Oryginalny tytuł: Poppies at argenteuil

Rok powstania: 1873

Musée d'Orsay w Paryżu.

Oscar Claude Monet (14 listopada 1840 - 5 grudnia 1926) - francuski malarz, jeden z twórców impresjonizmu.

Obraz Pole maków (1873), prezentowany na pierwszej wystawie impresjonistów, przedstawia żonę Moneta Camille i ich syna Jeana na polu w pobliżu ich domu w Argenteuil. Podobnie jak wiele innych prac Moneta, Camilla rysowana jest z parasolem w dłoniach, a jej wdzięczne kontury nadają obrazowi szczególnego uroku. Chcąc oddać wrażenie ruchu, Monet dodał drugą parę postaci (również wzorowanych przez Camille i Jean) na szczycie wzgórza. Z postaciami na pierwszym planie łączy je ledwo widoczna ścieżka biegnąca przez trawę. Monet napisał „Field of Poppies” w plenerze, na małym przenośnym płótnie. Chociaż obraz ma naturalne, spontaniczne wrażenie, jest starannie skomponowany. Wyraża się to nie tylko w tym, że artysta dwukrotnie powtórzył postacie na nim, ale także w wyborze kąta, który jest ustawiony w taki sposób, że jasne maki wypełniające lewą stronę kompozycji znajdują się ukośnie, wzdłuż których idą Camille i Jean, jakby wychodząc poza obrazem. Bogata kolorystyka i ruch wypełniający ten obszar obrazu w zrównoważony sposób kontrastują ze spokojnymi tonami górnej prawej krawędzi płótna, gdzie terakotowy dach domu umiejętnie łączy tło z pierwszym planem kompozycji.

Opis obrazu Claude Moneta „Maki” (At Argenteuil)

Praca Moneta „Maki”, jego drugie imię „Pole maków w Argenteuil”, zostało napisane przez artystę w 1873 roku. Przedstawiony na zdjęciu krajobraz makowego pola z niewielkim grzbietem drzew, jakby oddzielającym niebo od ziemi, początkowo daje poczucie nieskomplikowanej działki. Ale patrząc głębiej w obraz, zdajesz sobie sprawę, że pierwsze wrażenie było mylące.

Obraz można w przenośni podzielić dwiema prostopadłymi liniami na cztery części. Pozioma linia, jakby z grubsza i wyraźnie zaznaczona, przecina lekko widoczną, wirtualną pionową linię. Dom przedstawiony na płótnie to rodzaj środka przecięcia się dwóch linii, łączących kompozycję w jedną całość.

Obraz jest niezwykły ze względu na swój semantyczny i zmysłowy ładunek, jaki pokazują sylwetki kobiet z dziećmi, które znajdują się na szczycie wzgórza i jego zboczu. Kobieta i chłopiec, których widzimy na pierwszym planie obrazu, to nie kto inny jak żona i syn artysty. Niezwykła kompozycja daje iluzoryczną wizję obrazu na zdjęciu. Powtarzający się obraz sylwetek daje wrażenie ruchu kobiet z dziećmi po niepozornej ścieżce. Drzewo górujące nad wzgórzem zwiększa pełnię i rangę tej części pracy.

Prawa, prawie bezbarwna część kontrastuje z tłem kwitnącego pola maku i stanowi tło dla kobiecej sylwetki ukazanej na przecięciu sąsiednich obszarów obrazu.

Artysta kilkoma pociągnięciami zaznaczył niebo. Części płótna nie dotknięte farbą świadczą o niechęci autora do skupienia się na górnej części płótna.

Podsumowując, obraz ten postrzegany jest jako przywiązanie do ziemskich wartości, które mają pierwszorzędne znaczenie. Aby rozwiązać postawione przed sobą zadanie, artysta wykorzystał wszystkie dostępne w swoim asortymencie możliwości przekazania swojej wizji fabuły obrazu.

Impresjonizm pojawił się we Francji w latach 60. XIX wieku i zrewolucjonizował tradycyjne wyobrażenia o malarstwie. Patrząc na słoneczne, tętniące życiem i wypełnione światłem obrazy artystów tego kierunku, trudno uwierzyć, że ich prace od dawna nie były rozpoznawane i uważane były za odstępstwo od kanonów malarstwa klasycznego. „Dookoła świata” zaprasza do podróży do Francji i zobaczenia, jak różne części kraju są uchwycone w twórczości impresjonistów.

Claude Monet. „Pole maków w Argenteuil” (1873)

Obraz „Pole maków…” został namalowany przez Moneta w Argenteuil, które znajduje się zaledwie 10 kilometrów od Paryża iw XIX wieku było ulubionym miejscem wypoczynku mieszkańców stolicy. Monet mieszkał na tym przedmieściu przez siedem lat ze swoją rodziną i stworzył wiele jasnych, pełnych kolorów i kolorów obrazów.

W Argenteuil artysta dużo pracował w plenerze: zawsze pociągała go możliwość przedstawienia na płótnie pewnego fragmentu czasu, akcji i przestrzeni. Obraz „Pole maków w Argenteuil” odzwierciedla kolejną pasję artysty - miłość do kwiatów. Kiedyś Monet nawet nazwał swój ogród swoim głównym arcydziełem.

Obraz ten jest wyraźnie podzielony na kilka części, z których najważniejsza to ta, która przedstawia szkarłatne kwiaty, kontrastujące z pustą prawą stroną płótna. Widzimy też dwie pary namalowane z żoną artysty Camille i jego najstarszym synem Jeanem. Ich rozmieszczenie pomaga uporządkować przestrzeń obrazu i przekazać uchwycony ruch.

