Muzyka jazzowa, jej cechy i historia rozwoju. Trendy w jazzie Jazz czym to jest

Czym jest jazz, historia jazzu

Co to jest jazz? Te ekscytujące rytmy, przyjemna muzyka na żywo, która stale się rozwija i porusza. Z tym kierunkiem być może nie można porównać żadnego innego i nie można go pomylić z żadnym innym gatunkiem, nawet dla początkującego. Co więcej, tu jest paradoks, łatwo go usłyszeć i rozpoznać, ale nie jest łatwo opisać go słowami, bo jazz nieustannie się rozwija, a pojęcia i cechy używane dziś stają się przestarzałe za rok lub dwa.

Jazz - co to jest

Jazz to trend w muzyce, który pojawił się na początku XX wieku. Ściśle splata afrykańskie rytmy, rytualne pieśni, utwory i pieśni świeckie, amerykańską muzykę minionych stuleci. Innymi słowy, jest to gatunek na wpół improwizacyjny, który wyrósł z połączenia muzyki zachodnioeuropejskiej i zachodnioafrykańskiej.

Skąd się wziął jazz?

Uważa się, że pochodził z Afryki, o czym świadczą złożone rytmy. Dodajmy do tego również taniec, wszelkiego rodzaju tupanie, klaskanie i tu jest ragtime. Wyraźne rytmy tego gatunku w połączeniu z melodiami bluesowymi dały początek nowemu kierunkowi, który nazywamy jazzem. Zadając pytanie, skąd wzięła się ta nowa muzyka, każde źródło da ci odpowiedź, że z pieśni czarnych niewolników, którzy zostali sprowadzeni do Ameryki na początku XVII wieku. Tylko w muzyce znajdowali pocieszenie.

Początkowo były to motywy czysto afrykańskie, ale po kilkudziesięciu latach zaczęły mieć charakter bardziej improwizacyjny i nabyły nowe amerykańskie melodie, głównie melodie religijne - duchowe. Później dodano do tego utwory narzekające - bluesowe i małe orkiestry dęte. Powstał więc nowy kierunek - jazz.

Jakie są cechy muzyki jazzowej

Pierwszą i najważniejszą cechą jest improwizacja. Muzycy powinni umieć improwizować zarówno w orkiestrze, jak i solo. Kolejną nie mniej istotną cechą jest polirytmia. Wolność rytmu jest chyba najważniejszą cechą muzyki jazzowej. To właśnie ta wolność sprawia, że \u200b\u200bmuzycy czują się lekko i nieustannie idą do przodu. Pamiętasz jakąś kompozycję jazzową? Wydaje się, że wykonawcy z łatwością grają jakąś cudowną i przyjemną dla ucha melodię, bez sztywnych ram, jak w muzyce klasycznej, tylko niesamowita lekkość i relaks. Oczywiście utwory jazzowe, tak jak i klasyczne, mają swój rytm, metrum itd., Ale dzięki specjalnemu rytmowi zwanemu swing (z angielskiego swingu) rodzi się takie poczucie wolności. Co jeszcze jest ważne w tym kierunku? Oczywiście trochę lub w inny sposób regularne tętnienie.

Rozwój jazzu

Pochodzący z Nowego Orleanu jazz szybko się rozprzestrzenia, stając się coraz bardziej popularny. Zespoły amatorskie, składające się głównie z Afrykanów i Kreolów, zaczynają występować nie tylko w restauracjach, ale także w innych miastach. Tak więc na północy kraju powstaje kolejne centrum jazzowe - Chicago, gdzie nocne występy zespołów muzycznych są szczególnie poszukiwane. Wykonywane kompozycje komplikują aranżacje. Wśród wykonawców tego okresu Louis Armstrong który przeprowadził się do Chicago z miasta, w którym narodził się jazz. Później style tych miast zostały połączone w Dixieland, który wyróżniał się zbiorową improwizacją.

Popularna fascynacja jazzem w latach trzydziestych i czterdziestych XX wieku doprowadziła do zapotrzebowania na większe orkiestry, które potrafiłyby wykonywać różnorodne melodie taneczne. Dzięki temu pojawił się huśtawka, będąca pewnym odchyleniem od rytmicznego schematu. Stał się głównym tematem tego czasu i przyćmił zbiorową improwizację. Zespoły swingowe stały się znane jako big bandy.

Oczywiście takie odchylenie od cech charakterystycznych dla wczesnego jazzu, od melodii narodowych, wywołało niezadowolenie prawdziwych koneserów muzyki. Dlatego duże zespoły i swingersi zaczynają sprzeciwiać się grze małych składów, w tym czarnych muzyków. W ten sposób w latach czterdziestych wyłonił się nowy styl bebopu, który wyraźnie wyróżniał się na tle innych dziedzin muzyki. Charakteryzował go niesamowicie szybkie melodie, długa improwizacja i złożone układy rytmiczne. Wśród wykonawców tego czasu wyróżniają się postacie Charlie Parker i Dizzy Gillespie.

Od 1950 roku jazz rozwijał się w dwóch różnych kierunkach. Z jednej strony zwolennicy klasyki powrócili do muzyki akademickiej, odsuwając na bok bebop. Powstały chłodny jazz stał się bardziej powściągliwy i suchy. Z drugiej strony, druga linia nadal rozwijała się bebop. Na tym tle powstał hard bop, powracający tradycyjnymi intonacjami folklorystycznymi, wyraźnymi wzorami rytmicznymi i improwizacją. Styl ten rozwinął się w połączeniu ze stylami takimi jak soul jazz i jazz-funk. Przynieśli muzykę najbliższą bluesowi.

Darmowa muzyka

W latach 60. prowadzono różne eksperymenty i poszukiwania nowych form. Rezultatem jest jazz-rock i jazz-pop, łączące dwa różne kierunki, a także free jazz, w którym wykonawcy całkowicie odmawiają regulacji rytmu i tonu. Ornette Coleman, Wayne Shorter, Pat Metheny zasłynęli wśród muzyków tego czasu.

Radziecki jazz

Początkowo radzieckie orkiestry jazzowe wykonywały głównie modne tańce, takie jak fokstrot, Charleston. W latach 30. XX wieku nowy kierunek zaczął zdobywać coraz większą popularność. Mimo niejednoznacznego stosunku rządu radzieckiego do muzyki jazzowej nie było to zabronione, ale jednocześnie ostro krytykowano ją jako należącą do kultury zachodniej. Pod koniec lat czterdziestych zespoły jazzowe były całkowicie prześladowane. W latach pięćdziesiątych i sześćdziesiątych wznowiono działalność orkiestr Olega Lundstrema i Eddiego Rosnera, a nowy kierunek porusza coraz więcej muzyków.

Do dziś jazz stale i dynamicznie się rozwija, istnieje wiele kierunków i stylów. Ta muzyka nadal pochłania dźwięki i melodie ze wszystkich zakątków naszej planety, nasycając ją coraz większą ilością kolorów, rytmów i melodii.

Jazz jako forma sztuki muzycznej pojawił się w USA na przełomie XIX i XX wieku, łącząc muzyczne tradycje osadników europejskich i melodyjne wzorce afrykańskiego folkloru.

Charakterystyczna improwizacja, melodyjna polirytmia i ekspresyjność wykonania stały się znakami rozpoznawczymi pierwszych nowoorleańskich zespołów jazzowych (jazz-bandów) w pierwszych dekadach ubiegłego wieku.

Z biegiem czasu jazz przeszedł okresy swojego rozwoju i formowania, zmieniając rytmiczny schemat i orientację stylistyczną: od improwizacyjnego stylu ragtime, po taneczny swing orkiestrowy (swing) i spokojnie delikatny blues (blues).

Okres od wczesnych lat dwudziestych do czterdziestych XX wieku związany jest z rozkwitem orkiestr jazzowych (big bandów), które składały się z kilku sekcji orkiestrowych saksofonów, puzonów, trąbek i sekcji rytmicznej. Szczyt popularności big-bandów przypadł na połowę lat trzydziestych ubiegłego wieku. Muzyka wykonywana przez zespoły jazzowe Duke'a Ellingtona, Counta Basie, Benny'ego Goodmana zabrzmiała na parkietach iw radiu.

Bogate brzmienie orkiestrowe, jasne intonacje i improwizacja wielkich solistów Colemana Hawkinsa, Teddy Wilsona, Benny Cartera i innych stworzyły rozpoznawalne i niepowtarzalne brzmienie big bandu, które jest klasykiem muzyki jazzowej.

W latach 40-50. ostatni wiek nadszedł czas na nowoczesny jazz; taki style jazzowejak furious bebop, lirical cool jazz, soft west coast jazz, rhythmic hard bop, soulful soul jazz podbił serca miłośników muzyki jazzowej.

