Tivadar Chontvari-Kostka. „Stary rybak”

Do cedrów libańskich

Tak się stało z skromnym węgierskim farmaceutą, którego nazwisko jest trudne do zapamiętania, Tivadar Kostka Chontvari. Siedział w swojej aptece w małej karpackiej wiosce Iglo, układał nieczytelne przepisy, wydawał krople i pigułki oraz wysłuchiwał skarg starych kobiet, że proszki, jak mówią, nie pomagają. Siedział długo, nie kilkanaście lat. I nagle, w ciepłą letnią noc 1881 roku, miał sen ...

Kostka nikomu nie opowiedział o swoim śnie, ale następnego dnia wynajął aptekę, zebrał całą gotówkę, kupił pędzle i farby i pojechał prosto do Libanu malować cedry libańskie.

Nowo narodzony artysta nie pojawił się ponownie w swojej aptece. Podróżował do Grecji, Włoch, podróżował do Afryki Północnej iw tym czasie stworzył ponad sto obrazów.

O sobie pisał: „Ja, Tivadar Kostka, porzuciłem młodość w imię odnowy świata. Kiedy przyjąłem inicjację od niewidzialnego ducha, miałem bezpieczną pozycję, żyłem w dostatku i wygodzie. Ale opuściłem ojczyznę, ponieważ chciałem ujrzeć ją pod koniec mojego życia bogatą i wspaniałą. Aby to osiągnąć, dużo podróżowałem po Europie, Azji i Afryce. Chciałem znaleźć prawdę przepowiedzianą mi i przełożyć ją na obraz ”.

„Stary rybak”

Wartość jego prac została zakwestionowana przez wielu krytyków. W Europie były wystawiane (aczkolwiek bez większego sukcesu), ale na ich rodzimych Węgrzech Csontvari był raz na zawsze nazywany szaleńcem. Dopiero pod koniec życia przyjechał do Budapesztu i przywiózł tam swoje płótna. Próbowałem przekazać je lokalnemu muzeum, ale nikt ich nie potrzebował. W 1919 roku Tivadar Kostka Chontvari naprawdę oszalał i zmarł jako żebrak, samotny, wyśmiewany i bezużyteczny.

Pochowawszy nieszczęśnika, krewni zaczęli dzielić się dobrem. A cała dobroć była - tylko zdjęcia. I tak, po konsultacji z „ekspertami”, postanowili oddać płótna na złom, jak zwykłe płótno, i podzielić pieniądze między siebie, aby wszystko było uczciwe.

W tym czasie zupełnie przypadkowo przeszedł obok młodego architekta Gedeon Herlotsi. To on uratował dzieła artysty, płacąc za nie nieco więcej, niż oferował handlarz śmieciami.

Teraz obrazy Tivadara Chontvari są przechowywane w muzeum miasta Pecs (Węgry).

I tak całkiem niedawno jeden z pracowników muzeum, badając obraz Kostki „Stary Rybak” namalowany w 1902 roku, wpadł na pomysł przymocowania do niego lustra. A potem zobaczył, że na płótnie nie ma jednego obrazu, ale co najmniej dwa! Spróbuj samodzielnie oddzielić płótno lustrem, a zobaczysz albo boga siedzącego w łodzi na tle spokojnego, rzec można rajskiego krajobrazu, albo samego diabła, za którym szaleją czarne fale. A może w innych obrazach Chontvariego kryje się ukryte znaczenie? W końcu okazuje się, że były aptekarz ze wsi Iglo nie był taki prosty.

Blooming Almonds (Krajobraz we Włoszech), 1902

Tivadar Kosztka Tivadar (węgierski Csontváry Kosztka Tivadar, 5 lipca 1853 r., Kishseben, Cesarstwo Austriackie, obecnie Sabinov, Słowacja - 20 czerwca 1919 r., Budapeszt, Węgry) to węgierski artysta samouk. Jego twórczość można przypisać postimpresjonizmowi i ekspresjonizmowi.

W 1865 roku rodzina Chontvari przeniosła się do wsi Sredny (obecnie Zakarpacie), a Tivadar został wysłany na studia do szkoły handlowej w Użgorodzie. Służył jako farmaceuta, podobnie jak jego ojciec. W 1881 r. Doznał natchnienia, które zapowiadało losy wielkiego malarza, „ważniejszego niż sam Rafael”. W 1883 r. W Paryżu spotkał się z Mihai Munkachi, uważanym za największego malarza węgierskiego. Podróżował do Dalmacji, Włoch, Grecji, Afryki Północnej i na Bliski Wschód. W 1900 roku Kostka zmienił nazwisko na pseudonim Chontvari.

Chontvari zaczął malować w połowie 1890 roku. Posiada ponad sto obrazów. Większość z nich, w stylu bliskim ekspresjonizmowi, powstała w latach 1903-1909. Również w jego obrazach były cechy realizmu magicznego, symbolizmu, surrealizmu mitycznego, postimpresjonizmu.