Podczas pracy nad obrazem Monet nie mieszał farb, tylko nakładał pociągnięcia o różnych kolorach, które ludzkie oko odbiera jako różne odcienie kolorów. Jednocześnie artysta dokładniej przepisał rzeczy ważniejsze. Tak więc akcenty są tutaj na kolorach i górnej części postaci ludzkich na pierwszym planie, podczas gdy pole po prawej stronie obrazu i niebo są mniej wyraźne.

Pierre Auguste Renoir. „Most do Shatu” (1875)

Chatou to kolejny malowniczy zakątek Francji, uwielbiany przez artystów nowego kierunku. Często nazywana jest Wyspą Impresjonistów, ponieważ w tym miejscu Sekwana jest podzielona na dwa ramiona. Podobnie jak w sąsiednim Argenteuil, miasto Chatou w XIX wieku charakteryzowało się atmosferą wesołej swobody i hałaśliwej animacji.

Ludzie przyjeżdżali tu, aby popływać, popływać łódką lub zrobić piknik, a te proste tematy znalazły odzwierciedlenie w obrazach impresjonistów. Ulubionym miejscem Renoira było mieszkanie Papy Fourneza pod mostem Chatou, w którym można było nie tylko przenocować, ale także wynająć pokoje. To w tej instytucji artysta stworzył swój obraz „Śniadanie wioślarzy”, na którym przedstawił swoich znajomych i przyjaciół. W 1990 roku restauracja "Dom Fournez" została odrestaurowana, obecnie znajduje się tam małe muzeum.

Obraz „Most do Chatou” różni się od większości prac Renoira. W przeciwieństwie do Moneta artysta znacznie bardziej lubił przedstawiać ludzi, a także wolał bogatszą paletę kolorów. A jednak „Most do Shatu” to krajobraz, w którym ludzie są niewyraźnymi ciemnymi postaciami. Most jest narysowany dokładniej niż inne elementy, ponadto przedstawiono tutaj tak popularną łódź. Krajobraz charakteryzuje się rozmytymi liniami i zadymionym, lekkim powietrzem. Brak wyraźnie zaznaczonych postaci ludzkich wywołuje poczucie dystansu, a kolorystyka i światło pozwalają dostrzec radość codzienności.

Frederic Bazille. „Krajobraz nad brzegiem Lesa” (1870)

Dzięki krajobrazowi Bazylei podróżujemy z centralnej Francji na południe, do rodzinnego regionu artysty. Imię Bazylego jest znacznie mniej znane niż imiona jego przyjaciół Moneta i Renoira, ponieważ zmarł w wieku 28 lat. "Krajobraz nad brzegiem Lesu" to jedno z ostatnich dzieł artysty: tuż po zakończeniu prac nad płótnem Bazyli zgłosił się na ochotnika do wojny francusko-pruskiej, gdzie wkrótce zmarł.

Artysta ukończył krajobraz w rekordowym czasie, a wszystko to zajęło mu nieco ponad dwa miesiące. Podczas pracy krewni Bazylego byli nieobecni i nie odwracali jego uwagi od obrazu. Poza tym dobrze znał okolicę. W liście do swojego brata wskazał więc dokładnie, które miejsce przedstawił: „Brzeg rzeki Les w pobliżu młyna w Navilau i droga do Clapier”.

Obraz bardzo różni się od pejzaży Moneta i Renoira, ponieważ Basile wolał malować słońce w zenicie, a także przedstawiać ostre światło, inne niż nieważkie i przydymione światło na płótnach swoich przyjaciół. Bazyli używa również jasnych, kontrastujących kolorów, a pracując nad szczegółami obrazu, jest dokładniejszy i ostrożniejszy. Dzięki temu możemy rozpoznać na płótnie „Krajobraz nad brzegiem Les” drzew i roślinność charakterystyczną dla południowej części Francji.

Camille Pissarro. Most Boaldieu w Rouen w deszczowy dzień (1896)

Camille Pissarro przeszedł do historii impresjonizmu jako mistrz miejskiego krajobrazu. Namalował kilka obrazów, na których uchwycił Rouen na północy Francji. Pissarro udał się do tego miasta po tym, jak zobaczył cykl Claude'a Moneta poświęcony katedrze w Rouen.

Pissarro, podobnie jak Monet, wykorzystuje światło i powietrze do tworzenia obrazów. Przyciąga go możliwość przedstawienia miasta jako żywego organizmu będącego w ciągłym ruchu. Używa ciemniejszej kolorystyki i gęstszych kresek, ale jego obrazy wyglądają bardziej realistycznie. Niezwykły kąt często tłumaczy fakt, że Pissarro malował z okna hotelu.

Artysta starał się odzwierciedlić na płótnie cechy industrialne wyłaniające się stopniowo w wyglądzie miasta. To jest interesujące dla Pissarro Rouen, który mimo znakomitej architektury pod koniec XIX wieku stał się miastem portowym i ośrodkiem przemysłowym.

Paul Cezanne. „Widok na zatokę w Marsylii od strony Estaque” (1885)

Krajobraz Paula Cézanne'a ponownie przenosi nas na południe Francji, ale jednocześnie jest zupełnie inny od dotychczas badanych obrazów. Płótno Cézanne'a, nawet dla nieprzygotowanego widza, wydaje się bardziej śmiałe niż prace innych impresjonistów. To nie przypadek, że artysta często nazywany jest ojcem sztuki współczesnej.

Urodzony na południu kraju Cezanne często przedstawiał na swoich obrazach południowe krajobrazy. Okolice wioski rybackiej Estaque stały się jednym z ulubionych motywów jego krajobrazów. XIX wieku Cézanne, próbując uchronić się przed rodzinnymi problemami, przybył do Estaque i namalował około dziesięciu obrazów, na których przedstawił Zatokę Marsylińską.