W połowie lat 60. pojawił się nowy kierunek jazzu - jazz-rock, rodzaj połączenia energii nieodłącznej muzyki rockowej i jazzowej improwizacji. Założyciele styl jazzowy - za rock uważa się Milesa Davisa, Larry'ego Coryella, Billy'ego Cobhama. W latach 70-tych jazz-rock stał się niezwykle popularny. Wykorzystanie rytmicznego wzoru i harmonii muzyki rockowej, odcieni tradycyjnej melodii orientalnej i harmonii bluesa, użycie instrumentów elektrycznych i syntezatorów, doprowadziło ostatecznie do powstania terminu jazz fusion, który swoją nazwą podkreśla połączenie kilku muzycznych tradycji i wpływów.

W latach 70. i 80. muzyka jazzowa, zachowując nacisk na melodię i improwizację, nabrała cech popu, funk, rhythm and blues (R&B) oraz crossover jazz, znacznie poszerzając publiczność i odnosząc sukces komercyjny.

Współczesna muzyka jazzowa, która podkreśla klarowność, melodię i piękno dźwięku, jest zwykle opisywana jako smooth jazz lub współczesny jazz. Rytmiczne i melodyjne linie gitary i gitary basowej, saksofonu i trąbki, instrumentów klawiszowych, w ramce dźwiękowej syntezatorów i samplerów tworzą luksusowe, łatwo rozpoznawalne, kolorowe, smooth jazzowe brzmienie.

Pomimo tego, że smooth jazz i jazz współczesny mają podobny styl muzyczny, nadal są różne style jazzowe... Z reguły twierdzi się, że smooth jazz jest muzyką „w tle”, podczas gdy współczesny jazz jest bardziej indywidualny styl jazzowy i wymaga szczególnej uwagi słuchacza. Dalszy rozwój smooth jazzu doprowadził do pojawienia się liryki kierunki współczesnego jazzu - współczesny dorosły i bardziej rytmiczny jazz miejski z odcieniami R&B, funk, hip-hop.

Ponadto pojawiający się trend łączenia smooth jazzu i brzmienia elektronicznego doprowadził do powstania tak popularnych dziedzin muzyki współczesnej jak nu jazz, a także lounge, chill i lo-fi.

Jazz to szczególny rodzaj muzyki, który stał się szczególnie popularny w Stanach Zjednoczonych. Początkowo jazz był muzyką czarnych obywateli Stanów Zjednoczonych, ale później ten trend wchłonął zupełnie inne style muzyczne, które rozwinęły się w wielu krajach. Porozmawiamy o tym rozwoju.

Najważniejszą cechą jazzu, zarówno początkowo, jak i obecnie, jest rytm. Melodie jazzowe łączą elementy muzyki afrykańskiej i europejskiej. Ale jazz zyskał harmonię dzięki wpływom europejskim. Drugim fundamentalnym elementem jazzu do dziś jest improwizacja. Jazz był często grany bez wcześniej przygotowanej melodii: tylko podczas gry muzyk wybierał taki czy inny kierunek, ulegając swojej inspiracji. Tak narodziła się muzyka na oczach słuchaczy, podczas gdy muzyk grał.

Jazz zmieniał się przez lata, ale nadal udało mu się zachować swoje podstawowe cechy. Nieoceniony wkład w ten kierunek miał znany „blues” - przeciągłe melodie, charakterystyczne również dla czerni. W tej chwili większość melodii bluesowych jest integralną częścią kierunku jazzowego. Prawdę mówiąc, blues miał szczególny wpływ na coś więcej niż tylko jazz: rock and roll, country i western również wykorzystują wpływy bluesa.

Mówiąc o jazzie, należy wspomnieć o amerykańskim mieście Nowy Orlean. Dixieland, jak nazywano jazz nowoorleański, po raz pierwszy połączył motywy bluesowe, czarne pieśni kościelne i elementy europejskiej muzyki ludowej.
Później pojawił się swing (nazywany też jazzem w stylu „big bandu”), który też był szeroko rozwinięty. W latach 40. i 50. bardzo popularny stał się „jazz nowoczesny”, będący bardziej złożoną interakcją melodii i harmonii niż wczesny jazz. Pojawiło się nowe podejście do rytmu. Muzycy starali się wymyślać nowe kompozycje z różnymi rytmami, przez co technika gry na perkusji stała się bardziej skomplikowana.

„Nowa fala” jazzu ogarnęła świat w latach 60-tych: jest uważana za jazz wspomnianych wcześniej improwizacji. Wychodząc na koncert orkiestra nie potrafiła odgadnąć, w jakim kierunku iw jakim rytmie będzie ich występować, żaden z jazzmanów nie wiedział z góry, kiedy zmieni się tempo i tempo wykonania. Trzeba też powiedzieć, że takie zachowanie muzyków nie oznacza, że \u200b\u200bmuzyka była nie do zniesienia: wręcz przeciwnie, pojawiło się nowe podejście do wykonywania już istniejących melodii. Śledząc rozwój jazzu, możemy być pewni, że jest to muzyka ciągle zmieniająca się, ale która przez lata nie traci swoich podstaw.

Podsumujmy:

Na początku jazz był muzyką czarną;
Dwa założenia wszystkich melodii jazzowych: rytm i improwizacja;
Blues - wniósł ogromny wkład w rozwój jazzu;
New Orleans Jazz (Dixieland) łączył bluesa, pieśni kościelne i europejską muzykę ludową;
Swing - kierunek jazzu;
Wraz z rozwojem jazzu rytmy stały się bardziej złożone, aw latach 60. orkiestry jazzowe ponownie oddały się improwizacji podczas występów.

Jazz (angielski jazz) to forma sztuki muzycznej, która powstała na początku XX wieku w Stanach Zjednoczonych w wyniku syntezy kultur afrykańskich i europejskich, a następnie stała się powszechna.

Jazz to muzyka niesamowita, żywa, nieustannie rozwijająca się, chłonąca rytmiczny geniusz Afryki, skarby tysiącletniej sztuki gry na bębnach, rytuałów, rytualnych pieśni. Dodajmy chóralne i solowe śpiewy baptystów, kościołów protestanckich - przeciwstawne rzeczy połączyły się razem, dając światu niesamowitą sztukę! Historia jazzu jest niezwykła, dynamiczna, wypełniona niesamowitymi wydarzeniami, które wpłynęły na światowy proces muzyczny.

Co to jest jazz?

Cechy charakteru:

polirytmia oparta na rytmach synkopowanych,
bit - regularne tętnienie,
swing - odchylenie od beatu, zestaw technik wykonania tekstury rytmicznej,
improwizacja,
barwny zakres harmonicznych i barw.

Ten kierunek muzyki powstał na początku XX wieku w wyniku syntezy kultur afrykańskich i europejskich jako sztuka oparta na improwizacji w połączeniu z przemyślaną, ale niekoniecznie utrwaloną formą kompozycji. Jednocześnie może improwizować kilku wykonawców, nawet jeśli w zespole wyraźnie słychać głos prowadzący. Gotowy obraz artystyczny dzieła zależy od interakcji członków zespołu między sobą oraz z publicznością.

Dalszy rozwój nowego kierunku muzycznego nastąpił dzięki opracowaniu przez kompozytorów nowych modeli rytmicznych i harmonicznych.

Oprócz szczególnej ekspresyjnej roli rytmu odziedziczyły inne cechy muzyki afrykańskiej - interpretację wszystkich instrumentów jako perkusję, rytmikę; przewaga intonacji potocznych w śpiewie, imitacja mowy potocznej podczas gry na gitarze, fortepianie, instrumentach perkusyjnych.

Historia jazzu

Początki jazzu sięgają tradycji muzyki afrykańskiej. Jej założycieli można uznać za ludy kontynentu afrykańskiego. Niewolnicy przywiezieni do Nowego Świata z Afryki nie pochodzili z tego samego klanu, często się nie rozumieli. Potrzeba interakcji i komunikacji doprowadziła do zjednoczenia, stworzenia jednej kultury, w tym muzyki. Charakteryzuje się złożonymi rytmami, tańcami z tupaniem, klapsami. Wraz z motywami bluesowymi nadali nowy kierunek muzyczny.

Mieszanie afrykańskiej i europejskiej kultury muzycznej, która przeszła duże zmiany, nastąpiło od XVIII wieku, aw XIX wieku doprowadziło do powstania nowego kierunku muzycznego. Dlatego światowa historia jazzu jest nierozerwalnie związana z historią amerykańskiego jazzu.

