porque seu trabalho é de bom grado pelos grandes museus do mundo: o Metropolitan-Museum, a National Art Gallery, o Museu Britânico, o Museu Eshmolov, o Museu do Vaticano. Artistas modernos do século XXI e seus trabalhos a serem reconhecidos, devem destacar algo no contexto do resto das massas. E Barnett sabe como. Suas obras são gráficas e contrastadas, muitas vezes retrata gatos, pássaros, mulheres. À primeira vista, as pinturas da Barnet são simples, mas com mais consideração você entende que, nessa simplicidade, seu gênio é apenas.

3. Neil Simon.Este é um dos artistas modernos do século XXI, cujas obras não são tão simples, como parecem à primeira vista. Entre as parcelas e obras de Nilo Simon, os limites são quebrados, eles fluem de um para outro, envolvem o espectador, apertam o mundo illruzor do artista. As criações de Simon são caracterizadas por cores brilhantes e saturadas, o que lhes dá energia e poder, causa uma resposta emocional. O mestre gosta de brincar com a perspectiva, tamanhos de objetos, com combinações incomuns e formas inesperadas. Nas obras do artista, muita geometria, que é combinada com paisagens naturais, como se se quebrasse, mas não destruindo, mas complementam harmoniosamente.

2. Igor Mariska.O artista de hoje do século XXI e suas pinturas costumam comparar com o Grande Gênio Salvador Dali. O trabalho do mestre polonês é imprevisível, misterioso, ondas, causam uma resposta emocional brilhante, em lugares insanos. Como qualquer outro surrealista, ele não procura mostrar a realidade que é, mas mostra os rostos que nunca veremos na vida. Mais frequente, o personagem principal Os mercados são um homem com todos os seus medos, paixões, desvantagens. Além disso, as metáforas desse surrealista muitas vezes dizem respeito a poder. Claro, este não é o artista, cujo trabalho pendure a cama, mas ele precisa ir a cuja exposição.

1. Yoya Kusama.. Então, em primeiro lugar da nossa classificação, um artista japonês que alcançou incrível sucesso em todo o mundo, apesar do fato de que ela tem alguma doença mental. O principal artista "chip" é ervilhas. Ele cobre canecas de várias formas e tamanhos, tudo o que vê, chamando todas essas redes não infinitas. Exposições interativas e instalação de Kusama são bem sucedidos, porque todos às vezes queres (mesmo que ele não seja reconhecido) estar dentro do mundo psicodélico de alucinações, imediatismo infantil, fantasias e círculos multicoloridos. Entre os artistas modernos do século XXI e suas pinturas, Yoya Kusama - o mais vendido.

A classificação do trabalho mais caro é agora artistas vivos - este é um design que fala sobre o papel e o local do artista na história da arte é muito menos do que sobre a idade e a fortaleza da saúde

As regras para a preparação da nossa classificação são simples: primeiro, apenas as transações com as obras de autores vivos são levadas em conta; Em segundo lugar, apenas as vendas de leilões públicos são levadas em conta; E em terceiro lugar, a regra "Um artista é um trabalho" (se no ranking de trabalho dois registros pertencem a Jones, então apenas a coisa mais cara permanece, e o resto não é levado em conta). A classificação é realizada em termos de dólares (à taxa na data da venda).

1. Jeff Kuns Rabbit. 1986. US $ 91.075 milhões

Quanto mais você observar a carreira de leilões Jeff Kuns (1955), mais você está convencido de que não há nada impossível para o pop art. Você pode admirar as esculturas do kun na forma de brinquedos de balões, e você pode considerar o seu Kich e uma câmara - sua direita. Não se pode negar: as instalações de Jeff Kuns são dinheiro maluco.

Jeff Kuns começou seu caminho para a fama dos mais bem sucedidos do mundo agora o artista vivo no distante de 2007, quando sua gigantesca instalação de metal "coração suspenso" foi comprada por US $ 23,6 milhões no leilão de Sotheby "S. trabalho comprado representando a Kuns Gallery Larry Gagosyan (na imprensa escreveu que, no interesse do bilionário ucraniano, Victor Pinchuk). A galeria não acabou de instalar, mas, de fato, o trabalho de arte de jóias. Deixe o trabalho realizado e não de ouro (aço inoxidável servido) e o tamanho é claramente mais do que coulon comum (altura da escultura. 2,7 m pesa 1.600 kg), mas tem um propósito semelhante. Foi gasto mais de seis e meia mil horas para produzir uma composição de coração com um coração revestido Dez camadas. Como resultado, um dinheiro gigante pagou por uma "decoração" espetacular.

Em seguida, foi a venda de uma "flor de um balão" de cor roxa por £ 12,92 milhões (US $ 25,8 milhões) no London Birds Christie, 30 de junho de 2008. Curiosamente, os sete anos anteriores anteriormente os proprietários da "flor" adquiriram um emprego por US $ 1,1 milhão. É fácil calcular que, durante esse período, seu preço de mercado cresceu quase 25 vezes.

O declínio no mercado de arte de 2008-2009 deu aos céticos uma razão para afirmar que a moda para Kuns foi realizada. Mas eles foram enganados: Juntamente com o mercado de arte, o interesse nas obras de Kuns foi revivido. O Sucessor Andy Warhol no trono da King Pop Art atualizou seu recorde pessoal em novembro de 2012 à venda na escultura multi-colorida de Christie "Tulipas" da série "celebração" por US $ 33,7 milhões, levando em conta a Comissão.

Mas as "tulipas" eram "flor" no sentido literal e figurativo. Apenas um ano depois, em novembro de 2013, a venda de esculturas de aço inoxidável "do cão de balões (laranja)": O preço do martelo foi até US $ 58,4 milhões! A quantidade fabulosa para o artista agora vivo. O produto do autor moderno foi vendido pelo preço da pintura Van Gogh ou Picasso. Estas já eram bagas ...

Com este resultado, Kuns reinou por vários anos no topo da classificação agora viva artistas. Em novembro de 2018, David Hokney superou-o por um tempo (veja a segunda linha de nossa classificação). Mas depois de seis meses, tudo voltou aos círculos: 15 de maio de 2019 em Nova York nos prêmios da pós-guerra e arte Moderna Christie's para venda expôs uma escultura de 1986 para venda - um "coelho" de prata de aço inoxidável, imitando a bola de ar de tal forma.

No total, as esculturas de Kuns criaram 3 piadas mais uma cópia do autor. Uma cópia do "coelho" veio ao leilão no número 2 - da coleção da editora Cult Dizy Newhouse, co-proprietário da Conde Nast Publishing House (Vogue Revistas, Vanity Fair, Gamour, GQ, etc.). O "coelho" de prata foi comprado pelo "pai de glamour" por dizer Newhouse em 1992 por uma quantidade impressionante da soma desses anos - 1 milhão de dólares. Após 27 anos, na luta de 10 licitantes, o tamanho da escultura de escultura 80 vezes excedeu o preço de venda anterior. E tendo em conta a Comissão Premium do Comprador, o resultado final foi um recorde para todos os artistas vivos de US $ 91.075 milhões.

2. David Hokney Retrato do artista. Piscina com duas peças. 1972. $ 90 312 500

David Hokney (1937) é um dos artistas britânicos mais significativos do século XX. Em 2011, de acordo com os resultados de uma pesquisa, milhares de artistas e escultores britânicos profissionais, David Hokney reconheceu o artista britânico mais influente de todos os tempos. Ao mesmo tempo, Hokney ignorou tais assuntos como William Törsner e Francis Bacon. Sua criatividade, como regra, pertence ao Pop Art, embora no início do trabalho, ele mais para o expressionismo no espírito de Francis Bacon.

David Hokney nasceu e cresceu na Inglaterra, no condado de Yorkshire. A mãe do futuro artista manteve a família no rigor puritano, e seu pai, um simples contador, um pouco atraído pelo nível amador, encorajou as classes do filho pitoresco. Vinte com um pouco de David deixou na Califórnia, onde havia um total de cerca de três décadas. Ele e agora há duas oficinas. Hokney fez os heróis de suas obras de ricos locais, suas villas, piscinas, preenchidas com o sol da Califórnia de gramados. Uma das mais famosas obras do período americano é uma pintura "splash" - representa uma imagem de um snop spray, levantado da piscina depois que o homem pulou na água. Para retratar esse feixe, "vivendo" não mais do que dois segundos, Hokney trabalhou por duas semanas. A propósito, esta imagem em 2006 foi vendida em Sotheby de US $ 5,4 milhões e por algum tempo foi considerada o trabalho mais caro.

Hokney (1937) já tem oitenta, mas ainda funciona e até inventa novas técnicas de recursos usando inovações técnicas. Uma vez que ele criou grandes colagens das imagens crentes, imprimiu seu trabalho em dispositivos de fax, e hoje o artista com uma inspiração é dominado pelo desenho no iPad. Fotos desenhadas no comprimido ocupam um lugar digno em suas exposições.

Em 2005, Hokney finalmente retornou dos estados para a Inglaterra. Agora ele escreve no cativeiro e no workshop enorme (freqüentemente consistindo de várias partes) paisagens de florestas locais e Wastelife. Segundo Hokney, por 30 anos passados \u200b\u200bna Califórnia, ele é tão convoluções de uma simples mudança de temporadas que ela realmente admira e fascina. Os ciclos inteiros de seus trabalhos recentes são dedicados, por exemplo, a mesma paisagem em diferentes momentos do ano.

Em 2018, os preços das fotos de Hokney várias vezes perfuraram a marca de 10 milhões de dólares. E em 15 de novembro de 2018, um novo recorde absoluto para a criatividade foi registrado para a criatividade agora o artista vivo - US $ 90.132.500 para a pintura "retrato de um artista (piscina com duas figuras)."

3. Gerhard Richter. Pintura abstrata. 1986. US $ 46,3 milhões

Vive clássico Gerhard Richter (1932) classificado em segundo lugar em nosso ranking. O artista alemão era o líder entre os colegas agora viventes até que o registro de 58 milhões de Jeff Kunsa roubou. Mas é improvável que esta circunstância possa sacudir a autoridade de ferro de Richter no mercado de arte. De acordo com os resultados de 2012, o volume de negócios anual de leilões do artista alemão é inferior apenas a indicadores similares Andy Warhol e Pablo Picasso.

Por muitos anos, nada prenuncia que o sucesso que caiu em Richter agora. Durante décadas, o artista ocupou um lugar modesto no mercado de arte moderna e de todo procurado para a fama. Pode-se dizer que a glória abrigou ele. Muitos consideram a compra do Museu New York Moma Moma em 1995 por obras de Richter em 18 de outubro de 1977. O Museu Americano pagou US $ 3 milhões para 15 pinturas em cores cinzentas e logo pensou em manter uma retrospectiva completa do artista alemão. A grande exposição abriu seis anos depois, em 2001, e desde então o interesse pelo trabalho de Richter Roses como em levedura. De 2004 a 2008, os preços para a sua pintura cresceram três vezes. Em 2010, Richter já trouxe US $ 76,9 milhões, em 2011, segundo ArtNet, as obras de Richter em leilões no valor de US $ 200 milhões e em 2012 (segundo o ArtPrice) - US $ 262,7 milhões mais do que obras de qualquer outra Artista vivo.

Enquanto Jasper Jones, Jasper Jones acompanha o sucesso impressionante no leilão, principalmente no início do trabalho, pois as obras de Richter uma separação tão acentuada não é característica: a demanda é igualmente resistente a coisas de diferentes períodos criativos, que na carreira de Richter era um grande definir. Nos últimos sessenta anos, este artista se experimentou em quase todos os gêneros pitorescos tradicionais - retrato, paisagem, marina, nu, natureza morta e, claro, abstração.

A história dos registros de leilão de Richter começou com uma série de "velas". 27 Imagens fotorrealistas de velas no início dos anos 80, durante sua ortografia, custam apenas 15 mil marcas alemãs (US $ 5.800) para o trabalho. Mas "velas" de qualquer maneira, ninguém comprou em sua primeira exposição na galeria de Max Hezler em Stuttgart. Então o tema dos padrões foi chamado antiquado; Hoje, as "velas" consideram as obras para todos os tempos. E eles estão milhões de dólares.