„Widok na zatokę Marsylii z Estaque” jest jednym z kulminacyjnych dzieł tego okresu i pozwala nam zobaczyć cechy malarstwa Cézanne'a, które wywarło wpływ na Pabla Picassa. Chodzi przede wszystkim o specjalne, gęste poziome kreski artysty, a także o zastosowanie tak głębokich i nasyconych kolorów, jak pomarańczowo-żółty. Cezanne udaje się uzyskać trójwymiarowy obraz wody dzięki zastosowaniu różnych odcieni niebieskiego, a także zielonych i fioletowych plam. Podobnie jak inni impresjoniści, Cezanne uwielbiał malować morze, niebo i góry, ale na jego obrazie wydają się one gęstsze i wyraźnie określone.

Monet napisał „Field of Poppies” w plenerze, na małym przenośnym płótnie. Chociaż obraz ma naturalne, spontaniczne wrażenie, jest starannie skomponowany. Wyraża się to nie tylko w tym, że artysta dwukrotnie powtórzył postacie na nim, ale także w wyborze kąta, który jest ustawiony w taki sposób, że jasne maki wypełniające lewą stronę kompozycji znajdują się ukośnie, wzdłuż których idą Camille i Jean, jakby wychodząc poza obrazem. Intensywny kolor i ruch wypełniający ten obszar obrazu zrównoważony kontrastuje ze spokojnymi tonami górnej prawej krawędzi płótna, gdzie terakotowy dach domu umiejętnie łączy tło z pierwszym planem kompozycji.

Pasja do kwiatów

Monet przez całe życie lubił malować kwiaty - polne, ogrodowe lub cięte, są one stale obecne w jego krajobrazach.

Monet przyznał kiedyś, że dwie największe pasje jego życia to malarstwo i ogrodnictwo. Kiedy malował kwiaty, obie te pasje łączyły się. Na polu maków, jak na wielu innych płótnach, Monet lubi dzikie, żywe kwiaty. Jest kilka pięknych martwych natur Moneta z ciętymi kwiatami, ale przede wszystkim uwielbiał malować kwiaty, które rosły w jego ogrodach, najpierw w Argenteuil, a później w Giverny. W 1871 roku Monet przeniósł się z rodziną do Argenteuil, aby tam znaleźć swój pierwszy dom i pierwszy ogród. Jednak główną pasją w życiu artysty był jego ogród w Giverny. Monet wybrał kwiaty do swojego ogrodu tak, aby były ułożone w określonej kolejności, kontrastowały kolorystycznie i kwitły przez cały rok. W swoim ogrodzie posadził wiele niezwykłych kwiatów. Zamiłowanie Moneta do kwiatów podzielało wielu innych malarzy impresjonistów, w szczególności Gustave Caillebotte. „Pamiętaj, aby przyjść w poniedziałek, zgodnie z ustaleniami, napisał do swojego przyjaciela Moneta. "Wszystkie moje irysy zakwitną."

Obsesja na punkcie światła i koloru

Obsesja Moneta na punkcie światła i koloru zaowocowała wieloletnimi badaniami i eksperymentami, których celem było uchwycenie ulotnych, nieuchwytnych odcieni natury na płótnie.

OBRAZY MONETA dały początek nowemu nurtowi w malarskim impresjonizmie, a sam Monet jest uznawany za największego i najbardziej typowego przedstawiciela tego nurtu. Monet przez całe swoje długie życie niezłomnie przestrzegał podstawowych zasad impresjonizmu - utrwalania na płótnie scen współczesnego życia (dla Moneta są to krajobrazy) i pracy na świeżym powietrzu.

PRACA W PLENAIRU Praktyka pracy artysty w plenerze (plener) nie była czymś zupełnie nowym. Już na początku XIX wieku angielski artysta John Constable często malował swoje szkice i studia nad olejem w naturze. W latach czterdziestych XIX wieku, idąc za jego przykładem, grupa francuskich malarzy zebrała się we wsi Barbizon w pobliżu lasu Fontainebleau, aby malować krajobrazy, które powinny przedstawiać „prawdziwą naturę”. Camille Corot, wysoko ceniony przez wielu impresjonistów za swój niedoskonały pogląd na naturę, malował również olejem na świeżym powietrzu, wzywając artystów do „śledzenia pierwszego wrażenia”.

Najważniejszą rolę w rozwoju Moneta jako artysty odegrała jego młodzieńcza przyjaźń z malarzem pejzażowym Eugene Boudinem, który specjalizował się w małych, nadmorskich pejzażach powietrznych tworzonych w plenerze. Boden nalegał, aby Monet dołączył do niego podczas jednej z tych sesji w Le Havre. „Nagle zasłona opadła mi z oczu” - napisał później Monet.

W tym samym miejscu, w Le Havre, Monet spotkał holenderskiego artystę Johana Bartholda Yonkinda, który starał się przekazać najdelikatniejsze odcienie powietrza i nastroju w swoich morskich pejzażach. Później Monet powiedział o nim: „Był człowiekiem, który w końcu rozwinął moją wizję”.

CO WIDZI NAPRAWDĘ OCZU Monet przekonał się, że obraz namalowany w plenerze ma wyjątkową świeżość i witalność, której nie da się osiągnąć pracując w pracowni, w której artysta z góry wyobraża sobie dzieło, które zamierza wykonać. Rada, której udzielił artystom Monet, wyraźnie ujawnia jego własne podejście do obrazu: „Postaraj się zapomnieć o tym, co widzisz przed sobą - o drzewie, domu, o polu, o czymkolwiek. Pomyśl tylko, że w tym miejscu jest mały niebieski kwadrat, jest wydłużona różowa postać i kontynuuj, aż uzyskasz naiwne wrażenie obrazu, który jest przed twoimi oczami. " Wrażenie jest więc wizualnym impulsem stworzonym przez to, co w danym momencie widziane.

