Sztuka ciągle się rozwija, podobnie jak cały świat wokół nas. Współcześni artyści XXI wieku i ich obrazy wcale nie przypominają tych, które istniały w średniowieczu, w renesansie. Pojawiają się nowe nazwy, materiały, gatunki, sposoby wyrażania talentów. W tym rankingu spotkamy dziesięciu nowatorskich artystów naszych czasów.

10. Pedro Campos.Na dziesiątym miejscu jest Hiszpan, którego pędzel może spokojnie konkurować z aparatem, pisze takie realistyczne płótna. W większości tworzy martwe natury, ale niesamowity zachwyt to nie tyle tematyka jego obrazów, ile mistrzowskie wcielenie. Faktura, rozjaśnienia, głębia, perspektywa, objętość - to wszystko Pedro Campos podporządkował swojemu pędzlowi, aby rzeczywistość, a nie fikcja, patrzyła na widza z płótna. Bez ozdób, bez romantyzmu, tylko rzeczywistość, takie jest znaczenie gatunku fotorealizmu. Nawiasem mówiąc, artysta zdobył swoją dbałość o szczegóły i skrupulatność w pracy konserwatora zabytków.

9. Richard Estes.Inny miłośnik gatunku fotorealizmu, Richard Estes, zaczynał od zwykłego malarstwa, ale później zajął się rysowaniem pejzaży miejskich. Dzisiejsi artyści i ich kreacje nie muszą się do nikogo dostosowywać, a to świetnie, każdy może wyrazić siebie tak, jak chce, w tym, czego chce. Podobnie jak w przypadku Pedro Camposa, prace tego mistrza można łatwo pomylić ze zdjęciami, miasto z nich jest tak podobne do prawdziwego. Rzadko można zobaczyć ludzi na obrazach Estes, ale prawie zawsze są tam odbicia, rozjaśnienia, równoległe linie i idealna, idealna kompozycja. W ten sposób nie tylko szkicuje pejzaż, ale odnajduje w nim doskonałość i stara się to pokazać.

8. Kevin Sloane.Współczesnych artystów XXI wieku i ich obrazów jest niesamowicie wielu, ale nie każdy z nich jest wart uwagi. Amerykanin Kevin Sloan stoi, bo jego prace zdają się przenosić widza w inny wymiar, świat pełen alegorii, ukrytych znaczeń, metaforycznych tajemnic. Artysta uwielbia malować zwierzęta, ponieważ jego zdaniem uzyskuje w ten sposób więcej swobody niż ludziom w przekazywaniu historii. Sloane od prawie 40 lat tworzy swoją „sztuczną rzeczywistość” za pomocą ropy naftowej. Bardzo często na płótnach pojawiają się zegarki: patrzy na nie słoń lub ośmiornica, obraz ten można zinterpretować jako upływający czas lub ograniczenie życia. Każdy z obrazów Sloane jest niesamowity, chcesz się dowiedzieć, co autor chciał jej przekazać.

7. Laurent Parsellier.Malarz ten należy do tych współczesnych artystów XXI wieku, których obrazy zostały rozpoznane już na studiach. Talent Laurenta przejawiał się w wydanych albumach pod ogólnym tytułem „Strange World”. Maluje olejami, ma lekkie maniery, ma tendencję do realizmu. Cechą charakterystyczną prac artysty jest obfitość światła, które zdaje się wylewać z płótna. Z reguły przedstawia krajobrazy, niektóre rozpoznawalne miejsca. Wszystkie prace są niezwykle lekkie i przewiewne, pełne słońca, świeżości, oddechu.

6. Jeremy Mann.Pochodzący z San Francisco, kochał swoje miasto, najczęściej przedstawiał je na obrazach. Współcześni artyści XXI wieku mogą znaleźć inspirację do swoich obrazów wszędzie: w deszczu, mokrym chodniku, neonach, miejskich światłach. Jeremy Mann nasyca proste krajobrazy nastrojem, historią, eksperymentami z technikami i doborem kolorów. Głównym materiałem Manna jest ropa.

5. Hans Rudolf Giger.Na piątym miejscu jest niepowtarzalny, niepowtarzalny Hans Giger, twórca Obcego z filmu o tym samym tytule. Dzisiejsi artyści i ich dzieła są różnorodni, ale każdy jest genialny na swój sposób. Ten ponury Szwajcar nie maluje przyrody i zwierząt, bardziej interesuje go malarstwo „biomechaniczne”, w którym celował. Niektórzy porównują artystę do Boscha w ponurości i fantastyczności jego płócien. Chociaż obrazy Gigera emanują czymś nieziemskim, niebezpiecznym, nie można mu odmówić techniki, umiejętności: przywiązuje wagę do szczegółów, poprawnie dobiera odcienie, przemyśla wszystko w najdrobniejszych szczegółach.

4. Will Barnett.Artysta ma własny, niepowtarzalny styl autora, dlatego jego prace są chętnie przyjmowane przez wielkie muzea świata: Metropolitan Museum, National Gallery of Art, British Museum, Ashmolean Museum, Watykan. Współcześni artyści XXI wieku i ich dzieła, aby zostać rozpoznanymi, muszą wyróżniać się z tłumu. Will Barnett może to zrobić. Jego prace są graficzne i kontrastowe, często przedstawia koty, ptaki, kobiety. Na pierwszy rzut oka obrazy Barnetta są proste, ale po dokładniejszym zbadaniu zdajesz sobie sprawę, że ich geniusz tkwi właśnie w tej prostocie.

3. Neil Simon.To jeden ze współczesnych artystów XXI wieku, którego prace nie są tak proste, jak się wydaje na pierwszy rzut oka. To tak, jakby zmyły się granice między fabułami i dziełami Neila Simona, przepływają one z jednej na drugą, wabią sobą widza i wciągają w iluzoryczny świat artysty. Kreacje Simona charakteryzują się jasnymi, nasyconymi kolorami, co dodaje im energii i siły, wywołuje emocjonalną reakcję. Mistrz uwielbia bawić się perspektywą, rozmiarem przedmiotów, niecodziennymi zestawieniami i nieoczekiwanymi kształtami. W pracach artysty jest dużo geometrii, która łączy się z naturalnymi krajobrazami, jakby pękając do środka, ale nie niszcząc, ale harmonijnie się uzupełniając.

2. Igor Morski.Dzisiejszego artystę XXI wieku i jego obrazy często porównuje się do wielkiego geniusza Salvadora Dali. Prace polskiego mistrza są nieprzewidywalne, tajemnicze, ekscytujące, wywołują silną reakcję emocjonalną, a miejscami są szalone. Jak każdy inny surrealista nie stara się pokazać rzeczywistości taką, jaka jest, ale pokazuje aspekty, których nigdy nie zobaczymy w życiu. Najczęściej głównym bohaterem prac Morskiego jest człowiek ze wszystkimi swoimi lękami, pasjami, wadami. Również metafory prac tego surrealistki często odwołują się do władzy. Oczywiście nie jest to artysta, którego prace wieszasz nad łóżkiem, ale ten, na którego wystawę zdecydowanie powinieneś się wybrać.

1. Yayoi Kusama... Tak więc na pierwszym miejscu w naszej ocenie jest japońska artystka, która odniosła niesamowity sukces na całym świecie, mimo że ma jakąś chorobę psychiczną. Główną cechą artysty są kropki. Wszystko, co widzi, zakrywa okręgami o różnych kształtach i rozmiarach, nazywając wszystkie te sieci nieskończoności. Interaktywne wystawy i instalacje Kusamy są sukcesem, bo każdy chce czasem (nawet jeśli się do tego nie przyznaje) znaleźć się w psychodelicznym świecie halucynacji, dziecięcej spontaniczności, fantazji i kolorowych kręgów. Wśród współczesnych artystów XXI wieku i ich obrazów najlepiej sprzedaje się Yayoi Kusama.

Ranking najdroższych dzieł żyjących artystów to konstrukcja, która dużo mniej mówi o roli i miejscu artysty w historii sztuki niż o wieku i zdrowiu.

Zasady sporządzania naszej oceny są proste: po pierwsze, brane są pod uwagę tylko transakcje z pracami żyjących autorów; po drugie, liczy się tylko sprzedaż na aukcjach publicznych; i po trzecie, obowiązuje zasada „jeden artysta - jedno dzieło” (jeśli w rankingu prac dwie płyty należą do Jonesa, to tylko najdroższe pozostają, a reszta nie jest brana pod uwagę). Ranking prowadzony jest w dolarach (po kursie z dnia sprzedaży).

1. JEFF KOONS Rabbit. 1986. 91 075 milionów dolarów

Im dłużej oglądasz karierę aukcyjną Jeffa Koonsa (1955), tym bardziej przekonujesz się, że nie ma rzeczy niemożliwych dla pop-artu. Możesz podziwiać rzeźby Koonsa w postaci zabawek z balonów lub możesz uznać je za kiczowate i bez smaku - twoje prawo. Jednej rzeczy nie można zaprzeczyć: instalacje Jeffa Koonsa kosztują szalone pieniądze.

Jeff Koons rozpoczął swoją podróż do sławy jako żyjący artysta odnoszący największe sukcesy w 2007 roku, kiedy jego gigantyczna metalowa instalacja „Wisiorek Serce” została kupiona za 23,6 miliona dolarów na aukcji Sotheby's. Praca została kupiona przez galerię Larry'ego Gagosiana reprezentującą Koonsa (w prasa pisała, że \u200b\u200bleżało to w interesie ukraińskiego miliardera Wiktora Pinczuka.) Galeria zyskała nie tylko instalację, ale w rzeczywistości sztukę jubilerską, mimo że praca nie została wykonana ze złota (materiał to stal nierdzewna), a rozmiar jest wyraźnie większy niż zwykły wisiorek 2,7 mi waży 1600 kg), ale ma podobny cel: stworzenie kompozycji z sercem pokrytym dziesięcioma warstwami farby zajęło ponad sześć i pół tysiąca godzin.

Potem nastąpiła sprzedaż Purple Balloon Flower za 12,92 miliona funtów (25,8 miliona dolarów) na aukcji Christie’s London 30 czerwca 2008 roku. Co ciekawe, siedem lat wcześniej poprzedni właściciele „Tsvetki” kupili dzieło za 1,1 mln dol. Łatwo obliczyć, że w tym czasie jego cena rynkowa wzrosła prawie 25-krotnie.

Recesja na rynku sztuki w latach 2008-2009 dała sceptykom powód do plotek, że moda na Koons minęła. Ale mylili się: wraz z rynkiem sztuki odżyło zainteresowanie dziełami Koonsa. Następca Andy'ego Warhola na tronie King of Pop Art odnowił swój życiowy rekord w listopadzie 2012 r., Sprzedając w Christie’s wielokolorową rzeźbę „Tulipany” z serii „Celebration” za 33,7 miliona dolarów, łącznie z prowizją.

Ale „tulipany” były „kwiatami” w sensie dosłownym i przenośnym. Zaledwie rok później, w listopadzie 2013 r., Nastąpiła sprzedaż rzeźby ze stali nierdzewnej „Pies balon (pomarańczowy)”: młotek kosztował aż 58,4 miliona dolarów! Fantastyczna suma dla żyjącego artysty. Dzieło współczesnego artysty zostało sprzedane za cenę obrazu Van Gogha lub Picassa. To już były jagody ...

Z tym wynikiem Koons od kilku lat utrzymuje się na szczycie rankingu żyjących artystów. W listopadzie 2018 roku został krótko wyprzedzony przez Davida Hockneya (patrz druga linia naszej oceny). Ale zaledwie sześć miesięcy później wszystko wróciło do normy: 15 maja 2019 roku w Nowym Jorku na aukcji sztuki powojennej i współczesnej Christie's wystawił na sprzedaż podręcznikową rzeźbę dla Koonsa z 1986 roku - srebrzystego „Królika” ze stali nierdzewnej, imitującego balon o podobnym kształcie.

W sumie Koons stworzył 3 takie rzeźby oraz jedną kopię autorską. Do aukcji trafił egzemplarz „Królika” pod numerem 2 - z kolekcji kultowego wydawcy Cy Newhouse, współwłaściciela wydawnictwa Conde Nast (czasopisma Vogue, Vanity Fair, Glamour, GQ itp.). Srebrny „Królik” został kupiony przez „ojca przepychu” Sai Newhouse w 1992 roku za imponującą jak na tamte lata sumę - 1 milion dolarów. Po 27 latach w walce o 10 oferentów młotek rzeźbiarski był 80 razy wyższy od poprzedniej ceny sprzedaży. A biorąc pod uwagę prowizję Kupującego Premium, ostateczny wynik wyniósł 91,075 mln dolarów dla wszystkich żyjących artystów.

2. DAVID HOCKNEY Portret artysty. Basen z dwiema postaciami. 1972. 90,312,500 $

David Hockney (1937) jest jednym z najważniejszych brytyjskich malarzy XX wieku. W 2011 roku David Hockney został uznany za najbardziej wpływowego brytyjskiego artystę wszechczasów w ankiecie przeprowadzonej wśród tysięcy profesjonalnych brytyjskich malarzy i rzeźbiarzy. W tym samym czasie Hockney ominął takich mistrzów jak William Turner i Francis Bacon. Jego twórczość jest zwykle przypisywana pop-artowi, chociaż we wczesnych pracach skłaniał się bardziej w stronę ekspresjonizmu w duchu Francisa Bacona.

David Hockney urodził się i wychował w Anglii, w Yorkshire. Matka przyszłego artysty utrzymywała rodzinę w purytańskiej surowości, a jego ojciec, prosty księgowy, który malował trochę na poziomie amatorskim, zachęcał syna do malowania. Po dwudziestce David wyjechał do Kalifornii, gdzie mieszkał łącznie przez około trzy dekady. Nadal ma tam dwa warsztaty. Hockney uczynił bohaterów swoich dzieł miejscowymi bogaczami, ich wille, baseny, trawniki skąpane w kalifornijskim słońcu. Jedno z jego najsłynniejszych dzieł z okresu amerykańskiego - obraz „Splash” - przedstawia snop rozprysków, który uniósł się z basenu po tym, jak ktoś wskoczył do wody. Aby przedstawić ten snop „żyjący” nie dłużej niż dwie sekundy, Hockney pracował przez dwa tygodnie. Nawiasem mówiąc, w 2006 roku ten obraz został sprzedany w Sotheby's za 5,4 miliona dolarów i przez pewien czas był uważany za jego najdroższe dzieło.