Płótna Chontvari były wystawiane w Paryżu (1907, 1910) i innych europejskich miastach, ale nie zdobyły uznania w domu. Na Węgrzech artysta cieszył się opinią wariata ze względu na dziwne zachowanie, ascetyczny styl życia i skłonność do nadawania proroczego tonu podczas komunikacji. W ostatnich latach napisał książki - broszurę „Energia i sztuka, błędy cywilizowanego człowieka” oraz studium „Geniusz. Kto może, a kto nie może być geniuszem”. Artysta za życia nie sprzedał żadnego ze swoich obrazów. Główne prace artysty są gromadzone w muzeum miasta Pecz.

Autoportret

Drapieżny ptak

Stara kobieta czyszczenia jabłek

Kobieta siedząca przy oknie

Młody artysta

Słońce spoglądające od tyłu na Traw

Zachód słońca nad Zatoką Neapolitańską

Kwitnące migdały w Taurminie

Castellammare di Stabia

Data kochanków

Miasto nad morzem

Widok na miasto Selmetsbanya

Breakthrough Zrinja (Zrinja - chorwacki dowódca)

Elektrownia w Egg w nocy

Pompeje (Dom Chirurgus z Wezuwiuszem)

Modlący się Zbawiciel

Ciekawy efekt lustra można zobaczyć na obrazie „Stary rybak”. Wiadomo, że twarz osoby jest asymetryczna, to znaczy prawa i lewa część nie pokrywają się ze sobą.
Trudno powiedzieć, czy artysta chciał coś powiedzieć, mówiąc, że prawa i lewa część twarzy starca przedstawionego na zdjęciu są tak różne, ale efekt okazał się bardzo ciekawy.

Stary rybak

Po lewej portret złożony z prawej strony twarzy i jej lustrzanego odbicia, po prawej - z lewej strony i jej lustrzane odbicie.

Nie zgub tego. Zapisz się i otrzymaj link do artykułu w swojej poczcie.

Do niedawna tylko nieliczne osoby zainteresowane malarstwem, w szczególności ekspresjonizmem i prymitywizmem, znały nazwisko węgierskiego artysty Tivadara Kostki Csontvari. O malarzu, który zmarł w biedzie prawie 100 lat temu, który zresztą uchodził za obłąkanego (niektórzy badacze jego biografii uważają, że Tivadar był chory na schizofrenię), wielu ostatnio zaczęło mówić.

Faktem jest, że jeden z pracowników muzeum miejskiego Pecha, badając obraz Tivadara Chontvari „Stary rybak”, stwierdził, że jeśli podzielisz płótno na pół lustrem, otrzymasz dwa różne obrazy! Ten szczegół interesował nie tylko wielu krytyków sztuki, ale także zwykłych ludzi. Zaczęli mówić o tajemniczym mistycyzmie dzieła, zrewidowano stosunek do twórczego dziedzictwa węgierskiego samouka. W Rosji zainteresowanie tym faktem wzrosło po emisji programu „Co? Gdzie? Kiedy?" z dnia 1 października 2011 r., podczas której widz pytając o obraz „Stary rybak” zdołał pokonać ekspertów.

Nierozpoznany artysta

Tivadar Kostka Chontvari urodził się w 1853 roku w małej węgierskiej wiosce Kishseben. Jego ojciec był lekarzem i farmaceutą, interesował się nauką, był zagorzałym przeciwnikiem alkoholu i tytoniu i stanowczo opowiadał się za ich zakazem. Tivadar otrzymał tutaj podstawowe wykształcenie, ale po pożarze w 1866 roku przeniósł się do krewnych swojej matki w Użhorodzie. Po ukończeniu szkoły średniej pracował jako pomocnik handlowca w Preszowie.

Po swoim ojcu, Laszlo, młody Tivadar Chontvari odziedziczył zainteresowanie farmakologią. W rezultacie uzyskał wykształcenie farmaceutyczne na Uniwersytecie w Budapeszcie, a następnie studiował prawo i pracował jako urzędnik zastępcy burmistrza stolicy. W czasie studiów cieszył się szacunkiem innych studentów, został wybrany na szefa organizacji studenckiej, brał udział w strajkach 1879 roku.

Tivadar rozpoczął karierę jako artysta w 1880 roku. Pewnego jesiennego dnia, pracując w aptece, wyjrzał przez okno, mechanicznie wziął ołówek i receptę i zaczął rysować. Nie było to coś abstrakcyjnego - przejeżdżający wózek został uwieczniony na papierze. Właściciel apteki, widząc zdjęcie, pochwalił Chontvariego, mówiąc, że artysta urodził się nie inaczej niż dzisiaj. Później, pod koniec swojego życia, sam Tivadar w swojej autobiografii, napisanej w swój charakterystyczny mistyczny i proroczy sposób, opisując, co się stało, powiedział, że ma wizję. To właśnie skłoniło Tivadara do jego przeznaczenia - zostać wielkim malarzem.

Od tego czasu Tivadar Kostka zaczął podróżować, by zapoznać się z dziełami wielkich. Podróżował do Watykanu i Paryża. Następnie wrócił na Węgry, otworzył własną aptekę i całkowicie poświęcił się pracy, aby uzyskać niezależność finansową i robić to, do czego, jego zdaniem, się urodził. Tivadar namalował swój pierwszy obraz w 1893 roku. Rok później wyjechał do Niemiec (Monachium, Karlsruhe, Dusseldorf) i Francji (Paryż) do. Jednak świeżo upieczony artysta szybko się tym zmęczył iw 1895 roku udał się w podróż do Włoch, Grecji, Bliskiego Wschodu i Afryki, aby malować lokalne krajobrazy. Z biegiem czasu zaczął podpisywać swoje obrazy nie imieniem Kostka, ale pseudonimem Chontvari.