Em fevereiro de 2008, a vela, escrito em 1983, foi inesperadamente comprado por £ 7,97 milhões (US $ 16 milhões). Este registro pessoal durou três anos e meio. Então em outubro de 2011. mais um "Candle" (1982) Eu deixei o martelo na Christie já por £ 10,46 milhões (US $ 16,48 milhões). Com este registro, Gerhard Richter entrou primeiro nos três principais artistas vivos mais bem sucedidos, tomando seu lugar para Jasper Jones e Jeff Kuns.

Então a procissão vitoriosa das "pinturas abstratas" de Richter começou. Trabalhos semelhantes pelo artista escreve de uma maneira única: faz uma mistura em um fundo claro cores simplesE então com um raspador longo com um tamanho com um pára-choques de carro, balançando-os na tela. Neste caso, são obtidas transições de cores intrincadas, manchas e listras são obtidas. Considere a superfície de suas "pinturas abstratas" como escavações: eles são traços de várias "figuras" têm vista para as rupturas de numerosas camadas coloridas.

9 de novembro de 2011 No leilão da arte moderna e do pós-guerra, a grande escala de Sotheby "Imagem abstrata (849-3)" 1997 deixou o martelo para US $ 20,8 milhões (£ 13,2 milhões). E meio ano depois, 8 de maio de 2012 No leilão de pós-guerra e arte moderna, Christie's em Nova York "Imagem abstrata (798-3)" 1993 deixado para registro US $ 21,8 milhões (tendo em conta a Comissão). Depois de cinco meses - novamente um registro: "Imagem abstrata (809-4)" Da coleção de músico rock Eric Clapton em 12 de outubro de 2012 no leilão de Sotheby em Londres deixou o martelo para £ 21,3 milhões (US $ 34,2 milhões). A barreira de 30 milhões foi tomada por Richter com tal facilidade, como se não fosse sobre a pintura moderna, mas sobre obras-primas, que não haviam menos por anos. Embora no caso de Richter, parece que a inclusão no "grande" Panteão ocorreu durante a vida útil do artista. Os preços das obras alemãs continuam a crescer.

O próximo registro de Richter pertencia ao trabalho fotorrealista - paisagem "Praça da Catedral, Milão (Domplatz, Mailand)" 1968. Trabalho foi vendido por 37,1 milhões No leilão de Sotheby 14 de maio de 2013. A vista da bela praça foi escrita pelo artista alemão em 1968 por ordem da Siemens Electro, especialmente para o escritório de Milão da empresa. No momento de sua escrita, foi o maior produto figurativo de Richter (quase três três metros de tamanho).

O registro "quadrado da Catedral" durou quase dois anos enquanto 10 de fevereiro de 2015 Sua não interrompida "Imagem abstrata" (1986): O preço do martelo alcançou £ 30.389 milhões (US $ 46,3 milhões). A "imagem abstrata" "padrão abstrato" Sotheby's lance com tamanho de 300,5 × 250,5 cm é uma das primeiras obras de grande escala de Richter na técnica do autor particular de camadas. DENTRO última vez Em 1999, esta "imagem abstrata" foi comprada em leilão por US $ 607 (a partir deste ano e até o atual trabalho de vendas foi exibido no Museu Ludwig em Colônia). No leilão de 10 de fevereiro de 2015, um certo leilão americano de clientes para £ 2 milhões atingiu o preço de um martelo de US $ 46,3 milhões. Desde 1999, o trabalho cresceu em preço em mais de 76 vezes!

4. Cui Zhurzho "grandes montanhas cobertas de neve". 2013. US $ 39.577 milhões.

Por muito tempo, não seguimos cuidadosamente o desenvolvimento da situação no mercado de arte chinesa, não querendo sobrecarregar nossos leitores com uma quantidade durante a noite de informação sobre "não nossa". Com exceção do dissidente Ai Weiwei, não tão caro, como artista ressonante, os autores chineses nos pareciam numerosos e distantes de nós para mergulhar no que eles tinham lá no mercado. Mas as estatísticas, como dizem, a senhora é séria, e se estamos falando sobre os autores vivos agora bem-sucedidos do mundo, então sem uma história sobre os representantes pendentes da arte contemporânea, ainda não é fazer.

Vamos começar com o artista chinês Cui Zuzhuo (Cui Ruzhuo). O artista nasceu em 1944 em Pequim, de 1981 a 1996 viveu nos Estados Unidos. Depois de retornar à China, ele começou a ensinar na Academia Nacional de Artes. Tsui Zhurzho repensa o tradicional maneru chinês de desenho em rímel e cria enormes rolos da web que os empresários e funcionários chineses como presentes são tão amados. No Ocidente, é conhecido por ser extremamente pequeno, embora seja, muitos lembre-se de história com um pergaminho por US $ 3,7 milhões, o que erroneamente jogou fora, aceito para lixo, limpadores do Hotel Hong Kong. Então foi um pergaminho de Tsui Zhurzho.

Zui Zhurzho já é 70, e o mercado de seu trabalho é florescente. Mais de 60 obras deste artista cruzaram o bar em US $ 1 milhão. No entanto, o sucesso de seu trabalho ainda é apenas em leilões chineses. Registros Cui Zhurzho realmente impressionar. No começo "Paisagem na neve" No leilão de leilão em Hong Kong 7 de abril de 2014 atingiu o preço de um martelo em 184 milhões de dólares de Hong Kong ( US $ 23,7 milhões).

Exatamente um ano depois 6 de abril de 2015,no leilão de leilões de poli especiais em Hong Kong, dedicado exclusivamente às obras de Cui Zhurzho, "Great neve paisagem da montanha Jiangnan"(Jiannan - a região histórica na China, que ocupa a margem direita do Nizhtze) Das oito paisagens de tinta no papel, o preço de um martelo de 236 milhões de dólares de Hong Kong atingiu ( US $ 30.444 milhões USA).

Um ano depois, a história novamente repetiu: no solo-leilão, Zui Zhurzho, realizada por leilões poli em Hong Kong 4 de abril de 2016 Polyptih de seis partes "Grandes montanhas cobertas de neve" 2013 atingiu o preço de um martelo (incluindo a Comissão da Casa) 306 milhões de dólares de Hong Kong (US $ 39.577 milhões EUA). Até agora, este é um recorde absoluto entre os artistas asiáticos agora vivos.

Como revendedor de arte, Johnson Chan acredita, por 30 anos trabalhando com arte moderna chinesa, há um desejo incondicional de aumentar os preços para o trabalho desse autor, mas tudo isso acontece a nível de um nível, é improvável que os colecionadores experientes querem comprar alguma coisa. "Os chineses querem levantar as classificações de seus artistas, inflamando os preços de seu trabalho em grandes leilões internacionais como o fato de que poli organizado em Hong Kong, mas não deve duvidar que essas classificações sejam totalmente fabricadas", comentou o último recorde de Johnson Chan Zhurzho.

Isso, é claro, apenas a opinião de um revendedor separado, e temos um registro real registrado em todos os bancos de dados. Então, vamos contá-lo com isso. O próprio Tsui Zuhuo, a julgar por suas declarações, longe da modéstia de Gerhard Richter, quando se trata de seu sucesso em leilão. Parece que esta corrida para registros é seriamente fascinada. "Espero que, nos próximos 5-10 anos, os preços do meu trabalho excederem os preços do trabalho dos mestres ocidentais como Picasso e Van Gogh. Este é um sonho chinês ", diz Tsui Zhurzho.

5. Jasper Jones Bandeira. 1983. US $ 36 milhões

O terceiro lugar na classificação dos artistas vivos pertence ao americano Jasper Johnsu (1930). Preço de registro atual para Johns - $ 36 milhões. Tanto pago por sua famosa "Bandeira" No alard de Christie 12 de novembro de 2014.

Uma série de fotos "bandeiras", iniciada por Jones em meados da década de 1950, imediatamente após o artista retornado do exército, tornou-se uma das principais em seu trabalho. O artista ainda estava em jovens interessados \u200b\u200bna ideia de Redi-Meida, transformando o objeto diário na obra de arte. No entanto, as bandeiras de Jones não eram reais, elas foram escritas por óleo sobre tela. Assim, a obra de arte adquiriu as propriedades de uma coisa da vida comum, foi ao mesmo tempo e a imagem da bandeira e da própria bandeira. Uma série de trabalhos com bandeiras trouxe jasper juses fama mundial. Mas seu trabalho abstrato é igualmente popular. Por muitos anos, a lista do trabalho mais caro, compilado pelas regras acima, encabeçou seu resumo "Falso Start". Até 2007, esta lona muito luminosa e decorativa, escrita por Jones em 1959, foi considerada o proprietário de uma praticamente inacessível por agora o artista vivo (embora a vida clássico) - $ 17 milhões. Tanto por isso foi pago em ouro para o mercado de arte 1988..

Curiosamente, a experiência de Jasper Jones como transportadora de um registro não era contínua. Em 1989, ele interrompeu o trabalho de um colega no Workshop Villem de Kunning: A "mistura" de abstração de dois metros foi vendida em Sotheby, por US $ 20,7 milhões. Jasper Johns tinha que ser movido. Mas depois de 8 anos, em 1997 , De Cuning morreu, e "Falstart" Jones fez novamente a primeira linha de classificação de leilão agora viva artistas por quase 10 anos.

Mas em 2007 tudo mudou. O registro "falstart" primeiro eclipsou as obras de jovens e ambiciosos Damien Hirst e Jeff Kuns. Então houve uma venda recorde por US $ 33,6 milhões "Inspetor de Dormir para Benefícios" Brush Lusien Freud (agora o falecido, e portanto, que não está participando dessa classificação). Em seguida, os registros do Gerhard Richter começaram. Em geral, até agora, com o atual registro de 36 milhões de Jasper Jones, um dos mestres da arte pós-guerra americana, trabalhando na junção de neo-dadaísmo, expressionismo abstrato e pop art, é no terceiro lugar honrado.

6. Ed Rushe. ESMAGAR. 1963. US $ 30,4 milhões

Sucesso repentino da pintura "Smash" do pincel do artista americano Edward Rushaya (r. 1937) em barganhas O 12 de novembro de Christie de 2014 Trouxe este autor para os artistas vivos mais caros. O preço de registro anterior para obras de Ed Rushaya (muitas vezes o nome Ruscha é pronunciado em russo como "ruša", mas a pronúncia correta do torrador) foi "total" US $ 6,98 milhões: tanto pago por sua tela "Burning Benzocolon" em 2007 . Sete anos depois dele "ESMAGAR" Sob a estimativa $ 15-20 milhões atingiram o preço de um martelo US $ 30,4 milhões. Obviamente, o mercado dos trabalhos deste autor chegou a um novo nível - não é por nada que suas obras sejam decoradas com a Casa Branca Barack Obama, e Larry Gagosyan exibe-o em suas galerias.

Ed Rushe nunca procurou a New York pós-guerra com o hobby do paciente com expressionismo abstrato. Em vez disso, há mais de 40 anos, ele estava procurando por inspiração na Califórnia, onde ele se mudou de Nebraski entre 18 anos. O artista estava nas origens de um novo curso de arte, chamado pop art. Juntamente com Warhol, Liechtenstein, Wayne Tibo e outros cantores cultura de massa Edward Hushe em 1962, ele participou da exposição "uma nova imagem de coisas comuns" no Museu de Pasaden, que se tornou a primeira exposição do Museu da American Pop Art. No entanto, Ed Rushe não gosta quando seu trabalho é atribuído ao pop art, conceitualismo ou algum outro fluxo na arte.