REWOLUCYJNA IDEA Dla wszystkich impresjonistów, aw szczególności dla Moneta, głównym celem sztuki było uchwycenie ulotnego, ulotnego wrażenia. W tamtym czasie taka myśl wydawała się rewolucyjna i szokowała nie mniej niż nieskrywany realizm Courbeta w NOWEJ TECHNOLOGII Aby osiągnąć postawione cele, artysta potrzebował nowych technik pisania. W szczególności Monet rozwinął własną technikę pisania, nakładając na płótno szerokie, szorstkie pociągnięcia, pogrubione, rozproszone kropki, kreski, zygzaki i grube pociągnięcia na płótnie za pomocą krótkiego pędzla. Monet jednocześnie pracował nad całą przestrzenią obrazu, wierząc, jak powiedział później, że „pierwsza warstwa farby powinna pokrywać jak najwięcej płótna, bez względu na to, jak z grubsza jest nałożona”.

Monet w zupełnie nowy, rewolucyjny sposób wykorzystał kolor, zainspirowany bez wątpienia odkryciami Eugene'a Chevreula dotyczącymi sposobu percepcji wizualnej. Chevreul udowodnił, że sąsiednie kolory podstawowe koła kolorów zmiękczają się nawzajem, a największy kontrast uzyskuje się, gdy sąsiadują ze sobą kolory dopełniające. Innym ważnym odkryciem było to, że kolor nie jest integralną właściwością przedmiotów. Kolor to po prostu sposób, w jaki światło jest mieszane, odbijając się od powierzchni przedmiotu. Podobnie jak jego koledzy impresjoniści, Monet zwykle używał ograniczonej palety, preferując czyste, niezmieszane kolory i malując na płótnach wcześniej pokrytych białym lub kremowym podkładem, dzięki czemu nałożone farby były jaśniejsze i jaśniejsze.

Innym ważnym odkryciem, które wpłynęło na wizję artystów, była fotografia. Na fotografiach z tamtych czasów poruszające się obiekty są postrzegane jako rozmyte plamy, a tylko obiekty stacjonarne mają wyraźne kontury. Efekt ten został wyraźnie odzwierciedlony w postaciach ludzi przypominających mrówki, które widzimy na obrazie Moneta Boulevard des Capucines (1873).

ZMIEŃ OBIEKT OBRAZU

Bardzo interesujące jest prześledzenie, jak stosunek Moneta do przedstawianych obiektów zmieniał się w ciągu długiego życia. Pomimo tego, że był stale pochłonięty grą świateł, w swoich wczesnych obrazach Monet najczęściej przedstawiał postacie ludzkie malowane w zwykły sposób na tle krajobrazu.

Jednak bliżej lat osiemdziesiątych XIX wieku Moneta coraz bardziej pociąga natura w jej najczystszej postaci. Jeśli na obrazach z tego okresu pojawiają się postacie lub przedmioty nieożywione, zwykle odgrywają rolę drugoplanową i znikają w tle.

SERIE ZDJĘĆ

Pomimo tego, że artyści przez cały czas tworzyli kilka szkiców jednej sceny, przed Monetem nie było takiego, który malowałby ten sam obiekt kilka razy w różnym oświetleniu i różnych warunkach pogodowych. Obrazy Moneta przedstawiają całe serie, przedstawiające stogi siana, topole, katedrę w Rouen, widok Londynu z Tamizy i wreszcie lilie wodne.

Londyńskie pejzaże Moneta, namalowane w latach 1899-1901, z ich rozproszonym światłem i rozproszonym kolorem, to wirtuozowskie, dramatyczne dzieła sztuki, które można wykorzystać do prześledzenia ewolucji stylu artysty w sposób niemal abstrakcyjny. Pokazują stopniowy postęp artysty w kierunku obiektu, który będzie malował do końca życia, tworząc swoje ogrody i zamieniając je w rzadkie dzieła sztuki.

Od około 1905 roku do końca swoich dni Monet całkowicie koncentrował się na liliach wodnych. Te obrazy, w których kielichy lilii wodnych dosłownie materializują się na powierzchni wody, która nie ma linii horyzontu, stały się szkicami, które oddają nieskończoną i niepowtarzalną różnorodność kolorów i światła. W rzeczywistości te serie obrazów, jak każde genialne dzieło sztuki, nie dają się wytłumaczyć. To dzieła poety, który ma subtelny zmysł natury i potrafi w swoim malarstwie oddać jej piękno.

Claude Monet. Maki. 1773 Museum D'Orsay, Paryż

„Maki”, jedno z najsłynniejszych dzieł Claude'a Moneta, jakie widziałem w. Jednak wtedy nie rozważyłem tego właściwie. Jako fan, moje oczy po prostu uciekły od tych wszystkich arcydzieł, które są w tym muzeum!

Później oczywiście już właściwie zbadałem "Maki". I odkryłem, że nie zauważyłem nawet kilku interesujących szczegółów w muzeum. Jeśli przyjrzysz się bliżej zdjęciu, prawdopodobnie będziesz mieć co najmniej trzy pytania:

Dlaczego maki są tak duże?
Dlaczego Monet narysował dwie prawie identyczne pary liczb?
Dlaczego artysta nie narysował nieba na zdjęciu?

Odpowiem na te pytania w kolejności.

1. Dlaczego maki są takie duże?

Maki są bardzo duże. Większość z nich pochodzi z głowy przedstawionego dziecka. A jeśli weźmiesz maki z tła i zbliżysz je do postaci na pierwszym planie, będą nawet większe niż głowa dziecka i kobiety przedstawionej na rysunku. Dlaczego jest to nierealne?