Tivadar Chontvari zajmował się malarstwem do 1909 roku. W tym czasie jego choroba zaczęła się rozwijać (prawdopodobnie schizofrenia, której towarzyszyła megalomania), a rzadkie obrazy stały się odbiciem surrealistycznych wizji. Artysta napisał również kilka traktatów filozoficznych, które mają znaczenie alegoryczne. Za życia Tivadar nigdy nie sprzedał żadnego ze swoich obrazów - wystawy w Paryżu nie były szczególnie popularne, aw domu prawie ich nie było. Malarz zmarł w 1919 roku i nie doczekała się uznania jego talentu.

Bóg i diabeł na obrazie „Stary rybak”

Całkiem niedawno obraz Tivadara Kostki Chontvari „Stary rybak”, namalowany przez niego w 1902 roku, stał się przedmiotem szczególnej uwagi krytyków sztuki.Odbijając na przemian lewą i prawą część obrazu, powstają dwa zupełnie różne obrazy - Bóg w łodzi na tle spokojnego jeziora lub Diabeł na wulkanie i za burzowymi wodami.

Po odkryciu tego faktu obrazy w inny sposób podeszły do \u200b\u200buznania autora. Ale co Tivadar Chontvari chciał powiedzieć o swojej pracy? Wielu podejrzewało związek twórczości artysty z mistycyzmem iz wielką gorliwością zaczęło badać dziedzictwo węgierskiego malarza.

Najbardziej prawdopodobną wersją idei osadzonej na obrazie jest opinia o dualistycznej naturze ludzkiej natury, którą Tivadar chciał przekazać. Człowiek całe życie spędza w nieustannej walce między dwoma zasadami: męską i żeńską, dobrem i złem, intuicyjną i logiczną. To są składniki bytu. Podobnie jak Bóg i diabeł na obrazie Chontvariego, uzupełniają się wzajemnie, bez jednego nie ma drugiego.

„Stary rybak” jako ucieleśnienie przeżywanego życia i ludzkiej mądrości, przy pomocy prostej techniki, pokazuje, jak zło i dobro, dobro i zło, Bóg i diabeł harmonizują w każdym z nas. A wyważenie ich jest zadaniem każdej osoby.

Po odkryciu tego faktu obrazy w inny sposób podeszły do \u200b\u200buznania twórczości autora. Ale co Tivadar Chontvari chciał powiedzieć o swojej pracy? Wielu podejrzewało związek twórczości artysty z mistycyzmem iz wielką gorliwością zaczęło badać dziedzictwo węgierskiego malarza.

Faktem jest, że jeden z pracowników muzeum miejskiego w Pecha, badając obraz Tivadara Chontvari „Stary rybak”, odkrył, że dzieląc płótno na pół lustrem, otrzymujemy dwa różne obrazy!

Ten szczegół interesował nie tylko wielu krytyków sztuki, ale także zwykłych ludzi. Zaczęli mówić o tajemniczym mistycyzmie dzieła, zrewidowano stosunek do twórczego dziedzictwa węgierskiego samouka. W Rosji zainteresowanie tym faktem wzrosło po emisji programu „Co? Gdzie? Kiedy?" z dnia 1 października 2011 r., podczas której widz pytając o obraz „Stary rybak” zdołał pokonać ekspertów.

W naszym sklepie internetowym możesz kupić reprodukcję tajemniczego obrazu i samodzielnie stworzyć to arcydzieło.

Prawie każde znaczące dzieło sztuki ma tajemnicę, „podwójne dno” lub tajemniczą historię, którą chcesz odkryć.

Muzyka na pośladkach

Hieronymus Bosch, Ogród rozkoszy ziemskich, 1500-1510.

Fragment części tryptyku

Dyskusja na temat znaczeń i ukrytych znaczeń najsłynniejszego dzieła holenderskiego artysty nie ustała od momentu jego powstania. Na prawym skrzydle tryptyku zatytułowanego „Muzyczne piekło” przedstawione są grzesznicy torturowani w zaświatach przy pomocy instrumentów muzycznych. Jedna z nich ma nadrukowane notatki na pośladkach. Amelia Hamrick, studentka Uniwersytetu Chrześcijańskiego w Oklahomie, która studiowała malarstwo, wprowadziła XVI-wieczny zapis w nowoczesny zwrot i nagrała „piosenkę z piekła rodem, która ma 500 lat”.

Mona Lisa nago

Słynna „La Gioconda” istnieje w dwóch wersjach: nagą wersję „Monna Vanna” namalował mało znany artysta Salai, który był uczniem i modelką wielkiego Leonarda da Vinci. Wielu krytyków sztuki jest przekonanych, że był wzorem dla obrazów Leonarda „Jan Chrzciciel” i „Bachus”. Istnieją również wersje, w których ubrana w damską sukienkę Salai służyła jako wizerunek samej Mony Lisy.

Stary rybak

W 1902 roku węgierski artysta Tivadar Kostka Chontvari namalował obraz „Stary rybak”. Wydawać by się mogło, że na obrazie nie ma nic niezwykłego, ale Tivadar położył w nim podtekst, który nigdy nie został ujawniony za życia artysty.