Hockney (1937) ma już ponad osiemdziesiąt lat, ale nadal pracuje, a nawet wymyśla nowe techniki artystyczne, wykorzystując innowacje techniczne. Kiedyś wpadł na pomysł zrobienia ogromnych kolaży ze zdjęć polaroidowych, swoje prace drukował na faksach, a dziś artysta z entuzjazmem opanowuje rysunek na iPadzie. Obrazy narysowane na tablecie zajmują godne miejsce na jego wystawach.

W 2005 roku Hockney w końcu wrócił ze Stanów do Anglii. Obecnie maluje w plenerze iw pracowni ogromne (często składające się z kilku części) krajobrazy tutejszych lasów i nieużytków. Według Hockneya przez 30 lat spędzonych w Kalifornii stał się tak nieprzyzwyczajony do prostej zmiany pór roku, że naprawdę go podziwia i oczarowuje. Całe cykle jego ostatnich prac poświęcone są na przykład temu samemu krajobrazowi o różnych porach roku.

W 2018 roku ceny obrazów Hockneya kilkakrotnie osiągnęły poziom 10 milionów dolarów. 15 listopada 2018 roku Christie's zarejestrowała nowy absolutny rekord w pracy żywego artysty - 90 312 500 USD za obraz „Portret artysty (basen z dwiema figurami)”.

3. GERHARD RICHTER Malarstwo abstrakcyjne. 1986. 46,3 miliona dolarów

Żyjący klasyk Gerhard Richter (1932) zajmuje drugie miejsce w naszym rankingu. Niemiecki artysta był liderem wśród żyjących kolegów aż do 58-milionowego przeboju Jeffa Koonsa. Ale jest mało prawdopodobne, aby ta okoliczność zachwiała już żelaznym autorytetem Richtera na rynku sztuki. Pod koniec 2012 roku roczny obrót aukcyjny niemieckiego artysty ustępuje tylko Andy Warholowi i Pablo Picasso.

Przez wiele lat nic nie zapowiadało sukcesu, jaki spotkał Richtera. Artysta przez dziesięciolecia zajmował skromne miejsce na rynku sztuki współczesnej i wcale nie zabiegał o sławę. Można powiedzieć, że chwała go ogarnęła. Wielu uważa zakup serii prac Richtera „18 października 1977” przez nowojorskie Muzeum MoMA w 1995 roku za punkt wyjścia. Muzeum Amerykańskie zapłaciło 3 miliony dolarów za 15 obrazów w odcieniach szarości i wkrótce pomyślało o zorganizowaniu pełnoprawnej retrospektywy niemieckiego artysty. Wspaniała wystawa została otwarta sześć lat później, w 2001 roku i od tego czasu zainteresowanie twórczością Richtera gwałtownie wzrosło. W latach 2004-2008 ceny jego obrazów potroiły się. W 2010 roku prace Richtera przyniosły już 76,9 mln dol., W 2011 r., Jak podaje portal Artnet, prace Richtera na aukcjach zarobiły łącznie 200 mln dol., Aw 2012 r. (Według Artprice) - 262,7 mln dol. - ponad dzieło innego żyjącego artysty.

O ile na przykład przytłaczającemu sukcesowi aukcyjnemu Jaspera Johnsa towarzyszą głównie tylko wczesne dzieła, tak ostry podział nie jest typowy dla dzieł Richtera: równie stabilny jest popyt na rzeczy z różnych okresów twórczych, których w karierze Richtera było bardzo wiele. W ciągu ostatnich sześćdziesięciu lat artysta próbował swoich sił w prawie wszystkich tradycyjnych gatunkach malarstwa - portrecie, pejzażu, przystani, akty, martwa natura i oczywiście abstrakcja.

Historia rekordów aukcyjnych Richtera rozpoczęła się od serii martwych natur „Świece”. 27 fotorealistycznych obrazów świec z wczesnych lat 80., w momencie ich powstawania, kosztowało zaledwie 15 000 marek niemieckich (5800 USD) za pracę. Ale nadal nikt nie kupił "Świeczek" na ich pierwszej wystawie w Max Hetzler Gallery w Stuttgarcie. Wtedy temat obrazów nazwano staromodnym; dziś „świece” są uważane za dzieła wszechczasów. Kosztują miliony dolarów.

W lutym 2008 r. „Świeca”, napisany w 1983 roku, został nieoczekiwanie kupiony za £ 7,97 mln (16 mln USD)... Ten osobisty rekord trwał trzy i pół roku. Następnie w październiku 2011 inny „Świeczka” (1982) poszedł pod młotek w Christie's za funty 10,46 mln (16,48 mln USD)... Dzięki tej płycie Gerhard Richter po raz pierwszy znalazł się w pierwszej trójce najbardziej utytułowanych żyjących artystów, zajmując miejsce za Jasperem Johnsem i Jeffem Koonsem.

Następnie rozpoczęła się zwycięska procesja „Abstract Pictures” Richtera. Artysta pisze takie prace w wyjątkowej autorskiej technice: na jasne tło nakłada mieszaninę prostych farb, a następnie za pomocą długiej skrobaczki wielkości zderzaka samochodowego rozmazuje je na płótnie. Daje to skomplikowane przejścia kolorów, plamy i paski. Badanie powierzchni jego "Abstrakcji" przypomina wykopaliska: na nich ślady rozmaitych "postaci" przebijają się przez pęknięcia wielu warstw farby.

9 listopada 2011 na aukcji wielkoformatowej sztuki nowoczesnej i powojennej Sotheby's „Malarstwo abstrakcyjne (849-3)” 1997 przeszedł pod młotek 20,8 mln $ (13,2 mln £)... A sześć miesięcy później 8 maja 2012 na aukcji powojennej i współczesnej sztuki Christie's w Nowym Jorku „Malarstwo abstrakcyjne (798-3)” 1993 stał się rekordem 21,8 miliona dolarów (w tym prowizja). Pięć miesięcy później - znowu rekord: „Malarstwo abstrakcyjne (809-4)” z kolekcji muzyka rockowego Erica Claptona 12 października 2012 roku na aukcji Sotheby's w Londynie trafiła pod młotek za £ 21,3 mln (34,2 mln USD)... 30-milionową barierę Richter pokonał z taką łatwością, jakbyśmy nie mówili o współczesnym malarstwie, ale o arcydziełach, które mają nie mniej niż sto lat. Choć w przypadku Richtera wydaje się, że włączenie „wielkich” do panteonu nastąpiło za życia artysty. Ceny za pracę Niemców nadal rosną.

Następny rekord Richtera należał do fotorealistycznej pracy - pejzażu „Plac Katedralny, Mediolan (Domplatz, Mailand)” 1968. Praca została sprzedana za 37,1 mln na aukcji Sotheby's 14 maja 2013... Widok najpiękniejszego placu został namalowany przez niemieckiego artystę w 1968 roku na zamówienie Siemens Electro, specjalnie dla biura firmy w Mediolanie. W momencie pisania było to największe dzieło figuratywne Richtera (prawie trzy na trzy metry).

Rekord „Placu Katedralnego” trwał prawie dwa lata 10 lutego 2015 nie przeszkadzał mu "Malarstwo abstrakcyjne" (1986): cena młotkowa osiąga £ 30,389 mln (46,3 mln USD)... Wystawione na aukcji w Sotheby’s „Malarstwo abstrakcyjne” o wymiarach 300,5 × 250,5 cm to jedno z pierwszych dzieł Richtera na dużą skalę wykonanych w specjalnej autorskiej technice zdrapywania warstw farby. Ostatni raz w 1999 roku „Malarstwo abstrakcyjne” zostało zakupione na aukcji za 607 tys. Dolarów (od tego roku do bieżącej sprzedaży praca była wystawiana w Muzeum Ludwiga w Kolonii). Na aukcji w dniu 10 lutego 2015 r. Pewien amerykański klient, po 2 milionach funtów, osiągnął młotkową cenę 46,3 miliona dolarów, czyli od 1999 r. Cena dzieła wzrosła ponad 76 razy!

4. TSUI ZHUZHO „Wielkie góry pokryte śniegiem”. 2013. 39 577 milionów dolarów

Przez długi czas nie śledziliśmy uważnie rozwoju sytuacji na chińskim rynku sztuki, nie chcąc przeciążać naszych czytelników nadmierną ilością informacji o „nie naszej” sztuce. Z wyjątkiem dysydenta Ai Weiwei, który nie jest nawet tak drogi jak rezonansowy artysta, chińscy autorzy wydawali nam się zbyt liczni i daleko od nas, aby zagłębić się w to, co dzieje się tam na rynku. Ale statystyka, jak mówią, to poważna dama, a jeśli mówimy o odnoszących największe sukcesy żyjących autorach na świecie, to nie możemy obejść się bez opowieści o wybitnych przedstawicielach sztuki współczesnej Niebiańskiego Imperium.

Zacznijmy od chińskiego artysty Cui Ruzhuo... Artysta urodził się w 1944 roku w Pekinie, od 1981 do 1996 roku mieszkał w USA. Po powrocie do Chin zaczął uczyć w National Academy of Arts. Cui Ruzhuo reinterpretuje tradycyjne chińskie malarstwo tuszem i tworzy ogromne zwoje, które chińscy biznesmeni i urzędnicy uwielbiają dawać sobie nawzajem jako prezenty. Na Zachodzie niewiele o nim wiadomo, chociaż wielu musi pamiętać historię zwoju o wartości 3,7 miliona dolarów, który został omyłkowo wyrzucony przez sprzątaczy z hotelu w Hongkongu. A więc - to był zwój Cui Ruzhuo.

Cui Ruzhuo ma 70 lat, a jego rynek sztuki kwitnie. Ponad 60 prac tego artysty przekroczyło granicę 1 miliona dolarów, jednak jego prace nadal odnoszą sukcesy tylko na chińskich aukcjach. Rekordy Cui Ruzhuo są naprawdę imponujące. Najpierw to „Krajobraz w śniegu” na aukcji Poly w Hongkongu 7 kwietnia 2014 osiągnął młotkową cenę 184 mln HK $ ( 23,7 mln USD).

Dokładnie rok później 6 kwietnia 2015na specjalnej aukcji Poly w Hongkongu poświęconej wyłącznie pracom Cui Ruzhuo „Wielki śnieżny krajobraz góry Jiangnan”(Jiangnan - historyczny region w Chinach, zajmujący prawy brzeg dolnej Jangcy) ośmiu krajobrazów w tuszu na papierze osiągnęło młotkową cenę 236 mln HK $ ( 30,444 mln USD).

Rok później historia się powtórzyła: na aukcji indywidualnej Cui Ruzhuo zorganizowanej przez Poly Auctions w Hongkongu 4 kwietnia 2016 sześcioczęściowy poliptyk „Wielkie ośnieżone góry” Najniższa cena w 2013 r. (W tym prowizja domu aukcyjnego) 306 mln HK $ (39,577 mln USD). Jak dotąd jest to absolutny rekord wśród żyjących artystów azjatyckich.

Marszand Johnson Chan, który od 30 lat zajmuje się chińską sztuką współczesną, uważa, że \u200b\u200bistnieje bezwarunkowa chęć podniesienia cen na prace tego autora, ale wszystko to dzieje się na poziomie cenowym, na którym doświadczeni kolekcjonerzy raczej nie będą chcieli coś kupić. „Chińczycy chcą podnieść notowania swoich artystów, zawyżając ceny swoich prac na dużych międzynarodowych aukcjach, takich jak ta organizowana przez Poly w Hongkongu, ale nie ma wątpliwości, że oceny te są całkowicie sfabrykowane” - komentuje Johnson Chan na temat najnowszej płyty Cui Rujo.

To oczywiście tylko opinia jednego, indywidualnego dealera, ale mamy prawdziwy rekord zarejestrowany we wszystkich bazach danych. Więc będziemy się z nim liczyć. Sam Cui Ruzhuo, sądząc po jego wypowiedziach, daleki jest od skromności Gerharda Richtera, jeśli chodzi o sukces aukcyjny. Wydaje się, że ten wyścig po rekordy naprawdę go fascynuje. „Mam nadzieję, że w ciągu najbliższych 5-10 lat ceny moich prac przekroczą ceny dzieł zachodnich mistrzów, takich jak Picasso i Van Gogh. To chiński sen ”- mówi Cui Ruzhuo.

5. JASPER JONES Flaga. 1983. 36 milionów dolarów

Trzecie miejsce w rankingu żyjących artystów należy do Amerykanina Jasper Johns (1930)... Obecna rekordowa cena za pracę Jonesa - $ 36 milionów... Tyle zapłacono za jego sławę "Flaga" w Christie "s 12 listopada 2014.

Cykl obrazów „flagi”, zapoczątkowany przez Jonesa w połowie lat pięćdziesiątych, zaraz po powrocie artysty z wojska, stał się jednym z centralnych w jego twórczości. Artystę w młodości interesowała idea readymade, czyli przekształcenie przedmiotu codziennego użytku w dzieło sztuki. Jednak flagi Jonesa nie były prawdziwe, były malowane olejem na płótnie. W ten sposób dzieło sztuki nabrało właściwości rzeczy ze zwykłego życia, było jednocześnie zarówno obrazem flagi, jak i samą flagą. Seria prac z flagami przyniosła Jasperowi Jonesowi światową sławę. Ale jego abstrakcyjne prace są nie mniej popularne. Przez wiele lat na liście najdroższych prac, opracowywanej według powyższych zasad, znajdowało się streszczenie "Fałszywy start"... Do 2007 roku to bardzo jasne i dekoracyjne płótno, namalowane przez Jonesa w 1959 roku, było uważane za właściciela ceny prawie niedostępnej dla żyjącego artysty (choć klasyka na całe życie) - $ 17 milionów... Tyle zapłacono za to złotem na rynku sztuki 1988 rok.