Historia rozwoju jazzu

Historia jazzu wywodzi się z Nowego Orleanu, na południu Ameryki. Etap ten charakteryzuje się zbiorową improwizacją kilku wersji tej samej melodii przez trębacza (głos główny), klarnecistę i puzonistę na tle maszerującego akompaniamentu basu dętego i perkusji. Ważny dzień - 26 lutego 1917 r. - wtedy w nowojorskim studiu firmy Victor pięciu białych muzyków z Nowego Orleanu nagrało pierwszą płytę gramofonową. Przed wydaniem tej płyty jazz pozostawał zjawiskiem marginalnym, muzycznym folklorem, a po kilku tygodniach oszołomił i wstrząsnął całą Ameryką. Nagranie należało do legendarnego Original Dixieland Jazz Band. W ten sposób amerykański jazz rozpoczął dumny marsz dookoła świata.

W latach dwudziestych XX wieku odkryto główne cechy przyszłych stylów: równomierne pulsowanie kontrabasu i perkusji sprzyjające swingu, wirtuozowskie solo, sposób improwizacji wokalnej bez słów z wykorzystaniem oddzielnych sylab („scat”). Blues zajął znaczące miejsce. Później oba etapy - Nowy Orlean, Chicago - łączy termin „Dixieland”.

W amerykańskim jazzie lat dwudziestych powstał harmonijny system zwany „swingiem”. Swing charakteryzuje się pojawieniem się nowego typu orkiestry - big bandu. Wraz ze wzrostem orkiestry konieczne było odejście od improwizacji zbiorowej, na rzecz wykonywania aranżacji zapisanych na nutach. Aranżacja stała się jednym z pierwszych przejawów powstania kompozytora.

Big band składa się z trzech grup instrumentów - sekcji, z których każda może brzmieć jak jeden instrument polifoniczny: sekcja saksofonu (później z klarnetami), sekcja "miedziana" (trąbki i puzony), sekcja rytmiczna (fortepian, gitara, kontrabas, perkusja).

Pojawiła się solowa improwizacja oparta na „kwadracie” („chórze”). „Kwadrat” to wariacja o długości trwania (liczbie taktów) tematu, wykonywana na tle tego samego akompaniamentu akordowego, co temat główny, do którego improwizator dostosowuje nowe zwroty melodyczne.

W latach trzydziestych XX wieku amerykański blues stał się popularny, a forma piosenki składająca się z 32 taktów stała się powszechna. W swingu na początku jest szeroko stosowany „riff” - dwu-czterotaktowa, elastyczna rytmicznie replika. Wykonywana jest przez orkiestrę, podczas gdy solista improwizuje.

Wśród pierwszych dużych zespołów znalazły się orkiestry prowadzone przez znanych muzyków jazzowych - Fletchera Hendersona, Counta Basiego, Benny'ego Goodmana, Glena Millera, Duke'a Ellingtona. Ten ostatni już w latach czterdziestych zwrócił się w stronę dużych form cyklicznych opartych na folklorze murzyńskim, latynoamerykańskim.

Skomercjalizowano amerykański jazz lat 30. Dlatego wśród amatorów i koneserów historii powstania jazzu powstał ruch na rzecz odrodzenia wcześniejszych, autentycznych stylów. Decydującą rolę odegrały małe zespoły murzyńskie z lat 40., które porzuciły wszystko, co zostało zaprojektowane dla efektu zewnętrznego: pop, taniec, piosenkę. Temat był grany unisono i prawie nie zabrzmiał w swojej pierwotnej formie, akompaniament nie wymagał już tanecznej regularności.

Ten styl, który otwiera współczesność, nazywany jest „bop” lub „bebop”. Eksperymenty utalentowanych amerykańskich muzyków i wykonawców jazzowych - Charliego Parkera, Dizzy Gillespie, Theloniousa Monka i innych - położyły podwaliny pod rozwój niezależnej formy sztuki, tylko powierzchownie związanej z gatunkiem pop i dance.

Od końca lat 40. do połowy 60. rozwój odbywał się w dwóch kierunkach. Pierwsza obejmowała style „cool” i „west coast”. Charakteryzują się szerokim wykorzystaniem doświadczeń muzyki poważnej klasycznej i współczesnej - rozwinięte formy koncertowe, polifonia. W drugim kierunku znalazły się style „hardbop” - „gorący”, „energetyczny” i bliski mu „soul-jazz” (tłumaczone z angielskiego „soul” - „soul”), łączące zasady dawnego bebopu z tradycjami folkloru murzyńskiego, temperamentnymi rytmami i intonacjami spirytualiści.

Oba te kierunki łączy chęć pozbycia się podziału improwizacji na odrębne kwadraty, swing walca i bardziej skomplikowanych rozmiarów.

Podejmowano próby stworzenia dzieł o dużej formie - jazzu symfonicznego. Na przykład „Rapsodia w tonach bluesowych” J. Gershwina, szereg prac I.F. Strawińskiego. Od połowy lat pięćdziesiątych. eksperymenty nad łączeniem zasad jazzu i muzyki współczesnej ponownie upowszechniły się, już pod nazwą „trzecia część”, także wśród rosyjskich wykonawców („Koncert na orkiestrę” A.Ya. Eszpai, utwory M.M. Kazhlaeva, II koncert fortepianowy z orkiestrą R.K. Schedrina, I symfonia A.G. Schnittke). Ogólnie historia powstania jazzu jest bogata w eksperymenty, ściśle powiązane z rozwojem muzyki klasycznej, jej nowatorskimi kierunkami.

Od początku lat 60-tych. aktywne eksperymenty rozpoczynają się od spontanicznej improwizacji, nie ograniczającej się nawet do konkretnego tematu muzycznego - Freejazz. Jednak zasada modalności nabiera jeszcze większego znaczenia: za każdym razem kilka dźwięków jest wybieranych od nowa - mod, a nie wyraźnie rozróżnialne kwadraty. W poszukiwaniu takich trybów muzycy zwracają się ku kulturom Azji, Afryki, Europy itp. W latach 70-tych. pochodzą z elektronarzędzi i rytmów młodzieńczej muzyki rockowej, opartej na delikatniejszym miażdżeniu rytmu niż wcześniej. Ten styl jest najpierw nazywany „fusion”, tj. "stop".

Krótko mówiąc, historia jazzu to historia poszukiwań, jedności, śmiałych eksperymentów, gorącej miłości do muzyki.

Rosyjscy muzycy i melomani z pewnością są ciekawi historii powstania jazzu w Związku Radzieckim.

W okresie przedwojennym jazz w naszym kraju rozwijał się w ramach orkiestr popowych. W 1929 roku Leonid Utyosov zorganizował orkiestrę pop i nazwał swój kolektyw „Tea-Jazz”. Style Dixieland i Swing były praktykowane w orkiestrach A.V. Varlamova, N.G. Minha, A.N. Tsfasman i inni. Od połowy lat pięćdziesiątych. zaczynają się rozwijać małe grupy amatorskie („Eight Central House of Arts”, „Leningrad Dixieland”). Wielu wybitnych wykonawców rozpoczęło w nich życie.

W latach 70. rozpoczęto szkolenia na wydziałach popowych szkół muzycznych, wydawano podręczniki, nuty i płyty.

Od 1973 roku pianista L.A. Chizhik zaczął występować od „wieczorów jazzowej improwizacji”. Zespoły pod dyrekcją I. Brila, „Arsenał”, „Allegro”, „Kadans” (Moskwa), D.S. Goloshchekina (Leningrad), grupy V. Ganelin i V. Chekasin (Wilno), R. Raubishko (Ryga), L. Vintskevich (Kursk), L. Saarsalu (Tallinn), A. Lyubchenko (Dniepropetrovsk), M. Yuldybaeva (Ufa) ), O.L. Lundstrem, K.A. Orbelyan, AA Kroll („Współczesna”).

Jazz we współczesnym świecie

Dzisiejszy świat muzyki jest zróżnicowany, dynamicznie się rozwija, pojawiają się nowe style. Aby swobodnie się w nim poruszać, rozumieć zachodzące procesy, trzeba znać choćby krótką historię jazzu! Dziś jesteśmy świadkami mieszania się coraz większej liczby kultur świata, które nieustannie przybliżają nas do tego, co w istocie staje się już „world music”. Dzisiejszy jazz łączy w sobie dźwięki i tradycje z niemal każdego zakątka świata. Łącznie z przemyśleniem i kulturą afrykańską, od której wszystko się zaczęło. Europejski eksperymentalizm z klasycznymi podtekstami nadal wpływa na muzykę młodych pionierów, takich jak Ken Vandermark, awangardowy saksofonista najbardziej znany ze współpracy z takimi współczesnymi, jak saksofoniści Mats Gustafsson, Evan Parker i Peter Brotzmann. Inni młodsi, bardziej tradycyjni muzycy, którzy nadal poszukują własnej tożsamości, to pianiści Jackie Terrasson, Benny Green i Braid Meldoa, saksofoniści Joshua Redman i David Sanchez oraz perkusiści Jeff Watts i Billy Stewart. Stara tradycja brzmienia jest kontynuowana i jest aktywnie wspierana przez artystów, takich jak trębacz Winton Marsalis, który pracuje z całym zespołem asystentów, gra we własnych małych zespołach i prowadzi Lincoln Center Orchestra. Pod jego patronatem pianiści Marcus Roberts i Eric Reed, saksofonista Wes „Warmdaddy” Anderson, trębacz Marcus Printup i wibrafonista Stephen Harris dorastali jako wielcy mistrzowie.