Niewielu wpadło na pomysł umieszczenia lustra na środku obrazu. Każda osoba może zawierać zarówno Boga (zduplikowane prawe ramię Starego Człowieka), jak i Diabła (skopiowane lewe ramię starca).

Czy był wieloryb?

Hendrik van Antonissen „Scena na brzegu”.

Wydawałoby się, że to zwykły krajobraz. Łodzie, ludzie na brzegu i bezludne morze. I tylko badanie rentgenowskie wykazało, że ludzie zebrali się na brzegu z jakiegoś powodu - w oryginale zbadali tuszę wieloryba wyrzuconego na brzeg.

Jednak artysta zdecydował, że nikt nie będzie chciał patrzeć na martwego wieloryba i przepisał obraz.

Dwa „Śniadania na trawie”

Edouard Manet, Śniadanie na trawie, 1863.

Claude Monet, Śniadanie na trawie, 1865.

Artyści Edouard Manet i Claude Monet są czasem zdezorientowani - w końcu obaj byli Francuzami, żyli w tym samym czasie i pracowali w stylu impresjonizmu. Nawet nazwa jednego z najsłynniejszych obrazów Maneta „Śniadanie na trawie” Monet pożyczył i napisał swoje „Śniadanie na trawie”.

Gra podwójna w „Ostatniej wieczerzy”

Leonardo da Vinci, Ostatnia wieczerza, 1495-1498.

Kiedy Leonardo da Vinci napisał Ostatnią wieczerzę, podkreślił dwie postacie: Chrystusa i Judasza. Bardzo długo szukał dla nich opiekunek. Wreszcie udało mu się znaleźć wzór obrazu Chrystusa wśród młodych śpiewaków. Model dla Judasza Leonarda nie był możliwy przez trzy lata. Ale pewnego dnia spotkał na ulicy pijaka, który leżał w rynsztoku. Był to młody człowiek, który zestarzał się przez niepohamowane pijaństwo. Leonardo zaprosił go do tawerny, gdzie od razu zaczął pisać od niego Judasza. Kiedy pijak odzyskał przytomność, powiedział artyście, że już raz mu pozował. Kilka lat temu, gdy śpiewał w chórze kościelnym, Leonardo napisał od niego Chrystusa.

„Straż nocna” czy „Straż dzienna”?

Rembrandt, Straż nocna, 1642.

Jeden z najsłynniejszych obrazów Rembrandta „Występ kompanii karabinowej kapitana Fransa Banninga Koka i porucznika Willema van Ruutenbürga” wisiał w różnych pomieszczeniach przez około dwieście lat i został odkryty przez krytyków sztuki dopiero w XIX wieku. Ponieważ wydawało się, że postacie pojawiają się na ciemnym tle, nazwano ją „Straż nocną” i pod tą nazwą weszła do skarbca światowej sztuki.

Dopiero podczas renowacji, przeprowadzonej w 1947 roku, odkryto, że w hali malowidło zdążyło pokryć się warstwą sadzy, która zniekształciła jego kolor. Po wyczyszczeniu oryginalnego obrazu ostatecznie okazało się, że scena przedstawiona przez Rembrandta faktycznie rozgrywa się w ciągu dnia. Położenie cienia z lewej ręki Kapitana Koka wskazuje, że akcja trwa nie dłużej niż 14 godzin.

Odwrócona łódź

Henri Matisse, The Boat, 1937.

Nowojorskie Muzeum Sztuki Nowoczesnej w 1961 roku wystawiło obraz Henri Matisse'a „The Boat”. Dopiero po 47 dniach ktoś zauważył, że obraz wisi do góry nogami. Płótno przedstawia 10 fioletowych linii i dwa niebieskie żagle na białym tle. Artysta nie bez powodu namalował dwa żagle, drugi żagiel jest odbiciem pierwszego na powierzchni wody.
Aby nie pomylić się co do sposobu zawieszenia obrazu, należy zwrócić uwagę na szczegóły. Większy żagiel powinien znajdować się na górze obrazu, a szczyt obrazu powinien znajdować się w prawym górnym rogu.

Oszustwo w autoportrecie

Vincent van Gogh, Autoportret z fajką, 1889.

Istnieją legendy, że van Gogh rzekomo odciął sobie ucho. Teraz za najbardziej wiarygodną wersję uważa się, że ucho van Gogha zostało uszkodzone w małej bójce z udziałem innego artysty - Paula Gauguina.

Autoportret jest interesujący, ponieważ odbija rzeczywistość w zniekształconej formie: artysta jest przedstawiony z zabandażowanym prawym uchem, ponieważ podczas pracy używał lustra. W rzeczywistości dotyczyło to lewego ucha.

Niedźwiedzie obcych

Ivan Shishkin, „Poranek w sosnowym lesie”, 1889.

Słynny obraz należy nie tylko do pędzla Shishkina. Wielu zaprzyjaźnionych ze sobą artystów często korzystało z „pomocy przyjaciela”, a Iwan Iwanowicz, który przez całe życie malował pejzaże, obawiał się, że dotykanie niedźwiedzi nie wyjdzie tak, jak tego potrzebował. Dlatego Shishkin zwrócił się do znanego malarza zwierząt Konstantina Savitsky'ego.