Co ciekawe, rekord Jaspera Johnsa jako rekordzisty nie był ciągły. W 1989 roku przerwała mu praca kolegi z warsztatu Willem de Kooning: dwumetrowa abstrakcja „Mixing” została sprzedana w Sotheby's za 20,7 miliona dolarów. Jasper Johns musiał się przeprowadzić. Jednak 8 lat później, w 1997 roku, de Kooning zmarł i „ Fałszywy początek „Jones ponownie zajął pierwsze miejsce w rankingu aukcji żyjących artystów przez prawie 10 lat.

Ale w 2007 roku wszystko się zmieniło. Rekord False Start został po raz pierwszy przyćmiony przez pracę młodego i ambitnego Damiena Hirsta i Jeffa Koonsa. Potem nastąpiła rekordowa sprzedaż za 33,6 miliona dolarów obrazu „The Sleeping Allowance Inspector” Luciena Freuda (obecnie nie żyje, a zatem nie bierze udziału w rankingu). Potem zaczęły się zapisy Gerharda Richtera. Ogólnie rzecz biorąc, jak dotąd, z obecnym rekordem 36 milionów, Jasper Jones, jeden z mistrzów amerykańskiej sztuki powojennej, który działa na styku neodadaizmu, abstrakcyjnego ekspresjonizmu i pop-artu, zajmuje zaszczytne trzecie miejsce.

6. ED RUSHEI Rozbić. 1963. 30,4 miliona dolarów

Nagły sukces obrazu „Smash” amerykańskiego artysty Edward Ruscha (ur. 1937) na aukcji Christie's 12 listopada 2014 sprowadził tego autora na listę najdroższych żyjących artystów. Poprzedni rekord za dzieło Eda Ruschy (często nazwisko Ruscha wymawia się po rosyjsku jako „Rusha”, ale poprawna wymowa to Rusha) wyniosła „tylko” 6,98 miliona dolarów: tyle zapłacono za jego płótno „Burning Gas Station” w 2007 roku. Siedem lat później "Rozbić" z szacunkami 15-20 milionów dolarów osiągnął cenę młotka 30,4 miliona dolarów... Oczywiste jest, że rynek prac tego autora osiągnął nowy poziom - nie bez powodu Barack Obama ozdabia Biały Dom swoimi pracami, a sam Larry Gagosian eksponuje to w swoich galeriach.

Ed Ruscha nigdy nie aspirował do powojennego Nowego Jorku z jego szaleństwem na abstrakcyjny ekspresjonizm. Zamiast tego przez ponad 40 lat szukał inspiracji w Kalifornii, gdzie w wieku 18 lat przeprowadził się z Nebraski. Artysta stał u początków nowego nurtu w sztuce, zwanego pop-artem. Wraz z Warholem, Liechtensteinem, Waynem Thibaultem i innymi piosenkarzami popkultury, Edward Ruscha wziął udział w 1962 roku w Muzeum Pasadena, The New Image of Ordinary Things, które stało się pierwszym muzealnym pokazem amerykańskiego pop-artu. Samemu jednak Edowi Ruscha nie podoba się, gdy jego twórczość zaliczana jest do pop-artu, konceptualizmu lub innego nurtu w sztuce.

Jego unikalny styl nazywany jest „malowaniem tekstu”. Od późnych lat pięćdziesiątych Ed Ruscha zaczął rysować słowa. Tak jak puszka zupy stała się dla Warhola dziełem sztuki, tak dla Eda Ruschy były to zwykłe słowa i zwroty zaczerpnięte albo z billboardu, albo z paczki w supermarkecie, albo z napisów końcowych filmu (Hollywood zawsze było po stronie Ruschy, iw przeciwieństwie do wielu innych artystów, Rusha szanował „fabrykę marzeń”). Słowa na jego płótnach nabierają właściwości trójwymiarowych obiektów, są to prawdziwe martwe natury ze słów. Patrząc na jego płótna, pierwsze co przychodzi na myśl, to wizualny i dźwiękowy odbiór narysowanego słowa, a dopiero potem - znaczenie semantyczne. Ta ostatnia z reguły nie nadaje się do jednoznacznego dekodowania; wybrane przez Rusheya słowa i wyrażenia można interpretować na różne sposoby. To samo jasnożółte słowo „Smash” na ciemnoniebieskim tle może być odebrane jako agresywne wezwanie do roztrzaskania czegoś lub kogoś na strzępy; jako samotny przymiotnik wyrwany z kontekstu (na przykład część nagłówka gazety) lub po prostu jako osobne słowo uchwycone w miejskim przepływie obrazów wizualnych. Ed Ruschai cieszy się tą niepewnością. „Zawsze głęboko szanowałem dziwne, niewytłumaczalne rzeczy… Wyjaśnienia, w pewnym sensie, zabijają” - powiedział w wywiadzie.

7. WEŁNA CHRISTOPHER Bez tytułu (RIOT). 1990. 29,93 miliona dolarów

Amerykański artysta Christopher Wool (1955) po raz pierwszy trafił do rankingu żyjących artystów w 2013 roku - po sprzedaży dzieła „Czas apokalipsy” za 26,5 miliona dolarów. Płyta ta natychmiast dorównuje Jasperowi Johnsowi i Gerhardowi Richterowi. Kwota tej historycznej transakcji - ponad 20 mln dolarów - zaskoczyła wielu, gdyż przed nią ceny prac artysty nie przekraczały 8 mln dolarów. Jednak szybki wzrost rynku prac Christophera Woola w tym czasie był już widoczny: dorobek artysty obejmował 48 transakcji aukcyjnych na kwoty powyżej 1 dolara. mln, z czego 22 (prawie połowa) miało miejsce w 2013 roku. Dwa lata później liczba dzieł Chrisa Woola, sprzedanych za ponad 1 milion dolarów, osiągnęła 70, a nowy rekord osobisty nie trwał długo. Na aukcji Praca Sotheby’s z 12 maja 2015 r. „Bez tytułu (RIOT)” został sprzedany za $ 29,93 mln biorąc pod uwagę Premium Kupującego.

Christopher Wool jest najbardziej znany ze swojej obszernej pracy nad czarnymi literami na białych blachach aluminiowych. To oni z reguły ustanawiają rekordy na aukcjach. To wszystko z późnych lat 80-tych i wczesnych 90-tych. Legenda głosi, że pewnego wieczoru Wool spacerował wieczorem po Nowym Jorku i nagle zobaczył graffiti na nowej białej ciężarówce z czarnymi literami - słowa sex i kochanie. Ten widok wywarł na nim tak duże wrażenie, że natychmiast wrócił do warsztatu i tymi samymi słowami napisał swoją wersję. Był rok 1987, a dalsze poszukiwania słów i fraz przez artystę w pracach „listowych” odzwierciedlają sprzeczny duch tamtych czasów. To wezwanie „sprzedaj dom, sprzedaj samochód, sprzedaj dzieci”, wzięte przez Wool z filmu „Czas apokalipsy”, a słowo „GŁUPIA” („głupiec”) pisane wielkimi literami, a słowo „RIOT” („bunt”), często spotykane w nagłówki gazet tamtych czasów.

Wełniane wyrazy i frazy wyryte przy pomocy farb alkidowych lub emaliowanych na blachach aluminiowych, celowo pozostawiające smugi, ślady szablonów i inne dowody procesu twórczego. Artysta podzielił słowa tak, aby widz nie od razu zrozumiał znaczenie. Na początku widzisz tylko grupę liter, to znaczy postrzegasz słowo jako obiekt wizualny, a dopiero potem czytasz i rozszyfrowujesz znaczenie frazy lub słowa. Wełna użyto kroju pisma używanego przez wojsko amerykańskie po drugiej wojnie światowej, co wzmacnia wrażenie rozkazu, dyrektywy, hasła. Te „literowe” prace są postrzegane jako część miejskiego krajobrazu, jako nielegalne graffiti, które naruszyło czystość powierzchni jakiegoś obiektu ulicznego. Ta seria prac Christophera Wool jest uznawana za jeden ze szczytów abstrakcji językowej, dlatego jest wysoko ceniona przez miłośników sztuki współczesnej.

8. PETER DOIG Rosedale. 1991. 28,81 miliona dolarów

Brytyjczyk Peter Doig(1959), choć należy do pokolenia postmodernistów Koonsa i Hirsta, wybrał dla siebie zupełnie tradycyjny gatunek pejzażu, który przez długi czas nie był przychylny czołowym twórcom. Swoją pracą Peter Doig ożywia zainteresowanie społeczne wymarłym malarstwem figuratywnym. Jego prace są wysoko oceniane zarówno przez krytyków, jak i niespecjalistów, czego dowodem jest szybki wzrost cen jego dzieł. Jeśli na początku lat 90. jego krajobrazy kosztowały kilka tysięcy dolarów, to teraz rachunek idzie w miliony.

Prace Doiga są często określane jako realizm magiczny. Na podstawie prawdziwych krajobrazów tworzy fantastyczne, tajemnicze i często ponure obrazy. Artysta uwielbia przedstawiać porzucone przez ludzi przedmioty: zniszczony budynek zbudowany przez Le Corbusiera w środku lasu czy pusty biały kajak na tafli leśnego jeziora. Oprócz natury i wyobraźni, Doig inspiruje się horrorami, starymi pocztówkami, fotografiami, amatorskimi filmami i nie tylko. Obrazy Doiga są kolorowe, złożone, dekoracyjne i nie prowokacyjne. Fajnie jest mieć taki obraz. Zainteresowanie kolekcjonerów podsyca również niska produktywność autora: artysta mieszkający na Trynidadzie tworzy nie więcej niż kilkanaście obrazów rocznie.

Na początku XXI wieku niektóre krajobrazy artysty sprzedano za kilkaset tysięcy dolarów. W tym samym czasie prace Doiga znalazły się w Saatchi Gallery, na Biennale w Whitney Museum oraz w kolekcji MoMA. W 2006 roku pokonano poprzeczkę aukcji w wysokości 1 miliona dolarów. W następnym roku nastąpił nieoczekiwany przełom: praca „White Canoe”, zaproponowana w Sotheby's 7 lutego 2007 roku z szacunkową wartością 0,8-1,2 miliona dolarów, pięciokrotnie przekroczyła wstępne szacunki i został sprzedany za 5,7 miliona funtów (11,3 miliona dolarów). Była to wówczas rekordowa cena za twórczość żyjącego artysty europejskiego.

W 2008 roku indywidualne wystawy Doiga odbyły się w Tate Gallery i Muzeum Sztuki Nowoczesnej w Paryżu. Wielomilionowe metki cenowe za prace Doiga stały się normą. Rekord osobisty Petera Doiga zaczął być ostatnio aktualizowany kilka razy w roku - mamy tylko czas, aby zmienić zdjęcie i miejsce tego artysty w naszym rankingu żyjących autorów.

Najdroższą dotychczasową pracą Petera Doiga jest śnieżny krajobraz „Rosedale” z 1991 roku. Co ciekawe, rekord padł nie w Sotheby's czy Christie's, ale na aukcji sztuki współczesnej w domu aukcyjnym Phillipsa. Stało się to 18 maja 2017 r. Widok zaśnieżonej Rosedale, jednej z dzielnic Toronto, został sprzedany kupującemu telefon za 28,81 miliona dolarów. To o około 3 miliony więcej niż poprzedni rekord (25,9 miliona dolarów za dzieło "Swamped"). Rosedale wziął udział w kluczowej wystawie Doiga w Whitechapel Gallery w Londynie w 1998 roku i ogólnie rzecz biorąc, praca ta była świeża na rynku, dlatego rekordowa cena jest w pełni zasłużona.

9. FRANK STELLA Przylądek sosen. 1959. 28 milionów dolarów

Frank Stella to wybitny przedstawiciel postmalarskiej abstrakcji i minimalizmu w sztuce. Na pewnym etapie nazywa się to malowaniem twardej krawędzi. Początkowo Stella skontrastował surową geometryczną, ascetyczną monochromatyczność i strukturę swoich obrazów ze spontanicznością i chaosem obrazów abstrakcyjnych ekspresjonistów, takich jak Jackson Pollock.

Pod koniec lat 50. artysta został zauważony przez znanego właściciela galerii Leo Castelli i po raz pierwszy otrzymał nagrodę na wystawie. Zaprezentował na nim tak zwane „Czarne obrazy” - płótna zamalowane równoległymi czarnymi liniami, pomiędzy którymi znajdowały się cienkie przestrzenie niepomalowanego płótna. Linie układają się w geometryczne kształty, nieco przypominające złudzenia optyczne, same obrazy, które migoczą, poruszają się, skręcają, tworzą wrażenie głębokiej przestrzeni, jeśli patrzysz na nie przez długi czas. W swoich pracach na temat aluminium i miedzi Stella kontynuował temat równoległych linii z cienkimi pasami rozdzielającymi. Zmieniła się kolorystyka, podstawa malarska, a nawet forma obrazów (wyróżniają się m.in. prace w formie liter U, T, L). Ale główna zasada jego malarstwa nadal polegała na wyrazistości konturu, monumentalności, prostej formie, monochromatyczności. W następnych dziesięcioleciach Stella odeszła od takiego geometrycznego malarstwa w kierunku gładkich, naturalnych form i linii oraz od monochromatycznych obrazów do jasnych i różnorodnych przejść kolorystycznych. W latach siedemdziesiątych Stellę urzekły ogromne wzory, którymi malowano statki. Artysta wykorzystywał je do realizacji ogromnych obrazów z elementami asamblażu - w swoich pracach umieścił kawałki stalowych rur czy drucianej siatki.

We wczesnych wywiadach Frank Stella szczerze mówi o znaczeniach, jakie wnosi w jego pracę, a raczej o ich nieobecności: „To, co widzisz, jest tym, co widzisz”. Obraz sam w sobie jest przedmiotem, a nie reprodukcją czegokolwiek. „To płaska powierzchnia pokryta farbą i nic więcej” - powiedziała Stella.

Cóż, podpisana przez Franka Stellę, ta „farba na niej” może być dziś warta miliony dolarów. Po raz pierwszy w rankingu żyjących artystów Frank Stella znalazł się w 2015 roku ze sprzedażą dzieła „Delaware's Crossing” (1961) za 13,69 mln dolarów, biorąc pod uwagę prowizję.