Basista Dave Holland jest także wielkim odkrywcą młodych talentów. Wśród jego wielu odkryć są saksofoniści Steve Coleman, Steve Wilson, wibrafonista Steve Nelson i perkusista Billy Kilson.

Innymi wspaniałymi mentorami młodych talentów są legendarny pianista Chick Corea i zmarły perkusista Alvin Jones i piosenkarka Betty Carter. Potencjał dalszego rozwoju tej muzyki jest obecnie duży i zróżnicowany. Na przykład saksofonista Chris Potter wydaje mainstreamowe wydawnictwo pod własnym nazwiskiem, a także bierze udział w nagrywaniu z innym wielkim perkusistą awangardowym Paulem Motianem.

Nie udało nam się jeszcze cieszyć setkami wspaniałych koncertów i odważnych eksperymentów, by być świadkami wyłaniania się nowych kierunków i stylów - ta historia jeszcze się nie zakończyła!

Oferujemy szkolenia w naszej szkole muzycznej:

lekcje fortepianu - różnorodność utworów od klasyki po współczesną muzykę pop, klarowność. Dostępne dla każdego!
gitara dla dzieci i młodzieży - uważni nauczyciele i ekscytujące lekcje!

Następnie rytmy ragtime, w połączeniu z elementami bluesa, dały początek nowemu muzycznemu kierunkowi - jazzowi.

Początki jazzu związane są z bluesem. Powstał pod koniec XIX wieku jako fuzja afrykańskich rytmów i europejskiej harmonii, ale jego genezy należy szukać od momentu sprowadzenia niewolników z Afryki na terytorium Nowego Świata. Sprowadzeni niewolnicy nie pochodzili z tego samego klanu i zwykle nawet się nie rozumieli. Potrzeba konsolidacji doprowadziła do zjednoczenia wielu kultur, aw efekcie do powstania jednej kultury (w tym muzycznej) Afroamerykanów. Procesy mieszania afrykańskiej kultury muzycznej z europejską (która również uległa znaczącym przemianom w Nowym Świecie) zachodziły od XVIII wieku, by w XIX wieku wyłonić się „protojazz”, a następnie konwencjonalnie rozumiany jazz.

New Orleans Jazz

Termin Nowy Orlean, czyli jazz tradycyjny, ogólnie odnosi się do stylu muzyków, którzy grali jazz w Nowym Orleanie w latach 1900-1917, a także muzyków z Nowego Orleanu, którzy grali i nagrywali płyty w Chicago od około 1917 do 1920 roku. ... Ten okres w historii jazzu nazywany jest także „erą jazzu”. I termin ten jest również używany do opisania muzyki wykonywanej w różnych okresach historycznych przez renesans nowoorleański, który starał się wykonywać jazz w tym samym stylu, co muzycy szkoły nowoorleańskiej.

Rozwój jazzu w USA w pierwszej ćwierci XX wieku

Po zamknięciu Storyville jazz zaczął przekształcać się z regionalnego gatunku folklorystycznego w ogólnokrajowy ruch muzyczny, rozprzestrzeniając się na północne i północno-wschodnie prowincje Stanów Zjednoczonych. Ale jego szerokiej dystrybucji nie mogło oczywiście ułatwić tylko zamknięcie jednej dzielnicy rozrywkowej. Wraz z Nowym Orleanem, St. Louis, Kansas City i Memphis od samego początku odegrały znaczącą rolę w rozwoju jazzu. Ragtime urodził się w Memphis w XIX wieku, skąd w roku -1903 rozprzestrzenił się na cały kontynent północnoamerykański. Z drugiej strony, występy minstreli, z ich kolorową mozaiką wszelkiego rodzaju afroamerykańskiego folkloru od jigów po ragtime, szybko rozprzestrzeniły się wszędzie i utorowały drogę do nadejścia jazzu. Wiele przyszłych celebrytów jazzu rozpoczęło swoją przygodę w show menstrell. Na długo przed zamknięciem Storyville muzycy z Nowego Orleanu wyruszyli w trasę z tak zwanymi zespołami „wodewilów”. Jelly Roll Morton regularnie koncertował w Alabamie na Florydzie w Teksasie od 1904 roku. Od 1914 roku miał kontrakt na występy w Chicago. W 1915 roku White Dixieland Orchestra of Tom Brown przeniosła się do Chicago. Słynny Creole Band, prowadzony przez nowoorleańskiego kornecistę Freddiego Kepparda, również odbył główne wodewilowe trasy w Chicago. Po rozstaniu z Olympia Band, artyści Freddiego Kepparda już w 1914 roku z powodzeniem występowali w najlepszym teatrze w Chicago i otrzymali propozycję nagrania dźwiękowego swoich występów jeszcze przed Original Dixieland Jazz Band, którą jednak Freddie Keppard krótkowzrocznie odrzucił.

Znacznie poszerzył obszar objęty wpływem jazzu, orkiestry grające na statkach wycieczkowych, które pływały w górę Missisipi. Od końca XIX wieku popularne stały się wycieczki rzeczne z Nowego Orleanu do St. Paul, najpierw na weekend, a potem na cały tydzień. Od 1900 roku orkiestry z Nowego Orleanu zaczęły występować na tych statkach rzecznych, których muzyka stała się najbardziej atrakcyjną rozrywką dla pasażerów wycieczek rzecznych. Przyszła żona Louisa Armstronga, pierwszego pianisty jazzowego Lil Hardina, zaczęła występować w jednej z tych orkiestr „Suger Johnny”.

W orkiestrze Riverboat Fates Marable innego pianisty wystąpiło wiele przyszłych gwiazd jazzu Nowego Orleanu. Parowce pływające wzdłuż rzeki często zatrzymywały się na mijanych stacjach, gdzie orkiestry koncertowały dla miejscowej publiczności. To właśnie takie koncerty stały się twórczym debiutem Bix Beiderback, Jess Stacy i wielu innych. Inna słynna trasa biegła przez Missouri do Kansas City. W tym mieście, gdzie dzięki silnym korzeniom afroamerykańskiego folkloru rozwinął się i ostatecznie ukształtował blues, wirtuozowska gra jazzmanów z Nowego Orleanu znalazła wyjątkowo żyzne środowisko. Głównym ośrodkiem rozwoju muzyki jazzowej wczesnych epok było Chicago, w którym wysiłkiem wielu muzyków, zebranych z różnych części Stanów Zjednoczonych, stworzono styl, który otrzymał przydomek Chicago jazz.

Huśtawka

Termin ma dwa znaczenia. Po pierwsze, jest to wyrazisty środek w jazzie. Charakterystyczny rodzaj pulsacji polegający na stałych odchyleniach rytmu od listków odniesienia. Stwarza to wrażenie dużej energii wewnętrznej w stanie niestabilnej równowagi. Po drugie, styl jazzu orkiestrowego, który ukształtował się na przełomie lat 20. i 30. XX w. W wyniku syntezy murzyńskich i europejskich stylów muzyki jazzowej.

Artyści: Joe Pass, Frank Sinatra, Benny Goodman, Norah Jones, Michel Legrand, Oscar Peterson, Ike Quebec, Paulinho Da Costa, Wynton Marsalis Septet, Mills Brothers, Stephane Grappelli.

Bop

Styl jazzowy, który rozwinął się na początku połowy lat 40. XX wieku i otworzył erę jazzu nowoczesnego. Charakteryzuje się szybkim tempem i rozbudowanymi improwizacjami opartymi na zmieniającej się harmonii, a nie melodii. Superszybkie tempo występu zostało wprowadzone przez Parkera i Gillespie, aby powstrzymać amatorów przed nowymi improwizacjami. Charakterystyczną cechą wszystkich beboperów stała się między innymi szokująca postawa i wygląd: zakrzywiona fajka Dizzy Gillespie, zachowanie Parkera i Gillespiego, śmieszne kapelusze Monk itp. użycie środków wyrazowych, ale jednocześnie ujawniło szereg przeciwstawnych tendencji.