Savitsky namalował prawie najlepsze niedźwiedzie w historii malarstwa rosyjskiego, a Tretyakov kazał zmyć swoje imię z płótna, ponieważ wszystko na obrazie „od projektu do wykonania, wszystko mówi o sposobie malowania, o metodzie twórczej właściwej dla Szyszkina”.

Niewinna historia „Gothic”

Grant Wood, American Gothic, 1930.

Dzieło Granta Wooda jest uważane za jedno z najdziwniejszych i najbardziej przygnębiających w historii malarstwa amerykańskiego. Obraz przedstawiający ponurego ojca i córkę jest pełen szczegółów, które wskazują na surowość, purytanizm i retrogradyczność przedstawionych ludzi.
W rzeczywistości artysta nie zamierzał przedstawiać żadnych horrorów: podczas podróży do Iowa zauważył mały domek w stylu gotyckim i postanowił przedstawić tych ludzi, którzy jego zdaniem idealnie pasowaliby jako mieszkańcy. Siostra Granta i jego dentysta zostają unieśmiertelnieni w postaci postaci, o które obrazili się mieszkańcy Iowa.

Zemsta Salvadora Dali

Obraz „Postać przy oknie” powstał w 1925 roku, kiedy Dali miał 21 lat. Wtedy Gala jeszcze nie weszła w życie artysty, a jego muzą była siostra Ana Maria. Relacja między bratem i siostrą uległa zepsuciu, gdy napisał na jednym z obrazów „czasami pluję na portret własnej matki i sprawia mi to przyjemność”. Ana Maria nie potrafiła wybaczyć takiego szoku.

W swojej książce z 1949 roku, Salvador Dali oczami siostry, pisze o swoim bracie bez pochwały. Książka rozwścieczyła Salwador. Przez następne dziesięć lat gniewnie wspominał ją przy każdej okazji. I tak w 1954 r. Pojawia się obraz „Młoda dziewica oddająca się grzechowi Sodomy za pomocą rogów własnej czystości”. Pozycja kobiety, jej loki, krajobraz za oknem i kolorystyka zdjęcia wyraźnie odzwierciedlają „Postać przy oknie”. Istnieje wersja, w której Dali zemścił się na swojej siostrze za jej książkę.

Danae o dwóch twarzach

Rembrandt Harmenszoon van Rijn, Danae, 1636-1647.

Wiele tajemnic jednego z najsłynniejszych obrazów Rembrandta ujawniło się dopiero w latach 60. XX wieku, kiedy płótno zostało oświetlone promieniami rentgenowskimi. Przykładowo, strzelanina pokazała, że \u200b\u200bwe wczesnej wersji twarz księżniczki, która miała romans z Zeusem, wyglądała jak twarz Saskii, żony malarza zmarłego w 1642 roku. W ostatecznej wersji obrazu zaczął przypominać twarz Gertiera Dierksa, kochanki Rembrandta, z którą artysta mieszkał po śmierci żony.

Żółta sypialnia Van Gogha

Vincent Van Gogh, Sypialnia w Arles, 1888 - 1889.

W maju 1888 roku Van Gogh kupił mały warsztat w Arles na południu Francji, gdzie uciekł przed paryskimi artystami i krytykami, którzy go nie rozumieli. W jednym z czterech pokoi Vincent urządza sypialnię. W październiku wszystko jest gotowe i postanawia namalować „Sypialnię Van Gogha w Arles”. Dla artysty bardzo ważna była kolorystyka i przytulność pomieszczenia: wszystko powinno sugerować odpoczynek. Jednocześnie obraz utrzymany jest w niepokojących żółtych tonach.

Badacze prac Van Gogha tłumaczą to faktem, że artysta zażył naparstnicę, środek na padaczkę, który powoduje poważne zmiany w postrzeganiu koloru przez pacjenta: cała otaczająca rzeczywistość jest pomalowana na zielono-żółte odcienie.

Bezzębna perfekcja

Leonardo da Vinci, „Portret Madame Lisa del Giocondo”, 1503-1519.

Powszechnie przyjęta opinia jest taka, że \u200b\u200bMona Lisa jest perfekcyjna, a jej uśmiech jest piękny w swojej tajemniczości. Jednak amerykański krytyk sztuki (i dentysta na pół etatu) Joseph Borkowski uważa, że \u200b\u200bsądząc po wyrazie twarzy, bohaterka straciła wiele zębów. Badając powiększone zdjęcia arcydzieła, Borkowski znalazł także blizny wokół ust. „Tak bardzo się uśmiecha właśnie z powodu tego, co się z nią stało” - powiedział ekspert. „Jej wyraz twarzy jest typowy dla ludzi, którzy stracili przednie zęby”.

Specjalizacja w kontroli twarzy

Pavel Fedotov, The Major's Matchmaking, 1848.

Publiczność, która jako pierwsza zobaczyła obraz „The Major's Matchmaking”, śmiała się serdecznie: artysta Fedotov wypełnił go ironicznymi szczegółami, zrozumiałymi dla ówczesnej publiczności. Na przykład major wyraźnie nie zna zasad szlachetnej etykiety: pojawił się bez wymaganych bukietów dla panny młodej i jej matki. A sama panna młoda została wyrzucona przez swoich kupców w wieczorową suknię balową, chociaż na zewnątrz był dzień (wszystkie lampy w pokoju były zgaszone). Dziewczyna najwyraźniej pierwszy raz przymierzyła sukienkę z głębokim dekoltem, jest zawstydzona i próbuje uciec do swojego pokoju.

