1. Pojęcie „teatru absurdu”. Cechy, paradoksy i symbole „teatru absurdu”.

2. Absurdista szwajcarski dramaturg F. Dürrenmatt. Problem kosztu życia jednostki, wykupienia długów w dramacie „Wizyta starszej pani”.

3. Konfrontacja między romantyczno-żądnymi przygód i filistyńskimi modelami egzystencji w dramacie M. Frischa „Rejs w miejscu”.

4. E Ionesco jest przedstawicielem francuskiego „teatru absurdu”. Przedstawienie duchowej i intelektualnej dewastacji współczesnego społeczeństwa w sztuce „Nosorożce”.

5. Ogólna charakterystyka życia i twórczości S. Becketta.

Pojęcie „teatru absurdu”. Cechy, paradoksy i symbole „teatru absurdu”

Na początku lat pięćdziesiątych XX wieku w teatrach francuskich zaczęły pojawiać się niezwykłe spektakle, których wykonanie było pozbawione elementarnej logiki, zaprzeczały sobie nawzajem, a sens, który był odtwarzany na scenie, był dla widzów niezrozumiały. Te niezwykłe przedstawienia miały też dziwną nazwę - teatr „absurdu”, czy też sztuka „absurdu”.

Prasa od razu wyszła z poparciem dla tego nurtu w sztukach teatralnych. Przy pomocy krytyki i reklamy dzieła teatru „absurdu” szybko przeniknęły do \u200b\u200bteatrów wielu krajów świata. W czasie swojego istnienia teatr „absurdu” jest mocno zakorzeniony w szeregu modernistycznych nurtów sztuki.

Chociaż teatr „absurdu” powstał i wyłonił się we Francji, sztuka „absurdu” nie opierała się na fenomenach francuskiej sztuki narodowej. Inicjatorami tego kierunku byli pisarze - rumuński Eugene Ionesco (Ionesco) i Irlandczyk Beckett, mieszkający i pracujący wówczas we Francji. W różnych okresach dołączyli do nich inni dramatopisarze - Ormianin A. Adamov, a także angielski pisarz G. Pinter, N. Simpson i inni, mieszkający w Paryżu.

Spektakle teatru „absurdu” były skandaliczne: publiczność była oburzona, niektórzy nie dostrzegali, niektórzy śmiali się, a część widzów została porwana. W sztukach dramatów absurdów nie było postaci pozytywnych. ich postacie są pozbawione ludzkiej godności, uciskane wewnętrznie i zewnętrznie, okaleczone moralnie. Jednocześnie autorzy nie okazali ani współczucia, ani oburzenia, nie ujawnili ani nie wyjaśnili przyczyn degradacji tych ludzi, nie ujawnili konkretnych uwarunkowań świadczących o utracie godności człowieka. Absurdowcy próbowali utwierdzić się w przekonaniu, że człowiek ponosi winę za własne nieszczęścia, że \u200b\u200bnie jest wart najlepszego udziału, jeśli nie jest w stanie i nie jest w stanie zmienić życia na lepsze.

Ta metoda przeciwstawiania osobowości społeczeństwu została zapożyczona przez dramaturgów z filozofii egzystencjalizmu, która była podstawą sztuki „absurdu”.

Artyści „absurdu” zapożyczeni od filozofów egzystencjalistycznych pogląd na świat jako taki, nie poddawali ich zrozumieniu, w którym panował chaos. Podobnie jak egzystencjaliści, autorzy sztuki „absurdu” uważali, że ludzie są bezsilni i nie mogą wpływać na środowisko, a społeczeństwo z kolei nie mogło i nie powinno było wpływać na życie ludzkie: „Żadne społeczeństwo nie jest w stanie samo zmniejszyć ludzkiego cierpienia żaden system polityczny nie może uwolnić nas od ciężaru życia ”- głosił E. Ionesco.

Zgodnie z filozofią egzystencjalizmu E. Ionesco argumentował, że wszystkie problemy i problemy społeczne są wynikiem ludzkiego działania.

Posługując się pomysłowo środkami sztuki, postacie teatru „absurdu” odzwierciedlały w swoich pracach główne zapisy zapożyczone od filozofów egzystencjalistycznych:

o izolacja człowieka od świata zewnętrznego;

o indywidualizm i izolacja;

o niemożność komunikowania się ze sobą;

o niezwyciężoność zła

o niedostępność dla osoby o wyznaczonym sobie celu.

Idee egzystencjalistyczne tkwiące w teatrze „absurdu” dały się łatwo odnaleźć w analizie dzieł sztuki „absurdu”.

Od czasu powstania teatru „absurdu” sama nazwa miała dwojakie znaczenie: z jednej strony wyrażała twórczą metodę dramaturgów - doprowadzając pewne cechy i zapisy do absurdu, pozbawiając ich logicznego powiązania i treści, az drugiej jasno określała światopogląd autorów, ich rozumienie. a ucieleśnienie w jego dziełach rzeczywistości jako świata istniało bez logiki - świat absurdu.