Cztery lata później, 15 maja 2019 roku, wczesne (1959) dzieło „Cape of Pines” zostało ustanowione nowym rekordem: cena młota wyniosła ponad 28 milionów dolarów, łącznie z prowizją. To jeden z 29 „czarnych obrazów” - tych, którymi Stella zadebiutowała na swojej pierwszej wystawie w Nowym Jorku. Absolwent Uniwersytetu Princeton, Frank Stella, miał wtedy 23 lata. Często brakowało mu pieniędzy na farby olejne dla artystów. Młody artysta dorabiał jako prace remontowe, bardzo spodobały mu się czyste kolory farby, a potem zrodził się pomysł, aby tą farbą pracować na płótnie. Czarną emalią Stella maluje równoległe paski, pozostawiając między nimi cienkie linie nie zagruntowanego płótna. I pisze bez linijki, na oko, bez wstępnego szkicu. Stella nigdy nie wiedziała, ile czarnych linii pojawi się na konkretnym obrazie. Na przykład na obrazie „Cape of Pines” było ich 35. Tytuł pracy nawiązuje do nazwy przylądka w zatoce Massachusetts - Point of Pines. Na początku XX wieku istniał tu rozległy park rozrywki, a dziś jest to jedna z dzielnic miasta Revere.

10. Nóż YOSHITOMO NARA za plecami. 2000. 24,95 miliona dolarów

Yoshitomo Nara (1959) to jedna z kluczowych postaci japońskiego neo-popu. Japończyk - bo mimo światowej sławy i wieloletniej pracy za granicą, jego twórczość nadal wyróżnia się wyraźną tożsamością narodową. Ulubionymi postaciami Nary są dziewczyny i psy w stylu japońskiej mangi i komiksów anime. Obrazy, które wymyślił przez wiele lat, trafiły do \u200b\u200bludzi: są drukowane na koszulkach, robione są z nimi pamiątki i różne „gadżety”. Urodzony w biednej rodzinie, z dala od stolicy, jest nie tylko kochany za swój talent, ale także ceniony jako człowiek, który się ukształtował. Artysta działa szybko i wyraziście. Wiadomo, że niektóre z jego arcydzieł powstały dosłownie z dnia na dzień. Obrazy i rzeźby Yoshitomo Nary są z reguły bardzo lakoniczne, jeśli nie skąpe w wyrazistych środkach, ale zawsze niosą ze sobą silny ładunek emocjonalny. Nastoletnie dziewczyny Nary często patrzą na widza z niemiłym zezem. W ich oczach - śmiałość, wyzwanie i agresja. W rękach - nóż, potem papieros. Uważa się, że przedstawione wypaczenia zachowań są reakcją na opresyjną moralność publiczną, różne tabu i przyjęte przez Japończyków zasady wychowania. Niemal średniowieczna surowość i wstyd prowadzą do problemów, tworząc podstawę opóźnionej eksplozji emocjonalnej. „Nóż za plecami” po prostu pojemnie oddaje jeden z głównych pomysłów artysty. W tej pracy jest zarówno nienawiściowy wygląd dziewczyny, jak i dłoń, groźnie zraniona za jej plecami. Do 2019 roku obrazy i rzeźby Yoshitomo Nary niejednokrotnie osiągały milion, a nawet kilka milionów marek. Ale dwadzieścia milionów po raz pierwszy. Nara to jeden z najbardziej znanych japońskich artystów na świecie. A teraz najdroższa żyjąca osoba. 6 października 2109 r. W Sotheby’s w Hongkongu przejął ten tytuł od Takashiego Murakamiego i wyraźnie ominął 90-letnią awangardową artystkę Yayoi Kusamę (maksymalne ceny aukcyjne jej obrazów zbliżają się już do 9 milionów dolarów).

11. Zeng FANZHI Ostatnia Wieczerza. 2001. 23,3 miliona dolarów

Na aukcji Sotheby's w Hongkongu 5 października 2013 płótno na dużą skalę "Ostatnia Wieczerza" Artysta z Pekinu Zeng Fanzhi (1964) sprzedane za rekordowe 160 mln HK $ - 23,3 miliona dolarów USA. Całkowity koszt pracy Fanzhiego, napisany oczywiście pod wpływem pracy Leonarda da Vinci, okazał się dwukrotnością wstępnego szacunku ok. 10 mln dolarów. Poprzedni rekord ceny Zenga Fanzhiego to dolar. 9,6 mlnzapłacone za pracę na aukcji Christie’s w Hongkongu w maju 2008 r „Seria masek. 1996. Nie. 6 ".

Ostatnia Wieczerza to największy (2,2 × 4 metry) obraz Fanzhiego z serii Maski z lat 1994-2001. Cykl poświęcony ewolucji chińskiego społeczeństwa pod wpływem reform gospodarczych. Wprowadzenie elementów gospodarki rynkowej przez rząd ChRL doprowadziło do urbanizacji i braku jedności Chińczyków. Fanzhi przedstawia mieszkańców nowoczesnych chińskich miast, które walczą o miejsce pod słońcem. Znana kompozycja fresku Leonarda w czytaniu Fanzhi nabiera zupełnie innego znaczenia: scena akcji została przeniesiona z Jerozolimy do sali lekcyjnej chińskiej szkoły z typowymi tablicami hieroglifowymi na ścianach. „Chrystus” i „apostołowie” stali się pionierami z szkarłatnymi więzami, a tylko „Judasz” nosi złoty krawat - to metafora zachodniego kapitalizmu, penetrującego i niszczącego zwykły sposób życia w kraju socjalistycznym.

Prace Zeng Fanzhi stylistycznie zbliżone są do europejskiego ekspresjonizmu i równie dramatyczne. Ale jednocześnie są pełne chińskich symboli i szczegółów. Ta wszechstronność przyciąga do twórczości artysty zarówno chińskich, jak i zachodnich kolekcjonerów. Bezpośrednim tego potwierdzeniem jest proweniencja Ostatniej wieczerzy: dzieło zostało wystawione na aukcję przez słynnego kolekcjonera chińskiej awangardy lat 80-tych i początku 90-tych - belgijskiego barona Guya Ullensa.

12. ROBERT RYMAN Most. 1980. 20,6 miliona dolarów

Na aukcji Christie's 13 maja 2015 praca abstrakcyjna "Most" 85-letni amerykański artysta Robert Ryman (Robert Ryman) został sprzedany za 20,6 miliona dolarówbiorąc pod uwagę prowizję - dwukrotnie droższą od dolnego szacunku.

Robert Ryman (1930) nie od razu zorientował się, że chce zostać artystą. W wieku 23 lat przeniósł się do Nowego Jorku z Nashville w stanie Tennessee, chcąc zostać saksofonistą jazzowym. Zanim stał się sławnym muzykiem, musiał pracować jako ochroniarz w MoMA, gdzie poznał Saula LeWitta i Dana Flavina. Pierwszy pracował w muzeum jako nocny sekretarz, a drugi jako ochroniarz i operator windy. Pod wrażeniem dzieł abstrakcyjnych ekspresjonistów, których widział w MoMA - Rothko, De Kooning, Pollock i Newman - Robert Ryman podjął się malarstwa w 1955 roku.

Rayman jest często określany jako minimalist, ale woli nazywać się „realistą”, bo nie interesuje go tworzenie iluzji, a jedynie demonstruje jakość użytych materiałów. Większość jego prac malowana jest farbami we wszystkich możliwych odcieniach bieli (od szarawej lub żółtawej - do olśniewającej bieli) na podstawie lakonicznego kwadratu. Robert Ryman w swojej karierze próbował wielu materiałów i technik: malował olejami, akrylami, kazeiną, emalią, pastelami, gwaszem itp. Na płótnie, stali, plexi, aluminium, papierze, tekturze falistej, winylu, tapetach itp. Jego przyjaciel, profesjonalny konserwator, Orrin Riley, doradził mu w sprawie żrących materiałów, których zamierzał użyć. Jak powiedział kiedyś artysta: „Nigdy nie mam pytania, co napisz, najważniejsze jest tak jak pisać". Chodzi o fakturę, charakter pociągnięć, granicę między powierzchnią farby a krawędziami podłoża, a także stosunek pracy do ściany. Od 1975 roku szczególną cechą jego twórczości stały się oprawy, zaprojektowane przez samego Rymana i celowo pozostawiające je widoczne, podkreślając jego pracę „tak realną jak ściany, na których wiszą”. Ryman woli nadawać pracom „nazwy” niż „tytuły”. „Nazwa” jest tym, co pomaga odróżnić jedno dzieło od drugiego, a Ryman często nadaje swoim pracom nazwy według marek farb, firm itp., A „nazwa” domaga się pewnych aluzji i głęboko ukrytych znaczeń, których obecność w swoich pracach artysta regularnie zaprzecza. Nie liczy się nic poza materiałem i techniką.

13. DAMIEN HURST Senna wiosna. 2002. 19,2 miliona dolarów

Angielski artysta Damien Hirst (1965) miał być pierwszym, który zamachnął się na pierwsze miejsce w tym rankingu w sporze z żyjącym klasykiem Jasper Johns. Wspomniana już praca „False Start” mogłaby pozostać niezatapialnym liderem przez długi czas, gdyby 21 czerwca 2007 instalacja za czasów 42-letniego Hirsta „Senna wiosna” (2002) nie był sprzedawany w Sotheby's za £ 9,76 mln, czyli za 19,2 mln dol... Nawiasem mówiąc, praca ma dość nietypowy format. Z jednej strony jest to gablota z atrapami tabletek (6136 tabletek), a właściwie klasyczna instalacja. Z drugiej strony gablota ta jest płaska (głębokość 10 cm), zamknięta w ramie i zawieszona na ścianie jak panel plazmowy, dzięki czemu w pełni zapewnia komfort posiadania typowy dla obrazów. W 2002 roku siostra instalacji, Sleepy Winter, sprzedała się za 7,4 miliona dolarów, ponad połowę ceny. Ktoś „wyjaśnił” różnicę w cenie tym, że zimą tabletki są wyblakłe. Ale jasne jest, że to wyjaśnienie jest absolutnie bezpodstawne, ponieważ mechanizm wyceny takich rzeczy nie jest już związany z ich efektem dekoracyjnym.

W 2007 roku wielu uznało Hirsta za autora najdroższego dzieła wśród żyjących artystów. Pytanie jednak należy do kategorii „w zależności od tego, jak liczysz”. Faktem jest, że Hirst został sprzedany za drogie funty, a Jones za tańsze teraz dolary, a nawet dwadzieścia lat temu. Ale nawet jeśli policzyć według wartości nominalnej, z wyłączeniem 20-letniej inflacji, praca Hirsta była droższa w dolarach, a Jonesa w funtach. Sytuacja była graniczna i każdy mógł swobodnie decydować, kto jest najdroższy. Ale Hirst nie tak długo utrzymywał się na pierwszym miejscu. W tym samym 2007 roku został zastąpiony z pierwszego miejsca przez Koonsa swoim „Wiszącym Sercem”.

W przededniu globalnego spadku cen sztuki współczesnej Hirst podjął się bezprecedensowego dla młodego artysty przedsięwzięcia - indywidualnej aukcji jego prac, która odbyła się 15 września 2008 roku w Londynie. Ogłoszona w przeddzień bankructwa banku Lehman Brothers nie zepsuła apetytu miłośników sztuki współczesnej: z 223 dzieł oferowanych przez Sotheby’s tylko pięć nie znalazło nowych właścicieli (zresztą jednym z kupujących był Victor Pinchuk). Kompozycja "Złoty cielak" - ogromny wypchany byk w formaldehydzie, zwieńczony złotym krążkiem, - przyniósł tyle 10,3 mln £ (18,6 mln USD)... To najlepszy wynik Hirsta w funtach (w walucie, w której została przeprowadzona transakcja). Jesteśmy jednak w rankingu w dolarach, dlatego (niech nam wybaczy Golden Calf), nadal będziemy uważać Sleepy Spring za najlepszą sprzedaż dla Hirsta.

Od 2008 roku Hirst nie miał sprzedaży na poziomie „Sleepy Spring” i „Golden Calf”. Świeże rekordy z lat 2010 - dla dzieł Richtera, Jonesa, Fanzhiego, Woola i Koonsa - zepchnęły Damiena do szóstej linii naszego rankingu. Ale nie oceniajmy kategorycznie końca ery Hirsta. Zdaniem analityków Hirst jako „supergwiazda” przeszedł już do historii, co oznacza, że \u200b\u200bbędzie kupowany na bardzo długi czas; Jednak największą wartość w przyszłości przewidują prace powstałe w najbardziej nowatorskim okresie jego kariery, czyli w latach 90.

14. MAURIZIO CATTELAN Mu. 2001. 17,19 miliona dolarów

Włoski Maurizio Cattelan (1960) zaczął pracować jako ochroniarz, kucharz, ogrodnik i projektant mebli. Autor-samouk zasłynął na całym świecie ze swoich ironicznych rzeźb i instalacji. Sprowadził na papieża meteoryt, zamienił żonę klienta w trofeum myśliwskie, wywiercił dziurę w podłodze w muzeum dawnych mistrzów, pokazał gigantyczny środkowy palec giełdzie mediolańskiej, przyniósł żywego osła na targi fryzjerskie. W niedalekiej przyszłości Cattelan obiecuje zainstalować złotą toaletę w Muzeum Guggenheima. Ostatecznie wybryki Maurizio Cattelana znalazły szerokie uznanie w świecie sztuki: został zaproszony na Biennale w Wenecji (instalacja „Inni” w 2011 roku - stado dwóch tysięcy gołębi, które ze wszystkich rur i belek spoglądają groźnie na tłum przechodzących poniżej gości), ma retrospektywę w nowojorskim Muzeum Guggenheima (listopad 2011) i wreszcie dostaje duże pieniądze za swoje rzeźby.

Od 2010 roku najdroższym dziełem Maurizio Cattelana jest woskowa rzeźba człowieka wyglądającego z dziury w podłodze, zewnętrznie podobna do samego artysty (Untitled, 2001). Ta rzeźba-instalacja, która istnieje w trzech egzemplarzach plus kopia autora, została po raz pierwszy pokazana w Muzeum Boijmans van Beuningen w Rotterdamie. Wtedy ta złośliwa postać wyjrzała z dziury w podłodze sali z obrazami holenderskich malarzy z XVIII - XIX wieku. Maurizio Cattellan w tej pracy kojarzy się z odważnym przestępcą, który wkracza do świętej przestrzeni sali muzealnej z obrazami wielkich mistrzów. W ten sposób chce pozbawić sztukę aury świętości, jaką dają jej mury muzeów. Dzieło zostało sprzedane za 7,922 miliony dolarów w Sotheby's, aby móc wystawiać się za każdym razem, gdy trzeba perforować podłogę.