Dlaczego Wolność jest naga

Ferdinand Victor Eugene Delacroix, Wolność na barykadach, 1830.

Według krytyka sztuki Etienne Julie, Delacroix namalowała twarz kobiety ze słynnego paryskiego rewolucjonisty - praczki Anny-Charlotte, która po śmierci brata z rąk królewskich żołnierzy przybyła na barykady i zabiła dziewięciu gwardzistów. Artysta przedstawił ją z gołą klatką piersiową. Zgodnie z jego planem jest to symbol nieustraszoności i bezinteresowności, a także triumfu demokracji: naga klatka piersiowa pokazuje, że Freedom, jak zwykły człowiek, nie nosi gorsetu.

Niekwadratowy kwadrat

Kazimierz Malewicz, „Czarny plac suprematystów”, 1915.

W rzeczywistości „Czarny kwadrat” wcale nie jest czarny ani wcale nie jest kwadratowy: żaden z boków czworokąta nie jest równoległy do \u200b\u200bżadnego z pozostałych boków, ani żaden z boków kwadratowej ramy, która otacza obraz. A ciemny kolor to efekt zmieszania różnych kolorów, wśród których nie było czerni. Uważa się, że nie było to zaniedbanie autora, ale pryncypialne stanowisko, chęć stworzenia dynamicznej, mobilnej formy.

Specjaliści Galerii Trietiakowskiej odkryli napis autora na słynnym obrazie Malewicza. Napis głosi: „Bitwa Murzynów w Ciemnej Jaskini”. To zdanie nawiązuje do tytułu żartobliwego zdjęcia francuskiego dziennikarza, pisarza i artysty Alphonse'a Allaisa „Bitwa Murzynów w ciemnej jaskini w głębi nocy”, który był całkowicie czarnym prostokątem.

Melodramat austriackiej Mona Lisy

Gustav Klimt, „Portret Adele Bloch-Bauer”, 1907.

Jeden z najważniejszych obrazów Klimta przedstawia żonę austriackiego magnata cukrowego Ferdinada Blocha-Bauera. Cały Wiedeń dyskutował o burzliwym romansie Adele ze słynnym artystą. Ranny mąż chciał zemścić się na swoich kochankach, ale wybrał bardzo nietypowy sposób: postanowił zamówić Klimtowi portret Adele i zmusić go do wykonania setek szkiców, aż artysta zacznie się od niej odwracać.

Bloch-Bauer chciał, aby praca trwała kilka lat, a model mógł zobaczyć, jak zanikają uczucia Klimta. Złożył hojną ofertę artyście, której nie mógł odmówić, i wszystko potoczyło się zgodnie ze scenariuszem oszukanego męża: praca została ukończona za 4 lata, kochankowie już dawno się ochłodzili. Adele Bloch-Bauer nigdy nie dowiedziała się, że jej mąż był świadomy jej związku z Klimtem.

Obraz, który przywrócił Gauguina do życia

Paul Gauguin, Skąd pochodzimy? Kim jesteśmy? Dokąd zmierzamy?, 1897-1898.

Najsłynniejszy obraz Gauguina ma jedną osobliwość: „czyta się” nie od lewej do prawej, ale od prawej do lewej, jak teksty kabalistyczne, którymi interesował się artysta. W tej kolejności rozwija się alegoria duchowego i fizycznego życia człowieka: od narodzin duszy (śpiące dziecko w prawym dolnym rogu) do nieuchronności godziny śmierci (ptak z jaszczurką w szponach w lewym dolnym rogu).

Obraz został namalowany przez Gauguina na Tahiti, gdzie artysta kilkakrotnie uciekał przed cywilizacją. Ale tym razem życie na wyspie nie wyszło: totalna bieda doprowadziła go do depresji. Po ukończeniu płótna, które miało stać się jego duchowym testamentem, Gauguin wziął skrzynkę arszeniku i udał się w góry, aby umrzeć. Jednak przeliczył dawkę i samobójstwo się nie powiodło. Następnego ranka, kołysząc się, poszedł do swojej chaty i zasnął, a kiedy się obudził, poczuł zapomniane pragnienie życia. W 1898 roku jego sprawy poszły w górę i rozpoczął się jaśniejszy okres w jego pracy.

112 przysłów na jednym zdjęciu

Pieter Bruegel (starszy), Przysłowia holenderskie, 1559

Pieter Bruegel senior przedstawił kraj zamieszkany przez dosłowne obrazy holenderskich przysłów z tamtych czasów. Na obrazie jest około 112 rozpoznawalnych idiomów. Niektóre z nich są używane do dziś, takie jak: „płyń pod prąd”, „walnij głową w ścianę”, „uzbrojony po zęby” czy „duża ryba zjada małą”.

Inne przysłowia odzwierciedlają ludzką głupotę.