W słowniku „Kulturologia XX wieku” pojęcie absurdu zostało zinterpretowane jako takie, które wykraczało poza nasze rozumienie świata. Absurdem nie jest brak treści, ale treść jest domniemana.

Absurd dla naszego świata może być postrzegany gdzie indziej, jako coś, co ma niewielką treść, którą może pojąć umysł. Myślenie absurdalne stało się impulsem do powstania innego świata, jednocześnie poszerzając granice irracjonalnej podstawy myślenia, a sam absurd nabrał treści, które można było wyrazić i pojąć. W teatrze absurd istniał na poziomie merytorycznym i formalnym. Wyglądał jak idee filozoficzne (które łączyły dramat absurdu z twórczością F. Kafki i pisarzy egzystencjalistycznych) i artystyczne paradoksy świadczące o wykorzystaniu tradycji folkloru, czarnego humoru i bluźnierstwa.

W słowniku-podręczniku terminów literackich pojęcie absurdu zostało zinterpretowane jako „nonsens, nonsens”. Termin w tym sensie był używany przez historyków literatury i krytyków, którzy analizowali zachowanie postaci w dziełach sztuki z punktu widzenia wiarygodności. Absurd zyskał swój status terminologiczny w frazach „literatura absurdu”, teatr „absurdu”, którym umownie nazywano dzieła sztuki (powieści, sztuki) przedstawiające życie jako rodzaj chaotycznej kupy wypadków, pozornie pozbawionych sensu sytuacji. Podkreślany ilogizm, irracjonalizm w działaniach bohaterów, mozaikowa kompozycja dzieł, groteska i błazenada w sposobie ich tworzenia stały się charakterystycznymi przejawami tej sztuki.

Termin „literatura absurdalna” mógłby być bardziej niekonwencjonalny w swoim ładunku semantycznym.

E. Ionesco podał swoją definicję absurdu w eseju o F. Kafce: „Wszystko, co nie ma celu, jest absurdem ... Oderwana od religijnych i metafizycznych korzeni osoba czuła się zagubiona, wszystkie jej działania stały się bezsensowne, nieistotne, uciążliwe”.

Teatr „absurdu” to najważniejsze zjawisko teatralnej awangardy drugiej połowy XX wieku. Ze wszystkich ruchów i szkół literackich był najnowocześniejszą grupą literacką. Faktem jest, że jej przedstawiciele nie tylko nie tworzyli żadnych manifestów ani prac programowych, ale w ogóle nie komunikowali się ze sobą. Nie było też mniej lub bardziej wyraźnych granic chronologicznych, nie mówiąc już o granicach obszarowych.

Termin teatr „absurdu” wszedł do obiegu literackiego po ukazaniu się monografii o tym samym tytule słynnego angielskiego krytyka literackiego Martina Esslina. W swoim monumentalnym dziele (pierwsze wydanie książki „Teatr absurdu” ukazało się w 1961 r.) M. Esslin połączył dramaturgów z różnych krajów i pokoleń na kilku podstawach typologicznych.

Krytyk literacki zaznaczył, że pod nazwą teatru „absurdu” nie ma „zorganizowanego kierownictwa, nie ma szkoły artystycznej”, a samo określenie, zdaniem „odkrywcy”, miało „znaczenie pomocnicze”, gdyż tylko „przyczyniało się do wnikania w twórczość, nie dawało wszechstronne cechy, ani też nie było to wszechstronne i wyjątkowe ”.

Dramaty absurdów, które wstrząsnęły zarówno widzami, jak i krytykami, zaniedbały dramatyczne kanony, przestarzałe teatralne normy i konwencjonalne ograniczenia. Bunt twórców teatru „absurdu” to bunt przeciwko wszelkim przepisom, przeciwko „zdrowemu rozsądkowi” i normatywności. Fikcja w twórczości absurdów mieszała się z rzeczywistością: w jońskim spektaklu „Amadeus” zwłoki rosły od ponad 10 lat, leżąc w sypialni, bez wyraźnego powodu postaci S. Becketta były zaślepione i odrętwiałe; bestie mówiły po ludzku („Lis - student studiów podyplomowych” S. Mrozheka). Mieszali gatunki utworów: w teatrze „absurdu” nie było gatunków „czystych”, „tragikomedia” i „tragedyfars”, „pseudo-dramat” i „komiksowy melodramat”. Dramatycy-absurdyści niemal jednogłośnie twierdzili, że komiks tragedia jest śmieszna, J. Genet zauważył: „Uważam, że tragedie można opisać następująco: wybuch śmiechu, przerywany szlochem, który prowadzi nas z powrotem do źródła wszelkiego śmiechu - do myśli o śmierci. Dzieła teatru „absurdu” łączyły nie tylko elementy różnych gatunków dramatycznych, ale w ogóle elementy różnych dziedzin sztuki: pantomimy, chóru, cyrku, sali muzycznej, kina. Możliwe były w nich paradoksalne stopy i kombinacje: sztuki absurdów mogły odtwarzać zarówno sny (A. Adamov), jak i koszmary (F. Arrabal). Fabuła ich prac była często celowo niszczona: bogactwo wydarzeń zostało zredukowane do absolutnego minimum („Czekając na Godota”, „Koniec gry”, „Szczęśliwe dni” S. Becketta). Zamiast dramatycznej naturalnej dynamiki na scenie panowała statyczność, jak to określił E. Ionesco, „agonia gdzie nie ma prawdziwej akcji ”. Zniszczeniu uległa mowa bohaterów, którzy zresztą dość często po prostu nie słyszeli i nie widzieli się nawzajem, wypowiadając „równoległe” monologi („Krajobraz” G. Pintera) w pustkę. W ten sposób dramatopisarze próbowali rozwiązać problem ludzkiej wygody. Większość absurdów jest poruszona procesami totalitaryzmu - przede wszystkim totalitaryzm świadomości, wyrównywanie osobowości, doprowadziło do posługiwania się jedynie językowymi kliszami i kliszami („Łysy śpiewak” E. straszne zwierzęta („nosorożce”. E. Ionesco).