Moim zdaniem Monet celowo zwiększył rozmiar maków: dlatego po raz kolejny wolał przekazać żywe wrażenie wizualne, a nie realizm przedstawionych obiektów.

Tutaj nawiasem mówiąc, można narysować paralelę z jego techniką przedstawiania lilii wodnych w jego późniejszych pracach.

Zwróć uwagę na fragmenty obrazów z liliami wodnymi z różnych lat (1899-1926). Górne dzieło jest najwcześniejsze (1899), dolne jest najnowsze (1926). Oczywiście z biegiem czasu lilie wodne stawały się coraz bardziej abstrakcyjne i mniej szczegółowe.

Najwyraźniej „Maki” są tylko zwiastunem dominacji abstrakcjonizmu w późniejszych obrazach Moneta.

Obrazy Claude'a Moneta. 1. U góry po lewej: lilie wodne. 1899 d. Zbiory prywatne. 2. U góry po prawej: lilie wodne. 1908 Prywatna kolekcja. 3. Środek: Staw z liliami wodnymi. 1919 Metropolitan Museum of Art, Nowy Jork. 4. Poniżej: Lilie. 1926 Nelson-Atkins Museum of Art, Kansas City.

2. Dlaczego na rysunku są dwie pary identycznych figurek?

Okazuje się, że dla Moneta ważne było również pokazanie ruchu w swoim malarstwie. Dokonał tego w niecodzienny sposób, przedstawiając ledwo widoczną ścieżkę na wzgórzu wśród kwiatów, jakby zdeptana między dwiema parami postaci.

U podnóża wzgórza z makami przedstawia żonę Camillę i syna Jeana. Camilla jest tradycyjnie przedstawiana z zielonym parasolem, podobnie jak na obrazie „Kobieta z parasolką”.

Na górze na pagórku jest kolejna para kobiety i dziecka, dla których najprawdopodobniej pozowali także Camilla i jej syn. Dlatego te dwie pary są tak podobne.

Claude Monet. Maki. Fragment. 1873 g. Muzeum D'Orsay w Paryżu.

Ta para postaci na wzgórzu jest przedstawiona, być może wyłącznie dla wizualnego efektu ruchu, do którego tak dążył Monet.

3. Dlaczego Monet nie narysował nieba?

Kolejna godna uwagi uwaga: zwróć uwagę, jak słabo rysuje się niebo do gołych obszarów płótna.

Claude Monet. Maki. Fragment. 1873 g.

Mogę założyć, że chodzi o samą technikę impresjonizmu: Monet malował obrazy w ciągu kilku godzin, a nawet minut, aby zobrazować grę świateł i kolorów w określonym momencie dnia. Dlatego nie zawsze było wystarczająco dużo czasu na wszystkie elementy krajobrazu. Wypracowanie wszystkich szczegółów to dużo pracy w studio, a nie na zewnątrz.

Nawiasem mówiąc, obraz „Maki” był również wystawiany na pierwszej wystawie impresjonistów w 1874 roku, o której szerzej pisałem w artykule

Wielki francuski impresjonista Claude Monet ( Oscar-Claude Monet), (1840-1926) uwielbiał malować kwiaty. Malował kwiaty przez całe życie, w różnych okresach twórczości. Częściej kwiaty ogrodowe i dzikie, rzadziej kwiaty cięte w wazonach.

Kwiaty były jego pasją. Monet powiedział, że w życiu uwielbia przede wszystkim dwie rzeczy: malowanie i ogrodnictwo. Dlatego największą przyjemność odczuwał, kiedy przedstawiał kwiaty na swoich obrazach.

Nawet członków swojej rodziny malował zawsze w otoczeniu kwiatów, podkreślając w ten sposób swoją szczerą miłość do nich.

„Być może to dzięki kwiatom zostałem artystą” - powiedział o sobie Claude Monet.

Jedno z wczesnych dzieł Claude Moneta „Kobiety w ogrodzie”, 1866–1867, Musée d'Orsay w Paryżu.

Postacie kobiet przedstawione są na tym płótnie w bardzo stylizowany sposób. Artysta cały nacisk kładzie na grę światła i cienia na listowiu drzew i kwiatów. Monet wciąż szuka własnego stylu; do oficjalnej daty narodzin impresjonizmu pozostało jeszcze pięć lat.
Wszystkie trzy kobiety były wzorowane na 19-letniej Camilli Donsier, przyszłej żonie Claude Moneta.

Płótno jest bardzo duże, jego wymiary to 2,05 na 2,55 m.
Artysta zamierzał wystawić ten obraz na Salonie Paryskim w 1967 roku, ale jury go odrzuciło.

Pod koniec życia Claude Moneta, gdy był już uznanym i cenionym mistrzem, rząd francuski odkupił w 1921 roku od artysty obraz „Kobiety w ogrodzie” za 200 tysięcy franków.

Święta Andress

„Taras przy St Andres”, ok. 1867, Metropolitan Museum of Art, Nowy Jork. Obraz przedstawia rodzinę artysty mieszkającą w małym portowym miasteczku Saint-Andresse niedaleko Le Havre na wybrzeżu Normandii. Ojciec Moneta i jego ciotka Madame Lecadre siedzą na krzesłach. Daleka krewna Moneta, Jeanne-Margarita, stoi przy balustradzie z młodym mężczyzną. Można powiedzieć, że jest to scena rodzinna na tle pejzażu morskiego. Ale spójrz, jak rysowane są kwiaty na pierwszym planie! Jak dobrze Monet oddał fakturę kolorów oraz grę świateł i cieni.
„Blooming Garden at St Andres”, c. 1866, Musée d'Orsay, Paryż.
„Adolphe Monet Reading w ogrodach Le Côteau w Saint-Andresse”, c. 1866 g.
„Dama w ogrodzie”, 1867, Państwowe Muzeum Ermitażu, Sankt Petersburg. Obraz przedstawia odległego krewnego Claude'a Moneta, Jeanne-Marguerite Lecadre, w ogrodzie w St. Andresse.