Podmiotowość sztuki

Paul Gauguin, „Breton Village under the Snow”, 1894

Obraz Gauguina „Breton Village in the Snow” został sprzedany po śmierci autora za jedyne siedem franków, a ponadto pod nazwą „Niagara Falls”. Prowadzący aukcję przypadkowo zawiesił obraz do góry nogami, widząc w nim wodospad.

Ukryty obraz

Pablo Picasso, The Blue Room, 1901

W 2008 roku promieniowanie podczerwone ujawniło inny obraz ukryty pod Błękitnym pokojem - portret mężczyzny ubranego w garnitur z muszką i opierającego głowę na ramieniu. „Gdy tylko Picasso wpadł na nowy pomysł, wziął pędzel i wcielił go w życie. Ale nie miał okazji kupować nowego płótna za każdym razem, gdy odwiedziła go jego muza ”- wyjaśnia krytyk sztuki Patricia Favero.

Niedostępni Marokańczycy

Zinaida Serebryakova, „Naga”, 1928

Kiedyś Zinaida Serebryakova otrzymała kuszącą ofertę - wyruszyć w twórczą podróż, aby przedstawić nagie postacie orientalnych dziewic. Okazało się jednak, że modeli w tych miejscach po prostu nie da się znaleźć. Na ratunek przybył tłumacz Zinaidy - przyprowadził do niej swoje siostry i pannę młodą. Nikomu przed i po tym nie udało się uchwycić nagich zamkniętych orientalnych kobiet.

Spontaniczny wgląd

Valentin Serov, "Portret Mikołaja II w marynarce", 1900

Przez długi czas Sierow nie mógł namalować portretu cara. Kiedy artysta całkowicie się poddał, przeprosił Mikołaja. Nikołaj trochę się zdenerwował, usiadł przy stole, wyciągając przed sobą ramiona ... I wtedy artysta dotarł do głowy - oto on! Prosty żołnierz w oficerskiej marynarce o jasnych i smutnych oczach. Ten portret jest uważany za najpiękniejsze przedstawienie ostatniego cesarza.

Deuce znowu

Słynny obraz „Deuce Again” to dopiero druga część artystycznej trylogii.

Pierwsza część to „Przyjechałem na wakacje”. Wyraźnie zamożna rodzina, ferie zimowe, radosna doskonała uczennica.

Druga część to „Deuce again”. Biedna rodzina z robotniczych przedmieść, szczyt roku szkolnego, przygnębiony, oszołomiony, znów złapał dwójkę. W lewym górnym rogu widać obrazek „Przyjechałem na wakacje”.

Trzecia część to „Ponowne badanie”. Dom na wsi, lato, wszyscy chodzą, jeden złośliwy ignorant, który nie zdał corocznego egzaminu, jest zmuszony siedzieć w czterech ścianach i wkuwać. W lewym górnym rogu można zobaczyć obraz „Dwójka znowu”.

Jak rodzą się arcydzieła

Joseph Turner, Deszcz, para i prędkość, 1844

W 1842 r. Pani Simon podróżowała pociągiem po Anglii. Nagle zaczęła się ciężka ulewa. Siedzący naprzeciw niej starszy pan wstał, otworzył okno, wystawił głowę i patrzył w ten sposób przez dziesięć minut. Nie mogąc powstrzymać swojej ciekawości, kobieta również otworzyła okno i zaczęła patrzeć przed siebie. Rok później odkryła obraz „Deszcz, para i prędkość” na wystawie w Royal Academy of Arts i mogła rozpoznać w nim ten sam odcinek w pociągu.

Lekcja anatomii od Michała Anioła

Michelangelo, Stworzenie Adama, 1511

Kilku amerykańskich ekspertów od neuroanatomii uważa, że \u200b\u200bMichał Anioł pozostawił kilka ilustracji anatomicznych w jednym ze swoich najsłynniejszych dzieł. Uważają, że po prawej stronie obrazu znajduje się ogromny mózg. Co zaskakujące, można znaleźć nawet złożone elementy, takie jak móżdżek, nerw wzrokowy i przysadka mózgowa. A krzykliwa zielona wstążka idealnie pasuje do lokalizacji tętnicy kręgowej.

Ostatnia wieczerza Van Gogha

Vincent Van Gogh, Taras kawiarni w nocy, 1888

Badacz Jared Baxter uważa, że \u200b\u200bdedykacja dla „Ostatniej wieczerzy” Leonarda da Vinci jest zaszyfrowana na obrazie Van Gogha „Taras kawiarni w nocy”. W centrum obrazu kelner z długimi włosami i białą tuniką, która przypomina strój Chrystusa, a wokół niego znajduje się dokładnie 12 kawiarni. Baxter zwraca również uwagę na biały krzyż umieszczony tuż za tyłem kelnera.

Obraz pamięci Dalego

Salvador Dali, Trwałość pamięci, 1931

Nie jest tajemnicą, że myśli, które odwiedziły Dalego podczas tworzenia jego arcydzieł, zawsze miały postać bardzo realistycznych obrazów, które artysta przenosił następnie na płótno. Tak więc, zdaniem samego autora, obraz „Trwanie pamięci” powstał w wyniku skojarzeń, które zrodziły się na widok topionego sera.

O czym krzyczy Munch

Edvard Munch, Krzyk, 1893.