W odróżnieniu od swingu, który jest głównie muzyką dużych komercyjnych zespołów tanecznych, bebop jest eksperymentalnym kierunkiem twórczym w jazzie, kojarzonym głównie z ćwiczeniem małych zespołów (combo) i nastawieniem antykomercyjnym. Na scenie bebopowej nastąpiła znacząca zmiana akcentu w jazzie z popularnej muzyki tanecznej na bardziej artystyczną, intelektualną, ale mniej mainstreamową „muzykę dla muzyków”. Muzycy Bop woleli złożone improwizacje oparte na graniu akordów zamiast melodii.

Głównymi inicjatorami narodzin byli: saksofonista Charlie Parker, trębacz Dizzy Gillespie, pianiści Bud Powell i Thelonious Monk, perkusista Max Roach. Posłuchajcie też Chicka Corei, Michela Legranda, Joshua Redmana Elastic Band, Jana Garbarka, Charlesa Mingusa, Modern Jazz Quartet.

Wielkie zespoły

Klasyczna, ugruntowana forma big-bandów znana jest w jazzie od wczesnych lat. Ta forma zachowała swoją aktualność do końca XX wieku. Muzycy, którzy weszli do większości dużych zespołów, z reguły prawie w wieku kilkunastu lat, grali dość konkretne partie, albo wyuczone na pamięć na próbach, albo z nut. Skrupulatne orkiestracje w połączeniu z dużymi sekcjami dętymi blaszanymi i dętymi drewnianymi wytworzyły bogate harmonie jazzowe i stworzyły rewelacyjnie głośne brzmienie, które stało się znane jako „brzmienie big bandu”.

Big band stał się popularną muzyką swoich czasów, osiągając szczyt w połowie lat. Ta muzyka stała się źródłem szaleństwa swingowego. Liderzy słynnych orkiestr jazzowych Duke Ellington, Benny Goodman, Count Basie, Artie Shaw, Chick Webb, Glenn Miller, Tommy Dorsey, Jimmy Lunsford, Charlie Barnett komponowali lub aranżowali i nagrywali na płytach prawdziwą paradę przebojów, które brzmiały nie tylko w radiu ale także wszędzie na salach tanecznych. Wiele dużych zespołów zaprezentowało swoich solowych improwizatorów, którzy podczas dobrze promowanych "bitew orkiestr" doprowadzili publiczność do stanu bliskiego histerii.

Chociaż popularność wielkich zespołów znacznie spadła po drugiej wojnie światowej, orkiestry prowadzone przez Basiego, Ellingtona, Woody'ego Hermana, Stana Kentona, Harry'ego Jamesa i wielu innych często koncertowały i nagrywały płyty w ciągu następnych kilku dekad. Ich muzyka ulegała stopniowym przeobrażeniom pod wpływem nowych trendów. Grupy takie jak zespoły kierowane przez Boyda Ryburna, Sun Ra, Olivera Nelsona, Charlesa Mingusa, Teda Jonesa-Mela Lewisa badały nowe koncepcje harmonii, instrumentacji i swobody improwizacji. Dziś duże zespoły są standardem w edukacji jazzowej. Orkiestry repertuarowe, takie jak Lincoln Center Jazz Orchestra, Carnegie Hall Jazz Orchestra, Smithsonian Jazz Masterpieces Orchestra i Chicago Jazz Ensemble regularnie wykonują oryginalne aranżacje big bandowe.

W 2008 roku opublikowano w języku rosyjskim kanoniczną książkę George'a Simona Big Orchestras of the Swing Era, która w istocie jest niemal kompletną encyklopedią wszystkich wielkich zespołów Złotego Wieku od wczesnych lat 20. do 60.

Główny nurt

Pianista Duke Ellington

Po ustaniu mainstreamowej mody wielkich orkiestr w dobie big bandów, kiedy muzyka wielkich orkiestr zaczęła wypierać na scenie małe zespoły jazzowe, nadal rozbrzmiewała muzyka swingowa. Wielu znanych solistów swingowych, po występach w salach balowych, uwielbiało spontanicznie aranżować jamy w małych klubach na 52 ulicy w Nowym Jorku. I to nie tylko ci, którzy pracowali jako „sidemen” w dużych orkiestrach, jak Ben Webster, Coleman Hawkins, Lester Young, Roy Eldridge, Johnny Hodges, Buck Clayton i inni. Sami liderzy big bandów - Duke Ellington, Count Basie, Benny Goodman, Jack Teegarden, Harry James, Gene Krupa, będąc początkowo solistami, a nie tylko dyrygentami, również szukali okazji do grania oddzielnie od swojego dużego zespołu, w niewielkim składzie. Nie akceptując nowatorskich technik nadchodzącego bebopu, muzycy ci trzymali się tradycyjnego stylu swing, jednocześnie wykonując partie improwizacyjne, demonstrując niewyczerpaną wyobraźnię. Główne gwiazdy swingu nieustannie występowały i nagrywały w małych zespołach zwanych „combo”, w których było znacznie więcej miejsca na improwizację. Styl tego kierunku jazzu klubowego późnego wieku zyskał miano mainstreamu lub mainstreamu wraz z początkiem rozwoju bebopu. Niektórych z najwybitniejszych wykonawców tej epoki można było usłyszeć w świetnej formie na jamach, kiedy improwizacja akordowa miała już pierwszeństwo przed metodą kolorowania melodii epoki swingu. Powracając jako styl wolny w późnych latach ubiegłych, mainstream wchłonął elementy cool jazzu, bebopu i hard bopu. Termin „modern mainstream” lub post bebop jest dziś używany w prawie każdym stylu, który nie ma ścisłego związku z historycznymi stylami muzyki jazzowej.

Jazz północno-wschodni. Krok

Louis Armstrong, trębacz i piosenkarz

Chociaż historia jazzu rozpoczęła się w Nowym Orleanie na początku XX wieku, muzyka rozwinęła się na początku XX wieku, kiedy trębacz Louis Armstrong opuścił Nowy Orlean, aby stworzyć nową, rewolucyjną muzykę w Chicago. Migracja mistrzów jazzu z Nowego Orleanu do Nowego Jorku, która rozpoczęła się wkrótce potem, wyznaczyła trend ciągłego przemieszczania się muzyków jazzowych z południa na północ. Chicago przyjęło muzykę Nowego Orleanu i sprawiło, że stała się gorąca, zwiększając jej intensywność nie tylko dzięki słynnym zespołom Armstrong Hot Five i Hot Seven, ale także innym, w tym Eddie Condon i Jimmy McPartland, których zespół z Austin High School pomógł ożywić Nowy Orlean. szkoły. Inni znani mieszkańcy Chicago, którzy poszerzyli horyzonty klasycznego stylu jazzowego Nowego Orleanu, to pianista Art Hodes, perkusista Barrett Deems i klarnecista Benny Goodman. Armstrong i Goodman, którzy ostatecznie przenieśli się do Nowego Jorku, stworzyli tam swego rodzaju masę krytyczną, która pomogła temu miastu stać się prawdziwą jazzową stolicą świata. I podczas gdy Chicago pozostawało w pierwszej ćwierci XX wieku głównie ośrodkiem nagrań dźwiękowych, Nowy Jork stał się także głównym miejscem koncertów jazzowych, z takimi legendarnymi klubami jak Minton Playhouse, Cotton Club, Savoy i Village Vanguard oraz także przez takie areny jak Carnegie Hall.

Styl Kansas City

W dobie Wielkiego Kryzysu i prohibicji jazzowa scena w Kansas City stała się swoistą mekką nowomodnych dźwięków końca i końca. Styl, który rozkwitł w Kansas City, charakteryzowały się uduchowionymi utworami o zabarwieniu bluesowym, wykonanymi zarówno przez duże zespoły, jak i małe zespoły swingowe, z bardzo energicznymi solówkami wykonanymi w tajnych pubach sprzedających trunki. To właśnie w tych pubach skrystalizował się styl wielkiego hrabiego Basiego, poczynając od Kansas City z Walter Page Orchestra, a następnie z Bennym Motenem. Obie te orkiestry były typowymi przedstawicielami stylu Kansas City, którego podstawą była swoista forma bluesa, zwana „city blues”, ukształtowana w ramach gry wyżej wymienionych orkiestr. Na jazzowej scenie Kansas City wyróżniała się także cała galaktyka wybitnych mistrzów bluesa wokalnego, wśród których uznany „król” był wieloletnim wokalistą Count Basie Orchestra, słynnym bluesem Jimmy'm Rushingiem. Słynny altsaksofonista Charlie Parker, urodzony w Kansas City, po przyjeździe do Nowego Jorku, szeroko wykorzystywał charakterystyczne techniki bluesowe, których nauczył się w orkiestrach w Kansas City i które później stanowiły jeden z punktów wyjścia w eksperymentach bopperów z -e.