Seu estilo único é chamado de "pintura de texto". Desde o final dos anos 1950, Ed Rushe começou a desenhar palavras. Além disso, para Warhol, o trabalho da arte tornou-se a bancada de sopa, para Ed Rushaya se tornou palavras normais E as frases tomadas por ele ou a partir do outdoor ou embalagem no supermercado, ou dos títulos de cinema (Hollywood sempre esteve em Rushei "sob o lado", e ao contrário de muitos colegas de artistas, ele respeitava uma "fábrica de sonhos"). Palavras em suas telas adquirem as propriedades de objetos tridimensionais, estes são reais ainda lifes de palavras. Ao olhar para a sua web, a primeira a mente vem a percepção visual e sólida da palavra desenhada, e após - significado semântico. Este último, por via de regra, não é passível de descriptografia inequívoca; Palavras e frases selecionáveis \u200b\u200bpodem ser interpretadas de maneiras diferentes. A mesma palavra amarela brilhante "Smash" em um fundo azul profundo pode ser percebido como uma chamada agressiva para invadir algo ou alguém; Como um adjetivo único, eliminado do contexto (parte de algum cabeçalho de jornal, por exemplo), ou simplesmente como uma palavra separada capturada no fluxo urbano de imagens visuais. Ed Rushe gosta dessa incerteza. "Eu sempre respeitei coisas estranhas e inexplicáveis \u200b\u200b... as explicações em algum sentido matam a coisa", disse ele em uma das entrevistas.

7. Christopher vul Sem nome (Riot). 1990. US $ 29,93 milhões

Artista americano. Christopher vul (1955) Eu inventei a classificação dos artistas vivos em 2013 - depois de vender o trabalho do apocalipse hoje por US $ 26,5 milhões. Este registro imediatamente colocou em uma linha com Jasper Jones e Gerhard Richter. O valor deste negócio histórico - mais de US $ 20 milhões ficou surpreso em muitos, já que antes que o preço do artista não exceda US $ 8 milhões. No entanto, o rápido crescimento do trabalho do trabalho de Christopher Voura já era evidente: havia 48 transações de leilão no valor de mais de US $ 1 milhão, e 22 deles (quase metade) foram realizadas em 2013. Dois anos depois, o número de obras de Chris Voula, vendeu mais de US $ 1 milhão, atingiu 70 anos, e o novo registro pessoal não se esperava. Em barganhas Sotheby's 12 de maio de 2015 Trabalho "Untitled (Riot)" foi vendido por $ 29,93 milhões Tendo em conta o prêmio do comprador.

O Christopher Vul é conhecido principalmente em seu trabalho de grande escala com imagens de letras pretas em folhas de alumínio branco. Eles, como regra, estabelecem registros em leilões. Todos estes são o final da década de 1980 - início dos anos 90. Como a lenda diz, um dia caminhava à noite em Nova York e de repente viu em um novo graffiti de caminhões brancos com letras pretas - palavras sexo e luv. Este é o espetáculo tão impressionou que ele imediatamente retornou ao workshop e escreveu sua versão com essas palavras. No pátio foi de 1987, e a busca adicional pelo artista de palavras e frases para suas obras "letras" refletem o espírito controverso desse tempo. Esta é a chamada "vender uma casa, vender o carro, vender crianças", tirada por vult do filme "Apocalipse hoje", e a palavra "tolo" ("tolo") em letras maiúsculas e a palavra "tumulto" ( "Rebelião"), muitas vezes encontrada em manchetes de jornais do tempo.

Palavras e frases do Vul colocam em folhas de alumínio com estênceis por tintas alquídicas ou esmalte, deixando intencionalmente tambores, traços de stencils e outras evidências do processo criativo. O artista de palavras dividido para que o espectador não entendesse imediatamente o significado. No começo, você só vê o cluster de letras, ou seja, você percebe a palavra como um objeto visual, e só então você está lendo e decifrando o significado da frase ou palavras. Vul usou a fonte, que estava no decorrer dos militares americanos após a Segunda Guerra Mundial, que fortalece a impressão da ordem, diretrizes, slogan. Essas obras "letras" são percebidas como parte da paisagem urbana como graffiti ilegal, perturbando a pureza da superfície de algum objeto de rua. Esta série de obras de Christopher Vul é reconhecida como um dos vértices da abstração linguística, e, portanto, estima-se que seja tão alta pelos amantes da arte contemporânea.

8. Peter Doyig. Rovel. 1991. US $ 28,81 milhões

Britânico Peter Doyig.(1959), embora ele se refere à geração de pós-modernistas Kuns e Hirst, escolheu um gênero muito tradicional da paisagem para si mesmo, por um longo tempo não anteriormente não em favor dos artistas avançados. Peter Doyig irá reviver o interesse do público para a pintura figurativa. Seu trabalho é muito apreciado tanto os críticos quanto os não-especialistas, e evidências disso é um aumento rápido dos preços para suas obras. Se no início dos anos 90, suas paisagens custaram vários milhares de dólares, agora a conta vai para milhões.

O trabalho de Doyig é frequentemente chamado de realismo mágico. Baseado em paisagens reais, cria imagens de fantasia, misteriosa e muitas vezes escura. O artista gosta de retratar os objetos abandonados por pessoas: um edifício dilapidado da construção de Le Corbusier no meio de uma floresta ou uma canoa branca vazia em um lago de stroy. Além da natureza e imaginação, Doyaga inspire filmes de terror, antigos postais, fotos, vídeos amadores e assim por diante. As pinturas doyig são coloridas, complexas, decorativas e não provocativas. Tal pintura é legal. Aquece o interesse dos colecionadores também baixa produtividade do autor: O artista que vive em Trinidad não cria mais do que uma dúzia de fotos por ano.

No início dos anos 2000, paisagens separadas do artista foram vendidas por várias centenas de milhares de dólares. Ao mesmo tempo, Doyiga veio para a galeria de Saatchi, em Bienal no Museu de Whitney e a coleção de Moma. Em 2006, o plano de leilão foi superado em US $ 1 milhão. E no próximo ano um avanço inesperado ocorreu: o trabalho "canoa branco", proposto em Sotheby's em 7 de fevereiro de 2007 com uma estimativa de US $ 0,8-1,2 milhões, cinco vezes excedeu a avaliação preliminar e foi vendido por £ 5,7 milhões (US $ 11,3 milhões). Naquela época, foi um preço recorde para o trabalho do artista europeu vivo.

Em 2008, exposições pessoais de Doyiga na Galeria de Tate e o Museu de Arte Contemporânea em Paris ocorreu. Multimilion Preços para o trabalho doyign tornou-se a norma. Peter Doyig Pessoal Record foi atualizado recentemente várias vezes por ano - só temos tempo para mudar a imagem e local deste artista em nosso ranking agora autores viventes.

Até o momento, o trabalho mais caro de Peter Doyiga é uma paisagem nevada "Roselyl" ("Rosedale") 1991. O que é interessante, o registro não foi instalado em Sotheby's ou Christie, mas no leilão da moderna Art Luction House Phillips. Isso aconteceu em 18 de maio de 2017. A vista das rotas cobertas de neve, um dos distritos de Toronto, foi vendido para um comprador de telefonia por US $ 28,81 milhões. Isso é cerca de 3 milhões acima do registro anterior (US $ 25,9 milhões para o trabalho "absorvido pelo qual") " . A banda "Rozdeil" participou na chave da Doyig na Galeria Whitechapel em Londres em 1998, e em geral este trabalho para o mercado foi fresco, e, portanto, um preço recorde é bastante merecido.

9. Frank Stella Cape Pine. 1959. US $ 28 milhões

Frank Stella (Frank Stella) é um representante brilhante da abstração pós-conhecimento e minimalismo na arte. Em um certo estágio, é referido como pintura de borda dura (pintura de borda dura). No começo, Stella contrastava com geometria estrita, monocromática ascética e estruturação de suas pinturas de espontaneidade e pinturas caóticas de expressionistas abstratos, como Jackson Pollock.

No final da década de 1950, o artista foi notado pelo famoso jogador de galeria Leo Castelli e primeiro premiou a exposição. Nela, ele apresentou as chamadas "pinturas negras" - a lona, \u200b\u200bpintada por linhas pretas paralelas com intervalos finos de uma tela imatura entre eles. As linhas são dobradas em formas geométricas, algo parecido com ilusões ópticas, a maioria das fotos que o movimento de cintilação estão se movendo, apertadas, criam uma sensação de espaço profundo, se você olhar para eles por um longo tempo. O tópico de linhas paralelas com listras divisórias finas Stella continuou nos trabalhos em alumínio e cobre. Tintas mudadas, base cênica e até mesmo forma de padrões (entre outros, o trabalho na forma de letras U, T, L) é alocado). Mas o princípio principal de sua pintura ainda estava em contorno de clareza, monumentalidade, forma simples, monocromicidade. Nas próximas décadas, Stella deixou essa pintura geométrica em direção a formas e linhas suaves, naturais, e de pinturas monofônicas - para transições de cores brilhantes e diversas. Na década de 1970, a Stella capturou grandes padrões, com a ajuda da qual os navios são pintados. O artista os usou para enormes pinturas com elementos da montagem - incluídos pedaços de tubos de aço ou malha de arame.

Em suas primeiras entrevistas, Frank Stella argumenta francamente sobre os significados investidos em seu trabalho, mais precisamente, sobre a sua ausência: "O que você vê, há algo que você vê". A imagem é o objeto em si, em vez de jogar qualquer coisa. "Esta é uma superfície plana com tinta e nada mais", disse Stella.

Bem, assinado por Frank Stella, esta "superfície com tinta" hoje pode custar milhões de dólares. Pela primeira vez na classificação dos artistas vivos, Frank Stella, em 2015, com a venda do trabalho "Transição do delavificador" (1961) por US $ 13,69 milhões, levando em conta a Comissão.

Quatro anos depois, 15 de maio de 2019, o novo registro estabeleceu um início (1959) trabalho "Cape Pines": o preço do martelo tinha mais de US $ 28 milhões, levando em conta a Comissão. Esta é uma das 29 "pinturas negras" - a maioria com a qual Stella estreou em sua primeira exposição em Nova York. Um graduado da Universidade de Princeton Frank Stelle foi então 23 anos de idade. O dinheiro na tinta a óleo para artistas estava faltando muitas vezes. O jovem artista trabalhou como trabalho de reparo, ele realmente gostou das cores limpas da tinta de tinta, e então a ideia surgiu para trabalhar esta tinta na tela. O esmalte preto Paint Stella escreve listras paralelas, deixando linhas finas de lona desprotegida entre eles. E ele escreve sem linhas, no olho, sem esboço anterior. Stella nunca sabia quantas linhas negras teriam sucesso em uma imagem específica. Por exemplo, na imagem "Cape Soskin", houve 35. O nome do trabalho refere-se ao nome da capa na baía de Massachusetts - ponto de pinheiros. No início do século XX, era um grande parque de diversões, e hoje é um dos distritos da cidade de Revir.

10. Yoshito Nara faca atrás das suas costas. 2000. US $ 24,95 milhões

Yoshito Nara (1959) é uma das principais figuras do neo-art japonês. Japonês - Porque, apesar da fama global e muitos anos de trabalho no exterior, seu trabalho ainda distingue uma identidade nacional pronunciada. Personagens favoritos de Nara - Meninas e cães no estilo de mangá e anime japonês. As imagens inventadas por ele por muitos anos como "foram para o povo": eles são impressos em camisetas, fazem lembranças com eles e diferentes merch. Nascido na família pobre, longe da capital, ele não é apenas amado por talento, mas também aprecia como uma pessoa que se fez. O artista trabalha rapidamente, expressivamente. Sabe-se que algumas de suas obras-primas foram feitas literalmente por noite. Fotos e esculturas de Yosito Nara, por via de regra, são muito concisas, e isso é patrões em meios expressivosMas sempre carregue uma forte carga emocional. As adolescentes perto de Nara muitas vezes olham para o espectador com quadrado unkilled. Em seus olhos - audácia, desafio e agressão. Nas mãos - então uma faca, depois um cigarro. Há uma opinião de que as perversões representadas do comportamento é a reação à moralidade pública de gulling, vários tabus, e os princípios da educação adotados pelos japoneses. Gravidade quase medieval e problemas de decisão de vergonha dentro, criam um solo para uma explosão emocional diferida. "A faca atrás das costas" ao mesmo tempo reflete uma das principais idéias do artista. Neste trabalho há olhar odiado de uma menina e uma mão ameaçando atrás das costas. Até 2019, as pinturas e esculturas de Yosito Nara têm repetidamente uma marca em um milhão, ou até mesmo alguns milhões. Mas vinte milhões - pela primeira vez. Nara é um dos artistas mais famosos do mundo da origem japonesa. E agora os mais caros de agora viver. Em 6 de outubro de 2109, em Sotheby's em Hong Kong, selecionou este título com Takasi Murakami e marcadamente pela vanguarda de 90 anos de Yoya Kusama (os preços máximos de leilão para suas pinturas já estão se aproximando de US $ 9 milhões).