Argenteuil, 1872 - 1977

Claude Monet zawsze chciał mieć swój własny ogród, w którym mógłby spokojnie pracować na świeżym powietrzu.

Pod koniec 1871 roku Claude Monet i jego rodzina osiedlili się w Argenteuil. Wtedy była to mała miejscowość wypoczynkowa pod Paryżem, 12 km od centrum miasta, położona na malowniczym brzegu Sekwany. Argenteuil jest teraz częścią Wielkiego Paryża. W Argenteuil Monet miał własny dom i swój pierwszy ogród. Wydaje mi się, że to właśnie w Argenteuil powstały najlepsze obrazy Claude'a Moneta. To był najjaśniejszy okres w jego karierze. Malarstwo Moneta jest na ogół lekkie, ale to właśnie w Argenteuil jego płótna po prostu lśnią radością. Najwyraźniej były to najszczęśliwsze lata jego życia. Prawie wszystkie płótna namalowane w Argenteuil przedstawiają Camille, ukochaną pierwszą żonę Claude'a Moneta.

W tamtych latach Argenteuil było ulubionym miejscem wypoczynku paryżan, regularnie odbywały się tam regaty żeglarskie. Do Argenteuil prowadziła kolej, do której można było szybko i łatwo dostać się z Paryża. Nie tylko Monet, ale także inni malarze impresjonistyczni Manet, Renoir, Sisley, Caillebotte malowali swoje krajobrazy w Argenteuil.

Przyjaciel artysty Renoir uchwycił go podczas pracy w Argenteuil, dzięki czemu możemy zobaczyć, jak wyglądał ogród Claude'a Moneta i jak malował pod gołym niebem.

Pierre Auguste Renoir „Monet maluje w swoim ogrodzie w Argenteuil”, 1873

A Edouard Manet namalował portret rodzinny artysty na tle kwitnącego ogrodu.

Edouard Manet „Rodzina Monetów w ogrodzie w Argenteuil”, 1874, Metropolitan Museum of Art, Nowy Jork.

Obraz przedstawia Claude'a Moneta pielęgnującego kwiaty, jego żonę Camillę i syna Jeana.

Ogród, kwiaty i kury. Za 10 lat wszystko to będzie w Claude Monet w Giverny.

Pierre Auguste Renoir „Madame Monet and Her Son”, 1974. National Gallery w Waszyngtonie.

Camille Monet i jej syn Jean.
Wygląda na to, że Edouard Manet i Renoir napisali do rodziny Monet tego samego dnia i w tym samym miejscu.

Obraz ten znajdował się w kolekcji Claude'a Moneta w Giverny. Najmłodszy syn artysty, Michel Monet, sprzedał go w 1952 roku w okresie całkowitej dewastacji w Giverny. Po kilku odsprzedaży na podstawie ostatniej woli właściciela w 1970 r. Obraz ten trafił do National Gallery w Waszyngtonie.

„Dom artystów w Argenteuil”, 1873. Institute of the Arts, Chicago.
„Ogród Moneta w Argenteuil”, 1873
„Domy w Argenteuil”, 1873, Stara Galeria Narodowa, Berlin. Latem Argenteuil dosłownie tonął w kwiatach.
"Kwiaty na brzegu rzeki w Argenteuil", 1877, Pola Museum of Art, Hakone, Japonia. Sekwana w Argenteuil jest bardzo malownicza, w tym miejscu tworzy piękny zakręt. Claude Monet był zafascynowany rzeką i naturą Argenteuil, z entuzjazmem pracował tu na świeżym powietrzu.
„Camilla Monet na ławce w ogrodzie”. 1873 rok. Metropolitan Museum of Art, Nowy Jork. Jak zawsze ogród i jak zawsze - kwiaty. Uwaga: na ławce obok Camilli leży bukiet kwiatów.
„Jean Monnet na rowerze konnym”. 1872 rok. Metropolitan Museum of Art, Nowy Jork. Nawet malując portret swojego syna, Claude Monet nie zapomniał o kwiatach. Wszystkie znaczące wydarzenia swojego życia wolał uchwycić na płótnach na tle kwiatów.
„Na łące”, 1876 r Płótno przedstawia żonę artysty Camille Monet czytającą książkę na łące w otoczeniu kwiatów łąkowych.
„Kwitnące jabłonie”, 1873. Niesamowity!
„Rodzina artysty w ogrodzie”, 1875
„W ogrodzie”, 1875 To zdjęcie najwyraźniej przedstawia ten sam zakątek ogrodu, co poprzedni, zaledwie kilka miesięcy później - jesienią. Claude Monet uwielbiał malować cykle obrazów - te same przedmioty w różnych warunkach oświetleniowych: o różnych porach roku, o różnych porach dnia. Starał się oddać ulotne stany środowiska jasnego powietrza, uchwycić subtelne półtony koloru. Widzimy, jak zmienia się róg ogrodu, jak blakną kolory, blaknie światło. Kwiaty w kwietniku obumierały, a liście na drzewach zżółkły.
„Kobieta z parasolem” („Spacer: Camille Monet z synem Jeanem”), 1875, National Gallery of Art, Waszyngton.
„Camilla Monet z synem”, 1875, Muzeum Sztuk Pięknych w Bostonie, USA.
„Garden Corner at Montgeron”, ok. 1876, Państwowy Ermitaż, St. Petersburg. Montgeron to niewielkie miasteczko na przedmieściach Paryża, położone 18,5 km na południowy wschód od centrum miasta. Teraz jest to jedno z południowo-wschodnich przedmieść Paryża.