West Coast Jazz

Wykonawcy schwytani przez ruch cool jazz w latach pięćdziesiątych pracowali intensywnie w studiach nagraniowych w Los Angeles. W dużej mierze pod wpływem nieetowego Milesa Davisa, ci artyści z Los Angeles stworzyli coś, co jest obecnie znane jako „West Coast Jazz”, lub west Coast Jazz... Jako studia nagrań, kluby takie jak The Lighthouse at Hermosa Beach i Haig w Los Angeles często gościły głównych artystów, w tym trębacza Shorty Rogers, saksofonistów Art Pepper i Bud Schenk, perkusistę Shelley Mann i klarnecistę Jimmy Juffrey. ...

Cool (fajny jazz)

Wysoka intensywność i pośpiech bebopu zaczęły słabnąć wraz z rozwojem cool jazzu. Począwszy od późnych i wczesnych lat, muzycy zaczęli rozwijać mniej gwałtowne, płynniejsze podejście do improwizacji, wzorowane na lekkiej, suchej grze saksofonisty tenorowego Lestera Younga, której używał w okresie swingu. Rezultatem jest oderwany i jednolicie płaski dźwięk oparty na emocjonalnym „chłodzie”. Trębacz Miles Davis, który był jednym z pierwszych wykonawców bebopu, który go uspokoił, stał się największym innowatorem gatunku. Jego nonet, który w latach 50. nagrał album „The Birth of Kula”, był ucieleśnieniem liryzmu i powściągliwości cool jazzu. Inni znani fajni muzycy jazzowi to trębacz Chet Baker, pianiści George Shearing, John Lewis, Dave Brubeck i Lenny Tristano, wibrafonista Milt Jackson i saksofoniści Stan Getz, Lee Konitz, Zoot Sims i Paul Desmond. Aranżatorzy wnieśli również znaczący wkład w ruch cool jazz, zwłaszcza Ted Dameron, Claude Thornhill, Bill Evans i saksofonista barytonowy Jerry Mulligan. Ich kompozycje skupiały się na instrumentalnej kolorystyce i powolności ruchu, na zamrożonej harmonii, tworzącej iluzję przestrzenności. Dissonance również odegrał rolę w ich muzyce, ale z łagodnym, wyciszonym charakterem. Format cool jazzu zostawił miejsce dla kilku dużych zespołów, takich jak nonets i tentets, które stały się bardziej powszechne w tym okresie niż we wczesnym okresie bebop. Kilku aranżerów eksperymentowało ze zmodyfikowaną oprzyrządowaniem, w tym ze stożkowym daszkiem, takim jak waltornia i tuba.

Jazz progresywny

Równolegle z pojawieniem się bebopu w środowisku jazzowym rozwija się nowy gatunek - jazz progresywny lub po prostu progresywny. Główną różnicą między tym gatunkiem jest chęć odejścia od zamrożonego stereotypu big bandów i przestarzałych, wysłużonych technik tzw. jazz symfoniczny, wprowadzony przez Paula Whitemana. W odróżnieniu od bopperów twórcy progresywni nie dążyli do radykalnego odrzucenia ówczesnych tradycji jazzowych. Chcieli raczej zaktualizować i udoskonalić frazy swingowe, wprowadzając do praktyki kompozytorskiej najnowsze osiągnięcia europejskiej symfonii w dziedzinie tonalności i harmonii.

Największy wkład w rozwój koncepcji progresywnych wniósł pianista i dyrygent Stan Kenton. Tak naprawdę od jego pierwszych utworów rozpoczął się progresywny jazz początku XX wieku. Brzmienie muzyki wykonywanej przez jego pierwszą orkiestrę było zbliżone do muzyki Rachmaninowa, a kompozycje nosiły cechy późnego romantyzmu. Jednak gatunkowo najbliżej był jazzowi symfonicznemu. Później, w latach powstawania słynnej serii jego albumów „Artistry”, elementy jazzu przestały odgrywać rolę kreowania koloru, a już organicznie przeplatały się z materiałem muzycznym. Wraz z Kentonem zasługa jego najlepszego aranżera, Pete'a Rugolo, ucznia Dariusa Millau. Współczesne (jak na tamte lata) brzmienie symfoniczne, specyficzna technika staccato w grze na saksofonach, odważne harmonie, częste sekundy i bloki, a także politonalność i jazzowa pulsacja rytmiczna - to cechy charakterystyczne tej muzyki, z którą Stan Kenton na długie lata zapisał się w historii jazzu. jako jeden z jego innowatorów, który znalazł wspólną platformę dla europejskiej kultury symfonicznej i elementów bebopowych, szczególnie widocznych w spektaklach, w których solowi instrumentaliści zdawali się przeciwstawiać dźwiękom reszty orkiestry. Należy również zaznaczyć, że Kenton w swoich kompozycjach przywiązywał dużą wagę do improwizacyjnych partii solistów, wśród których należy wymienić światowej sławy perkusistę Shelleya Maine, kontrabasistę Eda Safransky'ego, puzonistę Kay Winding, June Christie, jednego z najlepszych wokalistów jazzowych tamtych lat. Stan Kenton pozostał wierny wybranemu gatunkowi przez całą swoją karierę.

Oprócz Stana Kentona do rozwoju gatunku przyczynili się także ciekawi aranżatorzy i instrumentaliści Boyd Ryburn i Gil Evans. Swoją apoteozę rozwoju progressive, wraz ze wspomnianym już cyklem „Artistry”, można uznać za serię albumów nagranych przez big band Gil Evans wraz z zespołem Milesa Davisa w -tych latach, np. „Miles in front”, „Porgy and Bess” oraz „Spanish rysunki ". Na krótko przed śmiercią Miles Davis ponownie zwrócił się ku gatunkowi, nagrywając stare aranżacje Gila Evansa z big bandem Quincy Jonesa.

Hard bop

Hard bop (angielski - hard, hard bop) to rodzaj jazzu, który powstał w latach 50. XX wiek. od bop. Różni się wyrazistym, okrutnym rytmem, poleganiem na bluesie. Nawiązuje do stylów współczesnego jazzu. Mniej więcej w tym samym czasie, gdy cool jazz zapuścił korzenie na Zachodnim Wybrzeżu, muzycy jazzowi z Detroit, Filadelfii i Nowego Jorku zaczęli opracowywać mocniejsze, cięższe odmiany starej formuły bebop, zwanej Hard Bop lub Hard Bebop. Mocno przypominający tradycyjny bebop ze względu na swoją agresywność i wymagania techniczne, hard bop lat 50. i 60. mniej opierał się na standardowych formach piosenek, a bardziej skupiał się na elementach bluesowych i rytmicznej jeździe. Ogniste solo lub opanowanie improwizacji, wraz z silnym poczuciem harmonii, były cechami o pierwszorzędnym znaczeniu dla wykonawców instrumentów dętych, perkusja i fortepian stały się bardziej widoczne w sekcji rytmicznej, a bas zyskał bardziej płynny, funkowy charakter (zaczerpnięte z literatury muzycznej Marii Kolomiets )

Lad (modal) jazz

Soul jazz

Rowek

Groove, będący pochodną soul jazzu, rysuje melodie z nutami bluesowymi i wyróżnia się wyjątkową koncentracją rytmiczną. Groove, czasami określany również jako „funk”, skupia się na utrzymaniu ciągłego, charakterystycznego wzoru rytmicznego, doprawiając go lekkimi, instrumentalnymi, a czasem lirycznymi zdobieniami.

Utwory w stylu groove są pełne radosnych emocji, które zachęcają słuchaczy do tańca, zarówno w zwolnionym tempie, bluesie, jak iw szybkim tempie. Improwizacje solowe zachowują ścisłe posłuszeństwo rytmowi i zbiorowemu brzmieniu. Najbardziej znanymi przedstawicielami tego stylu są organiści Richard „Grove” Holmes i Shirley Scott, saksofonista tenorowy Gene Emmons i flecista / saksofonista altowy Leo Wright.

Free jazz

Saksofonista Ornette Coleman

Być może najbardziej kontrowersyjny ruch w historii jazzu powstał wraz z pojawieniem się free jazzu, czyli „New Thing”, jak go później nazwano. Chociaż elementy free-jazzu istniały w muzycznej strukturze jazzu na długo przed pojawieniem się samego terminu, najbardziej oryginalny jest on w „eksperymentach” innowatorów, takich jak Coleman Hawkins, P. Wee Russell i Lenny Tristano, ale dopiero pod koniec wieku dzięki staraniom takich pionierów jak saksofonista Ornette Coleman i pianista Cecil Taylor, ten trend ukształtował się jako niezależny styl.