11. Zeng Fanchi. Ontem à noite. 2001. US $ 23,3 milhões

No leilão de Sotheby em Hong Kong 5 de outubro de 2013. O ano de pano de larga escala "Última Ceia" Artista de peking. Zeng Fangzhi (1964) Foi vendido por um valor recorde de 160 milhões de dólares de Hong Kong - US $ 23,3 milhões EUA. O custo final do Fangius foi escrito, é claro, sob a influência da criatividade de Leonardo da Vinci, foi duas vezes mais alto que a estimativa preliminar de cerca de US $ 10 milhões. Registro de preço anterior Jeng Fangzhi - $ 9,6 milhõesChristie's Hong Kong Birdtage em maio de 2008 para o trabalho "Uma série de máscara. 1996. Não. 6 ".

"A Última Ceia" é a maior (2,2 × 4 metros) da Web do Fangi na série "Masks", cobrindo o período de 1994 a 2001. O ciclo é dedicado à evolução da sociedade chinesa sob a influência das reformas econômicas. A introdução do governo do PRC dos elementos da economia de mercado levou à urbanização e desacordo dos chineses. Falggy retrata moradores de megalópoles chinesas modernas, que têm que lutar pelo lugar sob o sol. Tudo composição famosa Os afrescos de Leonardo em Ler Fangii adquirem um significado completamente diferente: o local de ação é transferido de Jerusalém para a sala de aula da escola chinesa com placas típicas de hieróglifos nas paredes. "Cristo" e "apóstolos" se transformaram em pioneiros com laços Almy, e apenas "Judas" usa uma gravata dourada - esta é uma metáfora do capitalismo ocidental, penetrando e destruindo o modo habitual de vida em um país socialista.

As obras de Jeng Falggy são estilisticamente próximas ao expressionismo europeu e são tão dramáticas. Mas ao mesmo tempo eles estão cheios de símbolos e especificidades chineses. Essa versatilidade atrai a criatividade do artista de colecionadores chineses e ocidentais. A confirmação direta deste é a proveniência da "ceia secreta": o trabalho foi colocado para uma negociação no famoso colecionador da vanguarda chinesa da década de 1980 - início dos anos 90 - Belgian Baron Guy Ullens.

12. Robert Rayman Ponte. 1980. US $ 20,6 milhões

Em barganhas O 13 de maio de Christie de 2015 Trabalho abstrato "Ponte" Artista americano de 85 anos Robert Raimana (Robert Ryman) foi vendido para US $ 20,6 milhõesdada a Comissão - duas vezes mais cara que a estimativa inferior.

Robert Rayman (1930) Eu não entendi imediatamente o que ele queria se tornar um artista. Aos 23 anos, ele se mudou para Nova York de Nashville (Tennessee), querendo se tornar um saxofonista de jazz. Enquanto isso, ele não se tornou um famoso músico, tive que trabalhar como guarda de segurança na mãe, onde ocorreu seu conhecimento com o Sollar Le Witt e Dan Flavin. O primeiro trabalhou no Museu da Secretária da Noite, e o segundo guarda e levantador. Sob a impressão de expressionistas abstratos, Rotko, De Astúcia, Pollock e Newman, que viram em Moma, Robert Raiman, em 1955, estava envolvido na pintura.

Riman é frequentemente classificado como minimalistas, mas ele prefere ser chamado de "realista", já que não está interessado em criar ilusões, apenas demonstra as qualidades dos materiais usados \u200b\u200bpor ele. A maioria de suas obras é escrita por tintas de todos os possíveis tons. cor branca (De acinzentado ou amarelado - para branco deslumbrante) com base em uma forma quadrada concisa. Para sua carreira, Robert Rayman tentou muitos materiais e técnicos: escreveu com óleo, acrílico, caseína, esmalte, pastel, guache, etc. sobre tela, aço, plexiglass, alumínio, papel, papelão ondulado, vinil, papel de parede, etc. Restoretor Profissional Orrin Riley, aconselhou-o sobre o efeito desses materiais que ele tinha que usá-lo. Como o artista disse uma vez: "Eu nunca surge a pergunta, o que Escreva, mais importante - como Escreva". É tudo sobre a textura, no caráter dos esfregaços, na fronteira entre a superfície colorida e as bordas da base, bem como na proporção de trabalho e paredes. Desde 1975, o elemento especial de suas obras se torna fixadores, cujo projeto de Rayman está se desenvolvendo e deliberadamente deixa-os visíveis, enfatizando seu trabalho "o mesmo que real como as paredes reais sobre as quais elas se encaixam." A Riman prefere dar as obras de "nomes", mas não "nomes". "Nome" é o que ajuda a distinguir um trabalho de outro, e a Riman geralmente dá nomes aos seus trabalhos em marcas de tinta, empresas, etc., e o "título" alega algumas alocações e significados profundamente ocultos, cuja presença em sua funciona, o artista nega regularmente. Nada além de material e tecnologia não importa.

13. Damien Hearst. Primavera sonolenta. 2002. US $ 19,2 milhões

Artista inglês. Damien Heurst (1965) Foi destinado a ligar o primeiro lugar desta classificação em uma disputa com Jasper Jasper Jasper, ao vivo. O trabalho já mencionado "Falstart" ainda pode permanecer um líder não otimizado se 21 de junho de 2007 Instalação naquele tempo 42 anos de idade Kherst "Primavera sonolenta" (2002) não foi vendido em Sotheby "S para £ 9,76 milhões, isto é, por US $ 19,2 milhões. Trabalho, a propósito, tem um formato bastante incomum. Por um lado, esta é uma vitrine de guarda-roupa com comprimidos (6.136 pílula), de fato, instalação clássica. E do outro, esta vitrine é feita (10 cm deep), é levada para o quadro e pendurado na parede, como um painel de plasma, garantindo assim o conforto da posse, típico das pinturas. Em 2002, a irmã desta instalação, o "inverno sonolento", foi por US $ 7,4 milhões, mais de duas vezes mais barato. A diferença no preço de alguém "explicou" pelo fato de que os comprimidos de inverno estão mais desbotados. Mas é claro que essa explicação é absolutamente infundada, porque o mecanismo de precificação para essas coisas não está mais associado à sua decoração.

Em 2007, muitos reconheciam ouvir pelo autor do trabalho mais caro entre artistas infernais. A questão é verdadeira, da categoria "dependendo de como contar". O fato é que o Herst foi vendido por quilos caros e Jones por agora dólares mais baratos, e até vinte anos atrás. Mas mesmo se você considerar isso em par, excluindo 20 anos de inflação, o trabalho de Hirst era mais caro em dólares e em libras - Jones. A situação era uma fronteira, e todo o próprio próprio era onda para decidir quem considerar o mais caro. Mas Harst durou em primeiro lugar, não tanto tempo. No mesmo 2007, ele foi deslocado desde o primeiro lugar Kuns com seu "coração suspenso".

Apenas na véspera do declínio global dos preços da arte contemporânea, o Harst realizou uma start-up sem precedentes para o jovem artista - o leilão solo de suas obras, que aconteceu em 15 de setembro de 2008 em Londres. O Lehman Brothers anunciou na véspera de falência de falência não estragou o apetite para os amantes da arte contemporânea: dos 223 obras de novos proprietários propostos não encontrou apenas cinco (um dos compradores, a propósito, era Viktor Pinchuk). Composição "Golden taurus" - enorme touro de espantalho em formaldeído, coberto com um disco de ouro ", trouxe já £ 10,3 milhões (US $ 18,6 milhões). Este é o melhor resultado do harst, se você considerar em libras (na moeda em que a transação foi realizada). No entanto, estamos classificando em termos de dólares, portanto (talvez nos perdoemos a nós "Golden Taurus") da melhor venda de hirst que seremos considerados ainda "Sleepy Spring".

Desde 2008, as vendas do nível "Sleepy Spring" e o "Golden Taurus" não tiveram. Registros frescos do 2010 - sobre as obras de Richter, Jones, Fangi, Voura e Kuns - moviam Damien na sexta linha de nossa classificação. Mas não vamos fazer um julgamento categórico sobre o pôr do sol a era do Hirst. De acordo com analistas, ouvir como "superstar" já entrou na história e, portanto, será por muito tempo; No entanto, o maior valor no futuro é previsto para obras criadas no período mais inovador de sua carreira, isto é, na década de 1990.

14. Maurizio Kattelan. ELE. 2001. US $ 17,19 milhões

O italiano Maurizio Katteman (1960) veio à arte depois de trabalhar como guarda, um cozinheiro, jardineiro e designer de móveis. O autor autodidata se tornou mundialmente famoso devido às suas esculturas e instalações irônicas. Ele desmoronou o meteorito no papa romano, virou a esposa do cliente para um troféu de caça, expressou o chão no Museu de Mestres antigos, mostrou um dedo médio gigante da bolsa de valores em Milão, trouxe um burro vivo para a feira frita. No futuro próximo, Kattelan promete estabelecer um banheiro dourado no Museu Guggenheim. Em última análise, o reconhecimento anti-artístico de Maurizio Kattelan foi amplamente reconhecido no mundo da arte: ele foi convidado para a bienal veneziana ("outra" instalação em 2011 - um bando de dois mil pombos, que estão crescendo de todos os tubos e vigas nas multidões Passando no fundo), organize sua retrospectiva no Museu de Nova York Guggenheim (novembro de 2011) e, finalmente, pague por seu grande dinheiro de escultura.

Desde 2010, o trabalho mais caro de Maurizio Kattelan era uma escultura de cera de olhar para fora de um buraco no chão de uma pessoa, exteriormente semelhante ao próprio artista (sem título ", 2001). Essa escultura-instalação que existe no número de três cópias, mais a cópia do autor foi demonstrada pela primeira vez no Museu Bummans Wang Bengenna em Roterdão. Então este personagem travesso olhou para fora do buraco no chão com as fotos dos pintores holandeses dos séculos XVIII - XIX. Maurizio Kattelatlan neste trabalho se associa com um criminoso ousado, invadindo o espaço sagrado do salão do museu com as fotos de grandes mestres. Assim, ele quer privar a arte da haziness da santidade, que os muros do museu dão a ele. Trabalhe, para a exposição da qual toda vez que você tem que dormir, vendido por US $ 7,922 milhões em Sotheby's.

O recorde durou até 8 de maio de 2016, quando um trabalho ainda mais provocativo de Kattelan "ele", representando o Hitler do Cranked, deixou o martelo por US $ 17.189 milhões. A coisa é estranha. O nome é estranho. Seleção de caracteres - arriscado. Como tudo em Kattelan. O que ele quer dizer? "Seu" ou "sua majestade infernal"? É claro que definitivamente não é sobre cantar a imagem do Fuhrer. Neste trabalho, Hitler parece um pouco impotente, miserável. E absurdo - a forma de realização de Satanás é feita com um aumento da criança, vestindo a fantasia de um aluno e fica de joelhos com uma expressão humilde em seu rosto. Para Kattelan, esta imagem é um convite para pensar sobre a natureza do mal absoluto e uma maneira de se livrar dos medos. A propósito, a escultura do espectador ocidental "ele" é bem conhecida. Seu companheiro na série foi exibido mais de 10 vezes em museus principais do mundo, incluindo o Centro Pompidou e o Museu Salomão Gugenheim.