Utajone ważne problemy filozoficzne przebijały się przez pozorny absurd:

o zdolność człowieka do przeciwstawienia się złu;

o powody zawstydzania ludzi (z własnego przekonania „zarazili się”, wciągnięci siłą)

o ludzka skłonność do ukrywania się przed nieprzyjemnymi dowodami;

o manifestacja światowego zła - „pandemia masowego szaleństwa”.

W pierwszych latach istnienia „teatru absurdu” jego postacie przyciągały uwagę mas nielogicznymi, niezwykłymi dziełami. Ważną rolę odegrała tu nowość technik. Publiczność wykazywała raczej ciekawość niż głębokie zainteresowanie „teatrem absurdu”. W widowni teatru La Huchette, specjalizującej się w inscenizacji sztuk E. Ionesco, coraz rzadziej słychać było mowę francuską: teatr ten odwiedzali zagraniczni turyści - spektakle postrzegano jako rodzaj atrakcji, ale nie jako poważne osiągnięcie sztuki francuskiej. Jednak z czasem stosunek do teatru „absurdu” uległ zmianie.

Teatr „absurdu” nie zyskał szerokiego, masowego uznania i nie mógł go zdobyć. Sztuka nie mogła odnaleźć swojego piętna w całym człowieku, tkwi tylko w tych, którzy ją rozumieli.

Klasyczny okres takiego teatru to lata 50. - początek 60. Koniec lat 60. upłynął pod znakiem międzynarodowego uznania „absurdów” E. Ionesco został wybrany do Akademii Francuskiej, a S. Beckett otrzymał tytuł laureata Nagrody Nobla.

Teraz J. Genet, S. Beckett, E. Ionesco już nie żyli, ale nadal tworzyli G. Pinter i E. Alby, S. Mrozhek i F. Arrabal. E. Ionesco wierzył, że teatr „absurdu” będzie istniał zawsze: absurd wypełnił rzeczywistość i sam stał się rzeczywistością. Rzeczywiście, trudno przecenić wpływ teatru „absurdu” na literaturę światową, zwłaszcza na dramat. Przecież to właśnie ten kierunek zmusił do zwrócenia uwagi na absurdalność ludzkiej egzystencji, wyzwolił teatr, uzbroił dramat w nowe techniki, nowe techniki i środki, wprowadził do literatury nowe wątki i nowych bohaterów. Teatr „absurdu” z bólem człowieka i jego wewnętrznego świata, z jego krytyką automatyzmu, filistynizmu, konformizmu, deindywidualizacji i wygody stał się już klasyką literatury światowej.

W połowie XX wieku w europejskim dramacie pojawił się fenomen zwany „teatrem absurdu”. Stało się naprawdę nowatorskie i niezwykłe dla widza przyzwyczajonego do klasycznych "logicznych" przedstawień. Mimo to nowa sztuka wzbudziła zaciekawienie i zainteresowanie. Czym jest teatr absurdu i jakie przemyślenia otrzymał dzisiaj?

Opis

Przedmiotem absurdalnej sztuki nie jest akcja i intryga, ale autorska percepcja i indywidualne rozumienie problemu. Co więcej, wszystko, co dzieje się na scenie, pozbawione jest logicznego powiązania. Odbywa się to po to, aby widz był zdezorientowany, mógł pozbyć się szablonów w swoim umyśle i spojrzeć na swoje życie z kilku stron naraz.