„Kobieta z parasolem w ogrodzie w Argenteuil”, 1875.	„Walk, Argenteuil”, 1875.	„Spacer po Argenteuil”, 1875, Muzeum Marmottan-Monet, Paryż.
„Ogród”, 1872.	„Camilla Monet w ogrodzie”, 1873.	„Camille Monet w oknie. Argenteuil”, 1873.
„Brzeg Sekwany w pobliżu mostu w Argenteuil”, 1874.	„Camille i Jean Monet w ogrodzie w Argenteuil”, 1873.	„Camille Monet w ogrodzie w Argenteuil”, 1876, Metropolitan Museum of Art, Nowy Jork.
„Gladioli”. DOBRZE. 1876. Institute of Arts, Detroit, USA.	„Girls in the Garden”, 1875, Galeria Narodowa w Pradze.	„Camilla z zielonym parasolem”, 1876.
„Brama ogrodowa w Vetea”, 1876 r.	„Ogród”, 1876.	„Ogród, malwy”, 1877.

Bardzo ciekawa seria „Lilac”. Porównać:

Pola maku

Jeden z najsłynniejszych obrazów Claude'a Moneta „Pole maków” (1873, Musée d'Orsay, Paryż) powstał w Argenteuil, niedaleko domu artysty. Obraz przedstawia żonę Moneta Camillę i jego syna Jeana. Przypuszczalnie jego żona i syn służyli również jako modele dla postaci kobiety z dzieckiem w tle.
Zobacz, jak ekspresyjnie malował szkarłatne maki i żółte jaskry. Camilla i Jean dosłownie topią się w makach, tworząc całkowitą harmonię z naturą słonecznego letniego dnia.
Monet wybrał dla swojego obrazu bardzo udany kąt - szkarłatne maki znajdują się w lewej dolnej części obrazu, po przekątnej, wzdłuż której idą Camille i Jean. Powstaje wrażenie, że maki wychodzą poza płótno.

Moneta fascynowały pola maku. Wielokrotnie wracał do nich w swojej pracy. Przyciągnął go kontrast czerwonych maków i zielonej trawy.

"Lato. Makowe pole", 1875, zbiory prywatne.

„Pole makowe w pobliżu Vetey” 1879.

„Pole makowe w zagłębieniu niedaleko Giverny”, 1885. Muzeum Sztuk Pięknych w Bostonie.

„Pole maku”, około 1890 r. Państwowy Ermitaż, Sankt Petersburg.

„Pole owsiane z makami”, 1890 r. Muzeum Sztuki Nowoczesnej w Strasburgu.

„Pole makowe w Giverny”. 1890-1891 Institute of the Arts, Chicago.

„Pole czerwonych maków w pobliżu Giverny”, 1895. Muzeum Sztuk Pięknych Wirginii, Richmond, USA.

Pola tulipanów

Claude Monet kilkakrotnie odwiedził Holandię. I oczywiście nie mógł pozostać obojętny na tulipany. Stworzył cykl obrazów przedstawiających główne atrakcje Holandii - pola tulipanów i wiatraki.

„Pola tulipanów w Sassenheim, niedaleko Leiden”, 1886, Clark Art Institute, Williamstown, Massachusetts, USA.

"Pola tulipanów i wiatraki w Rheinsburgu", 1886, zbiory prywatne.

„Pola tulipanów w Holandii”, 1886. Musée d'Orsay w Paryżu.

„Pole tulipanów w Holandii”. 1886, Muzeum Marmottana-Moneta w Paryżu.

Veteuil, 1879 - 1881

„Ogród Artysty w Vetheuil”, 1880. National Gallery w Waszyngtonie.

W 1879 roku rodzina Monet przeniosła się do Vétheuil, małej wioski nad brzegiem Sekwany, 65 km na północny zachód od Paryża. Tutaj Claude Monet miał drugiego syna, Michela, ale niestety pierwsza żona Camille zmarła wkrótce potem.
Rodzina Moneta mieszkała w Veteuil do 1881 roku.

Claude Monet poznaje rodzinę Alice Hoschedé, z którą zna się już od kilku lat. Mieszkają razem, później Alice została jego drugą żoną. Ale na obrazach Claude'a Moneta Alice Goshede, w przeciwieństwie do Camille, jest bardzo rzadka. Modelami płócien artystki były jej córki, pasierbica Claude'a Moneta.

„Kwiaty nad brzegiem Sekwany w pobliżu Vetey”, 1880.	„Alice Goshede w ogrodzie”, 1881. Przyszła druga żona Claude'a Moneta.	„Klatka schodowa w Vetea”, 1881.
„Wyspa kwiatów w pobliżu Veteya”, 1880, Metropolitan Museum of Art, Nowy Jork.	„Kwiaty w Vetea”, 1881.	„Kwiaty w Vetea”, 1881.

Kwiaty w wazonie

Przede wszystkim Claude Monet kochał ogród i polne kwiaty, ale czasami malował martwe natury, bukiety ciętych kwiatów.

„Wiosenne kwiaty”, 1864. Lokalizacja obrazu jest obecnie nieznana.
Oczywiście na tym płótnie nadal trudno rozpoznać przyszłego wielkiego impresjonistę.

„Chryzantemy”, 1878. Musée d'Orsay w Paryżu.

"Bukiet malwy", 1880.

„Słoneczniki”, 1881. Metropolitan Museum of Art, Nowy Jork.