Płyta trwała do 8 maja 2016 r., Kiedy to jeszcze bardziej prowokacyjne dzieło Cattelana „On”, przedstawiające Hitlera na kolanach, trafiło pod młotek za 17.189 milionów dolarów. Dziwna rzecz. Imię jest dziwne. Wybór postaci jest ryzykowny. Jak wszyscy w Cattelan. Co On ma na myśli? „Jego” czy „Jego piekielny majestat”? Oczywiste jest, że zdecydowanie nie mówimy o wychwalaniu wizerunku Führera. W tej pracy Hitler jawi się raczej w bezradnej, żałosnej formie. I absurd - wcielenie Szatana jest wysokie jak dziecko, ubrane w szkolny strój i klęczące z pokornym wyrazem twarzy. Dla Cattelana ten obraz jest zaproszeniem do refleksji nad naturą absolutnego zła i sposobem na pozbycie się lęków. Nawiasem mówiąc, rzeźba „On” jest dobrze znana zachodniej publiczności. Jej bracia z tej serii byli wystawiani ponad 10 razy w czołowych muzeach na świecie, w tym w Centrum Pompidou i Muzeum Salomona Guggenheima.

15. MARK GROTIAN Bez tytułu (S III wydany we Francji Face 43.14). 2011. 16,8 mln USD

17 maja 2017 roku na wieczornej aukcji Christie’s w Nowym Jorku pojawił się jeden z najpotężniejszych obrazów Marka Grotiana, jakie kiedykolwiek wystawiono na aukcji. Obraz „Bez tytułu (S III Released to France Face 43.14)” został wystawiony przez paryskiego kolekcjonera Patricka Seguina z szacunkiem na 13-16 milionów dolarów, a ponieważ sprzedaż partii była gwarantowana przez osobę trzecią, nikt nie był szczególnie zaskoczony ustanowieniem nowego osobistego rekordu aukcyjnego 49-letniego artysty ... Młotkowa cena 14,75 mln USD (w tym premia Kupującego 16,8 mln USD) przekroczyła poprzedni rekord aukcyjny Grotiana o ponad 10 mln USD, co pozwoliło mu wejść do klubu żyjących artystów, których prace są sprzedawane za ośmiocyfrowe kwoty. Siedmiocyfrowe wyniki (sprzedaż to ponad 1 milion dolarów, ale nie więcej niż 10 milionów dolarów) w aukcyjnej skarbonce Marka Grotiana to już około trzydziestu.

Mark Grotian (1968), w którego twórczości eksperci dostrzegają wpływ modernizmu, abstrakcyjnego minimalizmu, popu i op-artu, do swojego stylu korporacyjnego doszedł w połowie lat 90., po przeprowadzce wraz ze swoim przyjacielem Brentem Petersonem do Los Angeles i otwarciu tam galerii. „Pokój 702”. Jak wspomina sam artysta, zaczął wtedy myśleć o tym, co jest dla niego na pierwszym miejscu w sztuce. Szukał motywu do eksperymentowania. I zdałem sobie sprawę, że zawsze interesuje go linia i kolor. Eksperymenty w duchu rayonizmu i minimalizmu z linearną perspektywą, licznymi znikającymi punktami i wielobarwnymi abstrakcyjnymi trójkątnymi kształtami ostatecznie przyniosły Grotianowi światową sławę.

Z abstrakcyjnych, kolorowych krajobrazów z wieloma horyzontami i znikającymi punktami perspektywy, ostatecznie doszedł do trójkątnych kształtów, przypominających skrzydła motyla. Obrazy Grotiana 2001-2007 tak nazywają - „Motyle”. Dziś przesuwanie punktu znikania lub używanie kilku punktów znikania jednocześnie oddalonych od siebie w przestrzeni jest uważane za jedną z najpotężniejszych technik artysty.

Kolejna duża seria prac nosiła tytuł „Twarze”; w abstrakcyjnych liniach tej serii odgaduje się rysy twarzy ludzkiej, uproszczone do stanu maski w duchu Matisse'a, Jawlensky'ego czy Brancusiego. Mówiąc o skrajnym uproszczeniu i stylizacji form, o kompozycyjnym rozwiązaniu obrazów, gdy rozrzucone kontury oczu i ust zdają się patrzeć na nas z leśnej gęstwiny, badacze dostrzegają związek między „Twarzami” Grotiana a sztuką prymitywnych plemion Afryki i Oceanii, a sam artysta po prostu „lubi ten obraz oczy wychodzące z dżungli. Czasami wyobrażałem sobie twarze pawianów lub małp. Nie mogę powiedzieć, że świadomie czy podświadomie byłem pod wpływem prymitywnej sztuki afrykańskiej, a raczej artystów znajdujących się pod jej wpływem. Picasso to najbardziej oczywisty przykład ”.

Prace z cyklu „Twarze” nazywane są brutalnymi i eleganckimi, przyjemnymi dla oka i przyjemnymi dla umysłu. Z biegiem czasu zmienia się również faktura tych prac: aby stworzyć efekt przestrzeni wewnętrznej, artysta używa szerokich pociągnięć grubej farby, nawet sprayu w stylu Pollocka, jednak powierzchnia obrazu jest wyrównana tak, że po bliższym przyjrzeniu się wydaje się całkowicie płaska. Rekordowy obraz aukcyjny „Bez tytułu (S III Wydany do Francji Face 43.14)” nawiązuje właśnie do tej znakomitej serii Marka Grotiana.

16. TAKASHI MURAKAMI Mój samotny kowboj. 15,16 miliona dolarów

język japoński Takashi Murakami (1962) zawarte w naszej ocenie z rzeźbą „Mój samotny kowboj”sprzedawane w Sotheby's w maju 2008 roku za $ 15,16 mln... Dzięki tej sprzedaży Takashi Murakami był od dawna uważany za odnoszącego największe sukcesy żyjącego azjatyckiego artystę - dopóki nie został przyćmiony sprzedażą Ostatniej wieczerzy Zenga Fanzhiego.

Takashi Murakami pracuje jako artysta, rzeźbiarz, projektant mody i animator. Murakami chciał wziąć za podstawę swojej pracy coś naprawdę japońskiego, bez zachodnich i innych zapożyczeń. W latach studenckich zafascynowało go tradycyjne japońskie malarstwo nihonga, które później zostało zastąpione popularną sztuką anime i mangi. Tak narodził się psychodeliczny Mr DOB, z uśmiechniętymi wzorami kwiatów i jasnymi, błyszczącymi rzeźbami z włókna szklanego, które wydawały się właśnie zniknąć ze stron japońskich komiksów. Niektórzy uważają sztukę Murakamiego za fast food i ucieleśnienie wulgarności, inni nazywają artystę Japończykiem Andy Warholem - aw szeregach tego ostatniego, jak widać, jest wielu bardzo bogatych ludzi.

Murakami zapożyczył nazwę swojej rzeźby z filmu Andy'ego Warhola Lonely Cowboys (1968), którego Japończycy, jak sam przyznał, nigdy nie oglądali, ale naprawdę podobało mu się połączenie słów. Murakami z jedną rzeźbą ucieszył fanów erotycznych japońskich komiksów i śmiał się z nich. Zwiększony rozmiar, a poza tym jest również trójwymiarowy, bohater anime zmienia się w fetysz kultury masowej. Ta artystyczna ekspresja jest dość w duchu klasycznego zachodniego pop-artu (pamiętajcie zestaw mebli Allena Jonesa lub Różową Panterę Koonsa), ale z narodowym akcentem.

17. KAWS. Album KAWS. 2005. 14 784 505 USD

KAWS to pseudonim amerykańskiego artysty Briana Donnelly'ego z New Jersey. Jest najmłodszym członkiem naszego rankingu, urodzonym w 1974 roku. Donnelly zaczynał jako animator w Disney (rysował tła do kreskówki 101 dalmatyńczyków itp.). Od młodości lubił graffiti. Początkowo jego charakterystycznym projektem była czaszka z „x” w miejscu oczodołów. Twórczość młodego pisarza pokochali show-biznesowcy i ludzie z branży modowej: zrobił okładkę albumu Kanye Westa, wydał kolaboracje dla Nike, Comme des Garçons i Uniqlo. Z biegiem czasu KAWS stał się postacią dobrze znaną w świecie sztuki współczesnej. Jego charakterystyczna figurka Myszki Miki zapuściła korzenie w muzeach, przestrzeniach publicznych i kolekcjach prywatnych. Firma KAWS wypuściła kiedyś winylową zabawkę z limitowanej edycji z marką My Plastic Heart i nagle stała się przedmiotem dużego zainteresowania kolekcjonerskiego. Jednym z zapalonych kolekcjonerów tych „zabawek” jest założyciel Black Star, raper Timati: zebrał prawie w całości całą serię „Cavs Companions”.

KAWS ustanowił rekord artysty w wysokości 14,7 miliona dolarów w Sotheby’s Hong Kong 1 kwietnia 2019 roku. Była w kolekcji japońskiego projektanta mody Nigo. Długie płótno The KAWS Album to hołd złożony okładce słynnego zespołu The Beatles z 1967 r. Sgt. Pepper's Lonely Hearts Club Band. Tylko zamiast ludzi rysują się na nim Kimpsony - stylizowane postacie z serialu animowanego The Simpsons z X zamiast oczu.

18. JIN SHANI Tadżycka panna młoda. 1983. 13,89 miliona dolarów

Wśród stosunkowo młodych i współczesnych artystów chińskich, którzy wszyscy jako jedni należą do tzw. „Nowej fali” późnych lat 80. w sztuce chińskiej, nieoczekiwanie w naszym rankingu znalazł się przedstawiciel zupełnie innego pokolenia i innej szkoły. Jin Shangyi, który obecnie ma 80 lat, jest jednym z najwybitniejszych przedstawicieli pierwszego pokolenia artystów w komunistycznych Chinach. Poglądy tej grupy artystów ukształtowały się w dużej mierze pod wpływem najbliższego sojusznika komunistycznego - ZSRR.

Oficjalna sztuka radziecka, socrealizm, malarstwo olejne, wciąż niezwykłe w Chinach (w przeciwieństwie do tradycyjnego chińskiego malarstwa tuszem) w latach pięćdziesiątych XX wieku były u szczytu popularności, a radziecki artysta Konstantin przyjechał na Pekiński Art University na trzy lata (od 1954 do 1957), aby uczyć Methodievich Maksimov. Jin Shani, który był wówczas najmłodszym w grupie, dostał się do jego klasy. Artysta zawsze wspominał swojego nauczyciela z wielkim ciepłem, mówiąc, że to Maksimow nauczył go prawidłowego rozumienia i przedstawiania modelu. KM Maksimov wykształcił całą galaktykę chińskich realistów, teraz klasyków.

W pracach Jin Shaniego wyczuwalny jest wpływ zarówno radzieckiego „surowego stylu”, jak i europejskiej szkoły malarskiej. Artysta wiele czasu poświęcił na badanie dziedzictwa renesansu i klasycyzmu, uważając za konieczne zachowanie w swoich pracach ducha chińskiego. Obraz „Tadżycka panna młoda”, namalowany w 1983 roku, uważany jest za powszechnie uznawane arcydzieło, nowy kamień milowy w twórczości Jin Shaniego. Został wystawiony na aukcji China Guardian w listopadzie 2013 roku i sprzedany kilkakrotnie drożej niż szacowano - za 13,89 mln dol., Biorąc pod uwagę prowizję.

19. BANKSY Zbutwiały parlament. 2008. 12,14 mln USD

Fototapety z tagiem Banksy zaczęły pojawiać się na murach miejskich (najpierw w Wielkiej Brytanii, a następnie na całym świecie) pod koniec lat 90. Jego filozoficzne, a zarazem ostre graffiti poświęcone było problemom ofensywy państwa na wolności obywateli, przestępstwom przeciwko środowisku, nieodpowiedzialnej konsumpcji i nieludzkości nielegalnego systemu migracyjnego. Z biegiem czasu „nagany” muru Banksy'ego zyskał niespotykaną popularność w mediach. W rzeczywistości stał się jednym z głównych rzeczników opinii publicznej, potępiając hipokryzję państw i korporacji, powodując rosnącą niesprawiedliwość w systemie kapitalistycznym.

Wartość Banksy'ego, wyczucie „nerwu czasu” i trafność jego metafor zostały docenione nie tylko przez widzów, ale także przez kolekcjonerów. W latach 2010-tych za jego prace przekazano setki tysięcy, a nawet ponad milion dolarów. Doszło do tego, że graffiti Banksy'ego zostało zniszczone i skradzione wraz z fragmentami ścian.

W erze zaawansowanego nadzoru cyfrowego Banksy wciąż udaje się zachować anonimowość. Istnieje wersja, w której nie jest to już jedna osoba, ale grupa kilku artystów, na czele z utalentowaną kobietą. To by wiele wyjaśniało. I zewnętrzna odmienność pisarzy uchwycona w soczewkach kamer świadków i bezosobowa metoda aplikacji szablonów (daje dużą prędkość i nie wymaga bezpośredniego udziału autora) i wzruszający romans fabuły obrazów (kule, płatki śniegu itp.). Tak czy inaczej, ludzie biorący udział w projekcie Banksy, w tym jego asystenci, wiedzą, jak mocno trzymać języki.

W 2019 roku najdroższa praca Banksy'ego stała się nieoczekiwanie czterometrowym płótnem Devolved Parliament (parlament „zdegradowany”, „zdekomponowany” lub „delegowany”). Szympansy kłócące się w Izbie Gmin wydają się kpić z widzów w roku skandalicznego Brexitu. To niesamowite, że obraz został namalowany 10 lat przed tym historycznym przełomem, dlatego ktoś uważa go za proroczy. Na aukcji Sotheby's 3 października 2019 r., Podczas zaciekłych negocjacji, nieznany kupiec kupił tę ropę za 12143000 dolarów - sześć razy więcej niż wstępnie szacowano.