15. Mark Grotyan Unnamed (S III lançado para a Face France 43.14). 2011. US $ 16,8 milhões

Em 17 de maio de 2017, uma das mais poderosas obras cênicas marcam Grotanna de Já exibido em uma licitação apareceu na licitação da noite de Christie em Nova York. Figura "Sem nome (S III lançado para a França Face 43.14)" Paris Collector Patrick Sagin foi colocado com uma estimativa de US $ 13-16 milhões, e uma vez que a venda de muito foi garantida por um terceiro, o estabelecimento de um novo O registro de leilão do artista de 49 anos não foi particularmente surpreso. O preço do martelo é de US $ 14,75 milhões (e levando em consideração o prêmio de US $ 16,8 milhões de compradores) excedeu o antigo registro de leilão de grinto mais de US $ 10 milhões. Isso permitiu que ele entre no clube agora viva artistas cujos trabalhos são vendidos por oito montantes de dígitos. Os resultados de sete noite (vendas são mais caros do que US $ 1 milhão, mas não mais de US $ 10 milhões) no cofrinho de leilão, a marca Glyatina já tem cerca de trinta.

Mark Grotyan (1968), em cujos especialistas em trabalho vêem a influência do modernismo, o minimalismo abstrato, o pop e op-art, veio ao seu estilo corporativo em meados da década de 1990, depois de se mudar junto com outro Brent Peterson em Los Angeles e abrindo a galeria "Sala 702". Como o próprio artista lembra, naquela época, ele começou a pensar sobre o que para ele na arte em primeiro lugar. Ele estava procurando pelo motivo com o qual seria possível experimentar. E percebi que ele estava sempre interessado em linha e cor. Experimentos no espírito de radiação e minimalismo com uma perspectiva linear, numerosos pontos de partida e formas triangulares abstratas multicoloridas no final trouxeram uma glória mundial de glória.

De paisagens coloridas abstratas com várias linhas de horizonte e pontos de coleta de perspectiva como resultado, veio a formas triangulares que se assemelham às asas das borboletas. Fotos de Groutyan 2001-2007 Então eles chamam - "borboletas". Hoje, movendo o ponto da partida ou usando vários pontos da diversidade de coleta, é considerado uma das técnicas mais fortes do artista.

A próxima grande série de obras foi chamada de "pessoas"; Nas linhas abstratas desta série, as características do rosto humano, simplificadas para o estado da máscara no espírito de Matisse, Yalevsky ou Brokuzy, são adivinhados. Falando sobre a simplificação marginal e estilização das formas, sobre a decisão composicional das pinturas, quando os contornos dos olhos espalhados, as bocas nos buscam do bosque da floresta, os pesquisadores celebram a conexão das "pessoas" do Groatyan com a arte de Tribos primitivos da África e da Oceania, enquanto o próprio artista simplesmente "como o olho da imagem olhando da selva. Às vezes imaginei os rostos de babuínos ou mártires. Eu não posso dizer que conscientemente ou subconscientemente eu fui influenciado pela arte africana primitiva, sim, artistas foram influenciados por ela sob sua influência. Picasso é o exemplo mais óbvio ".

As obras da série "Pessoas" são chamadas de olhos brutais e elegantes e agradáveis \u200b\u200be agradável para a mente. Com o tempo, a textura dessas obras está mudando: criar o efeito do espaço interno, o artista usa golpes largos de tinta espessa, mesmo espirrando no estilo do meio-campo, mas a superfície da imagem é alinhada para que pareça Absolutamente plano com exame próximo. Registro de leilão estabelecido "Untitled (S III lançado para a França Face 43.14)" Refere-se apenas a esta série glorificada Mark Groantia.

16. Takasi Murakami. Meu cowboy solitário. US $ 15,16 milhões

japonês Takasi Murakami (1962) entrou em nossa classificação de escultura "Meu cowboy solitário"vendido para Sotheby's em maio de 2008 por $ 15,16 milhões. Com esta venda Takasi Murakami por um longo tempo foi considerado o mais bem sucedido agora o artista asiático vivo - enquanto ele não era eclipsado pela venda de "Ceia secreta" Zeng Fangzhi.

Takasi Murakami funciona como um artista, escultor, designer de roupas e animador. Murakov queria tomar como base de sua criatividade algo realmente japonês, sem ocidental e qualquer outro empréstimo. Em seus anos estudantis, ele ficou fascinado pela tradicional pintura japonesa de Nihong, mais tarde a arte popular de anime e mangá veio para substituí-lo. Isso nasceu psicodélico Mr Dob, padrões de flores sorridentes e esculturas brilhantes e brilhantes da fibra de vidro, como se tivessem apenas que vieram das páginas de quadrinhos japoneses. Alguns consideram a arte de fast food de Murakov e a encarnação da vulgaridade, outros chamam o artista por Japonês Andy Warhol - e nas fileiras deste último, como vemos, muitas pessoas muito ricas.

Murakami emprestou um nome para sua escultura no filme Andy Warhol "Cowboys solitários" (1968), que japonês, como ele mesmo admitiu, nunca assistiu, mas ele gostava dolorosamente a combinação de palavras. Murakov é uma escultura e fãs satisfeitos de quadrinhos japoneses eróticos e riu deles. Aumentou em tamanho, e também herói tridimensional, anime se transforma em uma cultura de massa fetiche. Esta declaração artística é bastante no espírito do clássico West Pop Art (lembre-se do fone de ouvido de mobiliário Allen Jones ou a "Pantera Pink" Kun), mas com um destaque nacional.

17. KAWS. KAWS ÁLBUM. 2005. US $ 14.784 505

KAWS - Um pseudônimo do artista americano Brian donalely de Nova Jersey. Ele é o participante mais novo de nossa classificação, nascido em 1974. Donelley começou um artista-animador na Disney (origens pintadas para o desenho animado "101 dálmata", etc.). Da juventude gostava de graffiti. Seu desenho corporativo inicialmente era um crânio com "Iksami" no lugar do olho. O trabalho do jovem Rayer foi amado por negócios e pessoas da indústria da moda: ele fez uma capa para o álbum Kanye West, lançou a Nike, Comme des Garçons e UNIQLO colaboração. Com o tempo, Kaws tornou-se uma figura famosa no mundo da arte moderna. Sua estatueta de marca, assemelhando-se a Mickey Maus, estava acostumada a museus, espaços públicos e em coleções privadas. De alguma forma, Kaws lançou uma série limitada de brinquedos de vinil junto com a minha marca de coração de plástico, e eles inesperadamente se tornaram o assunto de altos juros coletivos. Um dos colecionadores apaixonados destes "brinquedos" é o fundador da estrela negra Timati: ele quase completamente coletou toda a série de companheiros cavacos.

O trabalho de Kaws estabeleceu um registro para a criatividade do artista - US $ 14,7 milhões - no leilão de Sotheby em Hong Kong em 1º de abril de 2019. Anteriormente, ela estava na coleção de um designer de moda japonesa Nigo. Meter Canvas The Kaws Album - Omage Capa do famoso álbum The Beatles "Orquestra Club Lonely Hearts Sargeant Pepper" (Sgt. Pepper's Lonely Hearts Club Band) 1967. Somente, em vez de pessoas, são desenhadas Kimpsons - os heróis estilizados da série animada de Simpsons com "Iksami" em vez de olhos.

18. Jin Shani. Tajik noiva. 1983. US $ 13,89 milhões

Entre os artistas chineses relativamente jovens e modernos que são todos como se pertencem à chamada "nova onda" do final dos anos 80 na arte chinesa, um representante de uma geração completamente diferente e outra escola foi completamente atingida inesperadamente em nossa classificação. Jin Shanya (Jin Shangyi), que é agora 80, refere-se aos brilhantes representantes da primeira geração de artistas da China Comunista. As vistas desse grupo de artistas foram formadas em grande medida influenciada pelo associado comunista mais próximo - a URSS.

Arte oficial soviética, socialismo, incomum, mesmo assim, para a pintura a óleo da China (em oposição à pintura tradicional chinesa) na década de 1950 estavam no pico da popularidade, e na Universidade de Arte de Pequim por três anos (de 1954 a 1957) vieram para ensinar o Artista soviético Konstantin Makodievich Maximov. Jin Shani chegou a ele e bateu nele, que na época era o mais jovem do grupo. O artista sempre se lembrava de seu professor com grande calor, disse que era Maximov quem o ensinou a entender corretamente e descrever o modelo. K. Mak Maksimov trouxe toda uma pleidade de realistas chineses, agora clássicos.

No trabalho de Jin Shani, a influência de ambos os "estilos duros" soviéticos e a escola européia de pintura são sentidas. Muito tempo, o artista dedicado ao estudo da herança de renascimento e classicismo, enquanto ele considerava necessário manter o espírito chinês em suas obras. A pintura "Tajik Bride", escrita em 1983, é considerada uma obra-prima geralmente aceita, um novo marco nas obras de Jin Shani. Foi colocado no leilão da China Guardian em novembro de 2013 e vendeu várias vezes mais do que a estimativa - por US $ 13,89 milhões, levando em conta a Comissão.

19. Banksy declarou o Parlamento. 2008. US $ 12,14 milhões

Murais com Tag Banksy começou a aparecer nas paredes das cidades (primeiro britânicos e depois em todo o mundo) no final dos anos 90. Sua filosófica e, ao mesmo tempo, graffiti afiadas foram dedicadas aos problemas do Estado do Estado à liberdade de cidadãos, crimes contra o meio ambiente, consumo irresponsável, desumanidade do sistema de migração ilegal. Com o tempo, as paredes "reprova" de Banksy adquiriram popularidade de mídia sem precedentes. De fato, ele se tornou um dos principais expressões da opinião pública, condenando a hipocrisia de estados e corporações, que produz a crescente injustiça no sistema capitalista.

O valor do Banxi, a sensação do "nervo do tempo" e sua precisão de sua metáfora foi estimada não apenas pelo público, mas também colecionadores. Em 2010, recebeu centenas de milhares para suas obras, e até mais de um milhão de dólares. Chegou ao ponto em que o Graffiti Banksy foi colocado e roubou junto com pedaços de paredes.

Na era da vigilância digital desenvolvida, Banksy continua a ser preservada anonimato. Há uma versão que isso é mais de uma pessoa, mas um grupo de vários artistas, na cabeça do qual é uma mulher talentosa. Isso explicaria muito. E a nobreza externa dos riures capturados nas lentes das câmeras de testemunhas, e um método de aplicação impessoal de estêncil (dá alta velocidade e não requer a participação direta do autor), e o romance tocante dos lotes de pinturas (bolas , flocos de neve, etc.). Não importa como, as pessoas do projeto de Bankxi, incluindo seus assistentes, são capazes de manter sua língua de língua com firmeza.

Em 2019, o trabalho mais caro de Bankxi inesperadamente se tornou a tela de quatro metros devolvido ao Parlamento ("degradado", "decomposto" ou "autoridade transmissora"). Chimpanzés discutindo na casa dos Comuns, como se zombando do público por ano do escandaloso Brexit. É incrível que a foto fosse escrita 10 anos antes desse ponto de virada histórica, e, portanto, alguém considera profética. No leilão de Sotheby 3 de outubro de 2019, durante uma barganha feroz, um comprador desconhecido adquiriu este óleo por US $ 12.143.000 - seis vezes mais caro.

20. John Carren "fofo e simples". 1999. US $ 12,007 milhões

Artista americano. John Carren (1962)conhecido por suas pinturas figurativas satíricas em tópicos sexuais e sociais provocantes. As obras de Carren conseguem combinar as técnicas de pintura de antigos mestres (especialmente Lucas Kranah sênior e maneiristas) e fotos de moda de revistas brilhantes. Para alcançar uma grotesca maior, os carrenos muitas vezes distorcem as proporções do corpo humano, aumenta ou reduzem suas partes individuais, retrata os heróis em poses quebradas e quebradas.

Comecei a carragro em 1989 com retratos de meninas pervertidas de um álbum escolar; Continua nas primeiras pinturas de 1990 com belezas de besteira inspiradas em fotos de Cosmopolitan e Playboy; Em 1992, os retratos de mulheres idosas ricas apareceram; E em 1994, Carren se casou com o escultor Rachel Finstein, que se tornou sua principal musa e modelo por muitos anos. Até o final da década de 1990, as habilidades técnicas de carren em combinação com Kitchch e Grotesca Suas pinturas trouxeram-lhe popularidade. Em 2003, Larry Gagosyan foi levado para a promoção do artista, e se tal revendedor for tomado pelo autor, como é tomado gagosyan, então o sucesso é garantido. Em 2004, uma retrospectiva de John Carren no Museu de Whitney ocorreu.