To, co ci dwaj muzycy zrobili z innymi, w tym Johnem Coltrane'em, Albertem Eulerem i społecznościami, takimi jak Sun Ra Arkestra i grupa o nazwie The Revolutionary Ensemble, to szereg zmian strukturalnych. i wyczuciem muzyki. Wśród innowacji, które zostały wprowadzone z wyobraźnią i wielką muzykalnością, było odrzucenie progresji akordów, co pozwoliło muzyce podążać w dowolnym kierunku. Kolejna fundamentalna zmiana nastąpiła w obszarze rytmu, gdzie „swing” został zmieniony lub całkowicie zignorowany. Innymi słowy, pulsacja, metr i groove nie były już niezbędne w tej interpretacji jazzu. Kolejnym kluczowym elementem była atonalność. Teraz muzyczna wypowiedź nie była już oparta na zwykłym systemie tonalnym. Ostre, szczekające, konwulsyjne nuty całkowicie wypełniły ten nowy dźwiękowy świat.

Free jazz nadal istnieje jako realna forma ekspresji i w rzeczywistości nie jest już tak kontrowersyjnym stylem, jak był akceptowany u zarania jego powstania.

Twórczy

Powstanie ruchu Creative naznaczone zostało przenikaniem do jazzu elementów eksperymentalizmu i awangardy. Początek tego procesu częściowo zbiegł się z pojawieniem się free jazzu. Awangardowe elementy jazzowe, rozumiane jako zmiany i innowacje wprowadzane do muzyki, zawsze miały charakter „eksperymentalny”. Tak więc nowe formy eksperymentalizmu oferowane przez jazz lat 50., 60. i 70. były najbardziej radykalnym odejściem od tradycji, wprowadzającym do praktyki nowe elementy rytmu, tonalności i struktury, tak naprawdę muzyka awangardowa stała się synonimem form otwartych. które były trudniejsze do scharakteryzowania niż nawet free jazz. Z góry zaplanowana struktura powiedzeń zmieszana z wolniejszymi solowymi frazami, po części przypominająca free jazz. Elementy kompozycyjne tak połączyły się z improwizacją, że trudno było określić, gdzie kończy się pierwsza, a zaczyna druga. struktura utworów została zaprojektowana tak, aby solówki były wytworem aranżacji, logicznie prowadząc proces muzyczny do tego, co normalnie byłoby postrzegane jako forma abstrakcji, a nawet chaosu.W temacie muzycznym można było włączyć rytmy swingowe, a nawet melodie, ale nie było to wcale konieczne. pionierami tego nurtu powinno być pianino Ista Lenny Tristano, saksofonista Jimmy Joffrey i kompozytor / aranżer / dyrygent Gunther Schuller. Wśród nowszych mistrzów są pianiści Paul Blay i Andrew Hill, saksofoniści Anthony Braxton i Sam Rivers, perkusiści Sunny Murray i Andrew Cyrill oraz członkowie społeczności AACM (Association for the Advancement of Creative Musicians), takiej jak Art Ensemble of Chicago.

Połączenie

Zaczynając nie tylko od fuzji jazzu z popem i rock-x, ale także od muzyki wywodzącej się z takich dziedzin jak soul, funk i rhythm and blues, w końcu pojawiła się fusion (czy dosłownie fusion), jako gatunek muzyczny - x, początkowo nazywany jazz rockiem. Poszczególni muzycy i zespoły, takie jak gitarzysta „Eleventh House” Larry Coryell, perkusista „Lifetime” Tony Williams i Miles Davis, przewodzili temu trendowi, wprowadzając elementy takie jak elektronika, rockowe rytmy i rozszerzone utwory, eliminując większość to, na czym jazz „stał” od samego początku, czyli swing beat, oparty przede wszystkim na muzyce bluesowej, którego repertuar obejmował zarówno materiał bluesowy, jak i popularne standardy. Termin fusion pojawił się wkrótce po pojawieniu się różnych orkiestr, takich jak Orkiestra Mahavishnu, Weather Report i zespół Return To Forever Chiki Corea. W całej muzyce tych zespołów nacisk kładziony był na improwizację i melodię, co mocno łączyło ich praktykę z historią jazzu, mimo przeciwników, którzy twierdzili, że są „wyprzedane” kupcom za muzykę. W rzeczywistości, kiedy słucha się dziś tych wczesnych eksperymentów, nie wydają się one komercyjne, zapraszając słuchacza do udziału w tym, co było muzyką o wysoce rozwiniętej, dialogicznej naturze. W połowie lat fusion przekształciło się w łatwą do słuchania i / lub muzykę rytmiczną i bluesową. Kompozycyjnie lub pod względem wykonawczym stracił znaczną część swojej ostrości, a nawet całkowicie stracił. W latach 80. muzycy jazzowi przekształcili muzyczną formę fusion w prawdziwie ekspresyjne medium. Artyści tacy jak perkusista Ronald Shannon Jackson, gitarzyści Pat Metheny, John Scofield, John Abercrombie i James „Blood” Ulmer, a także jako stary saksofonista / trębacz Ornette Coleman twórczo opanował tę muzykę w różnych wymiarach.

Postbop

Perkusista Art Blakey

Okres post-bop obejmuje muzykę wykonywaną przez muzyków jazzowych, którzy nadal tworzyli na polu bebopu, wymykając się eksperymentom z free jazzem, które rozwinęły się w tym samym okresie lat sześćdziesiątych. Forma ta, podobnie jak wspomniany wcześniej hard bop, opierała się na rytmach, strukturze zespołu i energii bebopu, na tych samych kombinacjach dętych i na tym samym repertuarze muzycznym, w tym z wykorzystaniem elementów łacińskich. To, co wyróżniało muzykę post-bopową, to wykorzystanie elementów funk, groove czy soulu, przekształconych w duchu nowej ery, naznaczonej dominacją muzyki pop, która często eksperymentuje z blues rockiem. Mistrzowie tacy jak saksofonista Hank Mobley, pianista Horace Silver, perkusista Art Blakey i trębacz Lee Morgan zaczęli tę muzykę w połowie lat i przewidzieli dominującą obecnie formę jazzu. Wraz z prostszymi melodiami i bardziej uduchowionym beatem, słuchacz mógł usłyszeć tu ślady mieszanego gospel i rhythm and bluesa. Styl ten, który uległ pewnym zmianom w latach XX wieku, został w pewnym stopniu wykorzystany do stworzenia nowych struktur jako element kompozycyjny. Saksofonista Joe Henderson, pianista McCoy Tyner, a nawet tak wybitny bopper jak Dizzy Gillespie stworzyli muzykę tego gatunku, która była zarówno ludzka, jak i harmonijnie interesująca. Jednym z najważniejszych kompozytorów, którzy wyłonili się w tym okresie, był saksofonista Wayne Shorter. Shorter, po ukończeniu szkoły z zespołem Art Blakey, nagrał pod własnym nazwiskiem kilka mocnych albumów. Wraz z klawiszowcem Herbie'em Hancockiem, Shorter pomógł Milesowi Davisowi stworzyć kwintet w latach (najbardziej eksperymentalnym i wpływowym zespołem postbopowym w latach był Davis Quintet z udziałem Johna Coltrane'a), który stał się jednym z najważniejszych zespołów w historii jazzu.

Acid jazz

Manush jazzowy

Rozpowszechnianie jazzu

Jazz zawsze wzbudzał zainteresowanie muzyków i słuchaczy na całym świecie, niezależnie od ich narodowości. Wystarczy prześledzić wczesną twórczość trębacza Dizzy'ego Gillespiego i jego syntezę tradycji jazzowych z muzyką ciemnoskórych Kubańczyków w XIX lub późniejszym połączeniu jazzu z muzyką japońską, euroazjatycką i bliskowschodnią, znaną z twórczości pianisty Dave'a Brubecka, a także u genialnego kompozytora i lidera jazzu. Duke Ellington Orchestra, łącząca muzyczne dziedzictwo Afryki, Ameryki Łacińskiej i Dalekiego Wschodu. Jazz nieustannie wchłaniał nie tylko zachodnie tradycje muzyczne. Na przykład, gdy różni artyści zaczęli próbować pracować z elementami muzycznymi Indii. Przykład tego wysiłku można usłyszeć w nagraniach flecisty Paula Horna w Taj Mahal, czy w nurcie „światowej muzyki” prezentowanym np. Przez zespół Oregon czy projekt Johna McLaughlin Shakti. W muzyce McLaughlina, niegdyś opartej głównie na jazzie, podczas współpracy z Shakti zaczęto wykorzystywać nowe instrumenty pochodzenia indyjskiego, takie jak hatama czy tabla, zabrzmiały zawiłe rytmy i szeroko wykorzystywana była forma indyjskiej ragi. Art Ensemble of Chicago był jednym z pierwszych pionierów łączenia form afrykańskich i jazzowych. Później świat poznał saksofonistę / kompozytora Johna Zorna i jego eksplorację żydowskiej kultury muzycznej, zarówno w ramach Orkiestry Masada, jak i poza nią. Utwory te zainspirowały grupy innych muzyków jazzowych, takich jak klawiszowiec John Medeski, który nagrywał z afrykańskim muzykiem Salifem Keitą, gitarzystą Markiem Ribotem i basistą Anthonym Colemanem. Trębacz Dave Douglas zainspirował do swojej muzyki wpływy bałkańskie, a azjatycko-amerykańska orkiestra jazzowa stała się czołowym orkiestrą konwergencji jazzu i azjatyckich form muzycznych. Wraz z postępującą globalizacją świata w jazzie nieustannie odczuwa się wpływ innych tradycji muzycznych, dostarczając dojrzałego pożywienia dla przyszłych badań i udowadniając, że jazz to prawdziwie muzyka świata.