Na pierwszy rzut oka świat w takich „nielogicznych” przedstawieniach jawi się jako chaotyczna, bezsensowna kupa faktów, postaci, działań, słów, w której nie ma określonego miejsca i czasu akcji. Jednak po dokładnym rozważeniu logiczne połączenie między wszystkimi tymi elementami jest obecne, tylko że jest uderzająco różne od tego, do czego byliśmy przyzwyczajeni. Najbardziej uderzającymi teatralnymi ucieleśnieniami zasad absurdu były sztuki E. Ionesco „Łysy piosenkarz” i S. Beckett „Czekając na Godota”. To rodzaj parodii (lub filistynizmu) burżuazyjnego świata komfortu, jego fascynacji. W spektaklach tych wyraźnie widać rozpad powiązań między słowem i czynem, naruszenie samej struktury dialogu.

Mimo powagi i skali problemów społecznych, świat teatru absurdu jest niezwykle komiczny. Dramatorzy pokazują rzeczywistość, społeczeństwo jest już w tej fazie rozkładu, kiedy nikomu nie jest przykro. Dlatego w sztukach tego gatunku chętnie używa się parodii, cynizmu i reakcji na śmiech. Widzowi jasno daje się zrozumieć, że walka z surrealistycznym światem absurdu jest bezużyteczna i bezcelowa. Musisz tylko w to uwierzyć i zaakceptować.

Historia

Warto zauważyć, że samo określenie „teatr absurdu” pojawiło się po pojawieniu się nowatorskich produkcji. Należy do krytyka teatralnego Martina Esslina, który w 1962 roku wydał książkę pod tym tytułem. Poszukiwał podobieństw między nowym fenomenem dramatycznym a filozofią egzystencjalizmu A. Camusa, dadaizmem, poezją z nieistniejących słów i sztuką awangardową początku XX wieku. Wszystko to w pewnym stopniu, zdaniem krytyka, „wyedukowało” teatr absurdu i ukształtowało go tak, jak wyglądał przed publicznością.

Należy zauważyć, że takie twórcze podejście do dramatu od dawna pozostaje w niełasce ze strony groźnych krytyków. Jednak po II wojnie światowej gatunek zaczął zyskiwać na popularności. Za jej głównych ideologów uważa się czterech mistrzów słowa: E. Ionesco, S. Beckett, J. Jeunet i A. Adamov. Mimo przynależności do tego samego gatunku teatralnego, każdy z nich miał swoją własną, unikalną technikę, która była czymś więcej niż pojęciem „absurdu”. Nawiasem mówiąc, sam E. Ionesco nie zaakceptował nowego określenia, mówiąc „teatr kpiny” zamiast „teatr absurdu”. Ale definicja Esslina, pomimo uporu i krytyki, pozostała w sztuce, a gatunek ten zyskał popularność na całym świecie.

Pochodzenie

Próby stworzenia teatru absurdu podejmowano na długo przed europejską falą w Rosji, w latach trzydziestych XX wieku. Pomysł na to należał do Stowarzyszenia Sztuki Prawdziwej (OBERIUts), a raczej do Aleksandra Vvedensky'ego. W nowym gatunku napisał sztuki „Minin i Pożarski”, „Bóg jest dookoła”, „Choinka u Iwanowów” i inne. Daniil Kharms, pisarz, poeta i członek OBERIU, był także podobnie myślącym pisarzem.

W dramacie rosyjskim końca XX wieku teatr absurdu można zobaczyć w sztukach L. Pietruszewskiej, W. Erofiejewa i innych.

Nowoczesność

Dziś ten gatunek teatralny jest dość rozpowszechniony. I z reguły fenomen awangardy (podobnie jak w przeszłości historycznej) kojarzy się z małymi (prywatnymi) teatrami. Uderzającym przykładem jest współczesny Teatr Absurdu Gauguina Solntseva, słynnego rosyjskiego artysty dziwacznego. Oprócz objazdowych spektakli pod hasłem „Całe nasze życie to teatr”, prowadzi lekcje aktorstwa, które zdaniem autora przydają się nie tylko na scenie, ale także w życiu codziennym.

Istnieją i rozwijają się w tym gatunku inne grupy teatralne.

Wróbel

InArodny Teatr Absurdu „Wróbel” to jeden z najpopularniejszych zespołów. Powstał w 2012 roku w Charkowie. Początkowo był to tylko duet Wasilija Baidaka (wujek Wasya) i Aleksandra Serdyuka (Kollman). Dziś Wróbel składa się z sześciu artystów. Wszyscy uczestnicy mają wyższe wykształcenie, ale nie działają. Nazwa kolektywu przeniosła się z KVN. A słowo „obcy” celowo zawiera błędną pisownię. Plakaty i spektakle Sparrowa są zawsze jasne, nie pozbawione humoru, farsy i oczywiście absurdu. Faceci sami wymyślają wszystkie wątki występów.

W muzyce

Gatunek awangardy znajduje odzwierciedlenie nie tylko w literaturze i sztukach performatywnych, ale także w muzyce. I tak w 2010 roku ukazała się osiemnasta studyjna płyta grupy „Piknik” „Teatr Absurdu”.