20. JOHN CARREN „Ładnie i prosto”. 1999. 12,007 milionów dolarów

Amerykański artysta John Curran (1962)znany ze swoich satyrycznych obrazów figuratywnych na prowokacyjne tematy seksualne i społeczne. Prace Currena potrafią łączyć techniki malarskie dawnych mistrzów (zwłaszcza Lucasa Cranacha Starszego i manierystów) z fotografią mody z błyszczących magazynów. Dążąc do większej groteski, Curren często zniekształca proporcje ludzkiego ciała, powiększa lub pomniejsza jego poszczególne części, przedstawia bohaterów w rozbitych, manierycznych pozach.

Curren rozpoczął działalność w 1989 roku od portretów dziewcząt, przerysowanych ze szkolnego albumu; kontynuowany na początku lat 90. przy zdjęciach cycatych piękności inspirowanych zdjęciami z Cosmopolitan i Playboy; w 1992 roku pojawiły się portrety zamożnych starszych kobiet; aw 1994 roku Curren poślubił rzeźbiarkę Rachel Feinstein, która przez wiele lat stała się jego główną muzą i modelką. Popularność przyniosły mu pod koniec lat 90. umiejętności techniczne Currena w połączeniu z kiczem i groteską jego obrazów. W 2003 roku Larry Gagosian przejął promocję artysty, a jeśli taki handlarz jak Gagosian podejmie się za autora, to sukces jest gwarantowany. W 2004 roku w Whitney Museum odbyła się retrospektywa Johna Currena.

Mniej więcej w tym czasie zaczął sprzedawać za sześć cyfr. Obecny rekord w malarstwie Johna Currena należy do pracy „Nice and Simple”, sprzedanej 15 listopada 2016 r. W Christie's za 12 milionów dolarów. Obraz z dwojgiem nagich ledwie przekroczył dolną granicę szacunku 12-18 milionów dolarów. A jednak dla Johna Currena, który teraz po pięćdziesiątce to zdecydowanie przerwa w karierze. Jego poprzedni rekord w 2008 roku wynosił 5,5 miliona dolarów (zresztą zapłacił za tę samą pracę „Nice and Simple”).

21. BRICE MARDEN Uczestniczył. 1996-1999. 10,917 mln USD

Innym żyjącym amerykańskim artystą abstrakcyjnym w naszym rankingu jest Bryce Marden (1938). Prace Mardena utrzymane w stylistyce minimalizmu, a od końca lat osiemdziesiątych XX wieku - malarstwa gestów, wyróżniają się niepowtarzalną autorską, lekko wyciszoną paletą. Zestawienia kolorystyczne w pracach Mardena są inspirowane jego podróżami po świecie - Grecji, Indiach, Tajlandii, Sri Lance. Wśród autorów, którzy wpłynęli na powstanie Mardena, są Jackson Pollock (we wczesnych latach 60. pracował jako ochroniarz w Muzeum Żydowskim, gdzie osobiście obserwował „kapanie” Pollocka), Alberto Giacometti (zapoznał się z jego pracami w Paryżu) i Robert Rauschenberg (niektórzy podczas gdy Marden pracował jako jego asystent). Pierwszy etap pracy Mardena poświęcony jest klasycznym minimalistycznym płócienom, składającym się z kolorowych prostokątnych bloków (poziomych lub pionowych). W przeciwieństwie do wielu innych minimalistów, którzy osiągnęli idealną jakość prac, jakby drukowanych maszynowo, a nie rysowanych przez człowieka, Marden zachował ślady twórczości artysty, łączył różne materiały (wosk i farby olejne). Od połowy lat 80. pod wpływem kaligrafii orientalnej abstrakcję geometryczną zastąpiły meandrujące, meandrowe linie, których tłem były te same monochromatyczne pola barwne. Jedna z tych „meandrowych” prac - „The Attended” - na aukcji Sotheby's w listopadzie 2013 r. Została sprzedana za 10,917 mln dolarów, łącznie z prowizją.

22. Pierre Soulages Peinture 186 x 143 cm, 23 grudnia 1959 r. 10,6 miliona dolarów

23. ZHANG XIAOGANG Wieczna miłość. 10,2 miliona dolarów

Kolejny przedstawiciel chińskiej sztuki współczesnej - symbolista i surrealista Zhang Xiaogang (1958)... Na aukcji Sotheby's w Hongkongu 3 kwietnia 2011gdzie sprzedawano chińską awangardę z kolekcji belgijskiego barona Guya Ullensa, tryptyk Zhanga Xiaoganga "Wieczna miłość" został sprzedany za $ 10,2 mln... Był to wówczas rekord nie tylko dla artysty, ale także dla całej chińskiej sztuki współczesnej. Mówi się, że dzieło Xiaoganga kupiła żona miliardera Wang Wei, która ma właśnie otworzyć własne muzeum.

Zhang Xiaogang, miłośnik mistycyzmu i filozofii Wschodu, napisał historię „Wiecznej Miłości” w trzech częściach - życie, śmierć i odrodzenie. Tryptyk był prezentowany na kultowej wystawie „Chiny / awangarda” w 1989 roku w Narodowym Muzeum Sztuki. W tym samym 1989 roku wojsko brutalnie stłumiło demonstracje studenckie na placu Tiananmen. Po tym tragicznym wydarzeniu rozpoczęło się dokręcanie śrub - ekspozycja w Muzeum Narodowym uległa rozproszeniu, wielu artystów wyemigrowało. W odpowiedzi na narzucony z góry socrealizm pojawił się kierunek cynicznego realizmu, którego jednym z głównych przedstawicieli był Zhang Xiaogang.

24. BRUCE NAUMAN Bezradny Henry Moore. 1967. 9,9 miliona dolarów

amerykański Bruce Nauman (1941), zdobywca głównej nagrody 48. Biennale w Wenecji (1999), od dawna kroczy w kierunku swojego rekordu. Nauman rozpoczął karierę w latach sześćdziesiątych. Znawcy nazywają go, obok Andy Warhola i Josepha Beuysa, jedną z najbardziej wpływowych postaci sztuki drugiej połowy XX wieku. Jednak bogata intelektualność i całkowity brak dekoracyjności niektórych jego prac w oczywisty sposób utrudniły jego szybkie rozpoznanie i sukces w szerokiej publiczności. Naumann często eksperymentuje z językiem, odkrywając nieoczekiwane znaczenia znanych zwrotów. Słowa stają się głównymi bohaterami wielu jego prac, w tym pseudononów i tablic. Sam Naumann nazywa siebie rzeźbiarzem, choć przez ostatnie czterdzieści lat próbował swoich sił w zupełnie innych gatunkach - rzeźbie, fotografii, sztuce wideo, performansach, grafice. Na początku lat dziewięćdziesiątych Larry Gagosian wypowiedział prorocze słowa: „Prawdziwa wartość pracy Naumana nie została jeszcze zrealizowana”. I tak się stało: 17 maja 2001 w pracy Christie przez Naumanna 1967 „Helpless Henry Moore (widok z tyłu)” (Henry Moore Bound to Fail (Backview)) ustanowił nowy rekord w powojennym segmencie sztuki. Odlew gipsu i wosku rąk Naumanna związanych za plecami trafił pod młotek za $ 9,9 mln do kolekcji francuskiego potentata Francois Pinault (według innych źródeł, Amerykanin Phyllis Wattis). Szacunek pracy to zaledwie 2-3 miliony dolarów, więc wynik był dla wszystkich prawdziwym zaskoczeniem.

Przed tą legendarną sprzedażą tylko dwa dzieła Naumanna przekroczyły granicę miliona dolarów. A przez całą jego dotychczasową karierę aukcyjną tylko sześć prac, oprócz „Henry Moore…”, trafiło do kwot siedmiocyfrowych, ale ich wyników nadal nie można porównać z dziewięcioma milionami.

Bezradny Henry Moore to jedna z serii polemicznych prac Naumanna na temat postaci Henry'ego Moore'a (1898–1986), brytyjskiego malarza, który w latach sześćdziesiątych XX wieku był uważany za jednego z największych rzeźbiarzy XX wieku. Młodzi autorzy, którzy znajdowali się w cieniu uznanego mistrza, rzucili się na niego z ostrą krytyką. Praca Naumanna jest odpowiedzią na tę krytykę i jednocześnie refleksją na temat twórczości. Tytuł pracy staje się kalamburem, ponieważ łączy dwa znaczenia angielskiego słowa związany - związany (dosłownie) i skazany na pewien los.

Uwaga! Wszystkie materiały z serwisu oraz baza danych wyników aukcji serwisu, w tym ilustrowane informacje referencyjne o pracach sprzedanych na aukcjach, przeznaczone są do użytku wyłącznie zgodnie z art. 1274 Kodeksu cywilnego Federacji Rosyjskiej. Używanie w celach komercyjnych lub z naruszeniem zasad określonych w Kodeksie cywilnym Federacji Rosyjskiej jest zabronione. serwis nie ponosi odpowiedzialności za treść materiałów przesłanych przez osoby trzecie. W przypadku naruszenia praw osób trzecich, administracja serwisu zastrzega sobie prawo do usunięcia ich z serwisu oraz z bazy danych na żądanie uprawnionego organu.

Zwyczajowo wszelkie nurty artystyczne, które rozwinęły się pod koniec XX wieku, nazywa się sztuką współczesną. W okresie powojennym był to rodzaj ujścia, który ponownie uczył ludzi marzyć i wymyślać nowe realia życiowe.

Zmęczeni surowymi regułami z przeszłości młodzi artyści postanowili przełamać dawne normy artystyczne. Starali się tworzyć nowe, nieznane wcześniej praktyki. Sprzeciwiając się modernizmowi, zwrócili się ku nowym sposobom ujawniania swoich historii. Artysta i koncepcja jego stworzenia stały się znacznie ważniejsze niż sam wynik twórczej działalności. Chęć odejścia od wzniesionych ram doprowadziła do pojawienia się nowych gatunków.

Między artystami zaczęły pojawiać się spory o znaczenie sztuki i sposób jej wyrażania. Co to jest sztuka? Jakimi środkami można osiągnąć prawdziwą sztukę? Konceptualiści i minimaliści znaleźli odpowiedź dla siebie w zdaniu: „Jeśli sztuka może być wszystkim, to może być niczym”. Dla nich odejście od utartych środków wizualnych zaowocowało realizacją różnych akcji, happeningów i performansów. Co jest takiego specjalnego w sztuce współczesnej XXI wieku? Porozmawiamy o tym w artykule.

Trójwymiarowa grafika w sztuce XXI wieku

Sztuka XXI wieku słynie z grafiki 3D. Wraz z rozwojem technologii komputerowej artyści uzyskali dostęp do nowych środków tworzenia swojej sztuki. Istotą grafiki 3D jest tworzenie obrazów poprzez modelowanie obiektów w przestrzeni 3D. Patrząc na większość form sztuki współczesnej XXI wieku, 3D jest najbardziej tradycyjne. Grafika 3D ma wiele aspektów, w dosłownym tego słowa znaczeniu. Służy do tworzenia programów, gier, obrazów i filmów na komputerze. Ale widać to też tuż pod stopami - na asfalcie.

Grafika 3D wydostała się na ulice dziesiątki lat temu i od tamtej pory pozostaje jedną z najważniejszych form sztuki ulicznej. Wielu artystów maluje na swoich „obrazach” trójwymiarowe obrazy, które mogą zadziwiać realizmem. Edgar Müller, Eduardo Rolero, Kurt Wenner i wielu innych współczesnych artystów tworzy dziś sztukę, która może zaskoczyć każdego.

Sztuka uliczna XXI wieku

Wcześniej okupacja była udziałem bogatych ludzi. Przez wieki był przykryty murami specjalnych instytucji, w których dostęp dla niewtajemniczonych był zamknięty. Oczywiście jego ogromna moc nie mogła marnować się wiecznie w dusznych budynkach. Wtedy wydostał się - na szare, ponure ulice. Wyszedłem, aby na zawsze zmienić swoją historię. Chociaż na początku nie było to takie proste.

Nie wszyscy byli zadowoleni z jego narodzin. Wielu postrzegało to jako skutek złych doświadczeń. Niektórzy nawet nie chcieli zwracać uwagi na jego istnienie. W międzyczasie dzieło nadal rosło i rozwijało się.

Artyści uliczni napotykali na swojej drodze trudności. Przy całej swojej różnorodności form sztuka uliczna była czasami trudna do odróżnienia od wandalizmu.

Wszystko zaczęło się w latach 70. ubiegłego wieku w Nowym Jorku. W tym czasie sztuka uliczna była w powijakach. A Julio 204 i Taki 183 podtrzymywali jego życie, po rozszerzeniu obszaru dystrybucji pozostawili napisy w różnych miejscach na swoim terenie. Inni chłopcy postanowili z nimi konkurować. Tu zaczęła się zabawa. Entuzjazm i chęć pokazania się przerodziły się w walkę o kreatywność. Każdy chciał odkryć dla siebie i innych bardziej oryginalny sposób na pozostawienie swojego śladu.

W 1981 roku street artowi udało się pokonać ocean. Pomógł mu w tym uliczny artysta z Francji BlekleRat. Uważany jest za jednego z pierwszych artystów graffiti w Paryżu. Nazywany jest także ojcem graffiti szablonowego. Jego charakterystycznym akcentem są rysunki szczurów, które nawiązują do imienia ich twórcy. Autor zauważył, że po przestawieniu liter w słowie szczur (szczur) uzyskuje się sztukę (sztukę). Blek powiedział kiedyś: „Szczur jest jedynym wolnym zwierzęciem w Paryżu, które rozprzestrzenia się wszędzie, tak jak sztuka uliczna”.

Najbardziej znanym artystą ulicznym jest Banksy, który nazywa BlekleRat swoim głównym nauczycielem. Gorąca praca tego utalentowanego Brytyjczyka może uciszyć każdego. W swoich rysunkach, wykonanych za pomocą szablonów, piętnuje współczesne społeczeństwo z jego wadami. Banksy charakteryzuje się tradycyjnym sposobem pozostawiania jeszcze większego wrażenia na widowni. Ciekawostką jest fakt, że tożsamość Banksy'ego wciąż jest owijana tajemnicą. Nikomu jeszcze nie udało się rozwiązać tajemnicy osobowości artysty.