Por mais tempo, começou a ser vendido por quantidades de seis dígitos. O atual registro para a pintura de John Carrena pertence ao trabalho "fofo e simples", vendido em 15 de novembro de 2016 no Christie's por US $ 12 milhões. Uma imagem com duas nuas com dificuldade superar a linha inferior de US $ 12-18 milhões e, no entanto, , Para John Carren, que agora por 50, isso é definitivamente um avanço em sua carreira. Seu antigo registro de 2008 foi de US $ 5,5 milhões (pago, a propósito, pelo mesmo trabalho "fofo e simples").

21. Bryce Marden. A participação. 1996-1999. US $ 10.917 milhões

Outra agora vivendo o abstracionista americano em nosso ranking é Bryce Marden (1938). O trabalho de Marden no estilo do minimalismo e do final da década de 1980 - pintura gesticular, destacam-se de uma paleta exclusiva e ligeiramente suave. A combinação de flores sobre as obras de Marden é inspirada por suas viagens ao redor do mundo - Grécia, Índia, Tailândia, Sri Lanka. Entre os autores que influenciaram a formação de Marden - Jackson Pollock (no início dos anos 1960, Mardard trabalhou como guarda de segurança no Museu Judaico, onde ela assistiu aos "JRippings" de Pollock), Alberto Dzhacometti (encontrou suas obras em Paris) e Robert Raushenberg (Algum tempo Marden funcionou como seu assistente). A primeira fase da criatividade do Marden é dada às telas minimalistas clássicas que consistem em blocos retangulares coloridos (horizontais ou verticais). Ao contrário de muitos outros minimalistas que alcançaram a qualidade perfeita das obras, como se estejam impressas por uma máquina, e não pintada por uma pessoa, Marden mantinha traços do artista, combinou diferentes materiais (cera e tintas de óleo). Desde meados da década de 1980, sob a influência da caligrafia oriental, as linhas de enrolamento, as linhas semelhantes a meias vieram para substituir a abstração geométrica, o fundo para o qual todos os mesmos campos de cores monocromáticos servidos. Um desses trabalhos "MeanDrovaya" - "O Atendido" - em Sotheby, em novembro de 2013, foi vendido por US $ 10,917 milhões, tendo em conta a Comissão.

22. Pierre Sulazh. Peinture 186 x 143 cm, 23 Décembre 1959. US $ 10,6 milhões

23. Zhang Xiaogan. Amor eterno. US $ 10,2 milhões

Outro representante da arte contemporânea chinesa - simbolista e surrealista Zhang Xiaogan (1958). No leilão de Sotheby em Hong Kong 3 de abril de 2011Onde vanguarda chinesa da coleção de Belgian Baroni Gi Ullensa, Triptych Zhang Syogan "Amor eterno" foi vendido por $ 10,2 milhões. Naquela época, foi um recorde não só para o artista, mas também para toda a arte do controno chinesa. Dizem que o trabalho de Xoyogana comprou a esposa de um bilionário van Wei (Wang Wei), que vai abrir seu próprio museu.

Zhang Xiaogan, que gosta de misticismo e filosofia oriental, escreveu a história de "amor eterno" em três partes - vida, morte e reavivamento. Este Triptych participou da exposição cultural em 1989 "China / Avangard" no Museu Nacional de Arte. No mesmo ano de 1989, as manifestações estudantis foram cruelmente embutidas na Praça Tiananmen. Após este evento trágico, a torção das nozes começou - a exposição no Museu Nacional foi dispersa, muitos artistas emigraram. Em resposta, um realismo cínico, um dos principais representantes dos quais se tornou Zhang Xiaogan, surgiu em resposta de cima para o socialismo.

24. Bruce Nauman. Desamparado Henry Moore. 1967. US $ 9,9 milhões

americano Bruce Nauman (1941), Proprietário do prêmio principal 48 Bienal veneziano (1999), foi por um longo tempo ao seu registro. Nauman começou sua carreira nos anos sessenta. Os especialistas chamam ele, junto com Andy Warhol e Joseph Boys, uma das figuras mais influentes da arte da segunda metade do século XX. No entanto, a intelectualidade saturada e a não-desgelição absoluta de alguns de seus trabalhos, obviamente, impediram seu rápido reconhecimento e sucesso no público em geral. Nauman muitas vezes experimenta com a língua, abrindo os significados inesperados das frases usuais. As palavras se tornam personagens centrais de muitas de suas obras, incluindo Neon Pseudovskys e painéis. O próprio Nauman se chama de escultor, embora nos últimos quarenta anos ele se experimentasse em gêneros absolutamente diferentes - escultura, fotografias, videoart, performances, gráficos. No início dos anos noventa, Larry Gagosyan disse palavras proféticas: "O valor real das obras de Naisan ainda é realizado". Então saiu: 17 de maio de 2001 No trabalho de Christie de Naughn 1967 "Desamparado Henry Moore (vista traseira)" Henry Moore obrigado a falhar (Backview) colocar um novo registro no segmento da arte pós-guerra. Feita de gesso e cera do elenco atrás das costas das mãos de Nauman foram com um martelo por $ 9,9 milhões Para a coleção de magnata francês Francois Pinot (de acordo com outros dados, americanos Phillies Wattis). O trabalho estimado foi de apenas US $ 2 a 3 milhões, então o resultado foi para toda uma surpresa real.

Antes desta venda lendária, apenas duas obras de Nauman cruzaram o bar em um milhão de dólares. E em toda a sua carreira de leilões, apenas seis trabalhos, além de Henry Mura, deixou por quantidades de sete dólares, mas seus resultados ainda não vão a nenhuma comparação com nove milhões.

"O desamparo Henry Moore" é uma das séries de obras polêmicas de Naughn sobre a figura de Henry Mura (1898-1986), o artista britânico, cujos anos sessenta se relacionam com os maiores escultores do século XX. Autores jovens que estavam à sombra de um mestre reconhecido, depois o atacaram com uma crítica de mortalha. O trabalho é Nauman - a resposta para essa crítica e, ao mesmo tempo, refletindo sobre o tema da criatividade. O nome do trabalho se torna um trocadilho, pois conecta os dois significados da palavra inglesa ligada - conectada (literalmente) e condenada a algum tipo de destino.

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A arte moderna é costumeira chamar todos os tipos de fluxos artísticos que se desenvolveram no final do século XX. No período pós-guerra, foi uma espécie de pessoas excelentes e recém-aprendidas para sonhar e inventar novas realidades de vida.

Cansado das grilhões das duras regras do passado, os jovens artistas decidiram quebrar as antigas normas artísticas. Eles procuraram criar novos para essas práticas desconhecidas. Ao se opor ao modernismo, eles se voltaram para novas maneiras de divulgar suas parcelas. O artista e o conceito, de pé por sua criação, tornou-se muito mais importante do que o muito atividade criativa. O desejo de se afastar da estrutura erguida levou ao surgimento de novos gêneros.

Entre os artistas começaram a surgir disputas sobre o significado da arte e como expressá-lo. O que é arte? Que meios posso alcançar arte genuína? Conceituistas e minimalistas encontraram uma resposta para si mesmos na frase: "Se a arte puder ser tudo, pode ser qualquer coisa". Para eles, a partida dos melhores meios habituais derramou na conduta de várias ações, expectativas e performances. Qual é a característica da arte moderna no século XXI? Vamos falar sobre isso no artigo.

Gráficos tridimensionais na arte do século XXI

É famosa pela arte do século XXI em gráficos 3D. Com o desenvolvimento da tecnologia de computadores, os artistas ganharam acesso a novos meios de criar sua arte. A essência de gráficos tridimensionais é criar imagens usando objetos de modelagem em espaço tridimensional. Se você considerar a maioria das formas de arte contemporânea no século XXI, a criação de imagens tridimensionais será a mais tradicional. Os gráficos 3D têm muitos lados, no sentido literal da palavra. É usado ao criar programas, jogos, imagens e vídeo no computador. Mas também pode ser notado sob os pés - no asfalto.

Gráfico tridimensional mudou-se para as ruas de várias décadas atrás e, a partir daquele tempo, continua sendo uma das formas mais importantes da arte de rua. Muitos artistas pintam em suas imagens volumétricas "pinturas" capazes de atingir seu realismo. Edgar Muller, Eduardo Rolero, Kurt Wenner e muitos outros artistas modernos hoje criam arte capaz de surpreender qualquer um.

Arte de rua 21 séculos

Anteriormente, o exercício do lote de pessoas ricas. Foi coberto pelas paredes de instituições especiais, que foi fechada acesso aos não iniciados. É óbvio que seu grande poder não poderia até mesmo defeituosos dentro dos edifícios perversos. Foi então que saiu - em ruas sombrias cinzentas. Foi escolhido mudar sua história para sempre. Embora a princípio tudo não fosse tão simples.

Seu nascimento estava feliz por nem todos. Muitos consideraram sua conseqüência da experiência malsucedida. Alguns se recusaram a prestar atenção à sua existência. Enquanto isso, a BrainChild continuou a crescer e se desenvolver.

Artistas de rua esperaram por dificuldades em seu caminho. Com toda a sua diversidade de formas, a arte de rua às vezes era difícil distinguir do vandalismo.

Tudo começou nos anos 70 do século passado em Nova York. Neste momento, a arte da rua estava na infância. E apoiou sua vida Julio 204 e Taki 183. Eles deixaram inscrições em diferentes lugares de sua área, depois de expandir o território da distribuição. Outros caras decidiram competir com eles. É aqui que a coisa mais interessante começou. Zador e o desejo de se mostrar resultaram na batalha da criatividade. Todo mundo procurou descobrir por si mesmo e outro mais maneira original Deixe sua marca.

Em 1981, a arte da rua acabou por superar o oceano. Isso ajudou um artista de rua da França Bleklerat. É considerado um dos primeiros artistas de graffiti em Paris. Também é chamado de pai do estêncil graffiti. Seu derrame de marca são desenhos de ratos, que se refere ao nome de seu criador. O autor notei que após reorganizar letras na palavra rato (rato), arte (arte) é obtida. Blek uma vez observado: "O rato é o único animal livre em Paris, que se estende em todos os lugares, assim como a arte da rua".

O mais famoso artista de rua é um banxi que chama Bleklerat seu professor-chefe. As obras tópicas deste talentoso britânico são capazes de silenciar cada. Em seus desenhos criados usando estênceis, ele denuncia a sociedade moderna com seus vícios. Banksi peculiar ao tradicional permitindo que você deixe uma impressão ainda maior no público. Interessante é o fato de que ainda a personalidade de Banksy é segredo de desligamento. Ninguém ainda conseguiu revelar o quebra-cabeça da personalidade do artista.

Enquanto isso, a arte das ruas está ganhando rapidamente momentum. Uma vez renunciou às tendências marginais, a rua ascendeu ao palco dos leilões. As obras de artistas são vendidas para as quantidades fabulosas daqueles que uma vez se recusaram a falar. O que é isso, a força de arte ou as tendências do mainstream?

Formulários

Até o momento, existem várias manifestações bastante interessantes da arte contemporânea. Visão geral das formas mais incomuns de arte contemporânea será representado pela sua atenção.

Redi-Maid

O termo Redi-empregada vem do inglês, o que significa "pronto". De fato, o objetivo desta área não é a criação de algo material. A ideia principal aqui é que, dependendo do ambiente de um assunto, a percepção do homem e do próprio item está mudando. O ancestral do fluxo é Marselha Dushan. O trabalho mais famoso é "fonte", que é um mictório com um autógrafo e data.

Anamorfose

Anamorfose é chamada de técnicas de criação de imagem de tal forma que é possível vê-los completamente possíveis apenas em um determinado ângulo. Um dos representantes brilhantes deste fluxo é francês Bernard Pras. Cria instalações usando o que cai em mãos. Graças à sua habilidade, ele conseguiu criar trabalhos incríveis, para ver o que, no entanto, é possível apenas em um determinado ângulo.