Grupa muzyczna powstała w 1978 roku i nadal istnieje. Zaczął pracować w stylu rosyjskiego rocka iz czasem uzyskał indywidualne brzmienie z dodatkiem symfonicznych klawiatur i egzotycznych instrumentów ludów świata.

„Theatre of the Absurd” to album, który otwiera kompozycja o tym samym tytule. Jednak jej tekst jest pozbawiony komedii. Wręcz przeciwnie - piosenka ma dramatyczne nuty, mówiąc, że cały świat jest teatrem absurdu, a osoba w nim jest głównym bohaterem.

Na albumie znalazły się także kompozycje o tak ciekawych tytułach jak „Lalka z ludzką twarzą”, „Urim Thummim”, „Dziki piosenkarz” (czytamy nawiązanie do sztuki Ionesco „Łysy piosenkarz”), „A makijaż się zmyje”. Generalnie kolejne stworzenie grupy „Piknik” można porównać do małego spektaklu teatralnego z oryginalnym doborem obrazów i tematów.

Z humorem

Jedną z głównych cech gatunku „nielogicznego” jest humor. Dotyczy to nie tylko absurdalnego stosu słów, fraz ich gry, ale także samych obrazów, które mogą pojawić się w nieoczekiwanym momencie w nieoczekiwanym miejscu. Tendencja ta została bardziej niż wykorzystana w numerze Teatru Absurdu przez duet komediowy Demis Karibidis i Andrey Skorokhod, znani mieszkańcy spektaklu.Klub komediowy ... Został oparty na pracy F.M. "Zbrodnia i kara" Dostojewskiego, pierwotnie reinterpretowana przez artystów. Bohaterowie, stary pożyczkodawca (Demis Karibidis) i student Rodion Raskolnikov (Andrey Skorokhod), oprócz wątków fabularnych, oprócz wątków fabularnych, poruszyli także współczesne realia ekonomiczne, kulturowe i polityczne.

Trudno zaprzeczyć twierdzeniu, że ten „szalony, szalony, szalony” świat trochę oszalał. A jeśli ktoś jeszcze w to wątpi, warto obejrzeć choćby jeden ze świetnych filmów, które znalazły się w tej „pierwszej dziesiątce”. Nie jest jednak zaskakujące, jeśli ktoś chce obejrzeć lub zrewidować wszystkie filmy. Na pewno nie pożałujesz!

1. Film „Miłość i śmierć”

reżyser Woody Allen
Bez wątpienia kultowa komedia mistrza tego gatunku Woody'ego Allena. Po prostu fontanna błyskotliwego i jednocześnie intelektualnego humoru na bardzo ciekawy temat. A temat jest następujący. Pewien rosyjski właściciel ziemski z miasta powiatowego na wszelkie możliwe sposoby stara się uniknąć wezwania do walki z Napoleonem. Ponieważ wszystko, co ma w swoim arsenale, to długi i ostry język. Niezrównana autoironia, filozofia dla manekinów, polityka i jeszcze raz polityka - sprawiły, że ten film stał się uwielbiany na zawsze, zwłaszcza w naszym kraju. Czy bohaterowi udało się uniknąć armii, czy nie, przekonaj się sam.

2. Film „Dziennik”

reżyser Jan Schwankmeier
Ten poziom surrealizmu można znaleźć prawdopodobnie tylko u Lyncha. Jan Schwankmeier przetłumaczył czeską straszną opowieść na język ekranowy i wygląda to zabawnie. Młoda bezdzietna para z beznadziejności wpadła na pomysł, żeby zamiast dziecka mieć pień drzewa ... Który szybko rośnie i dużo je, a zjada wszystko. Nawet mężczyzna dla słodkiej duszy. A jeśli nowo powstali rodzice dbają o swoje kłody na każdy możliwy sposób, to ich wspaniali sąsiedzi, wręcz przeciwnie, nie zwracają uwagi na swoją „żywą” córkę. Jak mówią, kontrast jest oczywisty.

3. Film „Sukienka”

reżyseria Alex Van Warmerdam
Jakże czasami podziwia wyobraźnia twórców, do jakiego stopnia ich wizualizacja sięga! Zwykła sukienka, nawet w jasnych kolorach, ale co za poruszenie! Ludzie po prostu wariują, rozrywają go na strzępy, a mimo to popycha wszystkich do szaleństwa. Jednych podnieca, innych prowadzi do śmierci, ale na pierwszy rzut oka to tylko szmata. Co się z nim stanie dalej?

4. Film „City of Zero”

reżyser Karen Shakhnazarov
Fabuła filmu wydaje się być skopiowana z jakiejś powieści braci Strugackich, w której bohater trafia do nieznanego miasta, w którym wszystko jest wywrócone do góry nogami, inne koncepcje i zupełnie inna moralność. Jak w przypowieści biblijnej, przedstawia się go z głową na talerzu, tylko głowa nie należy do kogoś innego, tylko do niego samego ... A wyjście jest tylko jedno, trzeba się do tego pilnie przyzwyczaić, żeby nie zwariować. Jednak w filmie jest też mądrość. Który w końcu zostanie rozerwany przez wszystkich i przez wielu.