Tymczasem sztuka uliczna nabiera tempa. Kiedyś sztuka uliczna wróciła do marginalnych trendów na aukcji. Dzieła artystów są sprzedawane za bajeczne sumy przez tych, którzy kiedyś odmówili o nim rozmowy. Czy to życiodajna siła sztuki, czy mainstreamowe trendy?

Formularze

Do tej pory istnieje kilka dość interesujących przejawów sztuki współczesnej. Przegląd najbardziej niezwykłych form sztuki współczesnej zostaną Państwu przedstawione dalej.

Gotowe

Termin gotowy pochodzi z języka angielskiego, co oznacza „gotowy”. W rzeczywistości celem tego kierunku nie jest tworzenie niczego materialnego. Główną ideą jest to, że w zależności od otoczenia obiektu zmienia się postrzeganie osoby i samego obiektu. Założycielem nurtu jest Marcel Duchamp. Jego najsłynniejszym dziełem jest Fontanna, czyli pisuar z autografem i datą.

Anamorfoza

Anamorfoza to technika tworzenia obrazów w taki sposób, że tylko pod pewnym kątem można je w pełni zobaczyć. Jednym z najwybitniejszych przedstawicieli tego nurtu jest Francuz Bernard Pras. Tworzy instalacje z tego, co pod ręką. Dzięki swoim umiejętnościom udaje mu się tworzyć niesamowite dzieła, które jednak widać tylko pod pewnym kątem.

Płyny ustrojowe w art

Jednym z najbardziej kontrowersyjnych trendów w sztuce współczesnej XXI wieku jest rysunek malowany ludzkimi płynami. Często zwolennicy tej formy sztuki współczesnej używają krwi i moczu. W tym przypadku kolorystyka obrazów przybiera często ponury, przerażający wygląd. Na przykład Herman Nitsch wykorzystuje krew zwierzęcą i mocz. Wykorzystanie tak nieoczekiwanych materiałów autorka tłumaczy trudnym dzieciństwem, które przyszło podczas drugiej wojny światowej.

Malarstwo XX-XXI wieku

Krótka historia malarstwa zawiera informacje, że koniec XX wieku stał się punktem wyjścia dla wielu kultowych artystów naszych czasów. W trudnych latach powojennych sfera przeżywała swoje odrodzenie. Artyści starali się odkryć nowe oblicza swoich możliwości.

Suprematyzm

Za twórcę suprematyzmu uważa się Kazimierza Malewicza. Jako główny teoretyk głosił suprematyzm jako sposób na oczyszczenie sztuki ze wszystkich niepotrzebnych rzeczy. Porzucając utarte sposoby przenoszenia obrazów, artyści dążyli do uwolnienia sztuki od tego, co nieartystyczne. Najważniejszym dziełem tego gatunku jest słynny „Czarny kwadrat” Malewicza.

Pop Art

Pop-art ma swoje korzenie w Stanach Zjednoczonych. W latach powojennych społeczeństwo doświadczyło globalnych zmian. Ludzi było teraz stać na więcej. Konsumpcja stała się istotną częścią życia. Ludzie stali się kultami, a produkty konsumenckie - symbolami. Jasper Jones, Andy Warhol i inni zwolennicy ruchu starali się wykorzystać te symbole na swoich obrazach.

Futuryzm

Futuryzm został odkryty w 1910 roku. Główną ideą tego ruchu było pragnienie nowego, zniszczenie ram przeszłości. Artyści przedstawili tę aspirację za pomocą specjalnej techniki. Ostre pociągnięcia, przepływy, połączenia i przecięcia są oznakami futuryzmu. Najbardziej znanymi przedstawicielami futuryzmu są Marinetti, Severini, Carra.

Sztuka współczesna w Rosji XXI wieku

Sztuka współczesna w Rosji (XXI wiek) płynnie wylała się z podziemnej, „nieoficjalnej” sztuki ZSRR. Młodzi artyści lat 90. szukali nowych sposobów realizacji swoich artystycznych ambicji w nowym kraju. W tym czasie narodził się moskiewski akcja. Jego zwolennicy rzucili wyzwanie przeszłości i jej ideologii. Zniszczenie granic (w dosłownym i przenośnym znaczeniu tego słowa) pozwoliło zobrazować stosunek młodego pokolenia do sytuacji w kraju. Sztuka współczesna XXI wieku stała się wyrazista, przerażająca, szokująca. Ten, z którego towarzystwo było zamknięte na tak długo. Działania Anatolija Osmołowskiego („Majakowski - Osmołowski”, „Przeciw wszystkim”, „Barykada na Bolszaję Nikicką”), ruchu „TE” („TE-tekst”), Olega Kulika („Prosiaczek daje prezenty”, „Wściekły pies czy ostatnie tabu”) strzeżony przez samotnego Cerberusa ”), Avdey Ter-Oganyan („ Pop Art ”) na zawsze zmienił historię sztuki współczesnej.

Nowe pokolenie

Slava ATGM to współczesny artysta z Jekaterynburga. Niektórym jego praca może przypominać pracę Banksy'ego. Jednak prace Sławy niosą ze sobą idee i uczucia znane tylko obywatelowi Rosji. Jednym z jego najbardziej znanych dzieł jest kampania „Land of Opportunities”. Artysta wykonał napis z kul na budynku opuszczonego szpitala w Jekaterynburgu. Slava kupił kule od mieszkańców miasta, którzy kiedyś ich używali. Artysta zapowiedział akcję na stronie w serwisie społecznościowym, dodając apel do współobywateli.

Muzea sztuki współczesnej

Być może kiedyś współczesne sztuki wizualne XXI wieku wydawały się środowiskiem marginalnym, ale dziś coraz więcej osób stara się wejść na nową dziedzinę sztuki. Coraz więcej muzeów otwiera swoje podwoje na nowe środki wyrazu. Nowy Jork jest rekordzistą w dziedzinie sztuki współczesnej. Istnieją również dwa muzea, które należą do najlepszych na świecie.

Pierwsza to MoMA, czyli repozytorium obrazów Matisse'a, Dalego, Warhola. Drugie to muzeum Niezwykła architektura budynku sąsiaduje z dziełami Picassa, Marca Chagalla, Kandinsky'ego i wielu innych.

Europa słynie również ze wspaniałych muzeów sztuki współczesnej XXI wieku. Muzeum KIASMA w Helsinkach pozwala dotykać eksponatów. Centrum w stolicy Francji zadziwia niezwykłą architekturą i dziełami współczesnych artystów. W Stedeleikmuseum w Amsterdamie znajduje się największa kolekcja obrazów Malewicza. w stolicy Wielkiej Brytanii znajduje się ogromna liczba obiektów sztuki współczesnej. W Muzeum Sztuki Nowoczesnej w Wiedniu znajdują się prace Andy'ego Warhola i innych utalentowanych współczesnych artystów.

Sztuka współczesna XXI wieku (malarstwo) - tajemnicza, niezrozumiała, urzekająca, na zawsze zmieniła wektor rozwoju nie tylko odrębnej sfery, ale całego życia ludzkości. Odzwierciedla i jednocześnie kreuje nowoczesność. Stale zmieniająca się, współczesna sztuka pozwala na chwilę zatrzymać się w pośpiechu. Przestań pamiętać uczucia w głębi duszy. Zatrzymaj się, aby ponownie przyspieszyć i pędź w wir wydarzeń i czynów.

Od 8 czerwca do 31 lipca w Moskwie odbywa się VI Międzynarodowe Biennale Młodej Sztuki. Ponad 50 artystów z całego świata do 35 roku życia zaprezentowało na nim swoje prace. Ale współcześni artyści nie tylko wystawiają w galeriach czy muzeach - ich prace często można kupić. To niekoniecznie jest drogie: popularyzacja sztuki współczesnej zapoczątkowała proces demokratyzacji cen, który skłonił niektórych mieszczan do budżetowania kosztów malarstwa na renowacje. Nawet domy aukcyjne i targi sztuki, na których zaczęły pojawiać się prace młodych artystów, nie mogły zignorować zainteresowania sztuką klasy średniej. The Village poprosiła dziennikarkę i współwłaścicielkę Galerii Oily Oil Ekaterina Polozhentseva o wybranie dzieł współczesnych artystów rosyjskich, które były przystępne zarówno pod względem wykonania, jak i ceny.

Ekaterina Polozhentseva

Timofey Radya

Tim Radya, artysta z Jekaterynburga, łączy w swoich pracach filozofię i sztukę uliczną. Z wykształcenia filozof i prawdziwa artystka z natury, Tima od dawna pielęgnuje ideę przyszłej pracy, a następnie wdraża ją w przestrzeni miejskiej z pomocą swojej małej armii przyjaciół i współpracowników. Zwroty, które stały się memami, „Przytuliłbym cię, ale jestem tylko tekstem”, „Im więcej światła, tym mniej możesz zobaczyć” lub „Kim jesteśmy, skąd jesteśmy, dokąd zmierzamy?” tymczasowo stać się częścią środowiska miejskiego, ale na zawsze pozostań na fotografiach Radi. Sprzedaje je w galeriach.

Timofey Radya. Precz ze śmiercią. 2013. Drukowanie zdjęć na papierze matowym. 60 x 80. Wydanie 15/24. Cena £ - 44 000 rubli... Kup - Galeria Artwin

Alexey Dubinsky

Dubinsky urodził się w Groznym w 1985 roku i uzyskał klasyczne wykształcenie w Rosyjskiej Akademii Malarstwa, Rzeźby i Architektury Ilyi Glazunov. Aleksiej działa w manierze abstrakcyjnego ekspresjonizmu, za którym zawsze kryje się wizerunek jakiegoś bohatera - samego Aleksieja, jego przyjaciół czy „całkowicie szczęśliwej rodziny”. Wiosną 2018 roku Dubinsky był gospodarzem dużej, osobistej wystawy, której kuratorem była Sofia Simakova w galerii Triumph, po której pojawienie się Aleksieja na tej liście jest wielkim sukcesem: duże (metr po metrze) prace Dubinsky'ego już dawno zniknęły z przyzwoitej kategorii cenowej, którą można nazwać głośno. Ale grafiki z minionych lat są nadal dostępne do kupienia bez załamania budżetu osobistego lub rodzinnego.

Kirill Kto

Jeśli widzisz oczy wycięte w banerach na ulicach Moskwy, wiedz, że są one wykonane przez jedną osobę, która uwielbia chodzić - Kirill Lebedev. Drugi znak firmowy Who - frazy pisane drukowanymi literami. Często zdarza się, że każda litera jest rysowana w innym kolorze. Kogo trudno z kimś pomylić. Kilka lat temu właściciele galerii Elvira Tarnogradskaya i Nadieżda Stepanova poprosili Kirilla o przeniesienie kilku prac na płótna: sukces przedsięwzięcia był oczywisty. Kto ceny rosną szybciej, niż jego nowe oczy pojawiają się w mieście. Ale jest też opcja dla tych, którzy liczą pieniądze - sitodruk, sygnowany przez autora i wyprodukowany w limitowanej edycji.

Julia Iosilzon

Iosilzon urodził się w Moskwie w 1992 roku. Obecnie Julia mieszka w Londynie, gdzie otrzymuje tytuł licencjata w Slade School of Fine Arts. Całodobowy pobyt w studenckiej pracowni plastycznej nie przeszkodził jej w zorganizowaniu indywidualnej wystawy w moskiewskiej galerii Triumph. Ekspresyjnie pracuje na jedwabiu rozpiętym na noszach. Wśród bohaterów prac można rozpoznać wilka i zająca z radzieckiego "No, czekaj!" Obraz Iosilzona będzie już musiał odroczyć kilka pensji, ale grafikę nadal można kupić za niewielkie pieniądze.

Anton Totibadze

Anton Totibadze jest synem artysty Konstantina Totibadze i siostrzeńcem artysty Georgy Totibadze. Anton kontynuuje niewypowiedzianą rodzinną tradycję - malowanie martwych natur i codziennych krajobrazów, często inspirowanych gotowaniem grilla na własnym podwórku. Muzeum Rosyjskie w Petersburgu włączyło już do swoich zbiorów jedną z tych prac Antona Totibadze. Nieźle jak na 25-letniego artystę.

Anton Totibadze. Tymczasowe niedogodności. 2017. Płótno, tempera. 15 x 19. Cena - 25 000 rubli... Kup - OilyOil.com

Ales Nomad

Anna Asyamova urodziła się w Kazachstanie, ukończyła Uniwersytet Artystyczny w Kemerowie. Jej wczesne prace to ascetyczne portrety, w których nie mieszała kolorów. Później Ales zainteresował się malarstwem i zaczął malować portrety w stylu dawnych mistrzów i przekształcać je w plecaki lub miękkie zabawki, używając pioruna, aby uczynić prace wielofunkcyjnymi. Mniej więcej na tym etapie Vladimir Dubossarsky zauważył ją i zaproponował, że zrobi wspólną wystawę. Jeden z najdroższych żyjących artystów rosyjskich miał oczywiście wpływ na koszt nowych dzieł Alesa. Ale nawet dziś wczesne prace można kupić za nawet 22 tysiące rubli.

Ales the Nomad. Ślub. 2013. Karton, akryl, flamastry. 70 x 100. Cena - 22 000 RUBLI... Kup - OilyOil.com

Valery Chtak

Valery Chtak to artysta z długą historią wystawienniczą i rozpoznawalnym stylem. Jego prace to zawsze monochromatyczna czarno-biało-szara paleta z tekstem. W jego obrazach jest mało malarstwa i wiele prostych obrazów, jakby ze ściany sąsiedniego przejścia podziemnego. Z wykształcenia bibliotekarz, Chtak bardzo dużo pracuje ze słowami: „Wszyscy umarli są jednakowo martwi”, „Kochać się bawić, nienawidzić i mścić się” czy „Kiedy jest północ w Moskwie, to także północ w Murmańsku” - tekstami artysty, którego również dziś warto kupić.

Dmitry Aske

Dmitry Aske to kolejny artysta, który przeniósł się z ulicy do pracowni artystycznej. Wiele dzisiejszych prac Asuke to ręcznie rzeźbione i ręcznie malowane inkrustowane panele drewniane, które artysta składa w panele. Z dzisiejszego budżetu Dimy należy zwrócić uwagę na jego sitodruk ręcznie malowanymi farbami akrylowymi. Odciski Asuke są podpisane i ponumerowane.