„Chryzantemy” 1882 Metropolitan Museum of Art, Nowy Jork.

„Purpurowe maki”, 1883. Muzeum Boijmans-van Beuningen, Rotterdam, Holandia.

„Zawilce”, ok. 1885, zbiory prywatne.

„Dwa wazony z chryzantemami”. 1888, zbiory prywatne.

Giverny 1883-1926

W 1883 roku rodzina Claude'a Moneta przeniosła się do Giverny. Jest to mała wioska położona w malowniczym miejscu nad brzegiem rzeki Eptes, u zbiegu z Sekwaną, około 80 km od Paryża. Claude Monet do końca życia będzie mieszkał w Giverny.

W tym czasie stał się już znanym artystą i zamożną osobą. W 1890 roku udało mu się wykupić dom w Giverny, w którym mieszkała jego rodzina. W domu wyposażył obszerny warsztat.

Claude Monet znacznie rozbudował swój ogród, urządził w nim staw, do którego woda trafiała ze specjalnego zbiornika ujęcia wody zbudowanego na rzece Epte.

W tamtych latach Claude Monet zainteresował się kulturą japońską, japońskimi grafikami, zwłaszcza grafikami wielkiego japońskiego artysty Hokusai.
Monet zatrudnił japońskiego ogrodnika do opieki nad ogrodem, który pomógł mu rozwinąć ogród w stylu japońskim. Sam Monet był bezpośrednio zaangażowany w planowanie ogrodu. Artysta prenumerował magazyn Revue horticole (Dziennik Ogrodniczy), zamówił do swojego ogrodu rośliny i kwiaty z różnych krajów świata.

To właśnie ten ogród stał się główną miłością ostatnich lat życia artysty. Pracował w nim i napisał go we wszystkich formach, z różnych punktów, o różnych porach dnia. Ogród stał się głównym źródłem inspiracji dla artysty.
W ogrodzie Monet uprawiał różne kwiaty, w stawie rosły lilie wodne, przez staw przerzucono słynny „Most Japoński”. Mógł godzinami podziwiać swój ogród, obserwować najmniejsze zmiany oświetlenia, pogody.
Jesienią 1899 roku Claude Monet zaczął pisać swój słynny cykl „Water Lilies”, nad którym pracował do końca swoich dni.

Claude Monet w swoim ogrodzie ze stawem z liliami wodnymi w tle, 1905.

Claude Monet w swoim ogrodzie, ok. 1917 - zdjęcie: Etienne Clementel.
Zdjęcia wyglądają na trochę „kolorowe” i rozmyte, ponieważ były to obrazy stereoskopowe, trzeba było je oglądać przez specjalne kolorowe okulary, potem obraz okazał się trójwymiarowy.

Claude Monet (z prawej) w swoim ogrodzie w Giverny. 1922 rok. Zdjęcie dzięki uprzejmości The New York Times.

„Aleja w ogrodzie”, 1902 r. Galeria Belvedere, Wiedeń. "Kwitnący łuk w Giverny", 1913. Phoenix Museum of Art, Arizona, USA. „Pink Arch at Giverny (Flower Arch)”. 1913, zbiory prywatne. „Żółte irysy”, w latach 1914-1917 Narodowe Muzeum Sztuki Zachodniej w Tokio. „Ścieżka między irysami”. 1914-17, Metropolitan Museum of Art, Nowy Jork. „Białe lilie wodne”. 1899 rok. Państwowe Muzeum Sztuk Pięknych im. Puszkina TAK JAK. Puszkin, Moskwa.
Słynny staw z liliami wodnymi i japoński most.

"Staw z liliami wodnymi (most japoński)", 1899. Metropolitan Museum of Art, Nowy Jork. „Staw z liliami. Harmonia w zieleni”. 1899, National Gallery w Londynie.

„Staw z liliami. Harmonia w zieleni”. 1899, Musée d'Orsay, Paryż.

"Lilie wodne. Harmonia w kolorze różowym". 1900 rok. Musée d'Orsay w Paryżu. „Staw z liliami wodnymi”. 1900 rok. Institute of the Arts, Chicago.

Na pierwszych płótnach z serii Lilie wodne Claude Monet przedstawił staw z japońskim mostem na tle bujnej roślinności ogrodu.

W swoich ostatnich pracach, przedstawiających staw z liliami wodnymi, celowo zniekształcił wszystkie przyjęte zasady perspektywy, porzucił linię horyzontu, a liliami wodnymi malował tylko wodę. Unoszące się na wodzie lilie wodne często odcięte są granicami płótna, wydaje się, że prawdziwy staw to coś więcej niż to, co pokazano na zdjęciu.
Seria "Lilie wodne" liczy ponad 60 obrazów.

"Lilie wodne". 1906 rok. Institute of the Arts, Chicago.
„Lilie wodne”, 1916. Narodowe Muzeum Sztuki Zachodniej w Tokio. To ogromne 2-metrowe płótno jest jednym z najbardziej wyrazistych w serii „Lilie wodne”. Różowo-żółte wysepki lilii wodnych znajdują się na ciemnoniebieskiej, ciemnozielonej, a nawet fioletowej powierzchni wody w stawie. Cały obraz jest w ruchu, widzimy przeplatające się korzenie lilii wodnych. Kwiaty samych lilii wodnych dosłownie wystają ponad powierzchnię wody. Claude Monet miał bardzo subtelne poczucie natury i potrafił przekazać wszystkie jej subtelności i przepełnienia na swoich płótnach.
"Lilie wodne". 1920-26 Muzeum Orangerie w Paryżu.

W 1980 roku dom i ogród Claude'a Moneta w Giverny został otwarty dla publiczności. Obecnie jest to jedno z ulubionych muzeów turystów na przedmieściach Paryża.