Munch opowiadał o swoim pomyśle na jeden z najbardziej tajemniczych obrazów w malarstwie światowym: „Szedłem ścieżką z dwoma przyjaciółmi - słońce zachodziło - nagle niebo zrobiło się krwistoczerwone, zatrzymałem się, czując się wyczerpany i oparłem się o płot - spojrzałem na krew i płomienie nad niebieskawo-czarnym fiordem i miastem - moi przyjaciele poszli dalej, a ja stałem, drżąc z podniecenia, czując niekończący się krzyk przeszywający naturę. " Ale jaki zachód słońca może tak przestraszyć artystę?

Istnieje wersja, w której idea „Krzyku” narodziła się w Munch w 1883 r., Kiedy to miało miejsce kilka potężnych erupcji wulkanu Krakatoa - tak potężnych, że zmieniły temperaturę ziemskiej atmosfery o jeden stopień. Duża ilość pyłu i popiołu rozprzestrzeniła się po całym świecie, docierając nawet do Norwegii. Przez kilka wieczorów z rzędu zachody słońca wyglądały tak, jakby miała nadejść apokalipsa - jeden z nich stał się źródłem inspiracji dla artysty.

Pisarz wśród ludzi

Aleksander Iwanow, „Pojawienie się Chrystusa ludowi”, 1837-1857.

Dziesiątki opiekunów pozowały Aleksandrowi Iwanowowi do jego głównego zdjęcia. Jeden z nich jest znany nie mniej niż sam artysta. W tle wśród podróżników i jeźdźców rzymskich, którzy nie słyszeli jeszcze kazania Jana Chrzciciela, widać postać w tuniki z korczinu. Iwanow napisał to od Mikołaja Gogola. Pisarz ściśle komunikował się z artystą we Włoszech, w szczególności w kwestiach religijnych, i udzielał mu rad w procesie malowania. Gogol uważał, że Iwanow „już dawno umarł za cały świat, z wyjątkiem swojej pracy”.

Dna Michała Anioła

Raphael Santi, School of Athens, 1511.

Tworząc słynny fresk „Szkoła ateńska”, Rafael uwiecznił swoich przyjaciół i znajomych na obrazach starożytnych filozofów greckich. Jednym z nich był Michelangelo Buonarotti "w roli" Heraklita. Przez kilka stuleci fresk zachował tajemnice życia osobistego Michała Anioła, a współcześni badacze przyjęli założenie, że dziwnie kanciaste kolano artysty wskazuje na obecność choroby stawów.

Jest to prawdopodobne, biorąc pod uwagę styl życia i warunki pracy artystów renesansu oraz chroniczny pracoholizm Michała Anioła.

Lustro Arnolfiniego

Jan van Eyck, "Portret pary Arnolfinich", 1434

W lustrze za parą Arnolfinich można zobaczyć odbicie dwóch kolejnych osób w pokoju. Najprawdopodobniej są to świadkowie obecni przy zawieraniu umowy. Jednym z nich jest van Eyck, o czym świadczy łaciński napis, umieszczony wbrew tradycji nad lustrem w centrum kompozycji: „Jan van Eyck tu był”. Tak zwykle podpisywano kontrakty.

Jak brak zamienił się w talent

Rembrandt Harmenszoon van Rijn, Autoportret w wieku 63 lat, 1669.

Badaczka Margaret Livingston zbadała wszystkie autoportrety Rembrandta i stwierdziła, że \u200b\u200bartysta cierpiał na zeza: na obrazach jego oczy patrzą w różnych kierunkach, czego mistrz nie obserwuje na portretach innych osób. Choroba doprowadziła do tego, że artysta był w stanie lepiej postrzegać rzeczywistość w dwóch wymiarach niż ludzie z normalnym wzrokiem. Zjawisko to nazywane jest „ślepotą stereo” - niemożnością widzenia świata w 3D. Ale ponieważ malarz musi pracować z dwuwymiarowym obrazem, ta właśnie wada Rembrandta może być jednym z wyjaśnień jego fenomenalnego talentu.

Bezgrzeszna Wenus

Sandro Botticelli, Narodziny Wenus, 1482-1486.

Przedstawienie nagiego kobiecego ciała na obrazach przed pojawieniem się Narodzin Wenus symbolizowało jedynie ideę grzechu pierworodnego. Sandro Botticelli był pierwszym europejskim malarzem, który nie znalazł w nim nic grzesznego. Ponadto krytycy sztuki są pewni, że pogańska bogini miłości symbolizuje chrześcijański obraz na fresku: jej pojawienie się jest alegorią odrodzenia się duszy, która przeszła rytuał chrztu.

Lutniista czy lutnista?

Michelangelo Merisi da Caravaggio, Lutnista, 1596.

Obraz przez długi czas był wystawiany w Ermitażu pod tytułem „Lutnirz”. Dopiero na początku XX wieku krytycy sztuki zgodzili się, że płótno nadal przedstawia młodego mężczyznę (prawdopodobnie jego znajomy artysta Mario Minniti pozował Caravaggia): na nutach przed muzykiem można zobaczyć nagranie basowej partii madrygala Jacoba Arcadelta „Wiesz, że cię kocham” ... Kobieta z trudem mogłaby dokonać takiego wyboru - jej gardło jest po prostu trudne. Ponadto lutnia, podobnie jak skrzypce na samym brzegu obrazu, była uważana za instrument męski w epoce Caravaggia.