Jazz w ZSRR i Rosji

Pierwszy w RFSRR
ekscentryczna orkiestra
zespół jazzowy Valentin Parnakh

W świadomości masowej jazz zaczął zyskiwać na popularności w latach 30., w dużej mierze dzięki leningradzkiemu zespołowi, na którego czele stał aktor i piosenkarz Leonid Utyosov oraz trębacz Y.B. Skomorovsky. Popularny film komediowy z jego udziałem „Funny Fellows” (1934, pierwotna nazwa „Jazz Comedy”) był poświęcony historii muzyka jazzowego i miał odpowiednią ścieżkę dźwiękową (napisaną przez Isaaca Dunaevsky'ego). Utesov i Skomorovsky stworzyli oryginalny styl „tea-jazz” (teatralny jazz), oparty na mieszance muzyki z teatrem, operetką, numerami wokalnymi i elementem wykonawczym.

Znaczący wkład w rozwój radzieckiego jazzu wniósł Eddie Rosner, kompozytor, muzyk i lider orkiestry. Rozpoczynając karierę w Niemczech, Polsce i innych krajach Europy, Rosner przeniósł się do ZSRR i stał się jednym z pionierów swingu w ZSRR oraz pionierem białoruskiego jazzu. Moskiewskie zespoły lat 30. i 40., na czele z Aleksandrem Tsfasmanem i Aleksandrem Varlamovem, również odegrały ważną rolę w popularyzacji i opanowaniu stylu swingu. Orkiestra jazzowa All-Union Radio pod dyrekcją A. Varlamova wzięła udział w pierwszym radzieckim programie telewizyjnym. Orkiestra Olega Lundstrema okazała się jedyną ocalałą od tamtej pory obsadą. Ten znany dziś big band był jednym z nielicznych i najlepszych zespołów jazzowych rosyjskiej diaspory, występującym w latach 1935-1947. w Chinach.

Stosunek władz sowieckich do jazzu był niejednoznaczny: krajowi wykonawcy jazzowi z reguły nie byli objęci zakazem, ale ostra krytyka jazzu jako takiego była powszechna w kontekście sprzeciwu wobec kultury zachodniej w ogóle. Pod koniec lat czterdziestych, podczas walki z kosmopolityzmem, jazz w ZSRR przeżywał szczególnie trudny okres, kiedy prześladowano kolektywy wykonujące muzykę „zachodnią”. Wraz z początkiem „odwilży” ustały prześladowania muzyków, ale krytyka trwała.

Według badań profesora historii i kultury amerykańskiej Penny Van Eschen, Departament Stanu USA próbował wykorzystać jazz jako ideologiczną broń przeciwko ZSRR i ekspansji wpływów ZSRR w Trzecim Świecie.

Pierwsza książka o jazzie w ZSRR została wydana przez leningradzkie wydawnictwo Academia w 1926 roku. Został opracowany przez muzykologa Siemiona Ginzburga na podstawie tłumaczeń artykułów zachodnich kompozytorów i krytyków muzycznych, a także jego własnych materiałów i nosi tytuł „ Zespół jazzowy i muzyka współczesna» .
Kolejna książka o jazzie ukazała się w ZSRR dopiero na początku lat sześćdziesiątych. Został napisany przez Valery Mysovsky i Vladimir Feiertag, zatytułowany „ Jazz„I była w istocie kompilacją informacji, które można było uzyskać z różnych źródeł w tamtym czasie. Od tego czasu rozpoczęto prace nad pierwszą encyklopedią jazzu w języku rosyjskim, która ukazała się dopiero w 2001 roku w petersburskim wydawnictwie „Scythia”. Encyklopedia „ Jazz. XX wiek. Odniesienie encyklopedyczne”Został przygotowany przez jednego z najbardziej szanowanych krytyków jazzowych Vladimira Feiertaga, zawierał ponad tysiąc nazwisk osobowości jazzowych i został jednogłośnie uznany za główną rosyjskojęzyczną książkę o jazzie. W 2008 roku druga edycja encyklopedii „ Jazz. Odniesienie encyklopedyczne”, Gdzie historia jazzu toczyła się już do XXI wieku, dodano setki rzadkich fotografii, a lista nazwisk jazzu powiększyła się o prawie jedną czwartą.

Jazz latynoamerykański

Mieszanka latynoskich elementów rytmicznych jest obecna w jazzie niemal od samego początku mieszania się kultur, które narodziło się w Nowym Orleanie. Jelly Roll Morton mówił o „hiszpańskich odcieniach” w swoich nagraniach z połowy i późnych lat. Duke Ellington i inni liderzy zespołów jazzowych również używali form łacińskich. Główny (choć nie powszechnie rozpoznawany) pionier latynoskiego jazzu, trębacz / aranżer Mario Bausa w latach dwudziestych XX wieku przeniósł kubańską orientację z rodzinnej Hawany do Chick Webb Orchestra, a dekadę później przeniósł ten kierunek do brzmień orkiestr Don Redman, Fletcher Henderson i Cab Kelloway. Współpracując z trębaczem Dizzy Gillespie w Kellowway Orchestra od późnych lat, Bausa wprowadził kierunek, z którego istniały już bezpośrednie powiązania z dużymi zespołami Gillespie z połowy lat. Ten „romans” Gillespiego z latynoskimi formami muzycznymi trwał do końca jego długiej kariery. In -e Bausa kontynuował karierę, stając się dyrektorem muzycznym afro-kubańskiej orkiestry Machito, której frontmanem był jego szwagier, perkusista Frank Grillo, nazywany Machito. Lata pięćdziesiąte i sześćdziesiąte to nieustanny flirt jazzu z rytmami latynoskimi, głównie w kierunku bossa novy, wzbogacając tę \u200b\u200bsyntezę o brazylijskie elementy samby. Łącząc styl cool jazzu wypracowany przez muzyków z Zachodniego Wybrzeża, europejską klasyczną proporcję i uwodzicielskie brazylijskie rytmy, bossa nova, a właściwie „jazz brazylijski”, zyskała dużą popularność w całych Stanach Zjednoczonych. Subtelne, ale hipnotyczne rytmy gitary akustycznej podkreślały proste melodie śpiewane w języku portugalskim i angielskim. Otwarty przez Brazylijczyków João Gilberto i Antonio Carlosa Jobina, styl ten stał się taneczną alternatywą dla hard bopu i free jazzu w latach 80., znacznie zwiększając swoją popularność dzięki nagraniom i występom muzyków z Zachodniego Wybrzeża, w szczególności gitarzysty Charliego Byrda i saksofonisty Stana Goetza. Muzyczny tygiel wpływów latynoskich rozprzestrzenił się w całym jazzie i poza nim, w latach XX i XX wieku, obejmując nie tylko orkiestry i zespoły z najlepszymi latynoamerykańskimi improwizatorami, ale także łącząc lokalnych i latynoskich wykonawców, tworząc przykłady najbardziej ekscytującej muzyki scenicznej. Ten nowy latynoski renesans jazzowy był napędzany ciągłym napływem zagranicznych wykonawców spośród kubańskich uciekinierów, takich jak trębacz Arturo Sandoval, saksofonista i klarnecista Paquito D'Rivera i inni. którzy uciekli przed reżimem Fidela Castro w poszukiwaniu szerszych możliwości, jakie mieli nadzieję znaleźć w Nowym Jorku i na Florydzie. Istnieje również opinia, że \u200b\u200bintensywniejsze, bardziej taneczne właściwości polirytmicznej muzyki latynoskiego jazzu znacznie rozszerzyły jazzową publiczność. To prawda, zachowując tylko minimum intuicji dla intelektualnej percepcji.