Dmitry Aske. Budda. Sitodruk, akryl, papier bawełniany. 50 x 50. Cena - 16 000 RUBLI... Kup - format1.net

Zdjęcia: okładka, 15–21 - Oily Oil, 1 - Artwin, 2 - Timofey Radya, 3–7, 12–14 - Sample, 8, 25, 26 - White Wall Problems Online Gallery, 9–11, 22–24 - Gallery Triangle, 27 - „Format One”

Na zdjęciu jest obraz słynnego współczesnego włoskiego artysty Aurelio Bruniego. Mieszka i pracuje w Umbrii. Artysta maluje w stylu hiperrealizmu i symbolizmu, zorganizował 25 wystaw indywidualnych, brał udział w 53 wystawach zbiorowych, ma 10 różnych nagród i wyróżnień.

Droga do Yorku przez świat szlaków to obraz słynnego współczesnego brytyjskiego artysty Davida Hockneya. 21 czerwca 2006 r. „Splash” Hockneya został sprzedany za 2,6 miliona funtów. Jego obraz „Wielki Kanion”, składający się z 60 małych obrazów połączonych w celu odtworzenia jednego ogromnego obrazu, został kupiony przez National Gallery of Australia za 4,6 miliona dolarów. Gospodyni domowa z Beverly Hills została sprzedana za 7,9 miliona dolarów w Christie's w Nowym Jorku. W 2016 roku jego krajobraz, Waldgate Woods, został sprzedany na aukcji w Sotheby's za 9,4 miliona funtów. stał się nowym rekordem Davida Hockneya.

Na zdjęciu obraz słynnego współczesnego amerykańskiego artysty Warrena Chunga. Dzięki mistrzowskiemu przekazowi światła i stonowanych tonów jego obrazy wyglądają bardzo realistycznie, doskonale oddają emocje i nastrój. Większość jego obrazów przedstawia ludzi zaangażowanych w swoją działalność zawodową lub codzienną. Maluje również obrazy wnętrz. Warren Chang ma wiele różnych tytułów i nagród. Mieszka i pracuje w Monterey w Kalifornii.

Obraz jest abstrakcją słynnego współczesnego niemieckiego malarza Gerharda Richtera, jednego z najbogatszych artystów świata. Obraz pokazany na tym zdjęciu został sprzedany w Londynie w Sotheby's za 44,52 miliona dolarów (30,4 miliona).

Na zdjęciu obraz słynnego współczesnego francuskiego artysty Martial Rice. W 1993 roku jedną z jego prac kupił miliarder François Pinault. W 2011 roku Rice's Last Year in Capri został sprzedany za 6,58 miliona dolarów w Christie's (za najwyższą cenę spośród wszystkich innych francuskich artystów sprzedanych wcześniej). 50 najdroższych żyjących artystów.

Obraz słynnego współczesnego kanadyjskiego artysty Albini LeBlanc, mistrza miniaturowych miejskich pejzaży za pomocą szpachli. Artysta mieszka i pracuje w Quebecu. Jego prace można oglądać w galeriach sztuki w Montrealu, Toronto, Vancouver i Quebecu. Albini LeBlanc zorganizował 15 wystaw indywidualnych, brał udział w 7 wystawach zbiorowych, ma 8 różnych nagród i wyróżnień.

Na zdjęciu obraz słynnego współczesnego japońskiego artysty Tomoko Kashiki. Artysta organizował wystawy indywidualne w Singapurze, Francji i Japonii, brał udział w wystawach zbiorowych w Chinach, USA, Australii, Japonii, Indonezji, Wielkiej Brytanii, Zjednoczonych Emiratach Arabskich i Singapurze. Jej prace można oglądać w kolekcjach publicznych w Art Gallery of Queensland, Brisbane, Australia; w jednej z największych japońskich firm ubezpieczeniowych - Dai-ichi Life Insurance Limited; w Muzeum Sztuki Starej i Nowej na Tasmanii w Australii; w Kolekcji Sztuki Toyoty.

Obraz „Kolorowanie” znanego współczesnego ukraińskiego artysty Olega Pistola. Ten obraz został sprzedany w firmie Phillips za 53,900 $. Według Forbesa, Oleg Tistol to jeden z trzech najbardziej utytułowanych artystów na Ukrainie. Urodził się w Vradiyevka w obwodzie mikołajowskim, mieszka i pracuje w Kijowie, jest członkiem Związku Artystów Ukrainy, brał udział w wielu wystawach na Ukrainie, w Rosji, Estonii, Polsce, USA, Islandii, Słowenii, Holandii, Szwajcarii, Wielkiej Brytanii, Danii, Brazylii, Niemczech , Norwegii, Francji i Włoch. Oleg Tistol wziął udział w Biennale: w 1994 - „17 września”, 22. Biennale w Sao Paulo; w 2001 - „Pierwszy ukraiński projekt”, 49. Biennale w Wenecji. Jego obrazy znajdują się w kolekcjach: w PinchukArtCentre, w Kijowie, na Ukrainie; w kolekcji Norton Dodge, USA; w Muzeum Stedelik w Amsterdamie w Holandii; w Christoph Merian Stiftung w Bazylei, Szwajcaria; w tureckim Ministerstwie Kultury w Ankarze; w Muzeum Historii Moskwy w Rosji.

Na zdjęciu obraz słynnego współczesnego polskiego artysty Wojciecha Babskiego. Artysta mieszka i pracuje w Katowicach. Jest popularny nie tylko w Polsce, ale także za granicą. Wojciech Babski otrzymał następujące nagrody: I \u200b\u200bmiejsce w kategorii „The American Art Awards 2016” w kategorii malarstwo pop; I miejsce w kategorii „The American Art Awards 2016” w kategorii obrazów komentujących politykę; 3. miejsce Obrazy akrylowe The American Art Awards 2016; IV i V miejsce w kategorii „The 2016 American Art Awards” w kategorii Ekspresjonizm.

Na zdjęciu jest obraz znanej współczesnej białoruskiej artystki Anny Silivonchik. Artystka urodziła się w Homlu, dziś mieszka i pracuje w Mińsku. Silivonchik Anna jest członkiem Białoruskiego Związku Artystów, została odznaczona medalem "Talent i Powołanie" międzynarodowego sojuszu "Peacemaker", jej prace znajdują się w Muzeum Narodowym Republiki Białorusi, Muzeum Sztuki Współczesnej w Mińsku, Muzeum Współczesnej Sztuki Rosyjskiej w Jersey City (USA), funduszach Zespół pałacowo-parkowy Homel, Państwowe Muzeum-Rezerwat Jelabugi w Rosji, zbiory prywatne Białorusi, Rosji, Francji, USA, Japonii, Izraela, Włoch, Niemiec i Polski. W latach 2001-2016 artysta zorganizował wiele wystaw indywidualnych na Białorusi, Rosji, Niemczech i Ukrainie, a także brał udział w wystawach zbiorowych na Białorusi, USA, Rosji, Estonii, Ukrainie, Łotwie, Czechach, Polsce, Niemczech. , Węgry, Niderand i Kazachstan.

Obraz słynnego współczesnego tureckiego artysty Gyurbuza Dogana Eksioglu. Znany na całym świecie turecki rysownik i grafik, pochodzący z Ordu, ma na swoim koncie ponad 70 nagród, z których około jedna trzecia ma charakter międzynarodowy. Grbz Doan Ekiolu brał udział w wielu wystawach zbiorowych w Turcji i za granicą, zorganizował ponad 20 wystaw indywidualnych, z których jedna odbyła się w Nowym Jorku. Jego prace były prezentowane w Atlantic, New York Times, a także zdobiły okładki New Yorker i Forbes.

Obraz słynnego współczesnego egipskiego artysty Hossama Dirara. Artysta urodził się, mieszka i pracuje w Kairze. Hossam Dirar miał na swoim koncie wiele wystaw indywidualnych w takich krajach jak Bahrajn, Wielka Brytania, Słowacja, Włochy, Francja, Austria, Czechy, Węgry, Słowenia i Egipt. Brał także udział w wystawach zbiorowych w Niemczech, Egipcie i RPA.

Na zdjęciu obraz „Ostatnia wieczerza” słynnego współczesnego chińskiego artysty Zenga Fanzhiego. Ten obraz został sprzedany za 23,3 miliona USD w Sotheby's w Hongkongu w październiku 2013 r., Ustanawiając nowy rekord współczesnej sztuki azjatyckiej. Wcześniej, w maju 2008 r., Kiedy Christie's Hong Kong zorganizowała pierwszą sprzedaż azjatyckiej sztuki współczesnej , jego obraz nr 6 z serii Maska sprzedany za 75 367 500 HK $. Był to światowy rekord tego roku pod względem wartości sprzedaży wśród wszystkich artystów.

Na zdjęciu obraz słynnego współczesnego greckiego artysty Nikosa Giftakisa. Artysta urodził się, mieszka i pracuje w Atenach. Jest bardzo popularny nie tylko w Grecji, organizował wystawy osobiste i brał udział w wielu zbiorowych, m.in. w Szwajcarii, na Cyprze, w Niemczech, Włoszech, Belgii, Szwecji, Brazylii, Rosji i Grecji.

Obraz słynnego współczesnego gruzińskiego artysty Davida Popiashvili. Artysta pochodzący z Tbilisi jest członkiem Związku Artystów Gruzji, brał udział w wystawach we Francji, Niemczech, Bułgarii, Rosji i Gruzji. Wiele jego prac znajduje się w muzeach i kolekcjach prywatnych w Gruzji i za granicą.

Obraz został namalowany przez słynnego współczesnego artystę ZEA Abdula Kadera Al-Raisa. Artysta jest jednym z założycieli Emirates Society of Fine Arts i uważany jest za jednego z pionierów sztuki współczesnej w Emiratach. Jego prace można znaleźć w Emirates Palace (hotel prezydencki w Abu Zabi), biurach rządowych oraz w prywatnych kolekcjach dzieł sztuki rodziny królewskiej w Dubaju. Artysta brał udział w wielu wystawach zbiorowych, a także organizował wystawy indywidualne w różnych krajach (Czechy, Liban, USA, Niemcy, Kuwejt, Katar, Oman, Arabia Saudyjska, Syria i Zjednoczone Emiraty Arabskie), zdobył wiele nagród.

Na zdjęciu jest obraz słynnego współczesnego holenderskiego artysty Tjalfa Sparnaaya. Artysta pochodzi z Holandii, mieszka i pracuje w mieście Hilversum, zorganizował 14 wystaw indywidualnych i brał udział w wielu wystawach zbiorowych w różnych krajach (USA, Wielka Brytania, Belgia, Estonia, Niemcy, Kanada, Austria i Holandia). Jego prace znajdują się w zbiorach prywatnych i publicznych w wielu krajach.

Obraz słynnego współczesnego hiszpańskiego artysty Miguela Barcelo. W 2003 roku otrzymał Nagrodę Księcia Asturii w dziedzinie sztuki, jedną z najważniejszych nagród w Hiszpanii. W 2004 roku wystawił w Luwrze akwarele, które stworzył do zilustrowania Boskiej komedii, stając się pierwszym żyjącym współczesnym artystą wystawiającym w muzeum. Artysta należy do 30 najbogatszych artystów świata. Jego obrazy są drogie. Na przykład ten, którego zdjęcie prezentujemy powyżej kosztuje 244 398 dolarów.

Obraz namalował znany współczesny szwajcarski artysta Urs Fischer. Artysta, pochodzący z Zurychu, należy do 50 najbogatszych artystów świata. Słynie z prowokacyjnego podejścia do sztuki, ale przestrzega jej praw; sprzeciwia się przedstawianiu sztuki jako towaru komercyjnego, choć sam sprzedaje swoje prace drogo, umiejętnie wchodząc w interakcję z rynkiem sztuki i kolekcjonerami.

Na zdjęciu obraz słynnej współczesnej izraelskiej artystki Orny Ben-Shoshan. Mieszka i pracuje w mieście Ra'anana, ma na swoim koncie wiele wystaw indywidualnych i zbiorowych w takich krajach jak Stany Zjednoczone, Włochy, Wielka Brytania, Cypr, Francja i Izrael. Patrząc na prace artysty, zafascynuje Cię niesamowity świat, w którym wszystko jest możliwe. Skorzystaj z tego, aby wzbogacić swoją wyobraźnię, poszerzyć horyzonty i poznać szybko rozwijającego się utalentowanego artystę.

Na zdjęciu obraz słynnego współczesnego tajskiego artysty Direka Kingnok'a, akwarelisty z miasta Nakhon Ratchasima. Obecnie mieszka i pracuje w mieście Khon Kaen. Już w wieku 9 lat reżyser zdobył złoty medal na Międzynarodowym Konkursie Sztuki Dziecięcej w Japonii Brał udział w wystawach w Wietnamie, Chinach, Turcji, Włoszech, Rosji, Korei Południowej, Malezji, Grecji, Albanii i Tajlandii.

Obraz autorstwa słynnego współczesnego norweskiego artysty Christera Karlstada. Mieszka i pracuje w Drammen, prowadził wystawy indywidualne i brał udział w wystawach zbiorowych w USA, Szwecji, Norwegii.

Na zdjęciu obraz słynnego współczesnego artysty z Danii Jana Esmanna Artysta urodził się, mieszka i pracuje w Danii, brał udział w wystawach w takich krajach jak: Niemcy, USA, Dania.

Obraz został namalowany przez słynnego współczesnego szwedzkiego artystę Nisse Niedezh Ottenhag. Artysta pochodzący z małego miasteczka Lilla-Edet brał udział w wielu wystawach w różnych krajach (w USA, Francji, Monako, Namibii i Szwecji).

Na zdjęciu jest obraz słynnej współczesnej australijskiej artystki Elizabeth Barsham. Urodziła się, mieszka i pracuje na Tasmanii i otrzymała wiele nagród. Jej prace często można znaleźć na okładkach magazynów lub jako ilustracje do artykułów. Często pisze się o niej w prasie. Artysta brał udział w wielu wystawach i organizował wystawy indywidualne w różnych krajach (Wielka Brytania, Singapur, Włochy, Australia).

Podobne artykuły