5. Film „Śledztwo w sprawie obywatela poza wszelkimi podejrzeniami”

reżyser Elio Petri
Film, który zdobył Oscara. Komedia! To nie dramat o Żydach ani ciężka wojna. Już samo to sugeruje, że jest coś wart. I naprawdę jest co zobaczyć. Wyobraź sobie - bohater zabija swoją kobietę, zostawia dowody i idzie poddać się policji. W każdym innym przypadku zostałby już skazany, ale tak się nie stało. Faktem jest, że sam jest szefem policji i nikt nie chce nawet sugerować, że to on. Kto powiedział, że chce iść do więzienia? Wcale nie, ma inne plany ...

6. Film „Bal strażaków”

reżyseria Milos Forman
Ostatni film słynnego czechosłowackiego reżysera nakręcony w jego ojczyźnie. Wiedząc o tym, można już przypuszczać, co mogło się w nich zapalić. Że cały ten czerwony absurd, ten poważny cyrk jest jak zwierciadło komunistycznego reżimu, w jakim ów kraj żył. Odważni faceci, znakomici strażacy naprawdę zabrali się za zorganizowanie własnego konkursu piękności podczas wakacji!

7. Film „Czarny kot, biały kot”

reżyser Emir Kusturica
Błyszcząca, niepohamowana, szalona komedia od geniuszu Kusturicy! Cygańska zabawa wskrzesi też zmarłych z grobu, a co to robi z żywymi ... Tu strzelają i jednocześnie śpiewają, kochają i kradną panny młode, a czego nie zrobią dla pieniędzy. Dwóch starych mafiosów mocno śpi, gdy ich dzieci walczą zaciekle. Ale ze względu na szczęście młodych oczywiście się obudzą.

8. Film „Doktor Strangelove, czyli jak nauczyłem się przestać się martwić i pokochać bombę atomową”

reżyser Stanley Kubrick
Intelektualna, ale nie mniej absurdalna komedia kultowego reżysera Stanleya Kubricka. Wyobraź sobie bardzo realną sytuację: kraj jest rzekomo w niebezpieczeństwie, a generał wojskowy wysyła bombowce atomowe na swojego wroga. Ale niebezpieczeństwo jest wyimaginowane, a samoloty są już w powietrzu, zbliżając się do granic wroga. A potem okazuje się też, że wróg ma automatyczną reakcję - a kraj, który wysłał bombowce, mógł zostać wymazany z Ziemi na rzecz babci diabła ... Czy wyobrażałeś sobie powagę sytuacji? To jest tragedia! Ale nie w tym przypadku.

9. Film „Zamek”

reżyser Alexey Balabanov
Film jest oczywiście oparty na słynnej powieści Franza Kafki. Przybywający do celu bohater odkrywa, że \u200b\u200bnikt na niego nie czeka i nikt go tu nie potrzebuje. Mówiąc metaforycznie, zamek pod zamkiem. Jednak zaciekawia go, postanawia się tu zatrzymać i spróbować dowiedzieć się, o co chodzi. Pozostaje tak długo, że udaje mu się nawet wyjść za mąż. Ale to nigdy nie ma sensu. A może po prostu patrzy nieuważnie? Fantasmagoria z Bałabanowa, upiorna fabuła i ponure postacie, pstrokata faktura otaczającego świata, wydawałoby się, że wszystko tam jest. Ale gdzie w takim razie można znaleźć odpowiedź?

10. Film „Tootsie”

reżyser Sydney Pollack
Wszystko jest bardzo proste. Facet nie może zdobyć przyczółka w biznesie filmowym, nigdzie go nie zabiera. Następnie przebiera się za kobietę i otrzymuje upragnioną rolę. Ale żeby grać, musi przestać być sobą. Ale on ma dziewczynę, a ona oczywiście ma ojca. Jak więc być? Poza tym tata nagle zaczął go lubić w nowym wizerunku ... Niezręczna sytuacja, prawda. I nikt nie wie, co się stanie, gdy prawda wyjdzie na jaw. Szalona komedia z udziałem Dustina Hoffmana i uroczej Jessiki Lange.

Dla tych, którzy chcą czegoś poważniejszego, zebraliśmy.

Od lat pięćdziesiątych XX wieku na różnych scenach teatralnych coraz częściej wystawiane są sztuki o nic nie znaczącej fabule, przedstawiające widza pozornie niekompatybilną kombinacją. Takim nowym zjawiskiem teatralnym, które zniszczyło tradycyjne prawa dramaturgiczne i nie uznawało żadnych autorytetów, był tzw teatr absurdu (lub dramat absurdu ) To teatr paradoksu, „tragedii mowy”, teatr eksperymentalny, który wymaga improwizacji nie tylko od aktora, ale także od widza. Teatr absurdu rzucił wyzwanie tradycjom kulturowym i w pewnym stopniu porządkowi politycznemu i społecznemu.