Fluidos biológicos na arte

Uma das correntes mais controversas da arte moderna do século XXI é um desenho escrito por fluidos humanos. Muitas vezes, os seguidores desta forma de arte contemporânea usam sangue e urina. A cor dos padrões neste caso geralmente adquire uma aparência sombria e susceptível. Hermann, por exemplo, usa o sangue de animais e urina. O autor explica o uso de tais materiais inesperados, infantil difícil, que veio durante a Segunda Guerra Mundial.

Pintura do século XX-XXI

Uma breve história de pintura contém informações que o final do século XX se tornou um ponto de partida para muitos artistas de modernidade. Nos difíceis anos pós-guerra, a esfera sobreviveu ao seu renascimento. Artistas procuraram descobrir novos rostos de suas capacidades.

Suprematismo

O Criador do Suprematismo é considerado Casimir Malevich. Sendo o principal teórico, ele proclamou o suprematismo no caminho da arte de limpeza de todo o extra. Recusando as maneiras usuais de transferir a imagem, os artistas buscaram liberar arte de um extraordinário. O trabalho mais importante neste gênero é o famoso "Black Square" Malevich.

Arte pop

Pop art toma suas origens nos EUA. Nos anos de pós-guerra, a empresa sobreviveu mudanças globais. As pessoas agora poderiam pagar mais. O consumo tornou-se a parte mais importante da vida. As pessoas começaram a erigir aos produtos de culto e consumo - em símbolos. Jasper Jones, Andy Warholl e outros seguidores do fluxo procurados para usar esses símbolos em suas pinturas.

Futurismo

O futurismo foi aberto em 1910. A ideia principal desse fluxo foi o desejo de um novo, a destruição do quadro do passado. Este desejo artistas retratados com equipamentos especiais. Cursos afiados, afluxo, conexões e interseções - sinais de futurismo. Os representantes mais famosos do futurismo são Marinetti, Severini, Carr.

Arte contemporânea no século XXI da Rússia

Arte moderna na Rússia (século 21) fluiu suavemente do subterrâneo, arte "não oficial" da URSS. Jovens artistas dos anos 90 estavam procurando novas maneiras de implementar suas ambições artísticas em um novo país. Naquela época, a acomodação de Moscou nasceu. Seus seguidores desafiaram o passado e sua ideologia. A destruição de fronteiras (no sentido literal e figurativo da palavra) tornou possível retratar a atitude da geração mais jovem para a situação no país. A arte moderna do século XXI tornou-se um chocante expressivo e assustador. Então, de qual sociedade se fechou há tanto tempo. Ações Anatoly Osmolovsky ("Mayakovsky - Osmolovsky", "Contra All", "Barricade no Big Nikitskaya"), o movimento "estes" ("estes"), Oleg Kulik ("Liglet Dá Presentes", "Musty Dog ou último tabu o solitário cerberiano guardado "), Avdius Ter-Hovhana (Pop Art) mudou para sempre a história da arte contemporânea.

Nova geração

Glory Ptrk é um artista moderno de Yekaterinburg. Alguém seu trabalho pode lembrar a criatividade de Banksy. No entanto, as obras de glória carregam idéias e sentimentos familiares ao cidadão russo. Uma das obras mais notáveis \u200b\u200bé a campanha "país de oportunidades". O artista criou uma inscrição de muletas na construção de um hospital abandonado de Yekaterinburg. As muletas da glória perdemeram os moradores da cidade, que uma vez gostaram deles. Sobre a promoção, o artista relatou na página da rede social, adicionando o apelo aos outros cidadãos.

Museus de arte moderna

Talvez a arte contemporânea do século 21 parecesse ser um meio marginal, mas hoje tudo mais pessoas Nós nos esforçamos para nos juntar ao novo campo de arte. Mais museus abrem suas portas para novos meios de expressão. Nova York é um detentor de registro no campo da arte moderna. Aqui estão dois museus que são um dos melhores do mundo.

O primeiro - Moma, que é o armazenamento de Matisseous, Dali, Warhol. O segundo - o museu Uma arquitetura incomum do edifício é adjacente às criações de Picasso, Mark Chagal, Kandinsky e muitos outros.

A Europa também é famosa por seus magníficos museus de arte moderna do século XXI. O Museu Kiasma em Helsínquia permite que você toca os itens da exposição. O centro na capital da França é impressionante pela arquitetura incomum e pela obra de artistas de modernidade. Stretchususeum em Amsterdam armazena em suas paredes a maior coleção de pinturas de Malevich. Na capital da Grã-Bretanha tem um grande número de objetos de arte da modernidade. O Museu da Arte Contemporânea de Viena tem as obras de Andy Warholl e outros talentosos criadores de modernidade.

Arte contemporânea do século XXI (pintura) - misteriosa, incompreensível, fascinante, mudou para sempre o vetor do desenvolvimento não apenas uma esfera separada, mas também da vida humana. Reflete e cria a modernidade ao mesmo tempo. Mudando constantemente, a arte da modernidade permite um momento para impedir uma pessoa constantemente correndo. Pare para lembrar os sentimentos que engraçam profundamente. Pare para recordar o ritmo e correr para o vórtice de eventos e assuntos.

De 8 de junho a 31 de julho, a Bienna Internacional da VI da arte jovem é realizada em Moscou. Mais de 50 artistas de todo o mundo com menos de 35 anos apresentaram seu trabalho sobre ele. Mas artistas modernos não são simplesmente exibidos em galerias ou museus - muitas vezes seu trabalho pode ser usado. Isso não é necessariamente caro: a popularização da arte moderna lançou o processo de democratização dos preços, o que levou ao fato de que alguns cidadãos começaram a estabelecer o custo das pinturas ao orçamento de reparo. Até mesmo as casas de leilões e feiras de arte não eram capazes de ignorar o interesse na arte da classe média, que começou a aparecer as obras de jovens artistas. A aldeia perguntou ao jornalista e ao co-proprietário oleoso galeria de óleo catherine poszodtsev para escolher acessível e sobre a abordagem, e ao preço do trabalho dos artistas russos modernos.

Ekaterina Pozenseva.

Timofey Radya.

O artista de Yekaterinburg Tima Radia em suas obras se junta a filosofia e a arte de rua. O filósofo pela educação e do verdadeiro artista por natureza, Tima estabelece a ideia de trabalho futuro por um longo tempo, e depois a vende em espaço urbano com seu pequeno exército de colegas de amigos. As frases que se tornaram memes: "Eu te abraçaria, mas sou apenas o texto", "mais luz, a menos pode ser vista" ou "quem viemos de onde vamos?" Temporariamente tornar-se parte do ambiente urbano, mas permaneça nas fotos para sempre. Eles os vendem em galerias.

Timofey Radia. Com a morte. 2013. Impressão de fotos em papel matte. 60 x 80. Circulação 15/24. Preço - 44 000 rublos.. Comprar - Artwin Gallery

Alexey Dubinsky.

Dubinsky nasceu em Grozny em 1985, e a educação clássica recebida na Academia Russa de Pintura, Escultura e Arquitetura Ilya Glazunov. Alexey trabalha na maneira de expressionismo abstrato, por trás da qual a imagem de algum herói está sempre escondendo - Alexey, seus amigos ou "uma família bastante feliz". Na primavera de 2018, Dubinsky passou uma grande exposição pessoal sob a curracy of Sophia Simakova na galeria "Triumph", após o que a aparência de Alexei nesta lista é uma grande sorte: o trabalho de Dubinsky grande (metro por metro) tem muito tempo foi liberado da categoria de preço, que são decentemente chamados em voz alta. Mas os gráficos dos últimos anos ainda estão disponíveis para comprar sem colapso para o orçamento pessoal ou familiar.

Kirill Who.

Se você vê nas ruas de Moscou esculpido nos banners do olho, saiba que eles os fazem quem gosta de andar, - Cyril Lebedev. O segundo sinal de marca que é frases escrito por letras impressas. Muitas vezes acontece que cada carta é desenhada por sua cor. Quem é difícil confundir alguém. Um par de anos atrás, Elvira Tarnograd Gallerists e Nadezhda Stepanova pediu a Kirill para mover vários trabalhos na tela: O sucesso do empreendimento era óbvio. Preços para quem crescem mais rápido do que seus novos olhos aparecem na cidade. Mas há uma opção para aqueles que consideram seu dinheiro - impressão de tela de seda assinada pelo autor e produzida pela circulação limitada.

Yulia iosilzon.

Iosillon nasceu em Moscou em 1992. Agora Julia vive em Londres, onde recebe um diploma de bacharel na Slade Art School em Belas artes. Uma estadia de 24 horas na oficina de arte estudantil não impediu que ela segurasse uma exposição pessoal na Galeria de Moscou "Triumph". Geralmente faz trabalhos expressivos em seda, esticados no subquadro. Entre os heróis das obras são reconhecidos por um lobo e lebre do soviético "Bem, espere!". Na pintura, Iosilzon já terá que adiar vários salários, mas ainda é possível comprar gráficos para dinheiro pequeno.

Anton Totibadze.

Anton Totibadze é o filho do artista Konstantin Totibadze e o sobrinho do artista Georgy Totibadze. Anton continua a ser estranho tradição familiar - escrevendo ainda lifes e paisagens domésticas, muitas vezes inspiradas pela preparação de kebabs em seu próprio quintal. Uma dessas obras de Anton Totibadze St. Petersburg Russian Museum já incluiu em sua reunião. Não é ruim para um artista de 25 anos.

Anton Totibadze. Inconveniência temporária. 2017. lona, \u200b\u200btempera. 15 x 19. Preço - 25 000 rublos.. Comprar - Oilyoil.com.

Ales nomad.

Anna Apsyamova nasceu no Cazaquistão, ele se formou na Universidade de Arte de Kemerovo. Seus primeiros trabalhos são retratos ascéticos, ao escrever que ela não misturou tinta. Mais tarde, Ales ficou fascinada pela pintura e começou a escrever retratos no estilo dos antigos mestres e repiná-los em uma mochila ou brinquedos macios, com a ajuda de relâmpago para trabalhar com multifuncional. Nessa fase, Vladimir Duboso, Vladimir Duboso e ofereceu para fazer uma exposição conjunta. Um dos artistas russos mais caros, é claro, influenciou os novos trabalhos de Ales. Mas o trabalho inicial e hoje você pode comprar a um preço de até 22 mil rublos.

Ales nomad. Casamento. 2013. papelão, acrílico, marcadores. 70 x 100. Preço - 22 000 rublos.. Comprar - Oilyoil.com.

Chuck Valery.

Valery Chtak é um artista com uma grande história de exposição e estilo reconhecível. Suas obras são sempre uma paleta monocromática e branca-cinza com texto. Em suas pinturas, pequena pintura e muitas imagens simples parecem ser da parede da transição subterrânea vizinha. Ciência da biblioteca para a educação, funciona muito com a palavra: "Todos os mortos mortos são igualmente": "O amor se divertir, ódio e vingança" ou "Quando meia-noite em Moscou, Murmansk também é a meia-noite" - as letras do artista que é vale a pena comprar hoje.

Dmitry Aske.

Dmitry Aske é outro artista que passou da rua para o workshop de arte. A maioria das obras atuais de perguntar são um tipo de painéis de madeira, esculpidos e pintados à mão, que o artista coleta no painel. Das obras orçamentárias, Dima hoje deve prestar atenção à sua tela de seda de tintas acrílicas pintadas à mão. As impressões perguntam são assinadas e numeradas.

Dmitry pergunte. Buda. Silkography, acrílico, papel de algodão. 50 x 50. Preço - 16 000 rublos.. Comprar - format1.net.

Fotos: Cobertura, 15-21 - óleo oleoso, 1 - Artwin, 2 - Timofey Radya, 3-7, 12-14 - Amostra, 8, 25, 26 - Galeria online "Problemas de paredes brancas", 9-11, 22-24 - Galeria Triângulo, 27 - "Um formato"

Na foto a imagem do famoso artista italiano moderno Aurelio Bruni. Ele vive e trabalha na Umbria. O artista pinta hiperealismo e simbolismo em estilo, organizou 25 exposições pessoais, participaram das 53º exposições coletivas, tem 10 prêmios e prêmios diferentes.