Jego początki były trzy francuskie i jeden irlandzki autor - Eugene Ionesco, Jean Genet, Arthur Adamov i Samuel Beckett.

Chcąc wymienić takie niezwykłe sztuki, angielski krytyk Martin Esslin w 1961 roku przedstawił tę koncepcję „Teatr absurdu” ... Ale na przykład Eugene Ionesco uznał termin „teatr absurdu” za mało odpowiedni, zasugerował inny - „Teatr kpiny” ... I pomysł takiego gatunku sztuki przyszedł mu do głowy podczas nauki angielskiego z przewodnika do samodzielnej nauki. E. Ionesco ze zdziwieniem stwierdził, że w zwykłych słowach istnieje przepaść absurdu, z powodu której czasami sprytne i bombastyczne frazy całkowicie tracą znaczenie. Dramaturg wyjaśnił cel takiego spektaklu w następujący sposób: „Chcieliśmy wyprowadzić na scenę i pokazać widzom samo egzystencjalne istnienie człowieka w całej jego pełni, integralności, w jego głębokiej tragedii, jego przeznaczeniu, czyli uświadomieniu sobie absurdu świata”.

Rzeczywiście, wydarzenia jakiegokolwiek spektaklu w teatrze absurdu są dalekie od rzeczywistości i nie starają się do niej zbliżać. Niesamowite i niewyobrażalne może przejawiać się zarówno w postaciach, jak i otaczających obiektach i zachodzących zjawiskach. Miejsce i czas akcji w tak dramatycznych pracach jest zwykle dość trudne do określenia. Nie ma logiki ani w działaniach postaci, ani w ich słowach.

Podkreślmy wspólne cechy charakterystyczne dla twórczości teatru absurdu: Materiał ze strony

• fantastyczne elementy współistnieją z rzeczywistością;
• „Czyste” gatunki dramatyczne zastępowane są przez tak zwane gatunki mieszane, które łączą różne gatunki: tragikomedia, tragikomedia, melodramat komiksowy itp .;
• wykorzystywane są elementy różnych rodzajów sztuki (pantomima, chór, musical itp.);
• w przeciwieństwie do naturalnej dynamiki sceny, często obserwuje się statyczność. Według E. Ionesco „agonia, w której nie ma prawdziwego działania”;
• mowa bohaterów ulega zmianom, często po prostu nie słyszą i nie widzą się nawzajem, wypowiadają „równoległe” monologi w pustkę.

Koniec lat 60. XX wieku upłynął pod znakiem międzynarodowego uznania teatru absurdu. Jeden z jej założycieli, Samuel Beckett, otrzymał literacką Nagrodę Nobla w 1969 roku. Odpowiadając na pytanie „ Czy teatr absurdu ma przyszłość?", Eugene Ionesco argumentował, że ten kierunek będzie żył wiecznie, ponieważ" absurd tak bardzo wypełnił się rzeczywistością, tą, która nazywa się "rzeczywistością realistyczną", że realia i realizmy wydają się nam równie prawdziwe jak absurd, a absurd wydaje się rzeczywistością: spójrzmy wstecz wokół ciebie. "

Trudno przecenić wpływ teatru absurdu na rozwój sztuki współczesnej: wprowadził on nowe wątki do literatury światowej, nadał dramaturgii nowe techniki i środki, przyczynił się do wyzwolenia współczesnego teatru jako całości.

Nie znalazłeś tego, czego szukałeś? Użyj wyszukiwania

Na tej stronie materiały na tematy:

• dramat absurdu w literaturze
• dramat krótka definicja
• dramat absurdalnej abstrakcji
• teatr absurdalnej definicji
• zdefiniować dramat absurdu

Oglądając występy niektórych dramaturgów, np. Eugene Ionesco, można stanąć twarzą w twarz z takim fenomenem w świecie sztuki, jak teatr absurdu. Aby zrozumieć, co przyczyniło się do powstania tego trendu, należy sięgnąć do historii lat 50. ubiegłego wieku.

Czym jest teatr absurdu (dramat absurdu)

W latach pięćdziesiątych po raz pierwszy pojawiły się spektakle, których fabuła wydawała się publiczności absolutnie bez znaczenia. Główny spektakl polegał na wyalienowaniu człowieka ze środowiska społecznego i fizycznego. Ponadto, grając na scenie, aktorom udało się połączyć niekompatybilne koncepcje.

Nowe sztuki zniszczyły wszelkie prawa dramatu i nie uznały żadnych autorytetów. W ten sposób zakwestionowano wszystkie tradycje kulturowe. To nowe zjawisko teatralne, w pewnym stopniu zaprzeczające istniejącemu porządkowi politycznemu i społecznemu, było teatrem absurdu. po raz pierwszy użył krytyk teatralny Martin Esslin dopiero w 1962 roku. Ale niektórzy dramatopisarze nie zgadzali się z tym terminem. Na przykład Eugene Ionesco zasugerował nazwanie nowego zjawiska „teatrem ośmieszenia”.