"A estrada para York através da trilha" é uma foto do famoso artista britânico moderno David Hokney. Em 21 de junho de 2006, a pintura de Hokney "Splash" foi vendida por 2,6 milhões de libras. Sua foto "Grand Canyon", consistindo de 60 pinturas pequenas, que unidas para reproduzir uma enorme foto, foi comprada pela Galeria Nacional australiana por US $ 4,6 milhões. A pintura "Dona de casa de Beverly Hills" foi vendida por US $ 7,9 milhões em Christie, em Nova York. Em 2016, sua paisagem "floresta vldgita" foi vendida no leilão de Sotheby por 9,4 milhões de libras. Este preço ela se tornou um novo recorde para o Devin Hokney.

Na foto da foto do famoso artista americano moderno Warren Chang. Graças ao workshop da transmissão de tons de luz e silenciosos, suas pinturas parecem muito realistas, as emoções são excelentes e humor. A maioria de suas pinturas retrata as pessoas ocupadas com suas atividades profissionais ou coisas cotidianas. Ele também desenha fotos interiores. Warren Chang tem muitas fileiras e prêmios diferentes. Vive e trabalha em Monterea, na Califórnia.

Abstração da imagem do artista alemão famoso moderno Gerhard Richter, que é um dos artistas mais ricos em todo o mundo. A imagem apresentada nesta foto foi vendida em Londres em Sotheby, por US $ 44,52 milhões (30,4 milhões).

Na foto a foto do famoso Arroz Marcial Artista Francês Moderno. Em 1993, uma de suas obras foi comprada por um bilionário Francois Pino. Em 2011, a imagem do arroz "no ano passado para Capri" foi vendida por US $ 6,58 milhões no leilão de Christie "S (a mais caro preço, entre todos os trabalhos anteriormente vendidos de outros artistas franceses vivos). Em 2013, ele entrou no topo 50 artistas vivos mais caros.

Imagem do famoso artista canadense moderno Albini Leblana, Mestre de Mastiature Cityscapes Mastichene. O artista vive e trabalha em Quebec. Seu trabalho pode ser visto em galerias de arte em Montreal, Toronto, Vancouver e Quebec. Albini Leeblan organizou 15 exposições individuais, participou de 7 exposições coletivas, possui 8 diferentes prêmios e prêmios.

Na foto, a imagem do famoso artista japonês moderno Tomoko Kashiki. A artista organizou exposições pessoais em Cingapura, França e Japão, participaram de exposições coletivas na China, nos Estados Unidos, na Austrália, no Japão, na Indonésia, no Reino Unido, nos Emirados Árabes Unidos e na Cingapura. Seu trabalho pode ser visto em coleções públicas na galeria de arte de Queensland, em Brisbane, na Austrália; Em uma das maiores companhias de seguros japonesas - Dai-Ichi Life Insurance Limited; No Museu da Antiga e Nova Arte, na Tasmânia, na Austrália; Na coleção Toyota Art.

A pintura "coloração" do famoso artista ucraniano moderno Oleg Tistola. Esta foto foi vendida no leilão Phillips para 53.900 dólares. Segundo Forbes, Oleg Tistol entra nos três principais artistas mais bem sucedidos da Ucrânia. Nasceu em Vradiyevka da região de Nikolaev, vive e trabalha em Kiev, é membro da União de Artistas da Ucrânia, participou de uma variedade de exposições na Ucrânia, Rússia, Estônia, Polônia, EUA, Islândia, Eslovênia, Países Baixos, Suíça, Grã-Bretanha, Dinamarca, Brasil, Alemanha, Noruega, França e Itália. Oleg Tistol participou da Bienal: em 1994 - "17 de setembro", a 22ª Bienal em São Paulo; Em 2001 - "Primeiro Projeto Ucraniano", 49th Bienal Venetian. Suas pinturas estão em reuniões: em Pincukartcentre, em Kiev, na Ucrânia; Na coleção de Norton Dodge, nos EUA; No Museu de Startelik, em Amsterdã, na Holanda; No Christoph Merian Stiftung Foundation, em Basileia, na Suíça; no Ministério da Cultura da Turquia, em Ankara; No Museu da História de Moscou, na Rússia.

Na foto a foto do famoso artista polonês moderno Wojca Babski. O artista vive e trabalha em Katowice. É popular não só na Polônia, mas também no exterior. Wojca Babski concedeu tais prêmios: 1º lugar na nomeação "The 2016 American Art Awards" na categoria pop art fotos; 1º lugar na nomeação "The 2016 American Art Awards" na categoria Imagens Comentando a política; 3º lugar na nomeação "The 2016 American Art Awards" na categoria Acrílico Imagens; 4 e 5º lugar na nomeação "The 2016 American Art Awards" na categoria Expressionismo.

Na foto a imagem do famoso artista bielorrusso moderno Sivi Civicchik Anna. O artista nasceu em Gomel, hoje vive e trabalha em Minsk. A Sivi Civicchik Anna consiste na União Belarusiana de Artistas, foi premiada com a medalha "talento e a vocação" do Museu Internacional de Museu do Internacional Alliammaker, suas obras estão localizadas no Museu Nacional da República da Bielorrússia, do Museu de Contemporâneo Arte em Minsk, o Museu de Arte Russa Moderna em Jersey City (EUA), Fundos Gomel Palácio e Park Ensemble, Elabuga State Museum-Reserve em Rússia, coleções privadas de Bielorrússia, Rússia, França, EUA, Japão, Israel, Itália, Alemanha e Polônia. No período de 2001 a 2016, o artista organizou muitas exposições pessoais na Bielorrússia, na Rússia, na Alemanha e na Ucrânia, e também participaram de exposições coletivas na Bielorrússia, EUA, Rússia, Estônia, Ucrânia, Letónia, República Checa, Polônia, Alemanha, Hungria, Nideranda e Cazaquistão.

Imagem do artista turco moderno famoso Gürbuz Cogan Eckeyioglu. O famoso cartunista turco e cronograma de artistas da Horda tem mais de 70 prêmios, aproximadamente um terço dos quais são internacionais. Grbz Doan Ekiolu participou de muitas exposições coletivas, tanto na Turquia quanto no exterior, realizou mais de 20 exposições pessoais, uma das quais foi realizada em Nova York. Suas obras foram publicadas no Atlântico, New York Times, e também decoradas com novas revistas de New Yorker e Forbes.

Imagem do famoso artista egípcio moderno Hossam Dirar. O artista nasceu, vive e trabalha no Cairo. Hossam Dirar passou muitas exposições pessoais em países como: Bahrein, Reino Unido, Eslováquia, Itália, França, Áustria, República Checa, Hungria, Eslovênia e Egito. Ele também participou de exposições coletivas na Alemanha, no Egito e na África do Sul.

Na foto, a foto do famoso artista chinês moderno Jenna Fangyzhi "Última Ceia". Esta imagem em outubro de 2013 em Hong Kong em Sotheby "S foi vendida por US $ 23,3 milhões, estabelecendo um novo recorde para a arte asiática moderna. Mais cedo, em maio de 2008, quando a venda da arte contemporânea asiática foi realizada em Hong Kong em Christie" Sua imagem número 6 da série de máscara foi vendida por 75.367.500 dólares de Hong Kong. Foi um registro global do ano, em relação ao custo de venda, entre todos os artistas.

Na foto a imagem do famoso artista grego moderno de Nikosa Giferakis. O artista nasceu, vive e trabalha em Atenas. É de grande popularidade não só na Grécia, organizou exposições pessoais e participou de uma variedade de coletivos, em países como a Suíça, Chipre, Alemanha, Itália, Bélgica, Suécia, Brasil, Rússia e Grécia.

Imagem do famoso artista georgiano moderno David Popiahvili. O artista vem de Tbilisi, é membro da União de Artistas da Geórgia, participou de exposições na França, Alemanha, Bulgária, Rússia e Geórgia. Muitos de suas obras estão em museus e coleções privadas na Geórgia e no exterior.

A imagem desenhou o famoso artista moderno UAE ABDUL CADER AL-RAIS. O artista é um dos fundadores da Sociedade de Belas Arte dos Emirados e é considerado um dos pioneiros da arte contemporânea nos Emirados. Seu trabalho pode ser encontrado no Palácio da Emirates (Hotel presidencial em Abu Dhabi), agências governamentais e coleções pessoais de obras pela arte dos membros da família real em Dubai. O artista participou de várias exposições coletivas, e também organizou exposições pessoais em países diferentes (República Checa, Líbano, EUA, Alemanha, Kuwait, Qatar, Omã, Arábia Saudita, Síria e os Emirados Árabes Unidos), premiou uma variedade de prêmios.

Na foto, imagem do famoso artista holandês moderno TJALF Sparnaay. O artista vem da Holanda, vive e trabalha na cidade de Hilversum, organizou 14 exposições pessoais e participou de uma variedade de exposições coletivas em diferentes países (EUA, Reino Unido, Bélgica, Estônia, Alemanha, Canadá, Áustria e Países Baixos) . Suas obras estão em coleções privadas e públicas em muitos países.

Imagem do famoso artista espanhol moderno Miguel Barselo. Em 2003, ele recebeu prêmio Prince Asturian no campo da arte, um dos prêmios mais importantes da Espanha. Em 2004, ele colocou aquarela no Louvre, que ele criou para ilustrar " Divina Comédia."Tornando-se o primeiro artista moderno que exibiu no museu. O artista está incluído no top 30 dos artistas mais ricos do mundo. Suas pinturas são caras. Por exemplo, esta foto é apresentada acima, custa 244 398 USD.

A imagem desenhou um famoso artista suíço moderno urs Fisher. O artista vem de Zurique entra nos 50 artistas mais ricos do mundo. Ele ficou famoso por sua abordagem provocativa da arte, mas obedece às suas leis; Ele se opõe à arquivamento de arte como um produto comercial, embora esteja vendendo seu trabalho que não seja suave, interagindo habilmente com o mercado de arte e colecionadores.

Na foto a imagem do famoso artista israelense moderno Orena Ben-Shoshan. Ela vive e trabalha em Raanana, realizou muitas exposições pessoais e participou de coletivos, em países como EUA, Itália, Reino Unido, Chipre, França e Israel. Olhando para o trabalho do artista, você será fascinado por um mundo incrível, onde tudo é possível. Aproveite isso para enriquecer sua imaginação, expandir os horizontes e se familiarizar com um artista talentoso rapidamente crescente.

Na foto, a imagem do famoso artista tailandês moderno Direk Kingk, a origem da aquarela da cidade de Nakhonratchasim. Agora ele vive e trabalha na cidade de Khonken. Já com a idade de 9 anos, o disco ganhou a medalha de ouro Competição internacional Criatividade infantil do Japão. Participou de exposições no Vietnã, China, Turquia, Itália, Rússia, Coréia do Sul, Malásia, Grécia, Albânia e Tailândia.

A imagem do famoso artista norueguês moderno Christer Karlstad. Ele vive e trabalha no drama, conduziu exposições pessoais e participou de exposições coletivas nos Estados Unidos, na Suécia, na Noruega.

Na foto a imagem da famosa artista moderna Dinamarca, Jan Esmanne. O artista nasceu, vive e trabalha na Dinamarca, participou de exposições em países como: Alemanha, EUA, Dinamarca.

A imagem foi desenhada pelo famoso artista sueco moderno Nissa Nideja Fistenhag. O artista, originalmente da pequena cidade de Lilla-Eets, participou de uma variedade de exposições em diferentes países (nos EUA, França, Mônaco, Namíbia e Suécia).

Na foto a imagem do famoso artista australiano moderno Elizabeth Barsham. Ela nasceu, vive e trabalha na Tasmânia, tem muitos prêmios. Suas obras podem ser encontradas em capas de revistas ou como ilustrações para artigos. Também escreve sobre isso na imprensa. O artista participou de um grande número de exposições e exposições pessoais organizadas em diferentes países (no Reino Unido, Cingapura, Itália, Austrália).

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