Historia i źródła

U początków nowego kierunku stanęło kilku autorów francuskich i jeden irlandzki. Eugene Ionesco zdołał zdobyć największą popularność wśród publiczności, a Artur Adamov również wniósł swój wkład w rozwój gatunku.

Idea teatru absurdu po raz pierwszy przyszła do głowy E. Ionesco. Dramaturg próbował nauczyć się angielskiego, korzystając z podręcznika do samodzielnej nauki. Wtedy zwrócił uwagę na to, że wiele dialogów i uwag w podręczniku jest całkowicie niespójnych. Widział, że w zwykłych słowach jest dużo absurdu, który często okazuje się nawet mądry i całkowicie pozbawiony sensu.

Nie byłoby jednak do końca uczciwe stwierdzenie, że tylko kilku francuskich dramaturgów było zaangażowanych w powstanie nowego kierunku. W końcu egzystencjaliści mówili o absurdalności ludzkiej egzystencji. Po raz pierwszy temat ten został w pełni rozwinięty przez A. Camusa, a znaczący wpływ na jego twórczość miał F. Dostojewski. Jednak to E. Ionesco i S. Beckett wyznaczyli i wprowadzili na scenę teatr absurdu.

Cechy nowego teatru

Jak już wspomniano, nowy kierunek w sztuce teatralnej odrzucił klasyczny dramat. Jego ogólna charakterystyka to:

Fantastyczne elementy, które współistnieją z rzeczywistością w sztuce;

Pojawienie się gatunków mieszanych: tragikomedia, melodramat komiczny, tragedia - które zaczęły zastępować te „czyste”;

Wykorzystanie w przedstawieniach elementów charakterystycznych dla innych rodzajów sztuki (chór, pantomima, musical);

W przeciwieństwie do tradycyjnej dynamicznej akcji na scenie, jak to było wcześniej w klasycznych produkcjach, statystyka dominuje w nowym kierunku;

Jedną z głównych zmian charakteryzujących teatr absurdu jest mowa bohaterów w nowych przedstawieniach: wydaje się, że komunikują się ze sobą, bo partnerzy nie słuchają i nie reagują na nawzajem uwagi, a po prostu wypowiadają swoje monologi w pustkę.

Rodzaje absurdu

Fakt, że nowy kierunek w teatrze miał kilku twórców naraz, wyjaśnia podział absurdu na typy:

1. Nihilistyczny absurd. Oto prace znanego E. Ionescu i Hildesheimera. Ich spektakle wyróżnia się tym, że przez cały spektakl publiczność nie rozumie konsekwencji gry.

2. Drugi rodzaj absurdu odzwierciedla powszechny chaos i jako jedną z głównych części człowieka. W tym duchu powstały prace S. Becketta i A. Adamova, którzy starali się podkreślić brak harmonii w życiu człowieka.

3. Satyryczny absurd. Jak sama nazwa wskazuje, przedstawiciele tego nurtu Dürrenmatt, Grass, Frisch i Havel próbowali wyśmiać absurdalność ich współczesnego porządku społecznego i ludzkich aspiracji.

Najważniejsze dzieła teatru absurdu

Publiczność dowiedziała się, czym jest teatr absurdu po premierze „Łysej piosenkarki” E. Ionesco i „Czekając na Godota” S. Becketta w Paryżu.

Cechą charakterystyczną łysego Singera jest to, że ten, który powinien być głównym bohaterem, nigdy nie pojawia się na scenie. Na scenie są tylko dwa małżeństwa, których działania są całkowicie statyczne. Ich mowa jest niekonsekwentna i pełna klisz, co dodatkowo oddaje obraz absurdu otaczającego ich świata. Takie niespójne, ale absolutnie typowe linie bohaterów powtarzają się raz po raz. Język, który ze swej natury ma na celu ułatwienie komunikacji, utrudnia ją tylko w grze.

W sztuce Becketta Czekając na Godota dwie zupełnie nieaktywne postacie nieustannie oczekują pewnego Godota. Nie dość, że ta postać nie pojawia się nigdy przez całą akcję, co więcej, nikt go nie zna. Warto zauważyć, że imię tego nieznanego bohatera jest związane z angielskim słowem God, tj. "Bóg". Bohaterowie pamiętają niespójne fragmenty ze swojego życia, poza tym nie pozostają z uczuciem strachu i niepewności, bo po prostu nie ma sposobu działania, który mógłby uchronić człowieka.

A zatem teatr absurdu udowadnia, że \u200b\u200bsensu ludzkiego istnienia można doszukać się tylko w zrozumieniu, że nie ma ono żadnego znaczenia.

Podobne artykuły